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ÁNGEL MANUEL SOTO BLUE BEETLE

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MARÍA DEL CARMEN FÉLIX ANTES QUE LLEGUEN LOS ZOPILOTES

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MAR SORDO TE QUIERO Y ME DUELE FOTO BGMANAGEMENT

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REGINA VILLAVERDE ELL AS SOY YO: GLORIA TREVI

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REVISTA CAMEO nace con el fin de difundir los proyectos de cine, series y teatro

AGRADECEMOS EL MATERIAL FOTOGRÁFICO A LAS AGENCIAS DE RP Y A LAS DISTRIBUIDORAS.

NÚMERO 25 AGOSTO 2023 A ÑO 3 REVISTA DIGITAL

Editor: Carlos Mora Co editora: Maribel De Luna Colaboradores: Elizabeth Osorio Cinthya Salas Alejandra Lomelí Francisco Javier Quintanar Polanco Angélica Ramírez

CORREO:

cameo.revista@gmail.com REVISTA CAMEO revista_cameo issuu.com/revistacameo

CINE

O T O LS

U S A R T S E O U N M N LATI E E G I L OR UE BEET L B EN

Á

M L E NG

E U N A

FOTOS CHINO LEMUS WARNER BROS. PICTURES

Durante su visita a la Ciudad de México, el director Ángel Manuel Soto habló sobre lo que consideró el tema más importante para la realización de la película z “No podía hacer una película de un superhéroe latino y que su familia no fuera latina.

Por eso tuve la oportunidad de mostrar un poco de nuestra cultura, de lo que somos y de lo que nos hace fuertes. Espero que les guste y que resuene con nuestro poder latino”.

por C A R L O S M O R A

B

lue Beetle representa el regreso de DC Comics a la pantalla grande. Xolo Maridueña da vida al también conocido escarabajo azul, quien es de origen latino. La cinta dirigida por Ángel Manuel Soto cuenta con un elenco encabezado por Adriana Barraza, Elpidia Carrillo, Damián Alcázar y Belissa Escobedo, todos con origen o nacionalidad mexicana. “Cabe destacar las referencias a la cultura pop latina. Además de ser muy cómica, con esta película quiero honrar a nuestros padres, a nuestros ancestros. En mi caso, crecí en una casa donde la cultura, la espiritualidad y la esperanza eran temas importantes.

Nunca he querido perder eso”, confesó el realizador, quien recientemente estuvo en una conferencia de prensa en la Ciudad de México. ¿Cómo fue trabajar con Gareth Dunnet?

El guion de Gareth fue lo que me convenció para trabajar en el proyecto. Sí, me

habían hablado de una película de superhéroes de DC latino, pero pregunté: ¿qué es lo que quieren hacer, otro cliché? Y cuando me di cuenta de que lo que Gary escribió era algo muy personal, celebrando lo que somos como latinos y viendo realmente lo que somos, ahí fue cuando creamos algo contemporáneo y encontramos muchas similitudes, divirtiéndonos. ¿Cuál fue el reto en la producción?

El mayor desafío de la producción fue maximizar el tiempo y el presupuesto para poder contar todo lo que queríamos, y lo que queremos hacer para las próximas películas de Jaime Reyes. Su historia no termina con esta película; este es el primer acto de una saga gigante. Pero para mí, la parte más difícil fue a nivel creativo. Cuánto aguantamos, cuánto mostramos para poder dar un inicio honesto a esta saga y aprovechar los recursos que tenemos para ofrecer un producto de calidad y hacer lo máximo que pudiéramos con lo que tenemos.

El tema latino es muy evidente, ¿qué quisiste representar?

Es evidentemente lo que se ve en la película, el poder mexicano y latino, lo más mexicano, lo que tienes o lo que te identifica. Yo no soy mexicano, pero crecí con la televisión, las tradiciones y la música mexicana. Aunque nos separa una distancia considerable, creo que encontramos una conexión entre el escritor y yo.

Gareth Alcocer estaba en Querétaro y yo estaba en una montaña en Puerto Rico; ambos crecimos viendo El Chapulín Colorado. Entonces, cuando nos conocimos, nos preguntamos: ¿cuál fue tu primer superhéroe? Y ambos dijimos El Chapulín Colorado. Es un personaje que cruza nacionalidades y fronteras, por eso quisimos rendirle homenaje con un pequeño cameo en esta película.

Además, hay algo que no pude evitar por más que lo intentara, y es que cada vez que iba a la casa de mi abuela, tenía que ver la telenovela de María la del barrio (risas). Siento mucha nostalgia, no solo por nuestra crianza, sino por esos momentos más simples con nuestra familia, cuando no teníamos que preocuparnos por los problemas de la vida. Por eso, todos estos sonidos, sabores y valores queríamos proyectarlos de una nueva manera para crear esa nostalgia en la familia y conectarnos con lo que somos y nuestros orígenes. La similitud era tan grande como un abrazo a distancia; quisimos traer eso a la película para que los espectadores se sientan bienvenidos en casa.

¿La familia es una de las bases más importantes? ¿Cómo decidiste este elenco?

Una de las cosas que más me interesó de Blue Beetle, aunque el título se centra en el personaje Jaime Reyes, siempre quisimos darle peso a la familia. Yo no estaría donde estoy sin mi familia; si no fuera por ellos, son superhéroes pero sin superpoderes.

Quise trabajar con personas que he admirado desde pequeño. Obviamente, estaba el señor Damián Alcázar, la primera actriz Adriana Barraza, mi primer enamoramiento, Elpidia Carrillo, el primer comediante que escuché en español en televisión nacional, George López. Susan Sarandon, una aliada de la comunidad latina; el villano que siempre me daba miedo como Raúl Mastudillo. Poder trabajar con actores de ese calibre es un sueño hecho realidad. Quería que el talento fuera de México, porque existen personas muy talentosas fuera de Estados Unidos. La química también fue algo muy especial.

Sobre el soundtrack, da una vuelta y conecta con Latinoamérica.

Hice una lista de reproducción antes de hacer la película. Pensé en lo que escucharía la familia Reyes en sus teléfonos celulares. Para mí, la canción Gracias a la Vida me recuerda mucho a mi papá. No sé por qué, pero quiero llorar, aunque mi papá está vivo; ya lo estoy mantando en mente, (risas).

Empezamos a diseñar diferentes canciones, especialmente de bolero, salsa, cumbia, música regional. Queríamos mostrar todo lo que podemos hacer como latinos, desde Atrévete de Calle 13 hasta Soda Stereo.

Hay mucho humor en la película. ¿Cuáles son tus referencias para inspirarte en este humor?

No me considero una persona graciosa, pero sé que la buena comedia no sabe que es graciosa, solo sabe qué pasa. En la experiencia colectiva, no solo en Puerto Rico, sino en toda Latinoamérica, tenemos la costumbre de reír para no llorar. El escritor, Gareth, tiene la capacidad de escribir líneas absurdas y encontrarles el toque justo, mezclando lo emotivo con lo gracioso y el timing de las cosas. También ayudó mucho dar libertad a los personajes para que encontraran su comodidad en la comedia, sin forzarla.

FOTOS WARNER BROS. PICTURES

EL PRIMER SUPERHÉROE LATINO

Blue Beetle

BLUE BEETLE Distribución: Warner Bros Pictures

por A L E J A N D R A L O M E L Í

HABÍA MUCHA EXPECTATIVA en torno a Blue Beetle, la nueva película de superhéroes de DC. Muchos eran los motivos, aunque había dos muy poderosos: es la primera película de origen del estudio luego del anunciado reinicio del universo de héroes de DC que estará a cargo de James Gunn; la segunda, y quizás más importante por toca directamente a nuestro a país, es que presenta al primer superhéroe mexicano tras más de 10 años de producciones que inauguraron todo un nuevo género palomero.

A pesar de tener a grandes actores de nuestro cine mexicano como Damián Alcázar y la nominada al Óscar, Adriana Barraza, la película dirigida por Ángel Manuel Soto está muy lejos de ser una buena superproducción, lo que es peor, no honra para nada a la cultura mexicana, por el contrario, abusa de los clichés y el exotismo con el que Hollywood se acerca a los rasgos que nos dan identidad (¿En serio todos nos emocionamos con María la del Barrio?).

Protagonizada por Xolo Maridueña, conocido por su papel de Miguel en la serie Cobra Kai, revival de El Karate Kid, la película sigue a Jaime Reyes, un joven recién graduado de la universidad que regresa a casa lleno de aspiraciones para su futuro, pero descubre que su hogar no es exactamente como lo dejó. En su búsqueda por encontrar su propósito en el mundo, el destino interviene cuando Jaime se encuentra inesperadamente en posesión de una antigua reliquia de biotecnología alienígena: el Escarabajo. Cuando el escarabajo elige a Jaime como huésped simbiótico, éste recibe una increíble armadura con poderes extraordinarios e impredecibles que cambiarán para siempre su destino y le convertirán en el superhéroe Blue Beetle.

