Revista Con Clase número OCHO

The Royal’s por Mayte Navarro

COVER CC

Carta editorial Colaboradores

Vida Con Clase Tina Turner

EventosLuxe

Los Chismes Retro de Yolanda Herrera Placebo por Alonso Moleiro

22

Le Must por Alejandro Celedón

Inés Sheero

Con un talento innato y único para la moda, su nueva marca en Miami, UneditedXYZ, está revolucionando las pasarelas con una propuesta original que refleja su autenticidad y audacia.

Experiencias Con Clase

ALEJANDRO BLANCO-URIBE

El productor ofrece un recorrido por los 40 años de un movimiento musical que marcó un hito en Venezuela. Una lectura imperdible para los amantes de la música, que revela cómo se puede cambiar el curso de una industria y dar luz a las estrellas más brillantes.

MODA & Lujo

42

La columna de Mario Aranaga

Alessandro Michele reinterpreta uno de los íconos de Gucci: Horsebit.

Joyas, MET y Karl

El MET rindió tributo a Karl Lagerfeld. Las marcas internacionales aportaron sus joyas para complementar los nostálgicos y atrevidos trajes que desfilaron por la alfombra roja.

TURISMO & gastronomía

Viajes y vinos de Adriana Gibbs

Con Denominación de Origen Controlada (DOC), el cocuy se abre camino en el gusto de los expertos.

44

Yenny Bastida: Entre tejidos y texturas

La marca está conmemorando dos décadas de existencia. Ha ganado reconocimiento por producir ropa de manera ética y sustentable.

Diseño & ARTE

Conectado al diseño

Con más de sesenta años en nuestro país, se ha enfocado en la creación de espacios interiores vanguardistas.

54 Sembrando Arte

Sembrando Arte

Entrevista: Leonel Durán

Como una iniciativa para ampliar vivencias, Soraya Gabaldón nos acerca a la intimidad y esencia de los maestros contemporáneos de la plástica venezolana.

Acampar con lujo 5 estrellas

Conoceremos el glamping, una forma de acampar que combina el glamour y las comodidades con la experiencia de estar en contacto con la naturaleza.

El tequeño

Considerado el alma de las fiestas, es nuestro pasapalo preferido.

El jamón favorito de los venezolanos

Producto destacado dentro del portafolio de Plumrose, su versatilidad en la cocina es reconocida por los consumidores.

Crónicas viajeras por Rafael Arráiz Lucca

El cronista nos lleva a Barbados, al este del archipiélago de las Antillas Menores. Conocida por sus hermosas playas , es también la cuna del carnaval de Crop Over.

BELLEZA & salud

Grupo Médico

Santa Paula

Presenta un servicio de hotelería clínica de alta calidad para mejorar la experiencia de los pacientes.

66 80

Medicina antienvejecimiento

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CON CLASE TECH

El futuro bajo la égida de la inteligencia artificial.

Cápsula corporativa

74

62 64 68 78

La última

Madonna celebra sus 40 años de vida artística, y se embarca en una ambiciosa gira.

Frahanciz Herrera fherrera@di-crea.com

Directora

Yolanda Manrique Coordinadora Editorial

Michele Guilarte Borges Diseño y Diagramación

Redacción

Cecilia Avilés

Stefania D´Alessandro

Elia Vanessa Moreno

Alejandro Ramírez

Cecilia Torres

Comercial

Sarimar Jimenez

Rose Mary Sanchis

Pre-Prensa Electrónica e Impresión

Editorial Arte

Mario Aranaga Asesor Editorial

Colaboradores

Rafael Arráiz Lucca

Ana Marina Ascanio

Soraya Gabaldón

Adriana Gibbs

Yolanda Herrera

Aquilino José Mata

Alonso Moleiro

Mayte Navarro

Ángela Oráa

Gladys Zapiain

Representante en Miami - USA

Alejandro Celedón

Fotografía

Raymond Fuenmayor

Nestor Hernández

César Palacio

Raúl Romero

Fotografía: MARCO @marcophotoshoot

Maquillaje y peinado: Jesús Marcano @marcoartistry

CON CLASE no se hace responsable de las opiniones de nuestros colaboradores en sus artículos

CON CLASE es una publicación de Grupo Editorial DICREA Calle Veracruz, Torre ABA, piso 9, Las Mercedes Caracas - Venezuela www.di-crea.com - www.revistaconclase.com

IG @dicreavzla - @revistaconclase FB @dicreavzla

La nobleza obliga

Es una expresión olvidada, que usaban nuestras abuelas, pero que encierra una profunda sabiduría: hay que actuar acorde con el respeto ganado. Y para nosotros, en esta octava edición, es más que una satisfacción es un compromiso asumido con humildad, expresar nuestra decisión de llevar a sus manos una revista hecha en nuestro país, reflejo de una naturaleza generosa y profesionales dispuestos a dar lo mejor de sí.

Nos sentimos triunfadores, ¿por qué no? Estamos transitando nuestro segundo año, ese que da la consolidación y la madurez de los nexos, el que confirma las alianzas y el que abre nuevas perspectivas sobre todo lo aprendido.

En esa búsqueda que emprendimos juntos, de lo que para nosotros representa la elegancia, el refinamiento y todo aquello que encierra Con Clase, también hemos hecho énfasis en nuestra responsabilidad social y ambiental como individuos y como parte de una industria influyente. En nuestra revista, no solo celebramos el estilo, la moda y las tendencias, sino que también abrazamos una perspectiva consciente y sustentable.

Reconocemos la importancia de respetar nuestro entorno y promover prácticas responsables en la industria de la moda y el lujo. Es fundamental apoyar a aquellos diseñadores y marcas que adoptan prácticas éticas, como la utilización de materiales sostenibles, el fomento de condiciones laborales justas y la reducción del impacto ambiental en la producción y distribución de productos.

En esta oportunidad, nos enorgullecemos de presentarles un universo donde la ¡nobleza obliga!, en el que las tendencias se entrelazan con las reflexiones de nuestros colaboradores, las vivencias personales se combinan con las nuevas corrientes tecnológicas, los destinos exóticos se mezclan con nuestros sabores y esencias propias.

Les invitamos a explorar nuestras páginas con mente abierta y corazón comprometido, encontrando inspiración en cada artículo, imagen y entrevista. Que este viaje de lectura entretenida sea una oportunidad para descubrir la belleza que podemos crear cuando la nobleza nos obliga a ser mejores.

¡Gracias por seguirnos acompañándonos en esta aventura editorial!

Frahanciz Herrera

COLABORADORES

MAYTE NAVARRO ANA MARINA ASCANIO

ADRIANA GIBBS

Es ingeniero Industrial, Master en Ingeniería Gerencial y egresada del Programa de Alta Gerencia (PAG) del IESA. Con más de 20 años de experiencia en el mundo corporativo, ha dedicado más de 15 al sector automotor. Ha trabajado en áreas como mercadeo, comunicaciones, relaciones públicas y asuntos corporativos. Actualmente, presenta su “Cápsula Corporativa”.

GLADYS ZAPIAIN

Se siente ciudadana del mundo. Es Licenciada en Comunicación Social de la Universidad Católica Andrés Bello y cuenta con más de 40 años de experiencia cubriendo los temas más cosmopolitas e interesantes de la actualidad. Sus intereses incluyen el arte, la vida de las monarquías y la lectura. Ve el periodismo como una necesidad que debe practicarse con pasión y convicción. @mainav

Adriana Gibbs es comunicadora social por la UCAB, magíster en psicología social por la UCV y diplomada en cultura del vino y licores por la Universidad Metropolitana. Es coordinadora académica y profesora del Diplomado de Cultura del Vino y Spirits en la misma universidad. Además, es autora de los libros “Soy Panadero” y “365 días. Uno para cada vino”, este último ganador del premio Best in the World en los Gourmand Cookbook Awards World en la categoría de libro digital de vinos. También tiene un sitio web y cuenta de Instagram dedicados a vinos, destilados y gastronomía. adrianagibbs.com y @adrianagibbsm

YOLANDA HERRERA

SORAYA GABALDÓN

Es periodista y profesional de la comunicación y la imagen corporativa. Tiene más de 15 años de experiencia en la industria de la televisión venezolana, incluyendo Venevisión y RCTV donde estuvo al frente de la Gerencia de Relaciones Institucionales y Comunicaciones Externas. Es articulista de la revista Valle Arriba Golf Club y cofundadora y directora ejecutiva de MAG Comunicaciones. @zapiaing1

Es una pionera de las páginas de farándula venezolana en los medios. Durante varias décadas destapó los secretos de estrellas de la televisión nacional y compartió la vida y carrera de figuras internacionales como Sandro y Julio Iglesias. Recientemente, se ha dedicado a escribir sobre la Isla de Margarita. Para Con Clase, abre su archivo personal para contarnos sus más jugosos chismes del recuerdo.

Yolanda Herrera

Es una periodista y gran promotora del arte que dirige la Galería de Arte Mochuelo en el mítico CC Concresa, en Caracas, desde 2019. Ha dedicado su trabajo a promover el arte venezolano, y su misión es seguir sembrando arte. Ofrece una columna especializada donde los lectores pueden aprender más sobre el arte venezolano.

@sorayagabaldon @mochueloart

ALEJANDRO CELEDÓN

MARIO ARANAGA RAFAEL ARRÁIZ LUCCA

Su trayectoria profesional incluye radio, revistas, diarios, televisión y portales web. Ha cubierto varias fuentes con especial énfasis en el estilo de vida. También se ha desempeñado en comunicación corporativa, relaciones públicas, creación de contenido y docencia en la Universidad Santa María. Actualmente reside en Miami, Estados Unidos. Es nuestro flamante corresponsal en la región. @AlejoCeledon

@AsiseViveMiami

ALONSO MOLEIRO

Ha sido un valioso consultor para el proceso de creación y desarrollo de Con Clase. Es coautor de los libros “Glamour para llevar” y “Glamour para Novias”. Con su amplia experiencia como editor de revistas especializadas, cuenta con las herramientas necesarias para ofrecer un material de lectura distinguido y elegante. Su voz es un referente para estar al día en temas de estilo y diseño y es un espléndido testigo de la historia reciente de la moda venezolana y mundial. marioaranaga.com

Historiador, abogado y profesor titular de la UNIMET. También es miembro de la Academia Venezolana de la Lengua y escritor. En nuestras páginas, su pluma nos honra con sus Crónicas viajeras, en las que nos permite acompañarlo en sus trayectos personales. Una página que representa un pretexto ideal para disfrutar de la fluida escritura de este sobresaliente venezolano. @rafaelarraiz

AQUILINO JOSÉ MATA ÁNGELA ORÁA

Periodista, escritor y locutor con una amplia experiencia en medios de comunicación como reportero, director y fundador de la revista Contrabando, columnista invitado en publicaciones culturales y urbanas del país, conductor y ancla informativa del Circuito Unión Radio y consultor comunicacional en el sector público y privado. En la actualidad, es miembro del Consejo Editorial del diario Tal Cual y corresponsal en Caracas del diario español El País. Además, ha publicado dos libros: “Sólo los estúpidos no cambian de opinión, conversaciones con Teodoro Petkoff” y “La Nación Incivil”.

Sociólogo por equivocación, es una apasionada de la comunicación. Se autodefine como gossip girl y radical chic. En los medios ha hecho de todo un poco. Radio, Prensa, TV y de un tiempo para acá es muy activa en las RR.SS. Cuida mucho su plataforma de IG @angelaoraa donde le interesa más que ganar seguidores, construir una comunidad. Actuablemente es talento de Globovisión y tiene una sección en el programa radio de Rafa y Kiara en el Circuito Unión Radio.

En 52 años de actividad profesional, ha dirigido las páginas de espectáculos de El Nacional y El Mundo, así como el magazine dominical Feriado, de El Nacional. Fue jefe de Redacción de El Observador, noticiero estelar de Radio Caracas Televisión. En 1988 ganó el Premio Nacional de Periodismo, mención Opinión, siendo hasta ahora el único periodista de espectáculos en obtenerlo. Actualmente escribe para El Universal, El Estímulo, Informe 21 y ahora en la revista Con Clase.

The Royal´s Por Mayte

Navarro

Una boda para mostrar tradiciones

frontal y en la cintura, lo acompañó con un velo bordado con las siete estrellas jordanas que recuerdan los siete primeros versos del Corán y la palmera datilera, emblema saudita.

La reina Rania confió en Saiid Kobeisy, en cuyos talleres la tecnología es su aliada para el corte y para el diseño de sus bordados que luego son realizados a mano. Se inspiró en la tradicional abaya, donde destacaban las mangas.

El gran día. El día de la boda Amán se convirtió en la capital de las monarquías porque cobijó a representantes de las casas reales de Europa, Asia y funcionarios de varios gobiernos.

El acto central del matrimonio islámico “katb ktab” tuvo lugar en el palacio de Zahran, construido en 1957. Fue hogar de la reina Zain Al Sharaf, abuela del rey Abdullah II. Allí también se casaron el actual monarca y Rania de Jordania.

Rajwa Al Saif seleccionó a uno de los diseñadores del Medio Oriente más famoso, Elie Saab, quien creó un modelo de cuerpo drapeado y escote asimétrico, centrando toda la atención en la cola, adornada con flores troqueladas y rebordadas en perlas. La novia obvió los tacones y completó su ajuar con una tiara en platino y brillantes con la frase en árabe “La esperanza de Dios”.

La reina Rania, fiel a Dior, rompió lo tradicional con un traje negro de la colección alta costura otoño-invierno 2022, donde el cuello, espalda y puños destacaban por el encaje dorado que los adornaba, un tejido artesanal que va más allá de lo ornamental.

La recepción de la noche se llevó a cabo en el palacio Al Husseiniya, donde se encuentran las oficinas de los reyes, construido en 2006.

Jordania es una monarquía diferente a las europeas, su joyero no compite con el de aquellas casas reales, sin embargo, aseguran que la familia hachemita, que reina en Jordania desde 1941, desciende del profeta Mahoma y el rey Abdullah II, actual soberano, es la generación 41.

Este territorio ha estado en primera página gracias a dos bodas. La que protagonizó lman, hija de los reyes, con el venezolano Jameel Thermiotis, celebración sencilla, cargada del glamour que la reina Rania imprime a su vida; y la otra, la del hijo mayor, el heredero, Hussein bin Al Abdullah, de 28 años, una celebración con carácter de Estado.

La novia, miembro de una familia prominente dentro del mundo árabe es Rajwa Al Saif, arquitecta, hija de Khaled bin Musaed bin Saif bin Abdulaziz Al Saif, fundador de El Seif Engineering Contracting, líder en la construcción y de otras empresas que operan en Arabia Saudita. La madre es Azza bint Nayef bin Abdulaziz bin Ahmed Al Sudairi, pariente del rey de Arabia Saudita.

La casa real dio a conocer los detalles de la fiesta de la Henna, donde solo asisten las mujeres para desearle a la novia felicidad. Junto a las damas de ambas familias estaban las artesanas y otras profesionales que se sumaron a esta puesta en escena.

El vestuario de las damas de la casa real hachemí se inspiró en su cultura. Rajwa seleccionó un modelo de la diseñadora saudí Honayda Serafi, formada en París y de una familia donde el arte tiene valor relevante. Honayda creó para la futura reina un traje blanco, con bordados dorados en la parte

Entre las más impactantes estaban la princesa Victoria, heredera del trono sueco, con la tiara Laurel de Boucheron, toda de brillantes y de original montura.

Amalia, princesa heredera de los Países Bajos, hizo su debut en con la tiara de Pavo Real, diseñada para la reina Guillermina de Holanda en 1897. Su madre, la reina Máxima, seleccionó la más valiosa del joyero Orange, la tiara Stuart con más de 900 diamantes.

La princesa de Gales recurrió a la tiara Lover’s Knot que, en 1913 María de Teck, tatarabuela de su esposo, William, encargó a la joyería Garrard. La favorita de Diana con brillantes y perlas en forma de lágrima.

Tantas gemas no opacaron a la protagonista, la ya princesa heredera Rajwa, con un imponente traje en tul de Dolce & Gabbana, con amplia falda y escote barco, totalmente cubierto por motivos vegetales realizados en 3D. Para cumplir con la tradición que exige que los brazos no estén al descubierto, la novia hizo uso de unos largos guantes blancos.

La madre del novio confió en el libanés Elie Saab, quien trabajó un traje en línea recta con capa color champán, de la colección alta costura. Llamaron la atención el bordado del talle, cuello alto y mangas. Rania escogió una diadema con motivos arábicos realizada en 2005 por la firma Fred Paris.

La fiesta dejó un mensaje al mundo: Jordania es un país que ama sus tradiciones y está abierto al desarrollo y a la incorporación de todos a la vida productiva.

También fue una oportunidad para la nueva generación de herederos, a la que pertenecen los protagonistas. Ellos ocupan el primer lugar en la línea de sucesión al trono, forman parte de una sociedad diferente a la de sus padres.

Chismes retro de Yolanda Herrera

Lila Morillo La Diva Eterna

Cada cierto tiempo, en Momento había que impulsar las ventas en los kioscos o había que asegurarse de que la revista tendría una alta circulación, y la garantía de que eso pasaría era apostar por la cantante del Cocotero en su mejor versión.

“La Lila”, como ella misma se alude, ha sido una figura importante en la cultura venezolana y ha dejado una marca duradera en la música y el entretenimiento del país. Tengo infinidad de anécdotas con ella, durante nuestras carreras tan largas y exitosas, pero hoy quiero contar un episodio que, además de intenso, resultó aterrador.

Las décadas 60 y 70 fueron los años dorados de los festivales internacionales. En nuestro país, uno de los más prestigiosos era el Festival de la Voz de Oro, que se hacía en Barquisimeto. Llegó a cumplir siete ediciones en el Anfiteatro del Complejo Ferial, y allí se presentaron los artistas más importantes de Venezuela.

Su influencia fue tan notoria que, desde entonces, se considera al estado Lara, la capital musical del país. Pero como todo concurso, estaba rodeado de mucha controversia. Casi nunca el público estaba conforme con el veredicto del jurado. ¡Imagínense que Héctor Cabrera la ganó a Alfredo Sadel! A Héctor le llegaron a decir la “voz de oropel”, pero su tema Rosario se hizo inmortal.

Asistí a hacer mi trabajo como periodista en varias oportunidades, pero el más significativo, el que nunca olvidaré, fue aquel en el que Lila Morillo participó, peeerooo, no solo no ganó, sino que ni siquiera figuró entre las artistas clasificadas. ¡La locura!