Si bien el personaje no formará parte de la cronología que está trazando James Gunn en su nuevo universo extendido, Warner Bros. deja la puerta abierta para futuras secuela (vean las escenas post créditos), aun así, la cinta presenta una historia con un principio y final acorde con las cintas de origen, sin embargo, su concepto básico, un guion que pone más atención en el chiste fácil y los diálogos predecibles, así como un puñado de personajes maniqueos, un folclorismo rapaz y un desaprovechamiento del histrionismo de sus personajes, hacen que incluso las escenas mejor ejecutadas como, por ejemplo, la unión de Jaime con el Escarabajo, sean eclipsadas.

C

CINE

onversamos con la directora de Macabro, Festival Internacional de Cine de Horror, Edna Campos, sobre todo el contenido que trae la vigésima segunda edición.

El festival se llevará a cabo del 15 al 27 de agosto en un formato híbrido, con sedes virtuales y físicas. ¿Cómo te sientes en la edición 22?

Estoy muy contenta. Son 22 años del festival, ha sido un trabajo arduo, en ocasiones difícil y en otras más fácil. Sin embargo, considero que el trabajo de este año ha sido muy especial. La programación que presentamos me parece la mejor de los últimos años. Nos hemos centrado en el cine contemporáneo, que es lo que la gente espera y lo que deseamos ofrecer. Por supuesto, presentaremos películas que sabemos que les gustarán, pero también propondremos opciones que los saquen un poco de su zona de confort.

Fotos Carlos Mora

MACABRO,

22 AÑOS IMPULSANDO EL CINE DE TERROR

Eres creadora de audiencias en el cine de terror.

Sí, también he contribuido a crear una audiencia para el cine iberoamericano. Mucho antes de Macabro, ya existían películas de Álex de la Iglesia que lograron que mucha gente volteara a ver el género de terror. A veces comparo esto con el fenómeno del rock en español. Antes se decía que “el rock no puede ser en español, tiene que ser en inglés”, pero luego la gente empezó a escuchar música en español y la aceptó.

Recuerdo una función que tuvimos de una película en los primeros años del festival llamada Sangre eternera, una película chilena con influencia de Los muchachos perdidos. Era una película de vampiros y pandillas, pero a la gente le costaba entender el acento y el idioma. Ahora veo al público reaccionar con entusiasmo ante películas de cualquier país latinoamericano, igual que lo hacen con películas de Estados Unidos, Canadá o Europa. ¿Qué opinas del fenómeno de Huesera, al ser una película de terror muy taquillera y demostrar a las distribuidoras que la gente quiere ver este género en cines comerciales?

¡CHECA EL PROGRAMA! A mí me parece interesante lo que pasó con Huesera, especialmente por la directora Michelle Garza Cervera. Son muy pocas las mujeres que han incursionado en el género en México. Creo que veremos muchas más mujeres en los próximos años. Me parece que fue un punto de inflexión debido a la gran distribución y promoción que tuvo. Fue sorprendente.

Cada año hay una tendencia hacia un tema en las películas. ¿Cómo ves la tendencia de este año?

Hay varias tendencias, pero destaco los temas relacionados con las redes sociales. El año pasado tuvimos varias películas al respecto, y este año también se aborda ese tema. Incluso hay un cortometraje sobre inteligencia artificial. Creo que esto se verá aún más en los próximos años. Pero definitivamente, el cine de terror aborda todo desde el lado oscuro. Algunas personas están entusiasmadas con la inteligencia artificial, mientras que otras la ven desde un enfoque más catastrófico. ¿Cómo está Macabro este año en cuanto al tema de las directoras mujeres?

Un 40% de las películas tienen directoras, como Natasha y Mercedes.

Tenemos a Samantha, a quien apoyamos con la convocatoria de Macabro Coven. En los cortometrajes, muchas mujeres también están participando.

Felicidades por el póster.

El concepto fue idea mía. Quería que este año fuera como un carnaval. El festival tenía mucho que ver con las máscaras, y tenía ganas de hacer algo con máscaras. Conversé con mis diseñadores, quienes llevan 12 o 13 años trabajando conmigo, y les expliqué mi idea. Uno de ellos imaginó de alguna manera a El bebé de Rosemary. Me mostró el boceto y dije: “Es lo que quería, no sé de dónde salió el bebé, pero lo quiero. Sí, lo quiero”. De ahí surgió esta maravilla que es en realidad una pintura.

• Carlos Mora

“EL CINE DE TERROR HA IDO GANANDO RECONOCIMIENTO” PLATICAMOS CON MAYRA ESPINOSA CASTRO, productora de Rabia, la nueva película del premiado director Jorge Michel Grau. La cinta, que tendrá una función especial dentro del marco del festival de cine Macabro, narra la historia de Alberto (Juan Manuel Bernal), quien, conmocionado por la muerte de su esposa, se somete a un autoexilio, arrastrando consigo a su hijo, Alan (Maximiliano Nájar). Esta nueva atmósfera cambiará su relación y ambos tendrán que aprender a sobrellevar una relación padre-hijo. Originada por el enojo y la culpa, Alan cae en una esquizofrenia que gradualmente lo llevará a creer que su padre es un hombre lobo. Alberto sacrificará su vida para salvar la de su hijo. ¿Qué opinión tienes sobre Macabro?

Considero que es un festival muy importante con una programación sólida. Edna ( directora del festival) tiene una visión clara de lo que quieren lograr y su enfoque genuino hacia el cine de terror es notable. Su compromiso por darle un espacio tanto en México como en el resto del mundo es significativo, por lo que creo que este festival debe continuar.

La calidad de la programación es excelente, con una amplia variedad de títulos. Todo parece estar muy bien seleccionado y cuidado. En general, considero que es un festival de gran importancia. ¿Y cómo te sientes de proyectar Rabia en Macabro?

Es un logro enorme para nosotros. Es motivo de júbilo, sin duda; la película encaja perfectamente en su naturaleza.

Creo que aquí nos puede abrir un camino para otras proyecciones en festivales de terror. Tenemos un plazo muy ajustado, ya que la película se lanzará en la plataforma Prime en octubre. Aunque no tendremos un estreno en salas comerciales, planeamos tener un pequeño lanzamiento técnico al

mismo tiempo que el lanzamiento en la plataforma. Llegaremos a cines independientes o cinetecas; sí es una forma de alcanzar a más personas. Es una nueva forma de consumo que está ganando terreno entre el público.

Como productora, ¿cómo es trabajar en cine de terror?

Es un camino complicado; aunque el cine de terror en este país ha luchado durante años para encontrar su lugar.

Sin embargo, gracias a festivales como este, ha ido ganando reconocimiento, incluso a nivel internacional. Existe una base de fanáticos sólida y leal al género, por lo que es esencial ofrecerles lo que buscan y facilitarles el acceso a estas películas. ¿Cómo fue trabajar con el director Jorge Michel?

Como director, ha sido una experiencia enriquecedora. Él tiene una visión clara para sus películas y sabe cómo transmitir sus ideas de manera profunda. A pesar de los desafíos financieros, siempre mantiene la esencia de su visión. Su enfoque en la dirección y realización es admirable, y confío en que la audiencia disfrutará de Rabia en el festival. ¿Sobre el trabajo con Juan Manuel Bernal y Maximiliano Nájar, qué me puedes contar?

Fue un esfuerzo conjunto desde el principio. Hubo una química especial entre ellos desde el inicio. Maximiliano tiene un talento innato y supo captar a su personaje con facilidad, a pesar de la naturaleza violenta y compleja de la historia. Juan Manuel Bernal, aunque no sea consumidor frecuente del género, se involucró de manera comprometida y su trabajo actoral fue destacable. Ambos se complementaron muy bien y lograron un ensamblaje efectivo en la película.

• Carlos Mora

MUESTRAN PRIMER VISTAZO DE WISH

CINE

Texto y foto C A R L O S M O R A

D

urante una visita a la Ciudad de México, el productor mexicano Juan Pablo Reyes Lancaster Jones presentó un metraje de poco más de 20 minutos de Wish: El poder de los deseos, la nueva película del estudio Disney con la que celebrarán los 100 años de Disney. Wish: El poder de los deseos es una película animada musical protagonizada por una joven de 17 años llamada Asha, en la que el mexicano se ha involucrado junto al productor Peter Del Vecho. La película es dirigida por Fawn Veerasunthorn y Chris Buck.

Disney ha creado muchas historias y las audiencias demandan cada vez más. ¿Cuál es la importancia de celebrar con Wish: El poder de los deseos?

Desde el principio, cuando estábamos planeando la película, lo primero que surgió fue la idea de crear una historia original. No queríamos simplemente juntar a todos los personajes en una película, sino contar una historia que esencialmente se sienta real y muy Disney, ya que todos crecimos con esto. La creencia en las estrellas es algo con lo que todos crecimos y que todos los personajes comparten. Queríamos crear algo más elegante, introduciendo nuevos personajes, tanto villanos como héroes. Todo se desarrolló de manera orgánica y natural, nacido de la idea de un lugar mágico al que cualquier persona podría acudir. ¿A quién no le gustaría obtener lo que desea con una varita mágica o un poder mágico? La historia se desarrolló de forma organizada, permitiéndonos tener personajes de todas partes del mundo. La ambientación en una época medieval en el mar Mediterráneo surgió debido a que en ese momento histórico, personas de distintos continentes vivían juntas en ese lugar. ¿Cómo fue trabajar junto a Peter?