Y es que el público realmente estaba enardecido. Recuerdo que la cantante Mireya Delgado, que sí había clasificado para la siguiente ronda, y debía interpretar su tema una vez más, tuvo que parar la orquesta y dirigirse a la gente que no dejaba de pitar, gritar, lanzar objetos a la tarima y voltear los asientos. Con un aplomo muy propio de ella, dijo: “Miren señores, yo soy de Barquisimeto. He venido con todo el amor del mundo a cantar mi canción, compuesta por mi hermana Lesbia, con música de Alfredo Sadel, Cuando pase mi estrella, y yo les pido por favor respeto y silencio para que podamos continuar con este festival. El hecho de que no esté aquí Lila Morillo, la gran estrella, no es culpa de ninguno de nosotros”. Por supuesto, el público se calmó en ese momento, y el evento finalizó.

Sin embargo, el disgusto de la multitud no pasó y las protestas al terminar el acto fueron abrumadoras. A los periodistas, que nos trasladaban en un autobús, nos lanzaron botellas, basura, e incluso trataron de voltearnos el vehículo con nosotros adentro. Fue realmente terrorífico.

—Hay que subir las ventas de la revista esta semana… —Vamos a poner a Lila Morillo en la portada. ¡Listo!

Y es que eso despertaba La Lila, verdaderas pasiones. En aquella época, su popularidad estaba en auge y era incomprensible que no lograra clasificar en un evento de la envergadura de La Voz de Oro de Venezuela, un festival que catapultó y premió a los cantantes más reconocidos del país, como Felipe Pirela, Carlos Moreán, Estelita del Llano, Mirla Castellanos, Nancy Ramos, Rosa Virginia Chacín, Henry Stephen o Rudy Hernández, entre otros. El público pasó su factura y no quedó indiferente.

Aún hoy, sin lugar a dudas, Lila Morillo sigue animando a sus fanáticos, sigue moviendo las emociones de su público que la ha seguido durante 60 años de vida artística. Porque ella comenzó muy joven, de la mano de Mario Suárez y logró cosechar enormes éxitos desde sus inicios.

Garantía de ventas cuando sale en cualquier portada, y considerada “la mujer rating”, cosa que se puede verificar al ver los resultados de los numeritos de cualquier programa donde participa, ella siempre será noticia.

Placebo

Por Alonso Moleiro

Decir NO en Venezuela E

n Venezuela es muy difícil decir no. En Venezuela casi nadie se siente capaz de decir que no. En este país es difícil, "se va mal" , es poco urbano, innecesariamente áspero, y extremadamente descortés, negarse de plano, manifestar no estar interesado, decir de inmediato que no.

Las formas de negarse en las convenciones cotidianas de este país son extremadamente laxas, diplomáticamente caribeñas, cargadas de melindres con la coletilla “hermanazo”; casi todas conjugadas en gerundio: “nos estamos hablando”, “vamos a ver qué vuelta le damos”, “llama la semana que viene a ver”, “te estoy avisando”.

El uso que le damos a la ausencia del “no” varía también, como muchas cosas en el país, de acuerdo a las clases sociales. En el mundo laboral de los sectores populares es habitual que, luego de sellar el compromiso con un “sí va”, la mano de obra no llegue a la hora, o sencillamente no llegue, encabalgada en otro compromiso asumido al mismo tiempo, siempre con el objeto de no tener que enfrentarse con el “no”. El “sí” viene con un “no” detrás.

“Te voy contando”, “estamos en eso”, “déjame ver cómo me organizo” son fórmulas acolchadas para hacer llegar al “no se va a poder” en un entorno mucho más comprensivo y anímicamente atenuado.

La primera vez que pude tomar nota de este peculiar hábito que tenemos los venezolanos como norma de urbanidad, como extraña seña de cortesía anarquizada, fue a partir de algún remolino de comentarios del universo de periodistas y corresponsales extranjeros en el país.

Al pedir entrevistas, al conversar con políticos, al pactar con productores, al entenderse con las autoridades, al acordar con conductores, al alternar

con colegas locales en fiestas, he visto a muchos corresponsales extranjeros sufriendo, perdidos con un “te estoy llamando”, un “en la tardecita, tipo temprano” o un “sí, vale, claro.” Devanándose los sesos con las zonas misteriosas que dividen el “sí” del “no” en los convencionalismos locales venezolanos.

El “no” es un monosílabo que se extravía, que viene enfundado en unas posibilidades gruesas, abiertas, deslastradas de compromisos con horas y fechas. En Venezuela en muchas ocasiones un “sí” es un “no”.

Tener renuencia al fast trak del “no, no puedo hacerlo”, “no, no me interesa”, o “no creo poder asistir” es una conducta que por supuesto tiene sus fundamentos. Es decir, no es necesariamente malo tener este uso escurridizo y algo hipócrita de la negación que tienen los venezolanos.

Hay gente de nuestra estima que no queremos herir, ni ofender con alguna rotundidad indebida; hay momentos en los cuales nos gustaría, pero de verdad es imposible; hay ocasiones donde el tema no depende de uno, y a veces es necesario usar el gerundio para que un “no” gane espacio en espera de alguna contingencia que justifique las circunstancias.

La daga del “no”, administrado con firmeza y sin rodeos, es, en cambio, claramente más habitual en España, o las naciones del Cono Sur. “No, no se va a poder,” “no lo veo viable, la verdad, no podemos, lo siento”. Con mucha frecuencia, son “noes” con una crudeza que puede resultarnos desconcertante en el universo de melindres de la cordialidad criolla.

Hermanazo, cuenta conmigo, estamos en eso; claro vale, a ver cuando hablamos, podemos quedar en estos días; no eres tú, soy yo; sí chico, yo creo que sí, déjame ver qué podemos hacer, ah pues, tocar la puerta no es entrar.

Son muchos en este mundo los caminos que llevan al no. El nuestro tiende a tener esta escenografía.

Le Must por Alejandro Celedón Mendoza

Arte,

en los museos y también en las cocinas

Según el diccionario Oxford, arte es toda actividad en la que el ser humano recrea, con una finalidad estética, un aspecto de la realidad o un sentimiento valiéndose de la materia, la imagen o el sonido. Este concepto también puede extrapolarse a los fogones, a los platos salidos de las virtuosas manos de chefs que nos regalan momentos sublimes en torno a una mesa. Por eso me atrevo a afirmar que esta columna es toda sobre arte.

Empecemos con la gastronomía. Impresionante el auge que está experimentando Miami en su cocina. A los restaurantes con Estrellas Michelin, 12 en total, se suma la apertura de Julia & Henry ‘s, un nuevo espacio que complementa el renacimiento del Downtown. De ahí que la publicación Bonappetit la considere como la ciudad gastronómica del año. Pero vamos por partes.

Fue en mayo cuando la prestigiosa guía internacional gastronómica Michelin anunció una nueva estrella para restaurantes en Miami, que se sumó a las 11 otorgadas el pasado año y que en este 2023 se mantuvieron. Los jueces de la guía valoran principalmente la calidad de los ingredientes, la armonía de sabores, las técnicas y el estilo del chef expresado en sus platos.

La joya de la corona en Miami es

L’Atelier de Joël Robuchon, el único restaurante de la Florida distinguido con dos estrellas. Ubicado en el Miami Design Distric, en este local se mantiene vivo el legado del archi famoso chef francés Joël Robuchon, el más laureado por la guía. Se ofrece un menú a la carta junto con uno de degustación a partir de $195 por persona servidos en un mostrador de 34 asientos que da directamente a la cocina abierta.

Los 11 restaurantes restantes hablan del espíritu de una ciudad multicultural y cosmopolita: Elcielo, del chef colombiano Juan Manuel Barrientos, con su cocina neurosensorial que rinde homenaje a los sabores del vecino país; Cote Miami con una fusión única del steakhouse estadounidense y la barbacoa coreana; Ariete con su mezcla de sabores cubanos y americanos; The Den at Azabu Miami Beach y su auténtica cocina japonesa; Le Jardinier en el que los vegetales son los grandes protagonistas; Hiden, con capacidad para solo ocho comensales por turno, es famoso por su sushi excepcional; El Tambourine Room combina la cocina europea con influencias globales; The Surf Club Restaurant con su inspiración mediterránea con un acertado toque americano; Stubborn Seed, comida estadounidense de temporada y cocteles artesanales; Los Félix brinda un menú mexicano bajo una óptica moderna; y Boia Decon con su menú de sabores italianos reinventados.

CARLOS GARCÍA

L´ATELIER DE JOEL ROBUCHON

L´ATELIER DE JOEL ROBUCHON

ENRIQUE LIMARDO

Un homenaje a los fundadores de Miami

A esta paleta gastronómica de altura se suma Julia & Henry ‘s, un magnífico espacio de siete pisos ubicado en un edificio con historia construido en 1936 en el centro de la ciudad. El concepto debe su nombre a los hacedores de Miami: Julia Tuttle, su fundadora, y Henry Flagler, responsable de ponerla en el mapa con la construcción del ferrocarril. En el lugar, decorado al estilo art déco, se congregan propuestas que aseguran una variedad de sabores prácticamente inagotable gracias a la curaduría del maracucho con sangre libanesa Nidal Barake a través de Gluttonomy, su exitosa agencia de marketing e innovación gastronómica. Destacan el espacio regentado por la chef Michelle Bernstein, ganadora del premio culinario James Beard, un restaurante de cocina latina liderado por el chef Renzo Garibaldi, nominado a los 50 Mejores del

Arte y sexo en la ciudad. Sigamos nuestro recorrido sibarita y hablemos de arte. Hace poco pasé un domingo muy divertido en el Museo Pérez en Miami. Con sus jardines colgantes y su vista espectacular de la ciudad de Miami Beach, por estos días reúne exhibiciones lúdicas que permiten la interacción de los visitantes, procurando la cercanía con el arte más allá de la observación. Además del montaje de la japonesa Yayoi Kusama, sobresalen las 16 obras que conforman “Liminal”, la primera exposición individual en Estados Unidos del artista argentino Leandro Erlich. Son obras que sorprenden, que juegan con la ilusión óptica y en las que la mirada, dependiendo de su ubicación, ángulo e intensión, descubre nuevas piezas, figuras y ambientes. Su famosa obra Swimming Pool puede disfrutarse en los jardines del museo; construida para ser vista desde arriba y desde dentro, es toda una sensación. Estará hasta el 4 de septiembre. @pamm

Mundo, y una panadería francesa del repostero francés Yann Couvreur. Pero hay más, en total son 26 locales para disfrutar. Julia & Henry’s está en la 200 East Flagler Street y abre todos los días de 11:30 am a 10:00 pm.

@juliaandhenrys

Aprovecho que hablo de sazones para destacar la labor de dos chefs venezolanos. Carlos García no hace sino cosechar elogios en Leku Restaurant, local de menú español innovador con raíces vascas, al que él ha sabido darle su toque producto de todo lo aprendido durante su estadía en la madre patria; este restaurante funciona en el Museo Rubell en Miami. Enrique Limardo suma ya seis exitosos restaurantes en Washington DC que figuran entre los más apetecidos de la ciudad, y Joy (Alegría en español) by Seven Reasons, en la ciudad Chevy Chase del estado de Maryland, que recientemente figuró en la lista de los Mejores restaurantes para visitar en primavera escrita por el crítico Tom Sietsema en el Washington Post, quien destacó el “colosal sándwich de costilla de $65 que fácilmente puede alimentar a tres o cuatro”.

En el Museo Coral Gables se exhibe “Masters that Changed the City”, montaje que celebra el centenario de dos de nuestros más reconocidos artistas, Jesús Soto y Carlos Cruz-Diez, quienes con su arte dieron un paso al frente redefiniendo la apreciación del color y el movimiento. La muestra podrá disfrutarse hasta octubre de este año, y reúne una selección de obras icónicas, incluidas las “cromosaturaciones” de Cruz Diez y hasta uno de los penetrables de Soto. @coralgablesmuseum.

De Miami volamos a Nueva York para comentarles sobre lo experiencia inmersiva ‘Sex and the City’ que tuvo lugar en Broadway en los primeros días de junio como parte de la celebración de los 25 años de la exitosa serie y como abrebocas al estreno de la segunda temporada de “And Just Like That”, la nueva versión. Este montaje de HBO Max permitió a los fanáticos revivir gratis sus momentos favoritos en un espacio donde recrearon el apartamento de soltera de Carrie Bradshaw, con su fabuloso closet y una colección de réplicas de sus zapatos y vestidos icónicos. Este y otros eventos se presentarán también en Reino Unido, Filipinas, México, Brasil, Colombia, Argentina y Australia.

Será hasta la próxima.

THE POOL PAMM

SOTO CORAL GABLES

SEX AND THE CITY

La boda de Mariela Celis Tal como Dios manda

Por: Ángela Oráa Fotografía: Néstor Hernández Cuando Mariela Celis se iniciaba en los micrófonos, era una de los talentos de la camarilla de irreverentes comunicadores del desaparecido programa radial “El Show de la Gente Bella”, transmitido por 92.9 FM. Ese fue el trampolín para iniciar una dilatada trayectoria en el show bizz. Dejó para siempre su carrera de enfermería para sustituir bártulos sanadores por la risa, remedio infalible.

Carismática y ocurrente, actualmente se desempeña como animadora en Portada´s (Venevisión) y forma parte de la plantilla de Onda La Superestación, animando en clave de humor junto al Profesor Briceño por las ondas hertzianas.

El amor le fue llegando por cuenta gotas. Casi todos sus novios fueron de gentilicio extranjero, hasta que ¡por fin! dio con el propio. Se llama Peter Shanks, nacido en Irlanda, con quien mantuvo siete años de relación. Ella iba y venía al Reino Unido y él hacía también su mejor esfuerzo para estar juntos, hasta que un día en medio de un crucero, él sacó el anillo y fijaron carteles.

La boda eclesiástica fue íntima. La ceremonia se llevó a cabo en la iglesia de Guadalupe. Acompañó el ritual, La Sarabanda, cuyo fondo musical del ensemble dio el toque sentimental, suscitando uno que otro lagrimeo entre los presentes.

La madrina fue la locutora y presentadora Marielena González y el padrino fue Dermot Shanks, hermano del novio.

Yo morí muerta con la bellezura del vestido, diseño del talentoso valenciano, Alejandro Fajardo y accesorios de George Wittels. Por su lado, Peter llevó un traje de Jorge Jaimes Sastrería. El make up fue hecho por Daniel Romero con estilismo de Daniel Mijares.

La fiesta se realizó en la Quinta Esmeralda, donde se llevan a cabo los eventos de la high. Los novios no escatimaron en recursos. Hubo de todo. La temática de la hora loca fue irlandesa, detallazo de la novia para beneplácito de Peter y sus familiares. La música, mejor imposible, estuvo a cargo del DJ Marco Allen.

La luna de miel fue muy en la onda de National Geographic.Tuvo por destino Canaima y Los Roques.

¡Vivan los novios!

Ernesto Calzadilla, Luis Bascaran

Marielena González Arriojas

Mariela Celis, Sofía Castillo de Milano, Peter Shanks

Dora Mazzone. María Antonieta Duque

Gabi Valladares, Marcello Botto

Ana Karina Monzón, José Luis Rodríguez Agostini Iván Maldonado y Daniela Panaro

Profesor Briceño, Ingrid Serrano Duque

Carlos Briceño, José Daniel Peguero

Eduardo García Salas, Alicia Dolanyi, Edgar Castle

José Andrés Padrón , Manuel Frai Grijalba, Luis Bascaran

Dermy Shanks, Ashley Kelly

Rósela Cardola, Alexandra Sánchez

Nelson Bocaranda, Viviana Gibelli, Bolivia Bocaranda, Alberto Henríquez Ni Sánchez, Pável Mieses

Dora Manzzone ,Viviana Gibelli, María Antonieta Duque

Eventos Luxe

CDW invadió Las Mercedes

D’Alessandro

/ Cortesía Caracas Design Week fue la ventana del diseño, la arquitectura, el arte, la moda, la tecnología y la gastronomía con las mejores propuestas comerciales y culturales para ofrecer al público alternativas de calidad. Las impulsoras, Sylvia Neresoff, Ana Sanz y Larissa Briceño de EletresProyectos, organizaron el primer punto de encuentro para conocer las últimas tendencias, con la idea de acercar el diseño, contribuir a la actividad comercial promoviendo marcas, productos y servicios.

Focalizado estratégicamente en Las Mercedes, se creó una atmósfera entusiasta orientada a la experiencia dentro de la ciudad. Trabajaron en una amplia variedad de actividades para el disfrute de un público diverso — concurso de vitrinas, intervención urbana, artes visuales, música, charlas y talleres, degustaciones—, que tomaron locales, espacios públicos en rescate de la ciudad para construir convivencia.

El diseño tomó Caracas

Una de las primeras actividades en llevarse a cabo fue el conversatorio titulado Dior en Venezuela, moderado por Mario Aranaga, donde participaron Aura Marina Hernández, Roberto Rimeris, Tom Zaidman y Fran Beaufrand. Realizado en los espacios de la Sala TAC del Trasnocho Cultural, los exponentes hablaron sobre algunas de sus experiencias de aquella época dorada de Venezuela con la casa Dior.

Esta marca dejó su huella en el país durante la segunda mitad del siglo XX. En este evento, cuatro figuras protagonistas de una parte de esta historia contaron todos sus detalles: cómo el talento venezolano permitió la estrecha relación con la firma y a su vez, la influencia que esta dejó en toda una generación.

Los asistentes pudieron disfrutar de una exhibición de libros, fotografías, retratos y pinturas de la colección privada de Aura Marina Hernández. Uno de los recuerdos más destacados fueron un sombrero chapeaux en velvet con su caja de “Christian Dior Caracas” y un vestido vintage que fue diseñado por John Galliano.

Por: Stefania D’Alessandro Fotografías: Stefanía

/ Blue Press Service

“El éxito de nosotros es el éxito de todos. Este recorrido fue como un Disney de diseño en Caracas”. EletresProyectos

FIESTA DE LAS FIESTAS EN ISKIA

Todos los locales involucrados en esta iniciativa, asumieron con verdadero entusiasmo el desarrollo del evento. Iskia no solo se unió con ánimo a esta celebración, sino que organizó una semana llena de actividades en las que reunió a destacados profesionales del diseño, la música y el arte para crear conceptos de fiestas únicas cada día, promoviendo la creatividad y la excelencia.

Con motivo de esta labor, conversamos con su directora, Carolina Hernández.

¿Cuál fue el objetivo principal de la participación de ISKIA y qué esperaban lograr con su presencia en el evento?

—Quisimos mostrar siete propuestas extraordinarias de marcas que se presentaron mostrando sus habilidades dentro de nuestros espacios. Esa semana perteneció a Las Mercedes para todo el mundo que quiso ir caminando, en carro o en bicicleta dentro de la gran Caracas.

¿Qué aspectos únicos o diferenciadores ofreció ISKIA para que los visitantes pudieran disfrutar durante esa semana?