Fue un honor. Él comenzó su carrera en Hércules y ha estado en Disney durante mucho tiempo, produciendo grandes películas como Frozen. Para mí, es una leyenda y aprendo algo nuevo de él cada día. Muchas de las personas con las que estoy trabajando eran nombres que solía ver en los créditos de los DVD, y ahora tengo la oportunidad de trabajar con ellos. Es increíble.

¿Cómo fue tu primer día en Disney?

Fue muy especial. En mi primer día en el estudio, tuve muchos recuerdos de cuando era un niño fanático de Disney. Siempre estaba buscando cuál sería la próxima película que Disney lanzaría y examinaba imágenes y detalles. Recuerdo esperar cada año una heroína latinoamericana, música latina, y aunque finalmente llegó Coco y me encantó, era una película de Pixar. Por lo tanto, mi primer día en Disney Animation fue emotivo. Fui asignado a este proyecto que se convirtió en Encanto, y fue algo realmente significativo y gratificante estar en la sala cuando se descubre la historia o el diseño de personajes. Es algo muy especial.

El ciclo de oír “no” muchas veces es algo que te mantiene con vida.

Si algo es importante para ti y lo persigues con todo tu corazón, eso es lo que te mantiene motivado. La terquedad también juega un papel; soy Tauro y es lo que me impulsa a seguir queriendo lograr cosas, a pesar de los cientos de obstáculos. Un tercer factor es tener una familia o pareja que te apoye, ya que te brindarán ánimos en los momentos difíciles.

Resolver problemas es esencial, ya que siempre surgen desafíos inesperados. Los días no son monótonos, ya que cada día presenta retos diferentes. Si no hubiera problemas, no se necesitaría un productor; nuestra labor consiste en encontrar soluciones.

Deseo que vean que todos hemos puesto el corazón en esto. Si hay algo que quisiera transmitirles, es que vale la pena luchar por tus deseos y que, eventualmente, alguien te los concederá de manera mágica.

MOMENTOS

LOS

CINE

MEJORES

por F R A N C I S C O J A V I E R QUINTANAR P OL ANCO

II

I El concurso de Documental Universitario Identidad y Pertenencia.

Identidad y Pertenencia tiene como objetivo contar las historias de Guanajuato a través de la mirada particular de los jóvenes de la región, buscando fortalecer así los vínculos que éstos tienen con su comunidad y al mismo tiempo registrar historias regionales con carácter universal. En la decimotercera edición de este concurso, en el Teatro Bicentenario de la ciudad de León el 20 de julio; se llevó a cabo una alfombra roja por la cual desfilaron los equipos participantes, y se celebró un acto protocolario al ser la primera actividad oficial del festival.

A continuación del mismo, se proyectaron los seis trabajos contendientes: Bolero, Caminos de Guanajuato, Hasta el último kilómetro, Nuestros sabores, Ojos inocentes” y Por encima del agua.

Días después, en el en el Teatro de la Ciudad de Irapuato, Guanajuato; se anunció a los ganadores de este concurso. El segundo lugar lo obtuvo el trabajo Ojos inocentes, de Ana Lucía Matildes Mosqueda de la Universidad de Guanajuato, mientras que Por encima del agua, de David Ortega Contreras de la Universidad Tecnológica del Suroeste de Guanajuato, se alzó con el primer lugar.

El Rally Universitario.

Si hay una actividad que resulte tradicional dentro del GIFF, esa es sin duda el Rally Universitario, el cual busca impulsar el desarrollo de nuevos talentos y fomentar el entusiasmo de los jóvenes realizadores por crear proyectos innovadores y frescos dentro de la industria. En él, los equipos finalistas emprenden la aventura de realizar un cortometraje en un lapso de 48 horas. Seis equipos participaron en la edición 14 del Rally, cuyo banderazo de salida fue dado por Sarah Hoch, Directora Ejecutiva del Festival, a las afueras del Forum Cultural Guanajuato en la ciudad de León el jueves 20 de julio. Acto seguido, los equipos salieron a toda velocidad a comenzar los rodajes. Los equipos fueron los siguientes: Cenizas, de la Universidad Autónoma de Durango; Despierta, de la Universidad Iberoamericana León; El despertar, de la Universidad Autónoma del Estado de México; Langostas a domicilio, de la universidad nayarita Nueva Galicia; Lirio blanco, de la Benemérita Universidad Autónoma de Aguascalientes y Pariendo chayotes, del Colegio Nacional de Cine (Querétaro).

La proyección de los trabajos concluídos se llevó a cabo el sábado 22 de julio en el Teatro del Bicentenario de dicha ciudad. Y días después, en el Teatro de la Ciudad de Irapuato, Guanajuato, se anunciarían a los ganadores, resultando triunfador Pariendo chayotes, dirigido por Ana Cervantes, mientras que Lirio blanco, de Iván Martín Pinedo obtuvo una mención honorífica y Langostas a domicilio, de Ricardo Daniel Loaiza Valdez se llevó el Premio del Público.

III La alfombra roja y función inaugural con Joan Baez I Am A Noise.

El GIFF inauguró el jueves 20 de julio, en las instalaciones del Forum Cultural Guanajuato, las actividades de su vigesimosexta edición. Dicha ceremonia comenzó con una alfombra roja por la cual desfilaron actores, directores y productores, así como modelos portando prendas exclusivas de diseñadores guanajuatenses. Al término de la misma, se daría paso a la ceremonia inaugural donde estarían presentes autoridades del Gobierno Estatal, el Ayuntamiento de León y el Instituto Mexicano de Cinematografía.

Tras dicha ceremonia se exhibió la película Joan Baez I am a Noise, de las directoras Karen O’Connor, Miri Navasky y Maeve O’Boyle, en la cual se intenta ofrecer un retrato vasto e íntimo de la legendaria cantautora estadounidense de ascendencia mexicana, desde una mirada retrospectiva y ahondando en temas y momentos difíciles en la vida de la artista.

El siguiente artículo reúne diez momentos muy destacados del Festival Internacional de Cine Guanajuato (GIFF por sus siglas en inglés), buscando recopilar un panorama amplio y variado de lo más importante acontecido en la 26 edición de dicho evento cinematográfico.

El homenaje y la Master Class de Luis Estrada.

Una de los grandes presencias en la 26 edición del GIFF fue sin duda Luis Estrada, director de filmes emblemáticos como Camino largo a Tijuana, La ley de Herodes o La dictadura perfecta, entre otros; a quien se le brindó un homenaje especial el viernes 21 de julio en el Teatro del Bicentenario de León para reconocer su destacada trayectoria, haciéndole entrega de la Cruz de Plata, distinción con la que el Festival reconoce a las figuras más destacadas de la industria fílmica; así como de la Medalla de Plata por parte de la Filmoteca de la UNAM. Y el homenaje finalizó con la exhibición de uno de sus filmes más importantes: El infierno (2010). Al día siguiente de su homenaje, Estrada llevaría a cabo una Master Class en el Auditorio Mateo Herrera de la misma entidad, la cual fue moderada por la periodista Columba Vértiz.

Y se trató de una amena charla, en la cual por un lado, el cineasta habló sobre su trabajo, sus películas y su trayectoria cinematográfica en general, y por otro, compartió sus opiniones acerca de temas como la industria cinematográfica, la censura, y la libertad de expresar lo que se piensa y se siente, especialmente a través de la herramienta cinematográfica.

VII

FOTOS GIFF

IV La función de gala especial de Perdidos en la Noche de Amat Escalante.

Otro de los momentos destacados del festival tiene que ver con la proyección especial el viernes 21 de julio de Perdidos en la noche, el más reciente largometraje del oriundo de Guanajuato, Amat Escalante (La región salvaje, Heli, Los bastardos), el cual fue seleccionado para participar en la sección Cannes Premiere dentro de la 76° edición de este afamado festival. Desde luego que dicha proyección fue precedida de una alfombra roja, y contó con la presencia del propio Escalante, quien daría unas palabras antes de la función, y al término de la misma, estaría presente para una sesión de preguntas y respuestas.

El filme se centra en Emiliano (interpretado por Juan Daniel García Treviño), un joven cuya madre (una profesora rural), fue desaparecida por oponerse públicamente a una minera que deseaba iniciar operaciones en esa región. La búsqueda del paradero de su progenitora, lo hará sostener una relación peculiar con una familia adinerada, la cual de alguna manera parecen estar conectada con ese suceso. Y sus indagaciones lo llevarán por los oscuros rincones de la sociedad actual.

VI V La proyección de Mad Heidi como parte de Cine entre muertos.