—Fuimos los únicos que tuvimos ese gran montaje en la misma tienda. Esto hizo la diferencia para toda la gente que disfrutó de nuestros espacios, cada día hubo un participante de distintas marcas y patrocinantes que hicieron muchísimas cosas como talleres, conversatorios, actividades con comida, accesorios y objetos de diseño.

¿Cuál es el mensaje o narrativa que Iskia quiso transmitir a través de su presencia?

—En 1958, mi madre Marta Herrera tenía 13 años fuera del país y se regresó porque quería apostar por Venezuela. Después de 64 años en el mercado comenzando por este local en Las Mercedes, ha sido un negocio familiar que tuvo un sueño. Ella regresó a su patria, y montó “Iskia” para mantener el interés de seguir apostando por el país. Mantenemos su legado, porque creemos en nuestra tierra.

¿Cuáles fueron las actividades más destacadas que se realizaron?

Festejos Mar tuvo un día completo con actividades extraordinarias, también las orquídeas de Marianella Art Design que nos gusta a todas las mujeres, tanto venta, como esculturas, cursos y mesas de estas flores. También para la gente bohemia-chic hubo una cata boho chic con música en vivo. Cerramos con broche de oro junto a los miembros de Master Piece

¿Qué oportunidades de networking y colaboración siguieron en el evento?

—Esta colaboración estuvo de la mano con 120 negocios que se unieron a esta actividad, nos promocionamos recíprocamente, por ejemplo, Trasnocho Cultural ofreció una planificación estratégica para todos los jóvenes y gente de tercera edad. También hubo un desfile de EPK en el espacio del antiguo supermercado Cada de Las Mercedes dirigido por Luigi Ratino, manager y productor artístico.

¿Cómo seleccionaron las marcas y los artistas en general?

—Tenemos mucha trayectoria a través de los años con diversos aliados como Festejos Mar, IheartProsecco, Freixenet, Licores Mundiales, Saint Pierre Macarons, Master Piece, entre otros los cuales son proveedores súper valiosos.

Roche Bobois se alzó con el codiciado primer lugar del concurso de Mejor Vitrina del CDW

Tina Turner

Vida Con Clase

El ave fénix del ROCK AND ROLL

El mundo perdió a una artista inolvidable y única. Su potencia y energía en el escenario la convirtieron en un icono, que hasta Mick Jagger quiso emular. Su historia personal y su carrera musical estuvieron marcadas por desafíos y triunfos que aquí repasamos

Por: Yolanda Manrique Fotografía: Archivo

Infancia y primeros pasos en la música: Tina Turner nació el 26 de noviembre de 1939 en Nutbush, Tennessee, con el nombre de Anna Mae Bullock. Desde temprana edad, mostró un gran interés por la música y el canto, a los 16 años comenzó a cantar en clubes locales. Fue durante una de estas presentaciones donde conoció a Ike Turner.

La exitosa asociación Ike y Tina: Juntos, grabaron éxitos como River Deep - Mountain High y Proud Mary, que se convirtieron en himnos de la época. Tina era conocida por su energía en el escenario y su voz poderosa, y su actuación en vivo era inigualable.

El ascenso en solitario: En los años 80, emprende su carrera como solista y lanzó su álbum Private Dancer, que fue un éxito rotundo. Canciones como What’s Love Got to Do with It y Simply the Best se convirtieron en éxitos internacionales y consolidaron su estatus como estrella.

Reconocimientos y premios: A lo largo de su carrera, recibió numerosos premios y reconocimientos. Ganó varios premios Grammy, incluido el premio a la Trayectoria Musical, y forma parte del Salón de la Fama del Rock and Roll.

Es imposible hacer un recorrido por la vida artística de Tina Turner sin detenernos en uno de sus más importantes éxitos musicales: What’s Love Got to Do with It. Detrás de esta irresistible canción está el secreto del resurgir artístico de la Reina del Rock & roll.

Con un videoclip que exhibía a una sexy mujer enfundada en un provocativo vestido de cuero negro, una chaqueta de jeans, unos stilettos improbables y una salvaje cabellera, caminando sensualmente por las calles de Nueva York, relanzó a una cantante extraordinaria y transformó sus piernas en las protagonistas de la última década del siglo XX.

En una publicación de IG en 2021, Turner recordó cómo al leer por primera vez la letra del tema, lo rechazó y pensó que era “terrible” y no encajaba con su estilo habitual de rock ‘n roll y R&B. Sin embargo, tomar el riesgo de grabar la canción cambió su carrera y la llevó en una dirección profesional completamente nueva, alejándose de la tortuosa relación con su ex esposo, Ike Turner, y el abuso doméstico que acompañaba aquel pasado.

El matrimonio de Ike y Tina estuvo plagado de violencia, y Tina finalmente encontró la fuerza para dejar esa unión tóxica en 1976. A medida que avanzaba su divorcio, Ike se negaba a dejarla ir y reclamaba derechos sobre su nombre artístico. En medio de dificultades financieras, la cantante tomó la controvertida decisión de dejarle todo, excepto su nombre profesional. A partir de ese momento, se vio obligada a reconstruir su carrera desde cero, luchando para llegar a fin de mes con actuaciones en cualquier lugar que pudiera conseguir.

¿Qué tiene que ver el amor con todo esto? se convirtió en un punto de inflexión en la carrera de Turner y le permitió

establecer una identidad propia, alejada de la sombra de Ike Turner. Fue un éxito rotundo que la catapultó a la fama internacional y se convirtió en una de las canciones más emblemáticas de su carrera.

Vida de película

Otro de los eventos de su vida en los que surgió la duda fue el momento en que decidió llevar su vida a la gran pantalla. Turner también tuvo sus reservas sobre cómo se retrató su vida en la película biográfica What’s Love Got to Do with It (1993), basada en su autobiografía I, Tina: My Life Story En una entrevista con Oprah, Turner reveló que gran parte de lo que se mostraba en la película no era exactamente tal como ocurrieron las cosas. Aunque reconoció la interpretación destacada de Angela Bassett como ella misma, Turner afirmó que el musical “Tina: The Tina Turner Musical” describía los acontecimientos de manera más precisa.

Turner fue una persona fuerte y no le gustaba ser retratada como una víctima. Aunque reconoció los momentos difíciles que vivió, siempre defendió su determinación y orgullo por haber superado esos obstáculos. Su historia es un recordatorio de que arriesgarse puede conducir a oportunidades transformadoras, tanto en el ámbito profesional como personal.

Dejó un legado imborrable como una de las artistas más influyentes de todos los tiempos. Su valentía y perseverancia en medio de la adversidad continúan inspirando a generaciones de mujeres y hombres en todo el mundo. Su música y su historia son una prueba de que, incluso en los momentos más oscuros, se puede encontrar la fuerza para triunfar y brillar.

Inés Sheero

Elegancia

disruptiva

Dotada con un sentido tan innato como particular para la moda, es una de las mentes creativas detrás de UneditedXYZ, novel marca que desde la ciudad de Miami renueva las pasarelas con una propuesta novedosa impregnada por su autenticidad e irreverencia

En un sector como la moda, en el que pareciera que todo está inventado, mucho se agradece la aparición de propuestas, hasta disruptivas si se quiere, afanadas por ofrecer algo distinto. Tal es el caso de Unedited XYZ, firma que vio luz en Miami producto del esfuerzo de los venezolanos Elio Rojas e Inés Sheero, la emprendedora incansable que sacudió silueta y melena en las pasarelas del Miss Venezuela y frente a las cámaras como modelo; la que sorprende en Instagram con sus inesperadas, pero siempre acertadas combinaciones a la hora de vestirse; la mujer que encontró la paz en una nueva fe, que cree en las energías; la esposa feliz en un matrimonio idílico con el empresario joyero Sami Sheero, y la madre afortunada de una hija que esperó por mucho tiempo, a la que llamó Adel.

Por: Alejandro Celedón Mendoza @AlejoCeledon Fotografía: MARCO @marcophotoshoot Maquillaje y peinado: Jesús Marcano @marcoartistry

INÉS EN MEDIDA

¿Qué es la moda para ti?

—Una forma de expresión.

¿Y el estilo?

—La esencia.

¿Un diseñador?

—Alexander McQueen.

¿Un perfume?

—Chanel número 5.

La esencia de la marca se condensa en la frase “Do not edit yourself. Be un-edited”, no te auto edites. Sé no editable, de ahí el nombre, y se manifiesta en una línea de ropa desenfadada. Es posible toparse con un bolsillo cortado, un hilo suelto o una cinta que cae o que nunca se termina de pegar, pero esto es adrede; cómoda sin renunciar a la elegancia; con piezas sin género sumamente versátiles, funcionan tanto de día como de noche según cómo se combinen; y en ocasiones exclusivas, con cantidades limitadas y diseños únicos.

La tres últimas letras del alfabeto que completan el nombre se refieren al uso frecuente de los retazos de telas, que los hace en parte sustentables. Esta virtud ha sido ampliamente aprovechada en R-edit, colección ready to wear creada en alianza con el reconocido diseñador Ángel Sánchez. Unedited XYZ es también una marca con consciencia. Producida 100% en Miami, aprovecha sus piezas, empaques y presencia digital para divulgar mensajes vinculados con el amor propio y el crecimiento personal.

¿Cómo nace UneditedXYZ?

—Recuerdo que me invitaron a una boda súper importante, como de mil personas. Tenía una falda gigante de tafetán de Carolina Herrera en azul cielo que decidí usar con un collar de brillantes, pero me hacía falta una pieza que le hiciera contraste. Llamé a Elio, mi amigo de años, y le pedí que me hiciera una franela a la que le pusimos la frase “ropa de boda” en la parte de atrás. Eso fue la sensación de la noche. Supe entonces que debíamos crear algo diferente. Aprovechamos la pandemia, que la gente no podía salir a comprar, y empezamos a hacer franelas con mensajes que tal vez resultaban chocantes, pero eran la realidad. Vendimos no sé, unas 200 mensuales, una locura. Cuando terminó la pandemia empezamos con la ropa.

Y ese interés por la moda, ¿desde cuándo?

—Justo ahora empiezo a recordar cómo la moda me trajo hasta este momento tan importante en mi vida, a mis casi 45 años. Mi abuela era modista, la más famosa de Calabozo, en el estado Guárico. Crecí entre telas, maniquís, el sonido de la máquina de coser. A partir de los 15, cuando empiezo a ir a fiestas, me doy cuenta de que pensaba mis looks con mucha anticipación, desde el peinado hasta los zapatos. Luego muere una tía lejana de mi papá, que también era costurera, y me dejó todo su material; no entendía por qué. Eran unas sedas italianas preciosas. Se me ocurrió crear mi propia marca de ropa, abrí una tienda en Valencia, Ahavá se llamó, que es amor en hebreo, donde vendía vestidos confeccionados con esas telas, combinados con los accesorios que traía de mis viajes. Ahí me di cuenta de que me gustaba la moda, y además, ser diferente.

Marcar la diferencia.

—Sí, hay gente a la que les gusta la moda y la sigue; si yo veo algo que está muy en tendencia, me voy por el lado contrario. No se trata de ir a un

el

centro comercial y salir con el look completo, sino de mezclar, de repente algo que te costó $5 con unos zapatos de marca y una cartera de un diseñador emergente. Eso es lo que te hace única. Siempre le digo a quienes están creando un producto o quieren emprender, que la diferencia está en el sello personal, en lo que nos diferencia a unos de otros, en nuestra alma, que nos conecta con Dios, el creador de todo.

¿Qué le aporta Elio, tu socio, a la marca y qué le aportas tú?

—Él es la fuerza y yo soy lo etéreo. Cuando nos reunimos, sabíamos cuál era la esencia del otro. Es un hombre sumamente trabajador, empieza a las 8 de la mañana y a las 2 de la madrugada sigue ahí, y es muy creativo, eso es lo que nos une, la creatividad. Yo soy esa energía femenina que facilita también la creación de las piezas. A él le encanta vender y yo soy más espiritual, de ponerle una intención a lo que hacemos.

¿Y cómo ha sido la respuesta de los compradores?

—¡Espectacular! Empezamos haciendo colecciones atemporales a las que le vamos agregando algunas piezas, otros colores y telas. Aquí en Miami hay muchas bodas y fiestas y atendemos a esas mujeres de 20 a 30 años que quieren lucir diferentes, a ellas les hacemos algo personalizado.

Me llaman la atención los materiales, las telas.

—Usamos vinilos, neopreno, seda, organza. Nos encanta combinar la organza con los vinilos, lo elegante y sutil con algo rústico. Antes nadie usaba para una boda un vestido de lentejuelas con una capa de organza y un mensaje en neo, nosotros lo hicimos.

Cuando las ganas se juntan

En cuanto a la colaboración con el afamado diseñador venezolano Ángel Sánchez, Inés cuenta que se dio sin buscarla. Amigos de años, ella evitó siempre comentarle que había incursionado nuevamente en la moda hasta que él se enteró. Para el Miami Fashion Week del año pasado les pidió la creación de una pieza tomando como punto de partida el patrón de una de sus blusas. El resultado fue un éxito: una blusa elaborada en tul con aplicaciones en vinil cortado con láser. Lo siguiente fue la colección juntos en la que aprovecharon retazos del atelier de Ángel.

“Recuerdo la primera reunión”, relata Inés: “¿Cómo te puedes sentir tú, que no has estudiado diseño, y que de repente te llama un gran diseñador como Ángel Sánchez y te dice, ven a mi atelier, vamos a empezar a crear?

Eso fue ¡wao!”. El resultado son piezas que reinventan la femineidad con las siluetas estilizadas de Sánchez y el toque desenfadado de UneditedXYZ.

El estilo

de Inés

Con un closet privilegiado en el que abundan piezas de Valentino, Gucci, Delpozo, Fendi, Bottega Veneta, Isabel Sanchis, y claro está, muchas joyas de Daoro, pero también de marcas más accesibles, resulta imposible no celebrar su buen ojo a la hora de combinarlas y lucir siempre radiante. “Creo que no tengo un estilo marcado. Todos los días no nos levantamos igual, entonces

Originalidad, glamour y una cierta dosis de atrevimiento son

mix que la define, el mismo que con éxito ha logrado plasmar en cada una de las piezas de UneditedXYZ

¿por qué nos tenemos que vestir igual?”, explica. Deja claro eso sí, que se viste para sí misma y no para los demás: “Lo primero que debes preguntarte es cómo te quieres sentir, y en función de eso escoger la ropa”.

¿Tienes piezas favoritas?

Sí, son piezas de mi afecto, de esas que perduran en el tiempo. He tenido la suerte de reunir piezas valiosas, y no tiene nada que ver con el precio. De repente, ese cinturón neón que compré en un mercado libre en Barcelona, la cartera que tengo desde hace 20 años o unos stilettos color nude. Eso es lo que hace especial a mi closet, la mezcla.

¿Y las joyas?

—No soy de esas mujeres ansiosas por las joyas, supongo que es porque están ahí, disponibles. Prefiero piezas especiales, grandes, un solo anillo, un collar, un reloj con una buena pulsera. Me gustan también las de diseñadores como Nayibe Warchausky.

¿Tienes alguna joya con un significado especial?

—Un collar de brillantes que me hizo Sami de un anillo que heredé de mi abuela y el anillo de compromiso que él me dio en el Muro de los Lamentos en Israel.

Ya llevan 10 años de casados.

¿Cómo nació esa historia de amor?

—Tenía tiempo sin verlo, a mi regreso de un viaje a Israel nos reencontramos y empezó a acompañarme a mis estudios de la cábala. Yo tenía años en eso, la cábala me ayudó a sobrellevar las muchas pérdidas que tuve en mi primer matrimonio, al punto que llegué a pensar que nunca sería mamá.

Me compenetré tanto que hasta abrí un centro de estudio en Valencia. Me sabía de memoria los rezos, los cantos… era como si la vida me estuviera preparando.

Con Sami no solo llegó un nuevo amor sino también una nueva manera de acercarse a Dios, el judaísmo. Guiada por él, profundizó sus estudios hasta aprobar un examen de siete horas frente al máximo rabinato en Israel, a quien llena de gozo le escuchó decir: “Hay una nueva judía en la tierra”.

Hay una diferencia de edad entre ustedes, ¿Cómo lo llevan?

—Sami es como un niño de siete años, jovial, siempre dice que sí a todo, quiere disfrutar, viajar. Por otro lado, me gusta su madurez, que sea un hombre grande, con experiencia, ya más reposado.

Junto a él pudiste ser madre.

—Cuando empezamos, él me insistía para tener un hijo, más por mí que por él que ya tenía cinco y varios nietos. Habíamos planeado una fecundación in vitro, pero al regresar de Israel quedé embarazada.

¿Qué significa para ti ser mamá?

—Es mirar todo lo que eres, lo bueno y lo malo, a través de los ojos de una persona que te ama incondicionalmente.

¿De qué te sientes más orgullosa?

—De convertirme al judaísmo, de adaptar esas leyes a mi esencia y sentirme en paz.

HISTÓRICO

POP nacional

A 40 años del surgimiento del vigoroso movimiento que bajo su iniciativa descubrió y lanzó a la popularidad a luminarias como Yordano, Ilan Chester, Franco De Vita y Colina, entre otros, el músico Alejandro Blanco-Uribe cuenta la historia de cómo lo creó vía RCTV y Sonográfica

Por: Aquilino José Mata

Fotografía: Néstor Hernández / Cortesía

Se están cumpliendo cuarenta años de la irrupción del movimiento de música popular más importante, de mayor proyección y largo alcance surgido en Venezuela. Su promotor y creador tiene nombre y apellido: Alejandro Blanco-Uribe. Este músico caraqueño, de larga y consistente formación, es el responsable del éxito de luminarias de la música de la estatura de Yordano, Ilan Chester, Franco De Vita, Colina, Evio Di Marzo, Elisa Rego, Sergio Pérez, Fernando y Juan Carlos y muchos otros. Pudo llevar a cabo esta valiosa iniciativa, gracias a la confianza y el entusiasta apoyo que le brindó Peter Bottome, máximo ejecutivo de Radio Caracas Televisión, a través de Sonográfica, su sello discográfico, y de la empresa Fonotalento, que presidió Alejandro desde su creación en 1983.

Compositor, productor musical y de espectáculos, así como de empresas culturales, Blanco-Uribe es un profundo conocedor de la industria de la música en el país. En 1975 entra al Sistema de Orquestas Juveniles de Venezuela como percusionista, para luego desempeñarse como asistente de José Antonio Abreu. Allí participó en

la coordinación de producción de eventos y conciertos, donde aprendió música, gerencia, logística y organización.

Historia de lo inesperado

En 1978, obtiene una maestría en el Royal College of Music de Londres, en composición de música electroacústica y tecnología del sonido. La década de los 80 le resultó especialmente fructífera, gracias a su sobresaliente desempeño en la conducción gerencial que lo llevó a generar el movimiento musical sobre el cual lo entrevistamos, cuya historia en cuatro décadas tiene episodios tan variados como interesantes.

“La historia es simpatiquísima. Y muy loca”, cuenta con su habitual elocuencia. “Yo había estado en El Sistema cuando me fui a Londres, becado por Fundarte. Cuando terminé y me regreso, mi papá me ayuda y monto un estudio, donde grababa maquetas, música para teatro y para cine, toda la música que le hice a Diego Rísquez, a Mauricio Walerstein y a Carlos Oteiza. Yo hacía la música de las películas de ellos y de otros cineastas en mi estudio. Además, allí ensayaban Ilan y Yordano, pero todavía no eran conocidos”.

“Con motivo de la celebración de los 100 años del Teatro Municipal hice un espec-

táculo gigante con Danzahoy, un musical que quedó increíble, pero no le hice la promoción debida y no le fue bien, por lo que tuve que vender el estudio y me quedé en la calle. Yo estaba recién casado y con mi esposa en estado. En mi afán de buscar trabajo leo un periódico y veo un aviso gigante que decía: ‘Se solicita director ejecutivo para una empresa discográfica en formación”.

“El aviso estaba muy bien redactado y quien solicitaba era Ofelia de Berconsky, para la época la reclutadora de empleo de todas las grandes empresas del país. Yo no tenía el currículo requerido para el cargo y lo que hice fue escribirle una carta felicitándola por la redacción del aviso, que consideraba impecable. Allí le decía que había estudiado en Londres y que antes trabajé con José Antonio Abreu, que esa era mi experiencia musical”.

Un cambio está por llegar

Lo que no esperaba es que al mes de haber mandado esta misiva, recibió una llamada telefónica solicitándolo para ir a una entrevista con Ofelia de Berconsky. “Al entrar a su oficina, me impresionó aquella mujer espectacularmente elegante, vestida de Chanel. Conversamos y tuvimos un diálogo muy bueno. Me comenta que hay 72 candidatos para el cargo, con abultados currículos, que venían de varias grandes empresas. Yo era un desconocido y lo que le había enviado era una sencilla carta. Sin embargo, quedé feliz con la conversación y no aspiraba a más, hasta que un mes después recibo una llamada de la oficina de Peter Bottome, de Radio Caracas Televisión, para citarme a una reunión con él, pues era el que solicitaba el cargo”.

Alejandro Blanco-Uribe, de formación musical académica y pionero del Sistema de Orquestas, fue el cerebro de este movimiento de vanguardia que llevó a la fama a las leyendas de nuestro país

“Al entrar a su oficina, sorpresivamente me tira tremenda descarga porque de los 72 candidatos al cargo hicieron una preselección de 14 y me metieron a mí en esa lista, sin tener los créditos necesarios. Y de repente me hace una pregunta: ‘¿Qué harías tú por la industria del disco?”.

Ante la inesperada interrogante que el CEO de la empresa de comunicaciones más grande del país le hizo, le respondió sin vacilaciones ni titubeos: “Le dije que había un teatro abandonado, el Santa Sofía, donde se podría hacer un castings con lo nuevo que estaba sucediendo en música, que yo sabía de jóvenes músicos con mucha preparación, que encarnaban un nuevo sonido venezolano, una fusión de pop con rock y música nuestra. Le manifesté que ese casting había que hacerlo con cámara, para ver si los aspirantes comunicaban eficazmente y pudieran vender bien sus productos a través de la televisión. Peter Bottome me dijo que le gustaba la idea y que tenía un teatro, La Campiña, donde podríamos llevarlo a cabo. Y quedó en llamarme. Se entusiasmó”.

En busca de un sonido emergente

“A partir de allí empezamos a conversar, hasta que me contrató y pasé a dirigir esta empresa descubridora de nuevos valores, llamada Fonotalento. Cuando la gente se enteró que Alejandro Blanco-Uribe iba a dirigir una disquera, no lo podía creer, porque yo hacía música de vanguardia, electrónica, académica, jazz, música para cine, no tenía nada que ver con la música comercial, no era mi mundo. Fue una experiencia maravillosa. Con la creación de Telearte, el

estudio de grabación, así como la fábrica de discos, surgió el boom. Nunca hicimos nada por un sentido estrictamente comercial. Siempre hicimos lo que realmente deseábamos hacer. Para entonces Sonográfica no era disquera todavía. Era distribuidora, pero no producía nada creativo. Yo les entregaba el videoclip, la grabación hecha y la campaña promocional. Hicimos una fusión perfecta”.  ¿Cómo comienza todo operativamente?

—Con Ilan Chester. Hicimos la primera prueba de talento con tres canciones suyas. Con esa prueba, se convocó a la junta directiva de RCTV. No resultó del todo positiva, y en plena reunión Peter Bottome exclamó: “A mí me parece que él es como un Elton John venezolano”. Ese encuentro dio como resultado que Peter asumiera sus propias decisiones: “Vamos a hacerlo tú y yo. Los dos le echamos pichón”. Todo el mundo me endosa el éxito de esta iniciativa, pero yo lo comparto con Peter Bottome. Si no hubiera sido por él y por el apoyo que me dio, no hubiese podido hacerlo. Me dio carta blanca.

Éxitos indetenibles

¿Quién fue el primero en grabar?

—Ilan fue lo primero que hicimos. El primer tema promocional, Soledad, lo incluimos en una telenovela mexicana del mediodía que tenía el mismo título, cuya protagonista era Libertad Lamarque. Y paralelamente hizo

un especial musical en el Teatro La Campiña, donde metimos Cerro Ávila, que estaba en ese primer disco. Resultó todo un suceso. ¿Y los más vendedores?

—En cuanto a ventas, los batacazos fueron Daiquirí y Franco de Vita. Lo de Daiquirí era impresionante, vendimos casi 400 mil copias de Puros deseos de amar. Alberto Slezynger, director del grupo, inicialmente quería que el intérprete fuera Yordano, pero como a este ya lo estábamos grabando como solista, tuvo que cantarlas él.

¿Y Franco de Vita?

—Me llega por recomendación del músico Joseíto Romero. Mi oficina era de puras mujeres, pues considero que tienen mayor sensibilidad que los hombres para detectar el talento. Y así fue con Franco. Cuando terminó su prueba me dijeron: “Señor Blanco-Uribe, fírmelo, es muy bueno”. Todas maravilladas con el tipo.

¿Qué dices del primer disco de Yordano, considerado hoy un clásico?

—Sus mejores discos son los dos primeros. El primero lo produjo Ezequiel Serrano, es el gran cerebro de ese disco. Luchó por hacerlo con mucha determinación y los resultados fueron realmente históricos.

¿Cuál fue el primer éxito internacional apabullante que tuvieron?

—El tema de Franco de Vita Un buen perdedor, por la telenovela. Y como artista Carlos Mata, en sus facetas de cantante y actor, también por las telenovelas.

¿Por qué no volvió a generarse en Venezuela un movimiento musical de la envergadura del que motorizaste en 1983?

—Porque los países tienen sus épocas. Así como Cuba la tuvo en los 50 con su música, la ranchera en los años 40 con el cine mexicano, los argentinos en los años 30 con el tango y España en los 70 con el destape, a Venezuela le tocó en los 80.

ILAN CHESTER FUE EL PRIMERO EN GRABAR

EL PRIMER DISCO DE YORDANO HOY DÍA SE CONSIDERA UN CLÁSICO

DAIQUIRÍ VENDIÓ 400 MIL COPIAS DE “PUROS DESEOS DE AMAR”

FRANCO DE VITA, EL DE MAYOR ÉXITO INTERNACIONAL

lujo&MODA

UN BOLSO CON NOMBRE PROPIO

1995 N

Gucci tiene muchos íconos, pero el Horsebit es de los más representativos. Con ello en mente, Alessandro Michele creó un bolso que destaca el elemento

Nadie traduce los códigos y la historia de una firma tal y como lo hace Gucci. Recurrir constantemente, sin cansarse, a los archivos de la marca para crear los accesorios más exitosos es un mantra que han consolidado como un excelente ejercicio, creativo y económico. Para muestra, el Horsebit 1955, un bolso ideado a partir de un meticuloso análisis de los emblemas de Gucci —el monograma, el icónico herraje Horsebit, la silueta— combinado con una visión moderna y contemporánea. Presentado por primera vez para la colección Cruise 2019, el renovado objeto del deseo de esta temporada está inspirado en la filosofía neoclásica, la misma que celebra el acto de imitar intencionalmente, según afirma el comunicado de prensa de la colección.

Si hay algo que destaca de la estética que ha venido manejando la firma italiana, es su fanatismo por la historia y el mundo antiguo, así que no es totalmente extraño que el ADN de Gucci congeniara con un concepto ideológico en un accesorio. El Horsebit 1955 teje ese entusiasmo sin dejar la funcionalidad atrás. En una silueta rectangular con ligeras curvas, flexible y suave, cumple como el toque femenino casual que todas las combinaciones necesitan. No importa si estás vistiendo costura con volumen, jeans y T-shirt o un look con un blazer, el bolso siempre logrará balancear cada elemento. No es sorpresa que este bolso ya sea ícono y pieza clave del Instagram. Siendo un estelar en ventas, ha sido replicado en distintos cueros, colores, tamaños y texturas.

El equipo creativo investigó en los archivos de Gucci de los años 50 para actualizar la pieza desde una nueva perspectiva. Su enfoque está inspirado en el pensamiento neoclásico: el acto de imitar de forma intencionada un modelo antiguo.

La campaña de la colección está protagonizada por Halle Bailey, Hanni y Julia Garner, un grupo extraordinario que le dan nueva perspectiva a un bolso de inspiración tradicional.

La versión actualizada no tiene género y presume de funcionalidad gracias a su diseño: permite organizar de forma práctica cualquier cosa que se desee llevar dentro. Su otra cualidad es el mecanismo que incorpora para adaptar la correa, pudiendo llevar el bolso cruzado o al hombro. Además de en su parte frontal, el símbolo del Horsebit también está presente en su lateral, a modo de distintivo.

a MET Gala es uno de los acontecimientos más esperados del año por todo aquél que diga amar la moda. Tiene lugar el primer lunes de mayo, y se realiza antes de la exposición que organiza el museo Metropolitan de Nueva York. Conocido como el Super Bowl de la moda, este año celebró con Karl Lagerfeld: a line of Beauty, el legado de un hombre que desde los inicios de su carrera estuvo ligado a firmas como Chanel —su casa por excelencia—, Balmain y Fendi.

Además de los invitados (que forman parte de los más selecto del mundo del espectáculo o la alta sociedad), los co-anfitriones engrosan una de las listas más interesantes de la cita. Esta vez, los afortunados fueron Penélope Cruz, a los que se le sumaron el tenista Roger Federer, Dua Lipa y Michaela Coel.

Chanel y la fuente de la inspiración

Digamos que, si el tema principal era Lagerfeld y su legado, Chanel era más que un código de vestimenta. Muchas estrellas acudieron a sus archivos y lucieron atuendos y joyas de la maison.

Penélope Cruz optó por recurrir al archivo del diseñador, eligiendo un vestido de la colección de primavera/verano 1988 de Chanel. Además, lo combinó con pulseras y anillos de la colección de alta joyería de la firma francesa.

Otra que decidió reeditar un clásico fue Margot Robbie, quién lució un diseño de alta costura que fue presentado en 1993 y que complementó con unos elegantes aretes de la firma.

La modelo Naomi Campbell también se decidió por un anillo y un brazalete Chanel, y Gisele Bündchen por unos pendientes y anillos de diamantes de alta joyería.

PRIYANKA

Este año, uno de los eventos más importantes del mundo de la moda decidió homenajear al Káiser de la moda. Las joyas de las más importantes firmas joyeras acompañaron los looks más nostálgicos (e irreverentes) que pudieron observarse en la red carpet

LPor: Elia Vanessa Moreno

MET

y

Diamantes al estilo Bvlgari

Varias celebrities que acudieron al evento se decantaron por piezas de la firma italiana Bvlgari.Su embajadora global, Anne Hathaway, optó por un set de joyas de la colección Monette; un juego de collar y brazalete elaborados en oro amarillo y adornados con una moneda de plata. El look fue combinado con anillos de la colección Diva’s Dream.

Rihanna, por su parte, combinó su elegante diseño de la firma valentino con joyas elaboradas en platino y diamantes de la colección Arkoya.

La actriz Pryanka Chopra y su esposo el cantante Nick Jonas combinaron sus looks Valentino elaborados en blanco y negro y joyas de la casa italiana. Ella, que es embajadora de la marca, llevó un impactante collar elaborado con el Diamante Bvlgari Laguna Blue. Un dato curioso es que su peso es de 11.16 quilates, lo que le convierte en el diamante azul más grande de la firma italiana en estar a la venta. La estrella de los Jonas Brothers deslumbró con un broche Serpenti de alta joyería en oro blanco con elementos de ónix y pavé de diamantes.

Messika: la mejor compañía

La alta joyería siempre es una grata compañía para las celebridades durante su paso por la red carpet. Para muestra, las impactantes piezas de Messika que llevaron algunas estrellas durante la MET Gala.

La cantante Doja Cat siempre se ha caracterizado por llamar la atención. Su estilo disruptivo e irreverente capta todas las miradas y la ha llevado a protagonizar los momentos más extravagantes en las alfombras rojas a las que acude. Este evento no podía ser la excepción. La intérprete de Hip Hop se inspiró en la famosa mascota de Lagerfeld: su gata Choupette. El vestido fue diseñado por Oscar de la Renta y estuvo acompañado por piezas de marca. El punto central de su atuendo fue un tocado personalizado con un diamante en forma de pera de 17 quilates; además, también lució una joya de brazo personalizada con dos diamantes en forma de pera de 2,8 y 4,5 quilates, junto con las dos icónicas pulseras Mata Hari y Roaring Diamonds.

Si alguien no podía faltar era el embajador de Messika, el modelo Alton Mason, quien ya ha hecho historia al convertirse en el primer modelo afroamericano en desfilar para Chanel. Por eso, no es de extrañar que luciera un jumpsuit elaborado en encaje blanco, cuya inspiración se centra en la visión de Lagerfeld para una boda de cuento de hadas y el look de novia que a menudo creó para cerrar sus desfiles de moda. Para terminar su outfit, usó un collar de la colección de alta joyería Miss SumerHigh.

Las perlas, las camelias, e incluso la famosa gata del Káiser, Chouppete, fueron algunos de las inspiraciones que más se observaron en los diseños de la red carpet

NAOMI CAMBELL

DOJA CAT JOYAS

La marca celebra 20 años. Se ha destacado por crear prendas bajo los términos de sustentabilidad y ética. Su compromiso social se refleja, entre otras cosas, en la incorporación de técnicas artesanales. Ella demuestra que es posible fusionar la creatividad y el estilo con la preocupación por el medio ambiente

Yenny Bastida Entre tejidos y texturas

En el dinámico mundo de la moda, donde la producción masiva y el consumo desenfrenado son una realidad, algunos diseñadores se han propuesto marcar la diferencia. En nuestro país, la diseñadora Yenny Bastida ha surgido como un referente en la creación de moda bajo los términos de sustentabilidad. Su enfoque ético se manifiesta en la confección de prendas hechas a pedido, utilizando fibras naturales y reduciendo así el desperdicio textil.

¿Cómo evalúa su carrera a lo largo de estos años?

—En retrospectiva, puedo evaluar mi carrera en dos fases distintas. Este 2023 cumplimos el vigésimo aniversario.

Por: Yolanda Manrique Fotografía: Rafael Franceschi / Cortesía

Todas las prendas que componen sus colecciones se fabrican a pedido, utilizando el método conocido como “made-to-order”

Los primeros 10 años representaron para mí la pasión por desarrollar y aprender un oficio, por crear o fundar algo que tuviera un sentido, un significado real. Durante ese tiempo, pude crecer tanto personal como profesionalmente. Recientemente, he reflexionado sobre estos últimos 10 años. Han sido tiempos sumamente intensos, en los que he comprendido que muchas de mis experiencias anteriores son las que me han llevado hasta donde estoy ahora. Durante esta fase, he adquirido madurez y he sentido la necesidad de convertir mi proyecto en algo más que una simple marca de ropa. Esta marca no se limita únicamente a prendas o productos, sino que representa un grupo, un equipo y las personas que las visten. Es un camino que ha sido construido en base a las experiencias y en el cual hemos podido desarrollarnos tanto individualmente como en equipo. Además, hemos facilitado que otros también puedan crecer y motivarse para crear, guiados por nuestros principios y valores. Puedo afirmar, que mi carrera es el resultado de los talentos de las personas que he tenido el privilegio de reunir a lo largo de este camino. Considero un honor llamar a este conjunto de logros una marca, ya que no son solo míos, sino de todos aquellos que han estado involucrados en cada paso de este proyecto.

¿Qué es la moda para Yenny Bastida?

—Para mí, la moda es una forma de expresión comparable a un lienzo para un pintor, a una piedra para un escultor o al barro y la arcilla para un apasionado de la cerámica. Al igual que un músico que canta o toca un instrumento, la moda me permite expresarme. He logrado traducir aquello que me inspira en forma de prendas de vestir. Para mí, la moda es la capacidad de comunicar temas profundos y plasmarlos visualmente en lugar de hacerlo a través de un libro o una canción. Es la oportunidad de transmitir mensajes significativos mediante un buen diseño.

¿Cómo define su estilo?

—Me gusta responder a esta pregunta. Siempre hemos sido apasionados y amantes de la feminidad, valorando la belleza y reconociendo el maravilloso poder de la mujer. Esta perspectiva no solo abarca a quienes producimos la ropa, sino también a quie-

nes la visten. Siempre nos hemos esforzado por crear diseños únicos y muy femeninos. Cada una de nuestras piezas busca dejar una impresión duradera y trascender. En cuanto a la descripción de nuestra marca, tenemos una forma hermosa de expresarlo. Nos definimos como una marca de ready-to-wear o pret-a-porter que celebra la belleza de las prendas hechas a mano, siguiendo prácticas éticas e inspirándonos en la cultura popular y el arte de Venezuela. Fusionamos la tradición con la feminidad contemporánea en una propuesta resort elevada, renovada en cada temporada con diseños que son un ejemplo de lujo sostenible. Esta descripción captura la esencia de nuestra marca y el estilo que nos caracteriza.

¿Cuáles son los tejidos favoritos para sus piezas?