Otro evento distintivo del festival es celebrar proyecciones nocturnas en panteones de las diversas localidades en donde se lleva a cabo, en las cuales se da rienda suelta al horror y otros géneros fantásticos afines.

La noche del viernes 21 de julio, el Panteón San Nicolás en León se engalanó con la proyección de Mad Heidi, delirante cinta de acción y gore dirigida por Johannes Hartmann y Sandro Klopfstein, quienes ofrecen una bizarra interpretación del clásico libro infantil de la escritora Johanna Spyri, ubicando la trama en una Suiza distópica, sometida por una dictadura fascistoide impuesta por un magnate del queso, y en donde la dulce -y sensual- protagonista, terminará por encabezar la rebelión en contra de los opresores. Como complemento, previo a esta obra se exhibió también el cortometraje Dead Enders, dirigido por Fidel Ruiz-Healy y Tyler Walker.

El Foro SinergIA. Tratando de mantenerse siempre a la vanguardia, y en momentos en que el tema de la Inteligencia Artificial está en boca de todos, el GIFF organizó el viernes 21 y el sábado 22 de julio, en el Vestíbulo Superior del Museo de Arte e Historia de Guanajuato MAHG de la ciudad de León; el Foro SinergIA, un lugar de encuentro y discusión en donde se dieron cita tanto expertos en inteligencia artificial, como autoridades y líderes de la industria creativa. En dicho foro se exploraron y discutieron temas relacionados con la revolución que implica la Inteligencia Artificial y su relación con la sociedad de consumo, la economía y el ámbito laboral. En dichas discusiones, se abordaron los impactos que la presencia de la IA está teniendo en aspectos legales, creativos, artísticos, mercantiles, entre otros. Desde luego, se tocó el tema de la actual huelga de guionistas y actores en Estados Unidos, la cual se analizó desde diversos ángulos.

VIII

El homenaje y la conferencia de Arcelia Ramírez y Tita Lombardo.

Otras de las grandes homenajeadas en la reciente edición del Festival Internacional de Cine Guanajuato, fueron la actriz Arcelia Ramírez y la productora Tita Lombardo; quienes recibieron emotivos reconocimientos por parte del festival, en alianza con la Asociación de Mujeres en el Cine y la Televisión. Todo ello tuvo lugar el miércoles 26 de julio, en el Auditorio Miguel Malo del Centro Cultural Ignacio Ramírez El Nigromante de la ciudad de San Miguel de Allende.

En esa misma ceremonia, también se homenajeó a la gaffer Anni Martínez, integrante de las Amazonas Eléctricas y reivindicadora de las mujeres en el ámbito técnico de la cinematografía.

Un par de días después, en el Teatro de la Ciudad de Irapuato, Arcelia y Tita sostendrían un conversatorio conducido por Edgar Estrada, en donde las homenajeadas hablarían de sus respectivas carreras, los retos y dificultades a los que se han tenido que enfrentar cada una en su rubro, y algunas otras experiencias que compartieron con el público asistente a esa charla, quien las acogió con mucho interés y calidez.

Fotos Carlos Mora

IX

La gala de Martínez en Irapuato.

En la última etapa del Festival Internacional de Cine Guanajuato que se celebró en la ciudad de Irapuato, el Teatro de la Ciudad de dicha urbe se convertiría en el principal centro neuronal y de actividades del mismo, iniciando las mismas con una glamorosa alfombra roja y la proyección de Martínez, largometraje debut de Lorena Padilla, quien asistió a la función acompañada de dos de sus actores estelares en dicha producción: Martha Claudia Moreno y Humberto Busto.

Martínez narra la historia de un amargado burócrata (interpretado por el actor Francisco Reyes), quien lleva una vida rutinaria de la casa al trabajo y viceversa. Al llegar al momento de enfrentarse a una posible jubilación y tener que capacitar al que puede ser su reemplazo (Busto), su mundo comienza a sacudirse y entra en una especie de crisis, la cual despertará en él recuerdos y sentimientos largamente dormidos, que terminarán por cambiar el rumbo de su gris y monótona existencia. | 56

Fotos Carlos Mora

La conferencia de Stephen Goldblatt.

El miércoles 26 de julio se llevó a cabo un charla con el cinefotógrafo de origen sudafricano Stephen Goldblatt.

Nominado al premio Oscar en dos ocasiones, Goldblatt ha colaborado con cineastas de la talla de Francis Ford Coppola, Richard Donner y Tony Scott entre muchos otros.

El Hotel Habitas de San Miguel de Allende fue el escenario donde transcurrió una íntima charla con el artista, en la cual compartió con el público parte de su obra y su trayectoria como creador de imágenes, abarcando variados formatos fotográficos que iban desde las películas análogas, pasando por el mundo digital, hasta llegar a las innovaciones que ofrece la Inteligencia Artificial. También habló de su paso por la publicación Life Magazine y mostró a los asistentes varias de sus fotos más atesoradas.

X

“Sigo vigente y de pie”: Tita Lombardo

P

roductora de películas que son clásicos del cine mexicano, como Amores perros (2000) de Alejandro G. Iñárritu y Profundo Carmesí (1996) de Arturo Ripstein, entre otros títulos.

En su pasada edición 26ª, el Festival Internacional de Cine de Guanajuato (GIFF) y la Asociación de Mujeres en el Cine y la Televisión le rindieron un homenaje por su trayectoria y aportaciones al cine nacional.

Felicidades por el homenaje que recibiste en la pasada edición del GIFF, ¿cómo te sientes?

Normalmente, la producción no es algo que consideren en los homenajes o los premios. Pero fue algo que me sorprendió muchísimo y, al mismo tiempo, fue muy halagador.

Estoy muy contenta y agradecida por este reconocimiento.

Fuiste muy apapachada por grandes mujeres como Sarah Hoch, directora del GIFF, por las directoras María Novaro y Busi Cortés.

He recorrido un largo camino con ellas. Incluso hice una película con María. Es muy gratificante volver a encontrarme aquí y ver que María está donde está, y Aracelia también. Ahí vamos, todas juntas, jalando de alguna manera. ¿Qué sientes al ser un referente para las nuevas generaciones de mujeres en el cine?

Es muy gratificante ver productoras, directoras o fotógrafas. Cuando empecé a hacer cine, era de forma analógica, las cámaras eran muy pesadas. Ni siquiera se pensaba que una mujer pudiera ser fotógrafa, porque obviamente tenías que empezar siendo asistente de cámara y cargar las cajas.

Recuerdo que en aquel entonces la única que estaba decidida a ser fotógrafa era Eliana Cárdenas, ¡y lo logró! Después, con la transición al cine en video y cámaras más ligeras, las mujeres comenzaron a fotografiar. El desafío es ganarse la confianza y demostrar que se puede hacer el trabajo. El cine es costoso, por lo que es difícil que te confíen una película sin experiencia, y si encima enfrentan prejuicios de género.

Veo cómo las mujeres se han ido adentrando en todos los ámbitos, desde la política hasta el periodismo, y en el cine, donde siempre han estado presentes pero no en estas cantidades.

Trabajaste con Alejandro González Iñárritu en Amores Perros. ¿Cómo fue tu experiencia?

Yo trabajaba con él en su compañía productora de publicidad, y era un gran director. En la publicidad, había trabajado con otros directores en diferentes casas producto-

Fotos Carlos Mora

“La vida pasa rápido. Cuando te das cuenta de que ya llevas 42 años en este asunto y te das cuenta porque de pronto tienes que actualizar tu currículum, y dice: ‘empezó su carrera cinematográfica en 1982’. Haces cuentas y te das cuenta de que han pasado muchísimos años. Y digo, ‘aquí sigo, sigo vigente y sigo en pie’. Me sigue gustando y apasionado lo que hago, y me siguen considerando para proyectos, y eso es muy gratificante”

ras. Si me interesaba un proyecto cinematográfico, lo hacía y luego volvía a hacer comerciales. Me gustaba trabajar con Alejandro porque tenía un estilo muy definido. Reconocían un comercial suyo en la televisión y decían: ‘ese es de González’. Aunque hablábamos de películas, nunca mencionó que estaba escribiendo un guión con Guillermo Arriaga.

Un día me citó en su oficina y me ofreció la película, lo que me sorprendió gratamente. Leí el guión, que era complejo para una ópera prima.

Iñárritu me sorprendió nuevamente el primer día de rodaje. Llegó nervioso, lo cual era raro, y al sentarse en la silla de director, se transformó. Era un director de cine consumado. Sabía que estábamos haciendo una buena película, pero nunca imaginamos su trascendencia. Todos trabajamos con pasión, pero jamás pensamos que sería un punto de inflexión en el cine mexicano. ¿Qué más te gustaría hacer?

Siempre ha sido mi dilema, no sé qué quiero ser de mayor. Y una vez más, ya soy mayor. La verdad es que a veces me pregunto qué sigue cuando ya no esté aquí. No lo sé.