—Una de las cosas que más me inspira son las texturas, especialmente las de las telas y los tejidos. La posibilidad de crear productos desde cero, desde la construcción y las manos involucradas, es una experiencia que siempre me transporta y me permite crecer más allá de la idea inicial. Además, las labores manuales me conmueven profundamente, una influencia que proviene de mis abuelas. Ambas fueron y siguen siendo figuras muy importantes en mi vida. De ser mujeres súper femeninas y elegantes, poseen una sensibilidad extraordinaria en el área de las manualida-

des y la costura. Es algo que llevo en mi ADN y en mis venas, esa pasión por las labores manuales.

¿Cómo asume la internacionalización a la que aspira todo diseñador de moda?

—Considero que el proceso de internacionalización es un camino que requiere paciencia y fe. Es como lanzarse al vacío, sabiendo que tu convicción, tu producto y tus valores, junto con todo lo que respalda tu

marca, te sostendrán en el aire o te servirán de colchón cuando caigas. Hemos trabajado arduamente durante mucho tiempo, y nuestra promesa, tanto como producto y como marca, es lo suficientemente sólida y fuerte. Cuando cruzamos las fronteras, nuestra propuesta se convierte en un favorito, siendo bien recibida en el lugar al que vamos. Hemos comprendido y comprobado que, sin importar el destino al que nos lleva nuestro camino, lo hacemos con la misma fórmula de honestidad, humildad y, sobre todo, seguridad. Sabemos que nuestro producto tiene la capacidad de traspasar fronteras y convertirse en parte integral del lugar al que llega, porque lo hacemos con una sensibilidad especial.

Coméntenos sobre su más reciente colección.

—La inspiración para mí surge de una búsqueda constante de temas que pueda traducir en mi trabajo. No quiero limitarme a hablar sobre algo en particular, así que me propuse investigar aquello que resuene con motivación. Comencé a explorar la importancia de la cultura y el cultivo en nuestras tierras, ya que son fuentes de inspiración para muchas celebraciones culturales en nuestra región. Muchas de estas celebraciones están representadas por mujeres y están entrelazadas con la religión católica debido al mestizaje. A pesar de que vivimos en un continente machista, la imagen femenina tiene una gran relevancia en nuestra región, ya que es a través de la mujer que se nutre y se origina lo más sublime, como la madre tierra. Estas palabras y conceptos se unieron en

mi mente, y encontré que la palabra “colere” es un término en latín del cual derivan muchas otras palabras, incluyendo “cultura”, que representa el desarrollo urbano y ciudadano. Es también una palabra de la que derivan conceptos tan importantes como “cultivar”, la cual no solo tiene múltiples significados, sino que también da origen a términos como “culto”. Así, la palabra “cultura” se convierte en una noción de gran importancia que abarca muchos aspectos de mi inspiración. Además, esta inspiración tiene mucho sentido en el contexto de nuestro trabajo en textiles, donde estamos enfocados en utilizar fibras naturales como la curagua y el moriche, y en ser cada vez más auténticos. Esta colección representa un paso significativo en la consolidación de nuestros valores más profundos y sinceros. En el área textil, hemos combinado diferentes telas y fibras, incluyendo aquellas protegidas por la UNESCO, como la curagua originaria de Aguasay, en el estado Monagas. Además, hemos desarrollado nuevas téc-

nicas de ganchillo y tejido. Esta colección es un testimonio del compromiso de nuestra marca con la sostenibilidad y la moda, y refleja nuestra intención de trascender y cruzar fronteras a través de la comunicación que transmitimos a través de la ropa.

¿Cuáles son sus planes inmediatos?

—Estamos desarrollando nuestra actual temporada, que se caracteriza por su vibrante paleta de colores. Esta colección se entrelazará de manera armoniosa con la anterior, aún sin nombre, pero que lleva por título provisional “Colere”. Estamos entusiasmados y tenemos grandes planes para ella. Como marca, cuidamos meticulosamente cada paso que damos. No hacemos nada por simple obligación, sino que siempre nos esforzamos por ser auténticos y transparentes. Buscamos el éxito real, sin pretensiones. Todo esto requiere un gran esfuerzo intelectual y emocional. Nos tomamos cada aspecto muy en serio, asegurándonos de que cada detalle esté en su lugar correcto.

DISEÑO arte&

DECODIBO

nectado al diseño

Con más de seis décadas de trayectoria en Venezuela, desde su fundación se ha especializado en el diseño de espacios interiores innovadores, acompañados de un mobiliario de alto nivel tecnológico, que destaca por su calidad y confort

Por: Yolanda Manrique Fotografía: Cortesía

En 1955, Decodibo abrió sus puertas en Caracas. Su antigua tienda en Chacaíto era una visita obligada para aquellos que buscaban vanguardia y novedad en el diseño de interiores. Hoy, sigue siendo un punto de referencia para arquitectos y diseñadores en el país. Desde hace muchos años, se ha destacado por ser el representante, en Venezuela, de la reconocida firma Herman Miller.

Testimonio del espíritu emprendedor de los empresarios detrás de Decodibo es el esmero y dedicación que le han permitido mantenerse vigentes en nuestro mercado, superando numerosos desafíos a lo largo del tiempo.

Una trilogía de diseño, calidad y durabilidad

La filosofía corporativa de la empresa fundada por Anthony Dibo se basa en los tres principios vitruvianos que definen la relación entre la arquitectura y el diseño: Venustas, Firmitas y Utilitas. Estas nociones guían todas sus actividades y son fundamentales para su éxito en el mercado.

Venustas representa la belleza y la armonía en el diseño, Firmitas se refiere a la durabilidad y el ahorro a largo plazo, y Utilitas se enfoca en resolver problemas y satisfacer las necesidades reales de los clientes. La empresa se compromete a ofrecer productos con diseño avalado, durabilidad comprobada y soluciones para establecer relaciones a largo plazo con sus clientes.

A lo largo de su historia, esta empresa ha dejado una marca significativa en la industria del diseño y la decoración en Venezuela

Lo nuevo en Caracas

Como parte de su estrategia comercial, Decodibo anunció la inauguración de su nuevo showroom en uno de los edificios emblemáticos de la arquitectura caraqueña, el Centro Banaven en Chuao, conocido popularmente como el “Cubo Negro”. Este edificio, cuya inauguración tuvo lugar en 1977, representa la era de oro de la arquitectura en Caracas.

Su nuevo espacio cuenta con dos pisos de exhibición donde se pueden encontrar sillas y mobiliario de oficina de las colecciones de las compañías del colectivo MillerKnoll: Herman Miller, Knoll, Muuto, HAY, DWR, CBS (accesorios de IT) y las cabinas telefónicas o Phoneboot de Framery. Cabe destacar que es el primer showroom de MillerKnoll en Latinoamérica, lo que lo convierte en un lugar de visita obligada para arquitectos, diseñadores y decoradores de interiores en la región.

El referente obligado

Con motivo de este nuevo hito en la historia de la empresa, tuvimos la oportunidad de conversar con Ivonne Lozada, representante de la empresa, para conocer más sobre este nuevo salón de exposición totalmente dedicado a lo mejor del diseño interior.

¿Cuál fue el criterio para elegir el Centro Banaven (Cubo Negro) para instalar su nuevo showroom?

—Por excelencia, el Cubo Negro se ha caracterizado por ser un centro de diseño que cuenta con una buena

ubicación en Caracas. Tenemos el estacionamiento frente al showroom; además, el mantenimiento de áreas e instalaciones es muy bueno. Pensando y estudiando las diferentes posibilidades para lograr un salón de exposición como el que tenemos, ¿qué mejor opción que este emblemático edificio?

¿Cómo se puede definir la oficina del siglo XXI?

—Son oficinas con muchos espacios colaborativos, porque creemos y sabemos que fomenta la productividad entre las personas, ya que las ideas fluyen más rápido y se trabaja mejor en equipo. La oficina del siglo XXI es un área abierta con espacios que te permite trabajar con diferentes tipologías de mobiliario. El cliente venezolano ¿es conocedor de los beneficios de las nuevas tecnologías y las tendencias actuales de diseño?

—Pensamos que sí hay muchas personas que viajan o que se interesan en el tema del diseño y la innovación. Nuestra fortaleza es que mostramos las últimas y más variadas tendencias y tipologías de espacios de trabajo. En nuestro nuevo showroom, el cliente puede imaginarse cómo sería trabajar en espacios de colaboración. ¿Cómo ha sido la evolución de la empresa en estas casi seis décadas?

—Decodibo comenzó siendo el primer gran dealer de Herman Miller en Latinoamérica, en el año 1960. Fue de las primeras empresas que innovó, para ese momento, al fabricar algunas piezas de la época bajo la autorización de Herman Miller, como el caso de las Eames Aluminium Group: los moldes eran traídos de Alemania y se fabricaban y ensambla-

Su nueva ubicación en el “Cubo Negro” representa una apuesta por mantenerse a la vanguardia y brindar una experiencia única a arquitectos, diseñadores y amantes del diseño en general

ban aquí en Venezuela. También podemos hablar del sofá de Edmundo Díquez que en un momento dado fue ícono del diseño y marcó un antes y un después en el diseño de muebles venezolanos. Luego la empresa se dedicó a fomentar los clásicos de los grandes diseñadores como Girard, Nelson, Charles y Ray Eames, y Noguchi. Más adelante, fue incursionando de una manera exitosa en los diseños para espacios de trabajo; y hoy en día, a pesar de todas las situaciones que hemos tenido que enfrentar en nuestro país, tanto a nivel económico como social y de salud (pandemia), Decodibo hace un gran esfuerzo en traer lo nuevo del diseño y lo nuevo del colectivo de las marcas de la corporación MillerKnoll, logrando así llegar a la mayor parte de la audiencia.

¿Cuáles son los planes para los tiempos que corren en nuestro país?

—Decodibo quiere y se propone seguir apostando por el futuro, apuntando a que las empresas deben renovar su infraestructura y así poder brindarles a sus trabajadores la oportunidad de tener un espacio moderno, dinámico y flexible que, como mencionamos anteriormente, fomente la colaboración y el ánimo de las personas para querer ir a trabajar en un espacio bien diseñado.

Sembrando

arte

por Soraya Gabaldón

Esta nueva edición arranca con la noticia más esperada en el gremio de las artes plásticas del país: la publicación de la lista de las 243 Obras que integrarán la 65 edición del Salón Arturo Michelena, Obras que serán exhibidas desde Julio hasta noviembre en el Museo de la Cultura en el Edo. Carabobo. Posteriormente vendrá la premiación en las categorías de pintura, escultura, cerámica, joyería, entre otros. Como detalle importante, el jurado determinó la creación de un Salón de Ilustración, dado que parte del 30 por ciento de las Obras presentadas, fueron bajo esta técnica.

@salonarturomichelena / @mbaccs

Caracas Design Week trajo una bocanada de mucho arte a la urbe caraqueña, tanto lo que se desarrolló dentro de los establecimientos, como en los espacios abiertos. La gran vitrina, la tuvo para mí, Colorados Valcro y la fusión con la empresa Construeficaz y su proyecto CEART, donde unieron en un solo lugar, el diseño, la arquitectura y el buen arte venezolano. “Considero que el arte aporta sofisticación a cada espacio y lo llena de mucho significado. Cada Obra habla por sí sola y transmite una emoción que conecta al espectador y al posible cliente “, nos cuenta Alejandra Carolina Zapata Tellechea, Gerente General de la tienda. Esta exhibición, cuenta con importantes nombres de la plástica Nacional, cuyas obras deleitarán a los visitantes en los cuatro niveles de Colorados Valcro.

@coloradosvenezuela

La Galería Freites presentó la individual del artista Abigail Varela, donde pudimos apreciar hermosas esculturas realizadas en bronce y aluminio. “Para mí fue muy emocionante tener una individual después de seis años haciendo colectivas. En esta, muestro diversas obras que siempre tienen mi firma de trabajo, mi forma, mi estilo, mi desarrollo continuo… recreando la figura femenina que siempre he trabajado; y aunque he hecho algunas pausas reflexivas, hoy estoy entusiasmado por los nuevos proyectos que se avecinan, entre ellos la apertura de mi taller en La Florida” nos cuenta el artista.

Según afirma la investigadora Anny Bello en el texto que acompaña la muestra, “Varela es poseedor de un lenguaje y una técnica en la escultura indudablemente definida. Su estilo figurativo cautiva por una identidad muy particular, basada en sus propias consideraciones sobre la estética de lo bello en la figura humana”. @galeria_freites

Con motivo de la celebración del centenario del Maestro Jesús Soto, se han llevado a cabo una serie de eventos importantes dentro y fuera del país. Entre ellos, cabe destacar la exposición Jesús Soto, Cosmos en estado de vibración, en el Museo de Bellas Artes de Caracas, una muestra donde se contó con una importante selección de obras de la colección del Estado; y la exposición en el Espacio Arte al Cubo ubicado en el Cubo Negro, titulada Geometrismos. Jesús Soto y su tiempo, obras de los años 50, 60 y 70 y donde en conjunto, realizaron otras actividades como performance, charlas, entre otras. @espacioartealcubo

Y para cerrar esta edición, quisiera recomendarles que sigan las redes de la Coleccionista de arte y fundadora de @cifoart, Ella Fontanals Cisneros, una dama en todo el sentido de la palabra, que habla desde su experiencia en el mundo de las artes y cuyos posts son realmente enriquecedores e inspiradores. Mi admiración hacia ella.

@ellafontanals

De cerca con Leonel Durán

Estar junto a él es, sin duda alguna, estar frente a un gran maestro de las artes de nuestro país. Y es que este pintor, muralista, vitralista y restaurador nacido en San Cristóbal, estado Táchira, goza del aprecio y admiración de todos.

Su inicio en las artes se da de manera natural, al descubrir sus habilidades y destrezas en el manejo del dibujo a temprana edad. Posteriormente, comienza sus estudios de manera formal en nuestro país, continuándolos luego por Paris, Bulgaria, Francia, España y Holanda, entre otros. En este recorrido ya van 60 años, en los que el maestro ha acompañado este proceso con la docencia.

Para él, el arte —al igual que el amor— representa la expresión más pura y sublime del espíritu humano en el campo creativo. Confiesa que lo complicado de ser artista, es ser auténtico, teniendo una correlacionada y equilibrada armonía en el pensar, sentir y hacer, para de esta manera lograr un lenguaje expresivo propio, producto de una disciplina, constancia y dedicación.

En su discurso artístico, el maestro Durán ha sido un fiel representante del arte figurativo. Considera al hombre como el centro de la civilización y por lo tanto para él, es el motivo temático de su obra. En cuanto a las técnicas desarrolladas en su amplia obra, gracias a la formación integral, que le permitió conocer desde las antiguas hasta las modernas, ha podido pasearse con gran maestría entre el vitral, el mural, la pintura de caballete, la escultura, el grabado, el dibujo, etc.

Para ejecutar sus obras, comienza con un estudio previo del tema a desarrollar; luego con la suficiente documentación, procede a desarrollar una idea y los primeros bocetos que llevarán a la composición final, para trasladarla a la escala real de la obra a realizar, según la técnica requerida.

Algunos de sus trabajos se encuentran en importantes lugares como los murales Cristóbal Rojas y nuestro tiempo en la Escuela Cristóbal

Rojas de Caracas, vitral “La Patria se viste de justicia” en Barquisimeto, con el cual ganó el concurso del Palacio de Justicia del estado Lara, “Venezuela petrolera en tres tiempos” para el museo La Petrolia del estado Táchira y el monumento de 15 x 5 m en la avenida epónima de la ciudad capital llamada “Vitral al Libertador Simón Bolívar”.

Hoy, el maestro Leonel Durán goza del prestigio de haber representado al país en importantes eventos culturales, sumado a haber recibido condecoraciones de gran mérito. Su día a día, lo sigue compaginando con la docencia en las artes, actividad que le ha enseñado a ser autocrítico y exigente consigo mismo.

Destaca lo valioso del talento en las artes en nuestro país, y la importancia de una férrea voluntad y dedicación por parte del gremio, para poder crecer.

Y así despedimos nuestro encuentro… con su sonrisa a flor de piel, su abrazo cálido y su voz serena… y yo sintiendo el gran orgullo de haber conocido al gran Maestro del vitral.

Bolívar:

Leonel Durán

Fotografía: Raiza Carreño @raizavitrales

“Siempre doy como referencia a las jóvenes generaciones, una frase del Libertador Simón

‘Dios concede la victoria a la Constancia”

ALEGORÍA A LA BATALLA DE AYACUCHO Salón Independencia de la Academia Militar de LA GNB

LA PATRIA SE VISTE DE JUSTICIA Detalle del vitral en el Palacio de Justicia de Barquisimeto - Estado Lara.

& TURISMO gastronomía&

PREMIUM COCUY Dando de qué hablar

La Denominación de Origen “Cocuy de Pecaya” cumplió 22 años el pasado mes de mayo, el 30 de noviembre se ha establecido como el Día Nacional del Cocuy y varias marcas venezolanas han traído medallas de representativas competencias internacionales. Motivos para celebrar a este destilado cuyo nombre deriva de la planta conocida como cocuiza (agave). El jesuita José de Acosta la llamó en 1590 “el árbol de las maravillas”. Galeotto Cey, un explorador italiano que estuvo por estos predios entre 1539 y 1553, la celebró en las Crónicas de Indias. El científico Carlos Linneo la llamó “planta del siglo” como una metáfora de su larga vida.

“El nombre científico de cocui al maguey indígena lo utilizó por primera vez en 1913 el botánico estadounidense William Trelease (1857-1945) en la publicación científica Memoirs of the National Academy of Sciencies, por eso se emplea la abreviatura Trea., para indicar que fue él la autoridad responsable de su denominación Agave cocui Trealease”, precisa Miro Popic.

“La primera representación del agave cocui está en una pintura que data de 1623, donde está Santa Lucía en primer plano y al fondo indígenas de la etnia jirahara al lado de plantas de agave. En las comunidades indígenas fue alimento, con su fibra tejieron chinchorros y con su corazón dieron nacimiento a una bebida elaborada a partir de los mostos fermentados del agave cocui y que en Venezuela se elabora en Lara, Trujillo, Yaracuy y Falcón”, escribe Vanessa Rolfini en su libro El cocuy en Venezuela

Su elaboración paso a paso

El cocuy de penca es una bebida obtenida a partir de los mostos fermentados y posteriormente destilados del agave cocui. La planta alcanza la madurez ideal en ocho o nueve años para poder ser cosechada. Primero le quitan las pencas y el productor se queda con el corazón que tiene ricos azúcares (se le llama cabeza o piña). Luego, esto se cuece en hornos artesanales elaborados al ras del suelo: se recubre el fondo con piedras de río, después se apilan las “piñas”, se coloca leña y se cubre totalmente con el bagazo

Magno Cocuy ganó dos medallas de plata y una de bronce en la 12ª edición anual del Concurso Internacional de Licores, en Nueva York; La Capilla recibió medallas de Doble Oro en la competencia internacional Sip Awards y en el China Wine & Spirits; a su vez, 7 Primos ganó medalla de bronce en el London Spirits Competition. Estas buenas nuevas marcan el punto de partida de este viaje hasta el agave cocui y algunos de sus hacedores en los estados de Falcón y Lara

Fotografía: Natalia Brand @gastrobrand

Ramón Paolini / Cortesía Cocuy La Capilla Luis Bautista / Cortesía Cocuy Pecayero Magno Cocuy

del agave. La cocción se hace a fuego lento, la circulación de calor y humo le da al cocuy ese característico sabor ahumado.

Después de varios días en el horno se remueven las “piñas”, algunos las cortan, y se procede al prensado manual para la extracción del jugo llamado guarapo. Este es sometido a un proceso de fermentación y posterior destilación en alambiques artesanales. El resultado es una bebida transparente con aromas y sabores muy especiales.

Los rostros cocuyeros de Falcón

En la serranía del estado Falcón se encuentra el pueblo de Pecaya, uno de los terruños del cocuy de penca. El viaje hasta el agave cocui es una ruta de contrastes: se inicia en un bosque xerofítico donde predominan los cujíes, cardones y tunas, sigue por un bosque seco tropical con frondosos curaries y veras, pasando por la cumbre del camino en la Sierra de San Luis con un bosque nublado fresco y húmedo donde predominan árboles exuberantes y bromelias, hasta llegar al paisaje semiárido cuyo protagonista es el agave, el alma del cocuy pecayero.

«Tiene microclimas con temperaturas altas de día y frescas y más húmedas de noche; y suelos arcillosos, ricos en calcio. Estas son condiciones únicas que inciden en la calidad de los derivados que se obtienen de la planta», resalta la investigadora Miriam Díaz.

Las tierras áridas constituyen el ámbito del quehacer científico de esta bióloga con maestría y doctorado en Ecología de la Universidad de Cambridge. “Siempre me llamó

la atención cómo, tanto vegetales como animales, logran permanecer allí y ser productivos en medio de condiciones tan adversas. Y en el caso del agave cocui me capturó el hecho de que sea una planta que no solo se acopla al ambiente en el que vive sino que regala dulzura: sus azúcares son únicos e inesperados”. La doctora Díaz tiene más de 25 años dedicada a este agave. Junto con un equipo multidisciplinario encaminó la Denominación de Origen Controlada (DOC), otorgada por el Servicio Autónomo de Propiedad Intelectual (SAPI) en 2001. “En la actualidad 65 productores artesanales están amparados por esta denominación, 16 ya poseen su registro sanitario correspondiente de los cuales 11 cumplen ya con todos los requisitos de la legislación vigente en Venezuela”. Enfatiza que todos son elaborados con 100 % agave como establece la Ley de Protección del agave cocui recientemente aprobada. Entre los que se mantienen en producción están Caja de Agua, Casa Vieja e Indio Sunure (firmas familiares que ya tiene al menos tres generaciones), Valencey, Mi Empeño, Marimar, Raíces y otros tres que están en el proceso. En todos ellos hay notas ahumadas, florales, dulces, afrutadas (cítricas y de frutas tropicales como la piña, el mango y la parchita), minerales y vegetales (notas herbáceas).

A esta distinción se suma la mención «Tenedor de Oro» otorgada por la Academia Venezolana de Gastronomía en 2015 y la renovación de la D.O.C. en 2016.

Miriam Diaz se ha convertido también en artesana elaborando licores cuya base fundamental es el cocuy pecayero y las frutas. Entre sus licores se destacan Cumaraguas, nombrado en honor a las salinas de Paraguaná; Cerecuy

En los últimos años, se ha buscado rescatar y promover esta bebida tradicional como parte de nuestro patrimonio, estableciendo regulaciones para proteger la producción y su calidad

Fotografía: Ramón Paolini Fotografía: Luis Bautista

(de cerezos); Pierrot, cocuy reposado en almendras; y la crema de cocuy.@cocuypecayero

Los premiados Magno Cocuy

7 Primos. Su edición Gota a gota ganó medalla de bronce en la cuarta edición de London Spirits Competition. Firma larense, su maestro cocuyero es Altildro Pillo Álvarez. @7primos

Ubicada al sureste de la ciudad de Coro, se encuentra La Esperanza, una reserva natural de 330 hectáreas que conjuga una gran biodiversidad dentro del paisaje semiárido. Allí se encuentra la Destilería Independiente JADeLuR. “Somos una empresa familiar centrada en continuar con la tradición del cocuy; contamos con un equipo multidisciplinario que respeta el conocimiento empírico de los primeros maestros cocuyeros”, destaca María Eugenia Durán, quien lleva la batuta de esta firma junto con su esposo José De Luca.

Bicuye. Firma larense. “Elaboramos cocuy en pequeños lotes de producción, una botella a la vez. Son desarrollados con autenticidad, resaltando el origen y las tradiciones de la cultura centenaria de los maestros cocuyeros”, destaca Jesús Castillo Ferrer, director de la empresa. Comercializan Bicuye Blanco y Bicuye Madurado. @bicuye

Balsamal. Elaborado bajo el cuido del maestro cocuyero Cristóbal Sánchez, tercera generación de una familia que tiene el cocuy en el alma, “Tuvimos la licencia No.1 de Cocuy en Venezuela, en 1927. Nuestras botellas vienen firmadas y numeradas individualmente”, se destaca en el website. Comercializan el Balsamal Claro y Balsamal Reposado. @cocuybalsamal

Ancestral. Firma venezolana que elabora y comercializa distintos destilados, tiene en su portafolio dos cocuyes: Ancestral y Ancestral Añejo @destilerosancestrales1

José De Luca es ingeniero electrónico y María Durán, ingeniero civil. Bajo la asesoría técnica de la ONG Infalcosta, de la mano de Miriam Díaz de Arends, la pareja materializó una hacienda de agave en el estado Falcón.

“Todos nuestros productos son elaborados con 100% azúcares de agave cocui de la hacienda La Esperanza. Seleccionamos los mejores agaves que cocemos en hornos de piedra azul, para luego fermentar sus jugos. Cada botella de esta reserva es una pieza única de vidrio soplado a mano”, detalló José De Luca.

Su perseverante dedicación ha llegado a buen puerto: en el año 2021, ganaron dos medallas de plata y una de bronce en la 12ª edición anual del

Concurso Internacional de Licores en Nueva York. “Es el primer cocuy venezolano en ser galardonado internacionalmente”, destaca Durán.

Sus productos insignia son Magno Silver y Magno Gold. Ambos son doblemente destilados en pequeños lotes, cada botella está enumerada. “El Silver regala aromas de fruta dulce ligeramente cítrica remontándonos al agave cocido; especias como la pimienta”, describe De Luca.

Magno Gold tiene una guarda con un mínimo de tres meses en barricas de roble blanco americano. “De color dorado, en nariz y boca es elegante y regala notas de roble, vainilla y agave ahumado recién cocido”, afirma Durán. @magnococuy

De cuna larense

Medalla de Doble Oro en la competencia internacional Sip Awards en California, Estados Unidos, en 2022, y medalla de Doble Oro en China Wine & Spirits 2022, ganó el cocuy La Capilla, elaborado en Siquisique, Lara-Falcón. Roberto Smith, quien lleva la dirección de la empresa, trabaja y apoya a distintos maestros cocuyeros, cuyos nombres están en la etiqueta. Algunos de ellos:

Cabeza de Caballo, de Gerardo Cabrera. Fénix, de Johan Vargas. Urucure, de Freddy Cordero. Dupe, de Nazumi Vargas. Dupe, de Tony & Ricardo Perozo y Las Lomitas, de Pedro Salazar. Unos son más ahumados, otros más untuosos, otros más frutales.

“Cada uno cuenta una historia. Trabajamos con criterios de calidad y excelencia. La curaduría la hace el doctor Santiago López. Su zona ecológica de vida es bosque seco tropical a 392-946 m.s.n.m. donde prospera entre ocho y doce años. Nace tierra adentro, creado por gente de verdad. Recibió pausada cocción en horno de tierra con carbón de cují, úbeda & yabo. Se molió con pilón de piedra y se prensó con troja de vera, el mosto se fermentó con agua natural de pozo artesano. Se destiló en alambique de cobre, se ajustó su riqueza de alcohol, se reposó en botellón de vidrio y se añejó en una sombría y antigua bodega. Son cocuyes claritos y luminosos. Regalan notas de tierra cocida, frutas, nueces. En boca se siente vainilla, caramelo. Son untuosos y complejos”, describe Smith. Otro detalle a destacar son las botellas que hacen honor a lo probado: 100 % artesanales, diseñadas en Lara por maestros sopladores del vidrio. @cocuylacapilla

Fotografía: Natalia Brand @gastrobrand

Glamping Acampar con lujo estrellas 5

¿Qué pasa si fusionamos las palabras “glamour” y “camping”? Muy sencillo: emerge un innovador modelo de negocio turístico llamado “glamping”, pero que se remonta a tiempos ancestrales. Se trata de una experiencia que combina confort y tratos deluxe con el disfrute en pleno de los espacios de la Madre Natura.

A todos nos gusta ir de camping a la playa o la montaña. Pero hay formas muy diferentes de vivir la acampada. El glamping llega para ofrecer una experiencia dotada de todas las prestaciones deluxe de los más refinados hoteles

Por: Alejandro Ramírez Morón

Fotografía: Cortesía

En el camping tradicional que todos conocemos, la familia, o el grupo de amigos, monta sus propias carpas, cavas, lámparas, cocinas eléctricas, etcétera. El glamping ofrece alojamientos a la par de cualquier hotel de 5 estrellas. Amplias tiendas de campaña, cabañas Premium, yurtas, domos, e, inclusive, las entrañables casas en los árboles.

Se suele contar con camas matrimoniales, luz, baños privé, suntuoso mobiliario y hasta jacuzzi o chef exclusivo.

Precursor: Rey Jaime V

En el siglo XVI se practicaba el protocamping. Cuando el monarca de Inglaterra Jaime V iba de visita a Escocia se hacía proveer de un complejo de tiendas con todo tipo de accesorios, apacibilidad, y las características lujosas similares a la de su Palacio.

A inicios del siglo XX, en los años 20, los millonarios de EEUU y Europa adoptaron el hábito de irse de safari a África. El deseo era experimentar de cerca el lado más salvaje de la naturaleza sin renunciar al glamour. De este modo, se montaban campamentos con camas king size, baños de lujo, explanadas y cocinas exclusivas.

En Venezuela, desde hace unos 10 años, opera en Barquisimeto el Glamping La Cepa. Una de sus propietarias, Gabriela Dávila conversó en exclusiva con nosotros.

“Estamos cerca de la cascada El Río, con aproximadamente 90 metros de altura, y el agua es color vino tinto. La Cepa es la raíz de la uva y por eso le pusimos ese nombre”, rompe el hielo.

Reafirma que el glamping nace cuando los reyes se movilizaban y llevaban todas sus comodidades. Posteriormente, dice, los ingleses iban mucho a África y allí realmente nace el glamping cuya idea es que la persona acampe sin perder las comodidades de un hotel 5 estrellas. Más adelante, en Europa comenzaron a implementar la arquitectura de los domos. Dávila habla desde Medellín, donde también tienen operaciones. ¿Cuál es realmente la experiencia? Los glamping están en sitios apartados de la ciudad.

“Nosotros en Barquisimeto estamos a 7 horas de Caracas, pero estamos rodeados de montaña y naturaleza”.

Al modo tropical

En Táchira, Gustavo Anzola comanda el Glamping Aguamiel. Seis espaciosos domos están siendo construidos en Capacho, en Los Andes venezolanos. Cada domo tiene más de 50 metros cuadrados. Tendrán jacuzzi, TV de 50 pulgadas, calefacción, y se podrá ver la ciudad de San Cristóbal desde el Páramo de La Laja.

Algunas características del glamping son la comodidad, el contacto con la naturaleza, es una experiencia personalizada y eco-friendly

También en el estado andino, se encuentra 360Glamping Basecamp. Se trata de agroturismo de montaña. La cosa va de tener contacto cercano con la naturaleza en un pequeño rincón natural. Allí se crearon espacios armónicos con el paisajismo de las montañas y el estupendo clima. Cuentan con restaurant, Full Day y Eventos Privados, como bodas, cumpleaños, entre otros.

Pero hay más: no es en las Baleares, pero es igual de paradisiaco. Aquí mismito, en la isla de Margarita, tenemos Glamping Cubagua Lodge. El trayecto desde Punto de Piedras dura 45 minutos, y navegan a vela y a motor, a cielo abierto. El regreso dura una hora más o menos.

Las embarcaciones son tipo Catamarán. Tienen asientos y cubierta escalonada. Y malla para sentarse durante el trayecto.

Usted puede armar su grupo particular y se le cotiza para hacer de su experiencia en Glamping Cubagua Lodge más exclusiva. Cuentan con posadas ecológicas y autosustentables. La idea es desconectarse al 100%. No hay ni señal de teléfono. El paquete incluye, por ejemplo, parrillas a la orilla del mar.

Pueden viajar personas con “movilidad reducida” en silla de ruedas hasta Cubagua, donde tienen sillas de ruedas anfibias. Hay que avisar con antelación.

El menú está hecho con base en el pescado. Si usted es alérgico al mismo, o sencillamente no le gusta, debe notificarlo para prepararle un menú con otras proteínas. El bar es ilimitado, “all you can drink”.

Si usted quiere ver las estrellas en Cubagua, puede quedase de un día para otro, mediante el plan Cunbagua24H.

El Tequeño

El más deseado

de las fiestas

El pasapalo por excelencia en la familia venezolana es sinónimo de felicidad, desde su creación está ligado a una celebración

El tequeño está de boca en boca, no solo por ser el invitado número uno y el más codiciado en las fiestas de los venezolanos, sino también porque fue declarado Patrimonio Cultural del país, un reconocimiento a un bocado que es orgullo de todos, parte de nuestro ADN culinario como lo son la arepa, el casabe, la hallaca, el pabellón criollo, la cachapa y el dulce de lechosa, sabores que nos son propios y nos identifican.

No hay quien se resista cuando sale la bandeja humeante de tequeños y, es que, desde su magnética simplicidad, esa barrita de suave y gustoso queso envuelto en una masa crocante de harina de trigo y frita justo al momento de comerlo, despierta reacciones de alegría y hasta de fanatismo como pocos pasapalos lo logran.

Desde su creación está vinculado con la festividad, no en vano se dice: “Fiesta sin tequeños, no es

fiesta”. Armando Scanonne, gastrónomo y escritor venezolano, decía: “Tradicionalmente los tequeños se servían en las fiestas y se elaboraban en casa, solo con la llegada de las agencias de mesoneros, a mediados del siglo XX, se consolida la costumbre de comprarlos para freír en casa”. Fueron iconos entre los años 70 y 80 los tequeños de Festejos Mar, que aún mantienen su preferencia. Entre los restaurantes, son referencia obligada los famosos de El Carrizo, en La Castellana, y los del Club Náutico, en Maracaibo.

Si nos remitimos a la historia, encontramos que la primera receta impresa de los tequeños apareció en 1951, en el libro más importante de cocina venezolana en la primera mitad del siglo XX, ¡Buen provecho! Caracas cookery, que incluía una colección de 284 recetas, entre criollas y foráneas, según afirma el periodista, escritor especializado en gastronomía, Miro Popic. El trabajo compilador fue liderado por Dorothy A. Kamen-Kaye, periodista estadounidense que vivió más de 20 años en Venezuela, esposa de Maurice Kamen-Kaye, presidente de la Caracas Petroleum Company, desde 1930 a 1950. Hasta un título de nobleza tiene. En el célebre recetario La cocina de Casilda de Graciela Schael, (1956) ya le otorgaba la distinción de “su majestad, el tequeño”.

Entre hipótesis y anécdotas

Si bien no se discute su nacionalidad, varias hipótesis

Por: Gladys Zapiain Fotografías: Cortesía Agradecimientos: Evasenair Carrera y Rubén Rojas

rondan su origen. Algunas fuentes señalan que fue en Los Teques, capital del estado Miranda, durante la época colonial, creado por empleadas domésticas de familias adineradas, quienes luego de hacer el pan, la masa sobrante la envolvían en trozos de queso que luego freían. Otras sostienen que fue en un barrio llamado El Teque, en la Parroquia Altagracia, en la Caracas del siglo XIX. Hasta origen zuliano le han dado al tequeño, región donde las recetas fritas y el queso fresco son la norma. Esta teoría apunta a que fue en Villa del Rosario por un señor de origen italiano de apellido Franco, a comienzos de siglo XX, según una investigación de Popić en su libro Comer en Venezuela. La tesis más fundamentada nos refiere a las hermanas Báez, de Los Teques. Famosas por sus fiestas, se dice que preparaban unos “enrolladitos de queso” para recibir a sus novios, afirmándose que fue la mayor de las hermanas, Josefina Hernández de Oviedo, quien los creó a

su carta de presentación, el profesor Rafael Cartay, apuntaba “es un aperitivo o pasapalo frito, de forma cilíndrica, hecho con una barrita de queso semiduro envuelta en tiras de masa de harina de trigo”. Miro Popic, lo enaltece “El tequeño es mucho más que un pasapalo, es todo un clásico de nuestra gastronomía con atributos que superan lo culinario y lo elevan al nivel de obra de arte”.

Más allá de conceptos, sabemos que cuando sale la bandeja de tequeños, hay una picardía, de que algo sabroso está por suceder, resalta Evasenair Carrera, fundadora de Tequeños Las Tías. “Es una religión, es una manera de ser. Es lo máximo en guaracha”. La fábrica con 28 años de historia y reconocida con una mención Tenedor de Oro de la Academia Venezolana de Gastronomía, lo elevó a otro nivel de sofisticación, con su receta familiar de tequeños pre-elaborados con masa de hojaldre.

Freír y a gozar

Nunca se hace un tequeño apurado. El secreto del “bocado de amor”, como lo llaman Las Tías está en la masa y su proceso de 5 días y 5 pasos previos a la elaboración de los tequeños. El queso tiene que estar bien prensado y con el toque perfecto de sal.

Deben freírse congelados. Cuando el aceite esté bien caliente, se sacan en pequeñas porciones los tequeños del congelador y se fríen por 4 minutos, a una temperatura entre 175 y 180 grados. Si se tienen varios sabores, se recomienda freír primero los de queso, guayaba con queso, queso con chistorra, chistorra y chocolate para el final.