• Carlos Mora

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Foto Carlos Mora

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María del Carmen Félix

Encuentra a su propia actriz La sobrina nieta de la diva del cine mexicano María Félix confiesa que el apellido ya no le pesa. “Ahora el apellido de mi tía ya no me pesa, incluso resulta muy divertido. En alguna ocasión me dijeron: ‘No temas al apellido, porque a medida que trabajes, encontrarás a tu propia actriz y la llevarás a la grandeza’”.

por C A R L O S M O R A

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urante la 26ª edición del Festival Internacional de Cine de Guanajuato (GIFF), presentó la película Antes que lleguen los zopilotes, dirigida por Jonás Díaz. La actriz protagonista habló después de haber sido parte del Festival Internacional de Cine de Rotterdam.

¿Cómo te sientes al estar en este festival?

Me siento muy contenta. Ya había tenido la oportunidad en ocasiones anteriores, pero es la primera vez que vengo a presentar una película mía, Antes que lleguen los zopilotes, que es muy importante tanto en mi carrera como en mi vida personal. No solo porque tengo mi primer papel protagónico en la historia, gracias a la confianza del director Jonás, sino también porque es un guión maravilloso que me encantó desde el principio. La presentamos en el pasado Festival Internacional de Cine de Róterdam y teníamos muchas ganas de ver cómo la recibiría el público en México. Fue una apuesta maravillosa que Jonas hizo al crear una historia de realismo mágico. Para mí, como actriz, fue un proyecto delicioso.

Es la ópera prima de Jonás. ¿Qué viste en el proyecto para aceptarlo?

Vi la riqueza del lenguaje y la cosmogonía que Jonás propone, muy en la línea de Rulfo. Evoca textos como Pedro Páramo o El llano en llamas, pero desde la perspectiva del agua. Mi personaje, La tuza, vive en el agua en lugar de los cerros o las llanuras. Es una reminiscencia de las voces que se pierden en el horizonte, tal como lo propone Juan Rulfo. Jonás lo traslada a una barca llamada La Remedios, que se convierte en un universo de realismo mágico y realidades paralelas. | 27

Es una película filmada en blanco y negro, una apuesta arriesgada en la realización de películas.

Me encanta, porque creo que desafía al espectador al proponer un ritmo diferente, especialmente para nuestra generación. Estamos tan acostumbrados a la grandiosidad del diseño y la imagen, la inteligencia artificial, el 4K y la rapidez en todo, pero aquí es diferente. Hay un ritmo distinto, no hay miedo al silencio, la fotografía es poética y evocadora. Es difícil creer lo que se ve en pantalla y cómo se filmó. Grabamos en una casa en la Colonia del Valle a plena luz del día, creando un universo ahí. El enfoque en blanco y negro es un tributo a los orígenes del cine, a su enfoque artesanal. Dado el bajo presupuesto de esta película, tuvimos que resolverlo con nuestras manos y la pasión por contar historias. ¿Cómo ves el papel de las mujeres en la industria cinematográfica actual?

Las historias que están emergiendo tienen más sustancia, como decimos. Hablan más desde la perspectiva femenina, ya que antes no éramos las protagonistas principales o había muy pocas ocasiones. Luchábamos en los castings para obtener la oportunidad de interpretar personajes que llevarán la trama de principio a fin, y que no se limitarán a los paradigmas o estereotipos de mujeres sumisas o pasivas. Las puertas se están abriendo cada vez más a historias más complejas, que exploran los claroscu28 |

ros de la condición humana, reflejando mejor la sociedad y generando empatía con el público. Agradezco mucho este momento que estamos viviendo.

Por cierto, ¿cómo es para ti llevar el apellido Félix?

Ahora es muy divertido (risas), incluso me divierto con ello. A veces bromeo diciendo: “Dime algo y te levanto la ceja” (como solía hacerlo mi tía).

Cuando llegué a la Ciudad de México para estudiar actuación, conocí al actor Jesús Ochoa, quien ha sido un gran compañero y guía en mi camino. Él me decía: “Vas a encontrar tu propia voz actoral, no tengas miedo del apellido. Concentra tus esfuerzos en desarrollarte como actriz, en enriquecerse a través del estudio, talleres y obras de teatro. Tu talento hablará por sí mismo y el apellido no será un obstáculo.”

Inicialmente, no quería que la gente supiera que era parte de la familia Félix. El medio a veces puede ser cruel, especialmente cuando se lleva un apellido tan influyente.

Así que me centré en mi preparación, estudios y en involucrarme en el teatro. Esto me brindó la confianza para enfrentar las comparaciones y los comentarios, positivos y no tan positivos. Aprendí que soy actriz por mérito propio, independientemente del apellido Félix. Con el tiempo, he ganado confianza en mí misma y en mi trabajo.

Los personajes que he interpretado y la respuesta positiva del público en teatro y series hablan por sí mismos.

Incluso me han invitado a interpretar a María Félix, como en Antes que lleguen los zopilotes.

El personaje de La Tuza rinde homenaje a los icónicos roles que María interpretó, como Juana Gallo o La Cucaracha. Aunque no soy ella, mi interpretación es un tributo a esas mujeres a las que ella dio vida.

“Me gusta creer en esa especie de magia en la que los personajes te buscan de formas insospechadas y, de repente, llegan y dices ‘¡es ella!’.

Creo que La tuza me encontró más de lo que yo la encontré a ella”

¿Qué opinas de las películas que María Félix hizo?

Me encantan, disfruto viéndolas mucho.

Siempre surge el debate sobre si era una gran actriz o no, si repetía sus papeles, pero de todas formas, abrió camino para muchas de nosotras.

Logró protagonizar sin experiencia actoral, enfrentándose a figuras como Jorge Negrete y Pedro Infante. María tenía una intuición avasalladora frente a la cámara y una capacidad única para cautivarla. Su belleza y misticismo también juegan un papel importante en su legado.

La veo como una precursora del feminismo en México y una inspiración sociocultural. Se atrevió a divorciarse en una época en que eso era mal visto. Ser madre soltera y cambiar de marido desafiaba normas patriarcales. Sus frases, como “No me quedo donde no soy feliz” y “Yo escogí a los hombres que amé”, son empoderadoras. Aunque el patriarcado no lo apruebe, lo celebro.

Hablando como espectadora de su cine, he disfrutado sus personajes, incluso me hacen reír, como sus interacciones con Pedro Infante.

Tendré una aparición en la bioserie de Pedro Infante, junto a Mario Morán, quien interpreta a Pedro. Será un pequeño homenaje a través de escenas compartidas, lo cual es enriquecedor. ¿Qué crees que María hubiera pensado sobre estos homenajes y la colaboración de mujeres en el cine?

Sin duda los aplaudiría y diría: “Se tardaron, las mujeres estamos aquí desde hace tiempo”.

También celebraría que las mujeres en el cine y en todos los ámbitos se están preparando. María valoraba la educación y el empoderamiento femenino. Hubiera dicho “Bravo” por voltear la atención hacia las mujeres creadoras en el cine y nos alentaría a seguir preparándonos.

Personalmente, he dado vida a María de formas inesperadas a través de otros personajes.

Creo que incluso La Tuza refleja más de María que si hubiera interpretado su papel directamente. Ella tiene mucho que contar y seguramente seguiré cruzándome con ella en mi carrera. En La Tuza, le rindo un gran guiño.

Fotos Carlos Mora

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Antes que lleguen los zopilotes FILME CON REMINISCENCIAS RULFIANAS Y DE REALISMO MÁGICO por F R A N C I S C O J A V I E R Q U I N T A N A R P O L A N C O

TUZA (María del Carmen Félix) es una mujer de carácter fuerte y dominante, quien se gana la vida pescando objetos inusuales a bordo de su balsa. En contraste, Luvina (Tsayamhall Esquivel) es una mujer sensible e insegura, y está un tanto a la deriva de la voluntad de los otros, especialmente de su marido Justino (Francisco Pita). Ambos viven en una humilde choza, donde todos los días, ella espera fiel y pacientemente a que su hombre retorne de sus cotidianas andanzas, las cuales incluyen asistir a Tuza en su labor pesquera.

Este trío de personajes viven en una zona lacustre siempre llena de neblina, y donde parecen ser los únicos habitantes a la redonda. Entre ellos existen relaciones muy particulares, expresadas a través de un peculiar triángulo amoroso en torno del cual surgen diversos juegos de poder.

Sin embargo, y como el filme mismo hace evidente al espectador durante sus primeros minutos, los protagonistas no se encuentran en donde ellos creen, sino que parecen hallarse en realidad en las inmediaciones de una sala al interior de un departamento citadino contemporáneo… y además, parecen no están solos, porque ocasionalmente pueden verse deambular por allí a otras personas, quienes parecen no notar la presencia de estos personajes.

Al tratar de comprobar cuál es la verdadera realidad en la que se hallan inmersos, se produce un trágico accidente y Justino termina por ahogarse. Al sentirse culpable por ello, Tuza -acompañada de Luvina-, se da a la tarea de tratar de recuperar el cuerpo del hombre antes de que los zopilotes den cuenta de él. Y durante esa búsqueda, juntas se enfrentan a sentimientos como la soledad, el deseo y los celos, poniendo a prueba su amistad y su sororidad.