La evolución del Rey

El tequeño ha dado muestra de su gran versatilidad con nuevas variantes, producto de fusiones culturales y tendencias gourmet. Los hay con pesto, tomates secos, espinaca y ricotta. También se incorporan otros tipos de queso como el de cabra, mozzarella, manchego, cheddar, feta y roquefort con tocineta. El jamón, la salchicha, las chistorras aumentan la variedad disponible en el mercado de la mano de emprendedores y otras marcas consolidadas de un elevado nivel de calidad.

los 15 años. El aperitivo pronto ganó fama. Se relata que cuando llegaban a la estación de tren en Caño Amarillo, en Caracas, la gente gritaba: ¡Llegaron los Tequeños! En realidad, se referían a los habitantes de Los Teques, pero con el tiempo la preparación adquirió dicho nombre.

Picardía tras un bocado

Sea cual sea su origen, nadie duda de la predilección que mantiene el tequeño, por encima de clases sociales, ideologías, educación y credos. De

Al relleno de queso se han sumado opciones dulces como el chocolate, nutella, dulce de guayaba, cremas y jaleas. Masas de hojaldre, brioche y de harinas alternativas como el plátano complementan la oferta junto a versiones industrializadas.

Desafiando tradiciones, paladares y fronteras, viaja congelado miles de kilómetros cargado de nostalgia por nuestros sabores, estando presente como aperitivo en los menús de restaurantes de comida venezolana en Europa, América e inclusive en Asia.

Para algunos expertos de tequeños, “Meterlos a la freidora de aire es un sacrilegio”

El Jamón es Plumrose

Ha sido baluarte de su portafolio y experimentar en la cocina con el producto se ha vuelto una constante, por la cantidad de recetas que se pueden desarrollar

Durante las siete décadas ininterrumpidas de actividad de Plumrose en Venezuela, el jamón ha sido el referente de la marca y de su categoría. Adicionalmente, el venezolano ha crecido con ese sabor en sus arepas y sándwiches, es por esto que promueve a este producto con una campaña de comunicaciones con base en sus características, que han enamorado a todos.

La gerente de la categoría Enteros de Plumrose, María Cecilia Loreto, indicó que fueron los venezolanos quienes señalaron los atributos que prefieren de este producto, lo que ha enriquecido la campaña 2023. Es por esto que el slogan de la campaña: “El jamón es Plumrose”, es una frase que desde hace años se deja escuchar entre los consumidores, y que

recoge esa relación que se ha establecido a lo largo del tiempo, porque es “el de más calidad, el más sabroso, el que le gusta a mi familia, el de siempre”. Añadió que el jamón Plumrose está presente en la mesa de la familia venezolana en toda ocasión, y es valorado por su sabor característico y calidad, “la comida tiene un toque especial con el sabor de nuestro jamón, y lo utilizan para rellenar una arepa, para desayunar o hacer un sándwich

Especial para Con Clase Fotografía: Cortesía

para el hijo que va al colegio, a la universidad o simplemente para ver un juego de pelota; también para completar una ensalada que servirá de almuerzo en el trabajo o una rica pasta”.

Retorno de un favorito

Volvió a la mesa del venezolano la Pechuga Cocida de Pavo, para satisfacción de esos consumidores a quienes les gusta cuidar su dieta y la de su familia, con productos saludables de altísima calidad.

María Cecilia, señaló que la marca siempre responde a las necesidades de la familia venezolana con la mayor calidad y con productos que ya son tradicionales en la mesa criolla, con ese sabor que ha disfrutado por años el consumidor.

Precisó que la Pechuga de Pavo Plumrose “está disponible en los distintos comercios, para satisfacer el interés de los consumidores a quienes les gusta una buena alimentación, y que por ello buscan productos saludables que sean nutritivos, con los cuales puedan complementar y variar sus comidas”. Añadió Loreto que “es muy fácil preparar una ensalada con trocitos de pavo, y también una rica tortilla, además de un tradicional sándwich o una arepa, por ello es un producto ideal para quien este buscando ese perfil”.

Señaló que los consumidores ya conocen el producto, que es pavo garantizado y lo prefieren por su calidad y su sabor, color y textura.

70 Aniversario

Plumrose, una empresa con siete décadas ininterrumpidas de actividad en el mercado venezolano, enfoca sus objetivos en este aniversario en afianzar su presencia en la mesa y el gusto de los consumidores, con la finalidad de complacer todos los paladares, sin distingos de edad, y mantenerse como la alternativa favorita para acompañar los mejores momentos con la familia y los amigos o para saborear una rica comida en cualquier actividad.

Loreto, adelantó que este año la compañía Plumrose celebra este 70 aniversario siendo parte de la tradición venezolana y “procura estar siempre presente en las mesas de los hogares de los venezolanos, donde busca crear momentos memorables, que satisfagan el paladar y alegren el corazón, en cualquier comida cotidiana”.

Son años de esfuerzo y desarrollo constante, que convierten a esta empresa venezolana en un ícono nacional que exhibe calidad, frescura, buena presentación, y que siempre ha estado al lado de los venezolanos.

Y es que esta marca no solo es una empresa de tradición sino de mejora continua, con la intención de estar siempre atenta a los cambios y gustos de los consumidores venezolanos, para ofrecerles ali-

mentos de la mayor calidad, nutritivos y prácticos, que puedan ser protagonistas de diversas experiencias gastronómicas, o para aportar novedad a la comida diaria.

Para que cada familia pueda tener en su mesa todo el sabor Plumrose, a través de los años la marca se ha esmerado en ofrecer un surtido portafolio con grandes opciones: desde el tradicional Jamón Cocido o el práctico Jamón Endiablado, hasta el incondicional perro caliente con salchichas Wieners, así como sus innovaciones de la riquísima línea Deli para una ocasión especial, o los versátiles cortes frescos de cerdo con su “carne rosada”, para que todos disfruten con una numerosa variedad de alimentos excelentes, balanceados, con proteínas de calidad, plenas de sabor y que fortalecen la nutrición.

La empresa tiene experiencia, no solo en el manejo del cerdo, sino también en el know how del desarrollo de productos, y cuenta con gran experiencia sobre producción de jamones y embutidos en Venezuela, por lo que ofrece productos de calidad que son preferidos por los consumidores.

La Pechuga de Pavo volvió para satisfacer el interés de los consumidores que quieren cuidar su dieta y la de su familia

Crónicas viajeras por Rafael Arráiz Lucca

Barbados,

el otro carnaval

Bautizada por navegantes portugueses que vieron en sus ficus raíces barbadas, en la más oriental de las antillas caribeñas el verdor deslumbrante es hijo directo de impredecibles chubascos. Pero el sol y la costa coralina la han sembrado de playas que rechazan todo calificativo y no dejan lugar más que para la admiración y el asombro. Y bajo una elegancia sembrada por el más británico espíritu, irrumpe la pícara sensualidad del calypso.

En Barbados reina la discreción de los ingleses. Es difícil suponer lo que subyace debajo de la punta del iceberg en aquella isla de 260.000 habitantes. La historia viene de lejos: su denominación proviene de los portugueses que, en su navegación hacia las tierras ignotas que hoy forman Brasil, se detuvieron en la isla y les impresionó un ficus característico. De las ramas del árbol penden pequeñas raíces que buscan la tierra y parecen barbas. Al verlo, los lusitanos lo llamaron “barbados”. Desde entonces se identifica así a la isla situada más al extremo oriental de las antillas caribeñas.

El verdor deslumbrante de la isla es fruto de unas lluvias de conducta impredecible: un torrente de agua puede caer sin previo aviso e irse como llegó. El día entero puede transcurrir entre chubascos y sol, entre el prodigio de la luz y las sombras. La costa caribeña es totalmente coralina, la atlántica lo es en menor medida. Cualquier calificativo sobre las playas de Barbados puede quedarse corto. La

misma sensación de sobrecogimiento han debido experimentar los ingleses que llegaron a la isla en 1625, gracias al timón del capitán Henry Powell. Dos años después, 80 colonos se instalaban en la isla para siempre. Los mismos que constituyeron el sistema parlamentario en 1639, el tercero en orden de prelación en el mundo, después de Londres y las Bermudas. Quizás esta tempranísima asunción de un sistema civilizado explique los altos niveles educativos de los barbadenses: 98% de sus habitantes ha recibido instrucción, y el analfabetismo es prácticamente inexistente. El orden parlamentario británico ha sido ininterrumpido durante más de 350 años. La estabilidad es una de sus fortalezas.

Elegancia británica

No exagero si afirmo que Barbados es de las islas más aristocráticas del Caribe. Esto se expresa en la magnitud de las casas y el buen gusto de los hoteles. Las residencias que abren sus terrazas hacia la bahía de Sandy Lane le quitan la respiración a cualquiera. Entre ellas, la de los Mendoza de la Polar, construida con ladrillos compactados con restos de coral. Todas estas casas hermosísimas fueron, en su mayoría, levantadas en la década de los años 60, cuando Barbados dejaba de ser un secreto bien guardado. Entonces, se construyó un hotel legendario en el Caribe inglés: el Sandy Lane. Inexplicablemente fue derruido por sus nuevos propietarios irlandeses, y en su lugar prometen alzar uno de los mejores hoteles del mundo, con una inversión cercana a los 200 millones de dólares. En el mismo condado veranea el actor norteamericano Tom Selleck, un asiduo de la isla en mayor magnitud que el duque de York, el príncipe Andrés de la corona británica, que se ha bañado en sus playas en muchas oportunidades.

Al lado de los terrenos donde estará el nuevo Sandy Lane, enfrente de los 18 hoyos de golf, están dos hoteles preciosos: el Royal Pavillion y el Gliter Bay. De pocos pisos y extendidos sobre la playa, las tarifas oscilan entre 235 dólares por habitación doble y 1.770 dólares por una villa para seis personas. Los mismos dueños poseen el campo de golf Royal Westmoreland, concebido por la autoridad de Robert Trent Jones Jr. e inaugurado en 1994. Dicen los expertos que el arquitecto se inspiró en la meca del golf: el campo de Saint. Andrews, en Escocia, espacio donde nació este deporte que ya cuenta en su haber con más de 500 años de práctica.

Hoteles de menor categoría abundan, pero no por ser más económicos son desdeñables. En verdad, la atención de los barbadenses es esmerada. De hecho, el turismo desplazó al cultivo de la caña de azúcar del primer lugar en la pirámide de la economía. Esta lo fue durante todos los años de la colonia; prueba de ello son las casas de las viejas plantaciones, que hoy en día pueden visitarse.

El Festival de la Cosecha

El carnaval de Barbados no ocurre cuando ocurre el carnaval. Los barbadenses lo celebran, siguiendo la pauta de una secular tradición, cuando adviene el fin de la cosecha. Los últimos días de julio y los tres primeros de agosto, todos los años, tiene lugar

la fiesta que llaman Crop Over. La celebración tiene varios matices: una noche acaece un maratónico concurso de calipso, en el que los intérpretes cantan dos veces, y la función comienza a las ocho de la noche y puede terminar a las tres o cuatro de la madrugada. Los jueces se toman su tiempo, y finalmente emiten su veredicto. El ganador se lleva un carro y el aprecio fervoroso de su pueblo. El calipso, por naturaleza, en sus letras recoge tanto el hecho social como el político. Especialmente este último entusiasma a sus cantantes. Las letras pueden ser abiertamente críticas, aunque a veces olvidan el tema exterior y se adentran por senderos eróticos.

En verdad, la sexualidad está más presente dos noches después, cuando los mejores intérpretes de música caribeña se dan cita en el mismo Estadium Nacional donde ocurre la fiesta. Entre todos destaca uno llamado John King: un verdadero innovador del género, que se aparta del tono estridente y toca regiones más cercanas al corazón. Algunas de sus canciones son conmovedoras, íntimas, sentimentales. Salvo King, a todos los demás los llama exclusivamente la picardía sexual. Lo que puede verse en el Estadium es notable. El baile de moda es francamente erótico; intento describirlo: la mujer, naturalmente dotada con unos prominentes glúteos, los levanta hasta más no poder, buscando rozar con sus movimientos el lugar del centro masculino. Se parece al baile del perrito del merengue, pero no le hace concesiones a la gracia: es abierta y definitivamente sexual. Ver a multitudes de parejas bailando en la posición del coito de los canes puede llegar a ser insólito, sobre todo si las mujeres se apoyan con las manos en las rejas para mover mejor sus partes traseras.

Si el turista busca experiencias multitudinarias catárticas, es muy probable que las encuentre en las noches de Bridgetown. A la puesta en escena se suma un detalle altamente erótico: llueve y no llueve. El baile y la música ocurren cuando escampa, y los pasos se dan sobre una grama mojada que ya es lodo, y las franelas se mojan dejando al descubierto lo que seco se oculta.

La pasión musical y dancística continúa expresándose luego con las comparsas del carnaval. Casi 30 desfilan frente a un jurado, y no sólo están compuestas por gente del patio. De hecho, todos los años un contingente de peluqueros puertorriqueños se anima a disfrazarse de Batman y salir de su cueva a expresar su alegría. Los vi servirse el vino desde unas botas taurinas hasta unas copas de champañas con una delicadeza que no había visto antes.

Sunbury y el Jardín Botánico

Una de las casonas que puede visitarse es la de Sunbury Plantation House. Con 300 años a cuestas y la supervivencia a varios huracanes y un incendio, la mansión aún conserva sus muebles de caoba, sus camas con techo y mosquitero, un largo comedor con espejos y mucho del clima de distinción que trajeron los ingleses al Caribe. A su alrededor los tablones de caña de azúcar prosperan año tras año.

Prueba de la fertilidad barbadense es el Jardín Botánico, que se encuentra en una de las montañas de la isla. Digno de visitarse el muestrario de plantas tropicales, recuerda la variedad asombrosa de palmas que contiene el Jardín Botánico de Caracas. Bien vale un paseo vespertino, cuando el calor amaina y el sol deja ver a lo lejos las playas atlánticas. Allí constaté la nobleza de la flor de cayena y la textura imprevisible del bastón del emperador. Los helechos me devolvieron a mi infancia, cuando mi madre se esmeraba en regarlos y celebraba sus ramas felices.

La cueva de Harrison

Especialmente recomendada para los niños, la cueva de Harrison ofrece una experiencia que se debate entre la espeleología y las atracciones de Disney World. Por entre la caverna se adentra un trencito en el que vamos sentados con un casco en la cabeza. La visión de las estalactitas es hermosa y la aventura puede ser un abrebocas de expediciones más profundas. No está mal, las visiones que ofrece son hermosas, pero la intervención del hombre en estos espacios cavernosos luce exagerada. De hecho, la iluminación, lejos de ser con antorchas o linternas, es con focos de alta intensidad y de distintos colores. Pero, si para los adultos puede resultar levemente chocante la incursión, para los niños es un prodigio. Para ellos, y los adultos como lazarillos, vale la pena.

BELLEZA salud&

GMSP Innovadora hotelería clínica

El Grupo Médico Santa Paula ha implementado un concepto único, con óptima calidad en sus instalaciones, elevando los estándares y la comodidad para los pacientes que lo deseen

Expertos en el campo de la salud han enfatizado la importancia de proporcionar un entorno tranquilo y cómodo durante la estadía clínica de los pacientes, como medida para contrarrestar los factores estresantes asociados con las situaciones sanitarias. En línea con esta perspectiva, el Grupo Médico Santa Paula (GMSP) ha introducido un nuevo servicio opcional de hotelería clínica de calidad óptima. Este enfoque innovador, actualmente implementado en el piso 5 de sus instalaciones, tiene como objetivo principal brindar bienestar, comodidad y privacidad a los pacientes y sus acompañantes.

Confort y atención personalizada

Claudia Tourné, gerente de Servicios del GMSP, con una sólida experiencia en el ámbito hotelero, explicó que su objetivo es proporcionar el máximo bienestar posible a los pacientes y huéspedes. Reconoce que cuando alguien acude a la clínica por problemas de salud, ya está lidiando con su afección y lo que busca es recibir una atención de calidad, privacidad y sentirse tan cómodo como en su propio hogar. Asimismo, menciona la importancia de que los familiares o acompañantes también se sientan a gusto durante la estadía.

Beneficios centrados en el paciente

En el GMSP se ha diseñado un espacio que ofrece mayor confort, privacidad y atención personali-

su estadía en la clínica, generando respuestas positivas a través de una atención médica especializada y altamente capacitada, el uso de tecnología avanzada, aunado a servicios eficientes y modernos.

Tecnología al servicio del paciente

El gerente de Mercadeo del GMSP, Arturo González, destaca que este servicio está disponible para todos los interesados. Aunque implica un costo adicional por el uso diario de las habitaciones de hotelería, esto no afecta el presupuesto relacionado con el costo clínico ni los honorarios médicos del procedimiento a realizar. El piso 5 cuenta con 11 habitaciones para cuidado clínico y 3 habitaciones de hotelería, las cuales pueden ser utilizadas tanto por los acompañantes como por los pacientes en estadías prolongadas.

El servicio de hotelería clínica incluye una recepción personalizada y ágil tanto para el ingreso como para el egreso, la cual también está disponible desde la sala de emergencias. Además, se proporciona un salón privado con diversas comodidades que puede utilizarse como área de trabajo o espacio de reunión. Conexión Wi-Fi de alta velocidad, el kit de cuidado personal y una oferta gastronómica más amplia con servicio a la habitación también son parte de los servicios diferenciados.

Se ha incorporado tecnología de vanguardia, como un sistema digital de llamado a enfermería que facilita el control de la administración de medicamentos y la atención a los pacientes. El personal de enfermería realiza un monitoreo constante de los pacientes a través de pantallas, lo que permite una gestión exhaustiva en tiempo real.

Soluciones integrales

Arturo González resalta que este concepto de hotelería clínica puede ser una solución de alojamiento para pacientes tanto nacionales como internacionales, adaptándose a diversas necesidades. El GMSP busca integrar todos los servicios necesarios para brindar una experiencia integral y satisfactoria a los usuarios.

zada. Se ha puesto especial cuidado en la decoración, el equipamiento, el mobiliario y la iluminación de las habitaciones y pasillos. El resultado es un entorno que los usuarios han descrito como más similar a un hotel que a una clínica, lo que demuestra el éxito de la propuesta.

Enfocados en la excelencia

El GMSP ha conformado equipos especializados en áreas asistenciales, de servicio y mantenimiento con el objetivo de garantizar estándares de calidad superiores. Claudia Tourné destaca que este concepto de hotelería clínica es el modelo de cultura en calidad de servicio que se busca implementar y replicar en todas las áreas. Estos esfuerzos se enmarcan en la meta de lograr la máxima satisfacción de los pacientes durante

El Grupo Médico Santa Paula ha dado un paso adelante al ofrecer un servicio opcional de hotelería clínica de calidad óptima. Su enfoque en la comodidad, la privacidad y la atención personalizada ha sido respaldado por expertos en el campo de la salud, quienes destacan la importancia de proporcionar un entorno libre de estrés para los pacientes durante su estadía clínica. Al enfocarse en la satisfacción del paciente, ha desarrollado un modelo de cultura en calidad de servicio que se esfuerza por implementar y replicar en todas las áreas de la clínica. Con servicios diferenciados y tecnología de vanguardia, el GMSP continúa innovando para satisfacer las necesidades cambiantes de los usuarios y garantizar una experiencia hospitalaria de calidad.