Filmada en blanco y negro, con una propuesta cuasi teatral sostenida tenazmente por su trío de actores, y una puesta en escena que evoca tanto al cine de Buñuel como a Lars von Trier; la película Antes que lleguen los zopilotes es la ópera prima del cineasta mexicano Jonás N. Díaz, donde convergen elementos rulfianos, realismo mágico y un aura de misterio, alimentando con ellos una historia la cual apela a la complicidad del espectador para sumergirle por poco más de 90 minutos en un universo lúdico donde los personajes juegan constantemente con el espacio, creando dos realidades distintas que coexisten entre sí. Y la obra refuerza dicho juego valiéndose de algunos efectos sonoros y visuales.

Por otro lado, la cinta rinde un especial homenaje a la llamada Época de Oro del cine mexicano, por medio de ciertas cuestiones estéticas presentes en la producción, pero sobre todo a través de su dos actrices principales, condensando en ellas dos estereotipos femeninos empleados comúnmente en el imaginario del cine en la época antes mencionada, que resultan opuestos pero a la vez complementarios. Y a partir de dichos estereotipos se lleva a cabo una exploración de temas relacionados con la feminidad, con la invisibilización y con la complejidad de las emociones humanas, entre otros.

Antes que lleguen los zopilotes tuvo su lanzamiento internacional en el Festival Internacional de Cine de Róterdam (IFFR). Recientemente resultó ganadora en la categoría de Largometraje de Ficción Mexicano en la edición 26 del Festival Internacional de Cine en Guanajuato (GIFF). Y es sin duda uno de los filmes mexicanos más propositivos y arriesgados que se han podido ver en este 2023.

“He sido una actriz privilegiada al poder elegir mis proyectos”: CINE

Arcelia Ramírez por C A R L O S M O R A

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a actriz Arcelia Ramírez fue galardonada con el Premio MUSA por la Asociación de Mujeres en el Cine y la Televisión, y con la Cruz de Plata otorgada por el Festival Internacional de Cine de Guanajuato (GIFF). “Tenía un nudo en la garganta y realmente tuve que contenerme durante mi discurso en el escenario, porque si no, hubiera empezado a llorar. No se trataba solo de eso ni del tono. Sin embargo, este reconocimiento y apapacho de una asociación que se creó para abrazarnos a todas y unirnos me conmueve mucho”, confiesa en una entrevista con la Revista Cameo.

Arcelia, ¿cómo ves a las mujeres dentro de la industria del cine mexicano?

Desde que empecé a hacer cine en lo que se llamó el nuevo cine mexicano, irrumpieron las mujeres con su mirada, perspectiva, punto de vista e historias. Creo que desde ahí también surgieron personajes femeninos que rompieron con el estereotipo de los personajes a los que normalmente se refería el cine mexicano, como mujeres fatales o sumisas. También surgieron películas contemporáneas como Cilantro y Perejil, Danzón, Ángel de fuego y Novia que te vea, que son películas muy poderosas con una visión femenina y ofrecieron al público un crisol mucho más amplio y profundo.

El cine refleja la realidad de nuestra sociedad, ¿qué opinas?

La ficción se alimenta de la realidad. En este país, donde tenemos una cifra alarmante de mujeres que tienen a sus hijos desaparecidos y los buscan, no es de extrañar que haya tantas historias que gritan esta herida, como Sin señas particulares, Ruido, La civil, Las tres muertes de Marisela Escobedo, Tempestad y muchos documentales más.

Creo que hablamos de lo que nos duele en la pantalla y de lo que no entendemos. Estas historias están ahí para hacernos reflexionar, para que nos penetren en la mente y en el corazón y nos hagan más humanos. Tenemos que avanzar hacia la 32 |

paridad, igualdad y colaboración. Esto habla de la evolución de la sociedad y de una sensibilidad. No tenía que ser un espacio exclusivo para hombres.

Hemos luchado históricamente por un mundo que se estableció de cierta manera, pero que debe cambiar y evolucionar. Tenemos que crecer como individuos y como sociedad. Aunque aún falta camino por recorrer, no debemos retroceder.

Eres una actriz que ha trabajado en novelas, cine y teatro. ¿Cómo te sientes?

Cuando entré a la escuela de teatro en el CUT (Centro Universitario de Teatro UNAM), rápidamente recibí mi primera propuesta para cine. Era un personaje protagónico y creo que fue un paso importante en mi carrera. El Secreto de Romelia de Busi Cortés, quien era mi maestra de apreciación cinematográfica, fue una oportunidad que no esperaba. No hice casting ni nada por el estilo.

No buscábamos trabajar mientras estábamos en la escuela, pero Busi nos llamó a Lumi Cavazos, Lisa Owen y a mí para darnos permiso. A partir de ahí, vinieron La Mujer de Benjamín y luego la telenovela De frente al sol, que fue mi primera telenovela.

Recuerdo que cuando me llamaron pensé que solo serían 20 capítulos, pero me enteré de que era la protagonista juvenil, lo que cambió un poco mi carrera. Sin embargo, no permití que la televisión dominara mi trayectoria.

No quería ser sólo una actriz de televisión, deseaba seguir haciendo cine y teatro. Luché por eso y lo conseguí. Dudé en hacer De frente al sol porque pensé que me llenaría de vicios. Los actores con los que trabajaba en la obra de teatro La Noche de Hernán Cortés, dirigida por Luis de Tavira, me dijeron que no podía rechazarlo y que no me preocupara por los vicios, que me harían una desintoxicación.

Ha sido un proceso hermoso. Desde entonces, he tenido la libertad de moverme entre los tres formatos, aunque presenten desafíos distintos y enriquecedores. Creo que en el teatro es donde menos concesiones he hecho en mi carrera.

Fotos Carlos Mora

Estás en la obra Todos eran mis hijos. ¿Qué significa el teatro para ti?

El teatro es algo que nos devuelve a la esencia de nuestro arte. Sin actores, no hay función; sin espectadores, no hay función. Es el arte de la presencia física, de las dos partes esenciales para experimentar el teatro. Actualmente, estoy en la obra Todos eran mis hijos de Arthur Miller, una obra poderosa y maravillosa dirigida por el talentoso director Diego del Río. Se presenta los lunes y martes en el foro La Gruta del Centro Cultural Helénico.

También acabo de terminar la telenovela El Amor Invencible, un formato rápido que te desafía al hacer 25 escenas diarias. Después de esa vorágine, regresar al teatro es volver a los fundamentos de nuestra profesión. Luego, sigo con el cine. He tenido la libertad de ejercer mis elecciones y privilegios en la selección de proyectos y formatos, algo que no todos los actores tienen. He sido afortunada al poder elegir mis proyectos y el formato en el que quiero trabajar.” | 33

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por C A R L O S M O R A

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a ópera prima de Santiago Salinas Sacre tuvo su estreno nacional en la 26ª edición del Festival Internacional de Cine de Guanajuato (GIFF). La película cuenta la historia de Malka (Rocío de la Mañana), una adolescente judía que está a punto de competir en los nacionales de natación, cuando Chema (Bryan Dal Pozzo), un muchacho no judío (goy), que trabaja en una estación de radio, la invita a un concierto. Las aventuras y el romance entre estos jóvenes ponen a prueba las creencias y el vínculo familiar. Su padre (Enrique Singer), que vive el peor momento económico del país, al descubrir a su hija, hará lo necesario para mantener a su familia “pura”. Enfrentándola, ella tendrá que luchar para construir su propio destino. También actúan Fabiana Perzabal, Stephanie Salas, Ricardo González, Eugenio Bartilotti, Alejandro de Marino, entre otros. ¿Cómo te ha recibido el GIFF? Nos ha recibido con calorcito en todos los sentidos. Tuvimos la primera proyección de la película en León, y hubo una buena reacción de la gente que nos acompañó. Estamos aquí para celebrar mi primera película y darle impulso en territorio nacional. ¿Cuál fue el reto para hacer tu ópera prima?

En primer lugar, me enfoqué en el guión hasta estar satisfecho y luego comencé a compartirlo con algunos colegas para que me dieran sus opiniones.

Después, buscar la financiación, por eso todos dicen que no hay un camino recto. Hablé con muchos productores que me dijeron que no. Ya sabes, las preguntas: ¿quién eres? ¿cuántas películas has hecho? Mi mayor reto es hacer una ópera prima. Logramos obtener recursos públicos y tenemos mucha experiencia presentando proyectos en el sentido comercial de gran calidad. Esto nos ha ayudado a impulsar esta producción.

Ha sido un proceso de ir viendo cómo lo vamos estructurando paso a paso y con calma.

Fotos Carlos Mora

Santiago Salinas Sacre explora las tradiciones judías en Goy ¿Y por qué contar esta historia?

Mira, para empezar, yo no soy judío. Soy un goy para los judíos, es decir, un amigo. Aunque no es una biografía, tomé prestados elementos de mi vida personal que de alguna manera experimenté. Este contraste de culturas en el contexto de amores adolescentes me pareció una excelente oportunidad para explorarlo.