JUVENTUD Protegiendo el tesoro

La medicina antienvejecimiento propone alcanzar una longevidad saludable a través de la prevención personalizada de las condiciones de la edad.

No podemos ir contra este pronóstico, pero sí podemos limitar al máximo las enfermedades que acompañan a este inevitable proceso para vivir mejor

El antiaging estudia cómo envejecemos y por qué al hacerlo aparecen ciertas enfermedades, con el fin de prevenir, ralentizar o invertir sus efectos. Para ello, se maneja la biotecnología y muchas propuestas de la medicina natural.

Prevenir el envejecimiento

Es recomendable cuidarse a partir de los 35 o 40 años, porque suele bajar el ritmo de regeneración celular y se puede empezar a notar que el cuerpo o la cabeza no responden como antes.

Tener y mantener hábitos de vida saludables (dieta balanceada, ejercicio, hacer meditación, no consumir cigarrillo, usar protector solar a diario) y acudir con tu dermatólogo de confianza para mantener una rutina efectiva según cada caso, a base de antioxidantes y retinoides tópicos, son ideales para prevenir el antienvejecimiento. También los tratamientos a base de tecnologías lumínicas como láseres e inyectables como bioestimuladores de colágeno son de gran ayuda.

SÍNTOMAS

-Sobrepeso

-Estrés reiterado

-Pérdida de memoria

-Falta de energía

-Molestias digestivas

-Menor líbido

-Dolores articulares

-Trastornos del sueño

-Pérdida de masa muscular

-Flacidez

-Celulitis

-Estrías

-Adiposidad

Por: Stefania D’Alessandro Fotografía: Cortesía

En cualquier caso, si eres más joven y se presentan estos signos, el objetivo es siempre el mismo: favorecer un envejecimiento más saludable corrigiendo en lo posible sus causas y devolviendo al organismo el equilibrio perdido.

Los factores que influyen en esa pérdida de equilibrio son muchos. Se calcula que la genética es responsable hasta en un 30%. El 70% restante lo determinan factores medioambientales: la dieta, la contaminación, el sedentarismo, el trabajo, las relaciones afectivas, entre otras. La combinación de estos factores es tan compleja y varía tanto de una persona a otra que las recetas generales de cómo llevar una vida saludable y envejecer bien no funcionan del todo.

Medir el envejecimiento

A nivel biológico, la degeneración es una acumulación de daños en el organismo que conduce a la pérdida de facultades físicas y psíquicas, pero ¿cómo se mide? Y ¿cómo se sabe si se está envejeciendo bien o se podría envejecer mejor?

Los años cumplidos revelan el tiempo que se lleva en el mundo, pero no la cantidad de daños acumulados en ese periodo. Para esto último se ha acuñado la expresión de edad biológica. El problema es que cada parte del cuerpo envejece a un ritmo distinto. Sí se puede medir el deterioro de las distintas funciones corporales y mentales para compararlo con el de la media de la población de la misma edad.

Esto permite dibujar un retrato minucioso de la salud de cada persona y actuar sobre las funciones más envejecidas. En este principio se basan los llamados biomarcadores o indicadores de envejecimiento, una herramienta básica de los tratamientos antiedad.

PRUEBAS

-Antecedentes y hábitos -Exploración física -Funciones psíquicas -Composición corporal -Desequilibrio hormonal

ALGUNAS CLAVES

La doctora Yoraima Petter, internista y dermatólogo (@yoraimapetter) y el doctor Juan Carlos Méndez, especialista en medicina antienvejecimiento (@doctorantivejez) explicaron sobre cómo ganar masa muscular para mantenernos jóvenes, vitales y la importancia de ganar y mantener masa muscular para ralentizar el proceso de envejecimiento.

“Mantener la masa muscular es particularmente difícil para los mayores de 30 años, especialmente cuando hay falta de ejercicio, porque la edad actúa como un reloj que avanza progresivamente consumiendo músculo y fuerza. Nuestros músculos comienzan a deteriorarse naturalmente tan pronto llegamos a los 30. Cuando tenemos 40 años, perdemos aproximadamente el 8% de nuestra masa muscular cada década. Eso se acelera a un ritmo más rápido después de los 60”, determinan los especialistas.

El proceso por el cual perder músculo, fuerza y movilidad con la edad se llama sarcopenia Se manifiesta con debilidad generalizada, cansancio, falta de energía, de equilibrio y torpeza al caminar o mantenerse en pie. Esto explica el por qué las personas mayores son más propensas a caerse o tener accidentes mientras caminan.

Ganar y preservar la masa muscular tiene muchos beneficios: reduce el riesgo de mortalidad por insuficiencia cardíaca y cáncer, mantiene la masa y la densidad ósea, baja los riesgos de discapacidad, aumenta el metabolismo y disminuye la grasa corporal, mantiene la sensibilidad a la insulina previniendo la diabetes y optimiza nuestra calidad de vida general.

GENES Y ENVEJECIMIENTO

- Los seres humanos tenemos entre 25.000 y 30.000 genes, cada uno con diferentes polimorfismos o formas de manifestarse a nivel biológico. De cómo se expresan algunos genes dependen nuestra longevidad y predisposición a enfermar.

-La tecnología ha hecho posible que en los tratamientos antiaging se estén realizando ya pruebas genéticas. Algunas empresas han desarrollado chips que permiten analizar múltiples genes a la vez. “Nos queda muchísimo por saber, pero aun así podemos establecer el riesgo que tiene cada persona de desarrollar ciertas enfermedades”, explica la dermatóloga Lisbella Asuaje.

-“Genéticamente se puede ver, por ejemplo, si existe mayor riesgo de osteoporosis. Esto permite actuar sobre la dieta y otros hábitos para compensar la susceptibilidad que marca la genética: suprimiendo café y bebidas azucaradas, aconsejando ejercicios que minimizan la pérdida de densidad ósea, corrigiendo la falta de calcio u otros minerales”.

-Además del riesgo de osteoporosis, genéticamente se puede establecer la sensibilidad a la insulina, la capacidad de eliminar sustancias tóxicas o asimilar el calcio o el ácido fólico, la susceptibilidad a enfermedades cardiovasculares o degenerativas como cáncer o Alzheimer, si se reacciona bien a ciertos fármacos.

-Nuestra carga genética nos da la predisposición para envejecer de una determinada forma, pero en la actualidad se conoce el impacto del exposoma (es decir factores externos como la dieta, polución, contaminación, radiación ultravioleta, etc.) en la expresión o no de ciertos genes, conocido como epigenética (es decir como el ambiente influye en la manifestación o no de ciertos genes).

-Se están realizando pruebas genéticas que aportan información muy valiosa para diseñar protocolos personalizados a cada caso.

LA INTELIGENCIA ARTIFICIAL (IA) ES UN CAMPO DE ESTUDIO QUE BUSCA DESARROLLAR MÁQUINAS

Y PROGRAMAS CAPACES DE REALIZAR TAREAS

QUE REQUIEREN DE INTELIGENCIA HUMANA. DESDE LOS PRIMEROS CONCEPTOS HASTA LAS TECNOLOGÍAS MODERNAS QUE CONOCEMOS HOY EN DÍA, HA HABIDO IMPORTANTES AVANCES

IA EL FUTURO con la

SALVANDO LAS DISTANCIAS, hay que imaginar la hecatombe que debe haber causado en la temprana civilización la invención de la rueda. Sin duda, facilitó la vida del ser humano, pero seguramente dejó ociosos a los más fortachones de la aldea ¿Sería así? Me gusta hacer ese tipo de ejercicio, conjeturar —porque no hay manera de hacer otra cosa—, qué pueden haber experimentado los primeros homo sapiens al descubrir o inventar algo que les libraría de peligros, trabajos forzosos y los innumerables problemas que supone convivir con la salvaje naturaleza. Soy de las que piensa que hasta la domesticación de los animales le dio un plus fantástico a la humanidad, pero también debe haber significado atravesar por crisis realmente dramáticas.

Superamos la Edad de Piedra, dominamos al planeta (incluyendo la posibilidad de destruirlo), y al mejor estilo de la secuencia de apertura de la serie The Big Bang Theory, llegamos a este momento en el que

parece que estamos a punto de ser superados intelectualmente por nuestra propia invención.

La época dorada de la literatura de ciencia ficción está enmarcada más o menos en los mismos años en que comenzó el desarrollo del concepto de Inteligencia Artificial (IA), una de esas ideas que parecen haber gravitado en las neuronas del hombre desde que dispuso del tiempo suficiente para dedicarse a cosas diferentes a la supervivencia. Porque hay que decirlo, todos los desarrollos que la humanidad ha alcanzado, han sido posibles porque se le dio al cerebro la oportunidad de contemplar, observar, admirar y experimentar.

“El ocio es la madre de todos los vicios” reza un refrán que, como la mayoría, guarda una enorme sabiduría popular. Pero ciertamente, fue ese precioso tiempo

Por: Yolanda Manrique Fotografía: Archivo

EL CRECIMIENTO EXPONENCIAL

La inteligencia artificial (IA) continúa transformándose, y estas son algunas de las tendencias emergentes y los posibles caminos que está tomando en la actualidad:

IA centrada en el ser humano: Las tecnologías de IA están evolucionando para adaptarse a nuestras necesidades, entender nuestras emociones y brindar experiencias personalizadas. Los sistemas de IA se están diseñando para interactuar de manera más natural con los usuarios, utilizando interfaces de voz y reconocimiento facial avanzados.

IA en la atención médica: La tecnología tiene el potencial de mejorar el diagnóstico

y tratamiento de enfermedades, agilizar la investigación médica y brindar atención personalizada. Los algoritmos de aprendizaje automático pueden analizar grandes cantidades de datos de pacientes para identificar patrones y ayudar a los médicos a tomar decisiones más informadas. Además, la robótica y la telemedicina respaldadas por la IA permiten ofrecer atención de calidad en áreas remotas.

IA y automatización: A medida que los robots y los sistemas de IA adquieren habilidades más avanzadas, ciertos trabajos pueden ser reemplazados por máquinas. Sin embargo, también se están creando nuevas oportunidades laborales. La colaboración entre humanos y máquinas se está volviendo cada vez más importante, y la IA

libre que aquel primer individuo logró atesorar gracias a cada nueva herramienta que le facilitó la vida, lo que nos ha traído hasta aquí.

Realidad o Metáfora

Desde la antigüedad, mitologías y leyendas de diversas culturas muestran criaturas artificiales dotadas de inteligencia. Por ejemplo, en la mitología griega, el inventor Dédalo construyó el laberinto de Creta y el autómata Talos, un gigante de bronce que protegía la isla. La creación de seres que imitan al hombre ha sido una idea recurrente.

A pesar de que los conceptos se remontan muy atrás en la historia, es en el siglo XX que el término “inteligencia artificial” fue acuñado por John McCarthy, Marvin Minsky, Nathaniel Rochester y Claude Shannon en una conferencia en Dartmouth College. Desde las décadas de 1940 a 1960, científicos como Alan Turing y John von Neumann exploraron la posibilidad de crear máquinas capaces de pensar. Turing, en particular, propuso la idea de una “máquina universal” que pudiera simular cualquier otro sistema de cómputo.

En la década de 1960, el desarrollo de la IA se enfrentó a dificultades y la comunidad de investigación pasó por un periodo conocido como “El invierno de la IA”, debido a la falta de avances significativos y de financiamiento. Sin embargo, a partir de 1980 hubo un resurgimiento de la IA gracias a avances en áreas como el razonamiento basado en casos, la visión por computadora y los sistemas expertos.

En los años siguientes, la IA experimentó avances significativos. A finales del siglo pasado, el ajedrecista de IA Deep Blue de IBM venció al campeón mundial de ajedrez Garry Kasparov. Luego, en 2011, IBM desarrolló Watson, un sistema de IA capaz de responder preguntas en lenguaje natural, que ganó en el programa de televisión Jeopardy!

En los últimos años, el aprendizaje automático y las redes neuronales profundas (también conocidas como

se está utilizando para mejorar la productividad y la eficiencia en entornos de trabajo.

IA y conducción autónoma: A medida que la tecnología avanza, los vehículos autónomos se están volviendo más sofisticados y seguros. La IA juega un papel fundamental en la percepción, el reconocimiento de objetos y la toma de decisiones en tiempo real.

IA ética y regulación: La transparencia en los algoritmos de IA, la equidad en la toma de decisiones y la responsabilidad son temas cruciales que deben ser considerados. La creación de marcos regulatorios y estándares éticos se vuelve esencial para garantizar que la IA se utilice de manera responsable y beneficiosa para la sociedad en su conjunto.

Aunque hay desafíos por superar, la inteligencia artificial promete abrir nuevas posibilidades y transformar diversos aspectos de nuestra sociedad en los próximos años

redes neuronales convolucionales y redes neuronales recurrentes) han impulsado el desarrollo de la IA. Estos enfoques permiten que las máquinas aprendan y mejoren su rendimiento a través de la experiencia y el análisis de grandes cantidades de datos.

A medida que la IA continúa evolucionando, los expertos se plantean preguntas y desafíos éticos, como la privacidad, la seguridad y el impacto en el empleo. La investigación en IA sigue en curso y, aunque voces muy serias están insistiendo en el peligro que representa, se espera que su repercusión sea cada vez mayor en nuestras vidas en el futuro.

Mi única esperanza, así como la invención de la rueda acortó la distancia y le dio una nueva perspectiva al ser humano, es que la inteligencia artificial le proporcione a la humanidad el tiempo para crear, desarrollar otras habilidades, disfrutar de un tiempo valioso. El arte siempre estará allí para redimirnos, para darnos una nueva dimensión. El asunto estará en no intentar competir con la máquina, porque sin duda, ya nos supera. Su capacidad de acumular en nanosegundos toda la información del planeta, es evidente que nos pone en desventaja…

La ética y la moral corporativa

La ética es el conjunto de principios y normas que orientan el desempeño de una empresa en el ámbito de los negocios, e incluso en lo personal. Se rige por la moral, es decir, diferencia entre lo que está bien y lo que está mal, entre lo correcto y lo inapropiado. Los valores de cada organización son las líneas rectoras de cómo cada una de las personas que la forman debe actuar y desde el momento que inicia la relación laboral deben ser claras y promovidas constantemente, como parte de la cultura organizacional.

Pese a que muchas veces, principalmente en pequeñas empresas, la ética no se plantee de una manera estructurada, siempre existe ese sistema de valores que busca generar un marco moral respecto a otros entes, para lograr un equilibrio y así facilitar la gestión, tanto internamente como con todos los actores que interactúan: clientes, proveedores, entes gubernamentales, sociedad civil, etc.

Una de las principales razones por las que el marco ético debe ser definido y promovido dentro de las empresas obedece a la búsqueda de minimizar cualquier daño o impacto negativo que puedan generarse en la gestión del negocio, pero también en el entorno, ya que

impacta sobre su reputación, el cual representa uno de los principales activos intangibles que se pueden tener. Aunque no es palpable, su efecto puede cuantificarse con el impacto que tiene en la gestión comercial, creando en el mercadeo y en la opinión pública general defensores o detractores.

Yendo al terreno fáctico, por lo general no resulta sencillo implementar códigos de ética y moral estructurados dentro de una organización, ya que muchas veces los conceptos pueden estar sujetos de la interpretación de cada individuo, sea por conveniencia o por mapas mentales preestablecidos o porque muchas veces, no es valorada la importancia que tienen. Para ello, la comunicación franca, un liderazgo comprometido y que modele frente a sus colaboradores son claves fundamentales para el éxito.

Los negocios éticos tienen un gran valor entre los clientes y los colaboradores. La ética debe ser parte de la cultura empresarial en todo momento para que la sociedad confíe en los productos o servicios que brinda, especialmente a largo plazo.

¡Nos leemos pronto!

La última

The Celebration Tour será la duodécima gira de conciertos de la cantante estadounidense. La gira visitará más de 35 ciudades y comienza en el Rogers Arena de Vancouver, Canadá. La gira continuará con espectáculos en Norteamérica y Europa hasta 2024, con más de 80 actuaciones previstas. Será la primera gira retrospectiva de Madonna, presentando sus grandes éxitos de las últimas cuatro décadas.

La noticia la dio en enero de este año. Es la madre todas las giras y comienza en Estados Unidos, para seguir recorrido por Europa. En lo que fue —sin ninguna duda— un anuncio muy esperado, Madonna reveló su The Celebration Tour, una gira que tiene como objetivo conmemorar sus más de cuatro décadas en la industria de la música. “Estoy emocionada de explorar tantas canciones como sea posible con la esperanza de brindarles a mis fanáticos el espectáculo que han estado esperando”, dijo la diva en un comunicado emitido por LiveNation, la compañía productora del megaespectáculo. La invitación es a cantar a todo pulmón, “Like a Virgin”, “La Isla Bonita”, “Hung Up”, “Like a Prayer”, “Material Girl” y mucho más.

MADONNA Sin límites

Su nombre real es Madonna Louise Veronica Ciccone. Ha cautivado al mundo con su estilo audaz, su presencia magnética en el escenario y su influencia constante en la música pop. Nacida el 16 de agosto de 1958 en Bay City, Michigan, Madonna se convirtió en una fuerza revolucionaria que desafió las normas establecidas y rompió barreras en la industria musical

Desde sus inicios en la década de 1980, Madonna se ha destacado como una artista versátil y visionaria, reinventándose constantemente y creando un legado inigualable en la música popular. Sus canciones pegadizas, sus arriesgadas puestas en escena y su estilo provocador la han catapultado al estrellato mundial, convirtiéndola en un ícono cultural.

Fiel a su espíritu, la siete veces ganadora del Grammy tiene preparado un show que dará de qué hablar durante toda esta temporada. La esencia de la gira se reveló en un video publicado en su cuenta de Instagram, en donde la actriz y comediante Amy Schumer, durante una cena y alrededor de la mesa, desafía a la cantante a embarcarse en una gira mundial. En respuesta, Madonna le pregunta a la audiencia si asistirían a un concierto donde celebrara sus 40 años en la música. Entre los invitados estaban celebridades como Diplo, Judd Apatow, Jack Black, Lil Wayne, Bob The Drag Queen, Kate Berlant, Larry Owens, Meg Stalter y Eric Andre. Allí, también se pudo conocer que Bob The Drag Queen se unirá a Madonna en todas las fechas de la gira. Según el comunicado oficial, The Celebration Tour “nos lleva por el viaje artístico de Madonna a lo largo de cuatro décadas” y rinde homenaje a la ciudad de Nueva York.