También quería adentrarme en las tradiciones religiosas. Aunque son hermosas, también pueden ser pesadas y limitantes en ciertos aspectos, como presento en la película, donde pueden restringir algo tan inocente como un amor adolescente. ¿Cómo ves estos temas en la actualidad?

En 2023, seguimos enfrentando choques culturales.

Aunque las religiones pueden cambiar de nombre, el proceso es similar. Incluso podría surgir una “religión” de la inteligencia artificial. Estos temas son parte de la evolución de la sociedad y es esencial cuestionarlos y presentar diferentes perspectivas.

No se trata de tener la razón sobre los demás, sino de explorar diversas verdades, como planteó en la película.

También abordó temas sociales y políticos, como otra forma de religión, y cómo navegar entre estas perspectivas sin perder la propia identidad o encontrar una nueva.

Háblame sobre el elenco de actores, como Enrique Singer, Stephanie Salas, entre otros.

Estoy realmente emocionado por la diversidad en mi elenco. Tenemos a actores como Bryan, Rocío o Ricardo González, quienes están haciendo sus primeras películas pero tienen un nivel excepcional de actuación. También contamos con caras que han trabajado mucho en la industria cinematográfica o teatral y lo hacen de manera destacada. En el caso de Enrique, su amplia trayectoria se nota en su entrega, disciplina y apertura, lo cual fue contagioso y enriquecedor para el proceso. Con Stephanie también fue genial trabajar; aunque estuvo solo algunos días en el set, estaba completamente comprometida y dispuesta a dar lo mejor. Su papel es fundamental para la trama, representando otra tradición, la maternidad, en la sociedad mexicana. Estoy muy contento con la participación de todos. ¿Qué le depara al futuro de la película?

Recientemente anunciamos que Fábrica de Cine, bajo la dirección de Gastón Pavlovich, se unirá como nuestra casa de distribución. Esto es una gran noticia y pronto compartiremos todos los detalles del estreno. En cuanto a festivales, estamos a la espera de respuestas de otros eventos internacionales. Además, participaremos en el Festival Judío de Melbourne en Australia, entre otros. | 35

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a ópera prima de Jonás N. Díaz, Antes que lleguen los zopilotes, tuvo su estreno nacional en la 26ª edición del Festival Internacional de Cine de Guanajuato (GIFF).

Ahí, el joven director se confesó sobre el reto de hacer una película en blanco y negro: “Creo que es importante incluir en la conversación la idea de hacer un cine distinto al que no estamos acostumbrados. Es un riesgo. Una película con temática de realismo mágico contribuye a la diversidad del cine mexicano que se está produciendo”.

El filme nos narra la historia de la Tuza (María del Carmen Félix), una pescadora dura y dominante, quien provoca la muerte de Justino, (Francisco Pita), por lo que se ve obligada a emprender un viaje de redención con su viuda, Luvina (Tsayamhall Esquivel), donde pretenderán encontrar el cadáver antes de que lleguen los zopilotes y se lo coman. A través de un ambiente rulfiano, ambas mujeres se embarcan en un enigmático viaje donde sus deseos se enfrentan con la soledad. ¿Cómo te sientes al hacer tu ópera prima?

La verdad, estoy muy sorprendido porque fue un proyecto que realizamos con recursos casi nulos. Me atrevería a decir que fue una inversión independiente usando la misma locación. Un equipo de casi 17 personas. La respuesta que hemos recibido ha sido muy positiva. También tuvimos la oportunidad de asistir al Festival Internacional de Cine de Róterdam y estar aquí en el Festival Internacional de Cine de Guanajuato.

Todo esto nos tiene muy contentos y sorprendidos. Aún no puedo creerlo en muchas ocasiones.

Jonás, ¿por qué decidiste hacer una película en blanco y negro? ¿Cuál fue el reto?

El reto más grande es que se aleja mucho de lo que se espera en términos de distribución. Tener una película en blanco y negro automáticamente complica mucho las cosas, y estoy experimentando esto ahora que hemos pasado por festivales y otros eventos. Parece que hay una resistencia al blanco y negro, no solo en el cine mexicano, sino en general. Sin embargo, creo que era lo 36 |

Foto Carlos Mora

“Me gustan los riesgos”: Jonás N. Díaz adecuado. Fue una elección basada en el concepto que deseábamos transmitir.

Estamos retomando el lenguaje que Juan Rulfo nos ayudó a entender en sus historias y cuentos.

La falta de color nos ayuda a alejarnos del contexto contemporáneo, aunque la película sea de época contemporánea.

No estoy sugiriendo que ocurra en los años 50, simplemente no especificamos la época. Creo que el blanco y negro contribuye mucho a eso, y desde una perspectiva artística y técnica, especialmente para una ópera prima con un presupuesto muy limitado. Fue una decisión que verdaderamente nos ayudó a resolver muchas cuestiones. ¿Cómo fue trabajar con el elenco?

Estoy muy satisfecho con el trabajo de todos, ya que fue un esfuerzo lleno de cariño y dedicación por parte de cada uno. Lo que me gustó especialmente fue que todos se comprometieron con las dinámicas que desarrollamos. No fue el típico ensayo de leer el guión, resolver dudas y escribir biografías. En cambio, me sumergí profundamente en el trabajo escénico. Realizamos numerosos ejercicios. ¿Cómo te sientes acerca del estreno en el GIFF? Estoy muy contento de que finalmente el público mexicano esté viendo la película. Algo que se extrañó mucho

en Europa fue esta parte del lenguaje.

Aunque a ellos les gustó la película, no comprendieron ciertos aspectos que son muy mexicanos en cuanto al humor. Estar en la sala y escuchar a los mexicanos reírse mientras los europeos se mostraban confundidos, me hizo apreciar aún más la primera función y la respuesta de la audiencia. Fue una experiencia muy hermosa.

Tsayamhall Esquivel, una de las protagonistas del filme, comparte qué le atrajo de su personaje.

“Me gustó poder adentrarme en un universo muy distante de mi personalidad como actriz y como persona.

Disfruto mucho interpretar personajes tan complejos que se desarrollan gradualmente. Además, trabajar con mis compañeros actores y con Jonas, formar parte de Antes de que lleguen los zopilotes, todas estas cosas fueron las que más disfruté de este proyecto. Trabajé en el primer corto de Jonás y fue una experiencia grandiosa. Desde entonces, admiro su sensibilidad. Es un director que está completamente comprometido con los actores y también realiza un trabajo excepcional en otros aspectos. Cuando me propuso este proyecto y leí el guión, le dije: ‘Me subo al barco que quieras’, o en este caso, a la barca llamada ‘La Remedios’. Para mí, fue perfecto. Nunca lo dudé”.

• Carlos Mora

“Es muy difícil realizar documentales independientes en México”: Alejandra Arrieta

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n el marco del Festival Internacional de Cine de Guanajuato GIFF, se estrenó el documental Pola Weiss, dirigido por Alejandra Arrieta. El documental aborda la vida de la artista mexicana, quien es considerada pionera del videoarte.

“Quienes la conocen (Pola) reconocen su apellido como pionera del videoarte, pero también es la precursora de la videodanza.

Esto cobra relevancia hoy en día, ya que se redescubre la relación entre la imagen y el cuerpo”

¿Cuál fue tu primer acercamiento al trabajo de Pola?

Estaba interesada en Pola como artista y trabajaba con su obra para una exposición. La comprendía desde una perspectiva académica inicialmente. Además, había un magnetismo en ella como mujer que nos atrae a todos, convirtiéndola en un personaje intrigante en general. Creo que este magnetismo es particularmente fuerte entre las mujeres, lo que la hace sumamente inspiradora. Fue en el MUAC donde se concentra su archivo, y ahí surgió el deseo de hacer una película sobre ella. Sentía la responsabilidad de investigarla a fondo, ya que nadie lo había hecho antes, a pesar de ser una artista de gran importancia. ¿Qué descubriste sobre su vida personal?

En la revisión de sus diarios y cartas, me sorprendió ver que era una mujer adelantada a su tiempo. No solo en su arte, sino también en su forma de vestir. Aunque en su época era considerado extravagante, hoy en día ese estilo es común en lugares como la Roma-Condesa en la Ciudad de México. Nunca dejó de sorprenderme. Lo que realmente me encanta de Pola es que su vida era su arte; constantemente encontraba inspiración en sí misma, en la vida y en los eventos que le ocurrían. Esta profunda conexión entre su vida y su arte me impactó.

Ella intuía la importancia de su trabajo y catalogó todo meticulosamente. Creo que esperaba que en el futuro alguien lo descubriera. Es un pensamiento mágico, pero me gusta pensar que ella pensó: “Algún día a alguien le interesará”, a pesar de haber tenido cierto reconocimiento en su momento, pero prácticamente ninguno en México.

Realizar un documental de manera independiente. ¿Cómo ha sido este proceso para ustedes?

Ha sido realmente difícil, y la pandemia también afectó.

Sabino (productor) y yo teníamos experiencia en documentales, pero no como realizadores. Esta película marcó mi debut como directora. Enfrentamos obstáculos, ya que algunas personas no comprenden la importancia de Pola y no nos brindaban apoyo, no porque nuestro trabajo fuera deficiente, sino porque no creían que la obra de Pola pudiera tener éxito. Fue un camino desafiante, pero finalmente llegaron los apoyos para la posproducción. ¿Por qué crees que Pola no es tan reconocida en México?

Foto Carlos Mora

Creo que en su época la tacharon de “loca” por ser una mujer que desafiaba las normas en su manera de vestir y presentarse. En la década de 1970, en un México predominantemente masculino, esto fue particularmente desafiante. Esta percepción negativa inicial tuvo un impacto en cómo se percibía su obra. Aunque más tarde se empezó a valorar sus contribuciones artísticas, el estigma no desapareció por completo. Aunque estamos avanzando en cuanto a reconocimiento y consideración feminista, todavía queda un largo camino por recorrer. ¿Cómo fue el proceso de incorporar inteligencia artificial en tu documental?

Cuando comenzamos hace cinco años, en 2018, la inteligencia artificial parecía algo lejano. Sabíamos de su existencia, pero no era algo que cualquiera pudiera usar fácilmente. Sin embargo, al enterarnos de que estábamos en la selección oficial del GIFF y que el tema de la edición era la inteligencia artificial, resurgió mi interés por incorporar. Investigué y en dos semanas lo logramos. Estamos muy satisfechos con el resultado, ya que se relaciona con la forma en que Pola se fusiona con la cámara en su arte.

Utilizamos aproximadamente dos horas de material de archivo para entrenar a la inteligencia artificial. Hubo varias pruebas y finalmente encontramos una que funcionó bien. La máquina aprendió a partir de la voz de Pola y fusionamos eso con mi locución. También utilizamos inteligencia artificial para crear el póster, ya que había pocas imágenes conocidas de Pola. Una de estas imágenes provino de un performance inédito que se muestra en el documental.

• Carlos Mora

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LA NIÑA CALLADA Distribución: Cine Caníbal

FOTOS CINE CANÍBAL

La niña callada UN EJERCICIO DE SUTILEZA NARRATIVA por A L E J A N D R A L O M E L Í

MESES después de haber estado en la contienda por el premio Oscar en la categoría de Mejor Película Internacional, premio que terminó llevándose Sin novedad en el frente de Edward Berger, y en lo que es un desfase notable en su fecha de estreno para el mercado mexicano, al fin llega a las pantallas La niña callada, la conmovedora película escrita y dirigida por Colm Bairéad.

Teniendo el mérito de ser la primera película hablada en irlandés en ser nominada a los Oscar, la película es una revelación por partida doble, por un lado, construye un duro retrato de la niñez llevado hábilmente por su novel director y, por el otro, por ser el impresionante debut de Catherine Clinch, encargada de interpretar a la niña que refiere el título; la pequeña actriz muestra un dominio total del arte dramático que resulta imposible de obviar.

Ubicada en la Irlanda rural de 1981, la historia sigue a Cáit, una reservada niña de nueve años que está desatendida por parte de su pobre y disfuncional familia. Se enfrenta en silencio con dificultades en la escuela y en casa, y ha aprendido a pasar desapercibida para cuantos

la rodean. Cuando llega el verano y se acerca la fecha del parto de madre, Cáit es enviada a vivir con unos parientes lejanos. Sin saber cuándo volverá a casa, se queda en el hogar de unos desconocidos sin más pertenencias que la ropa que lleva puesta. Poco a poco, y gracias a los cuidados de la familia Kinsella, Cáit realiza notables progresos y descubre una nueva forma de vivir.

La niña callada es la muestra fehaciente de que una película no necesita grandes ambiciones formales para entregar una propuesta poderosa y difícil de olvidar, por el contrario, es una película con un argumento sencillo y una puesta en escena sin adornos, centrada en acciones cotidianas, pero cuya fuerza radica en las emociones, en la observación de las relaciones familiares y en el estudio de su joven personaje que encuentra el amor, la ternura y los cuidados que en su hogar le habían sido cruelmente negados.

Al final, La niña callada es un ejercicio de sutileza narrativa que subraya con elocuencia temas complejos como el abandono infantil, la crisis familiar y la crianza responsable.

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Broker: intercambiando vidas UNA OBRA AGRIDULCE QUE IMITA LA REALIDAD por A L E J A N D R A L O M E L Í

AFIRMAR que Broker: intercambiando vidas es una película que exalta la empatía dramática tan recurrente en la filmografía de Hirokazu Kore-eda no es por ningún motivo una crítica negativa, porque, a pesar de trazar su historia bajo las directrices temáticas que han configurado su universo, pocos directores han sido dotados con el virtuosismo que tiene este cineasta japonés para hablar de la familia en sus múltiples acepciones; familias disfuncionales sin lazos sanguíneos, de personajes con luces y sombras a través de los cuales explora la fragilidad de la condición humana. Con Broker: intercambiando vidas, Kore-eda nos presenta una nueva variante de su temática medular, ahora poniendo foco en una problemática social tan complejo y polémico como es el abandono de niños en las llamadas “Baby Boxes” que existen en Corea del Sur desde 2010.

Una noche lluviosa una joven abandona a su bebé a las puertas de una iglesia, debajo de una “Baby Box”. El recién nacido es recogido por dos hombres que se dedican a robar bebés abandonados para venderlos a padres dispuestos a pagar una tarifa. Cuando la joven regresa a la iglesia, arrepentida, descubre el negocio ilegal de ambos hombres y deci-

de unirse a ellos para encontrar a los padres adoptivos más adecuados para su hijo. En este inusual viaje por carretera, el destino de los que se crucen en la vida del niño cambiará radicalmente.

Representando su primera película coreana, Kore-eda se acerca sin prejuicios a un tema complejo que bien podría haber inspirado una película oscura al poner sobre la mesa temas como el tráfico de bebés, la adopción ilegal, el abandono infantil, la prostitución y el asesinato, sin embargo, ha optado (como no podía ser de otra forma) por un tratamiento humano para seguir la travesía de unos personajes marginados que, a su manera, aunque dudosa, buscan reestablecer la balanza social y obtener la redención que a sus vidas les ha sido negada.

Se agradece el tono cálido y la ternura con la que estos personajes establecen sus inesperados lazos familiares y, a pesar de que en muchos momentos llega a ser extremadamente conmovedora, el japonés no huye de la parte retorcida que hay detrás de este argumento, pero siempre mostrando, nunca juzgando.

Al final Broker: intercambiando vidas es otra obra de su autor, un trozo agridulce que imita la realidad.

FOTOS CINE CANÍBAL

BROKER: INTERCAMBIANDO VIDAS Distribución: Cine Caníbal

CINE

El amor según Dalva LA INFANCIA ROTA por F R A N C I S C O J A V I E R Q U I N TA NA R P O L A N CO

EL AMOR SEGÚN DALVA Distribución: TulipPictures

FOTOS TULIPPICTURES

DALVA KELLER (Zelda Samson) es una menor de 12 años quien es separada violentamente de su padre Jacques (Jean-Louis Coulloc’h), resultado de una irrupción policíaca en su domicilio atendiendo una denuncia ciudadana.

Vestida y maquillada a la usanza de una mujer de edad mayor, ella no logra entender lo ocurrido, ni tampoco las razones por las cuales se le prohíbe tener cualquier contacto con su progenitor, y en cambio se le traslada a un centro de atención para menores. Pero sobre todo, no comprende por qué todo mundo la trata como si fuese una niña, cuando ella se asume como toda una mujer.

En el centro de atención donde se le da acogida se suscitarán dos encuentros clave para el personaje y su historia: por un lado comparte habitación con Samia (Fanta Guirassi), una jovencita afrodescendiente rebelde y un tanto endurecida por la difícil vida que ha llevado; quien al principio se burla un poco de la apariencia “adulta” de la recién llegada, pero poco a poco entre ellas comienzan a desarrollarse lazos amistosos e inclusive una entrañable complicidad. Por otro lado se encuentra Jayden, (Alexis Manenti) un educador designado por el estado como encargado de la tutela de Dalva, mientras se desarrolla el proceso penal en contra de su progenitor; y con quien la protagonista comienza a desarrollar una relación afectiva la cual le resulta un tanto confusa. Porque como descubrirá gradualmente, los conceptos de amor y afecto que le fueron inculcados por Jacques no eran normales, y ocultaban otras intenciones más perversas.

Esta es la premisa inicial de El amor según Dalva (Bélgica, 2022), debut cinematográfico de la cineasta francesa Emmanuelle Nicot, en el cual aborda el escabroso tema del abuso infantil, pero lo hace al estilo de un oscuro comingof-age provisto de mucha sensibilidad, narrado desde el punto de vista de una niña cuyos limites morales y afectivos son difusos al haber crecido al lado de un abusador, y por ende no puede discernir con claridad lo que es correcto de lo que no. Y cuando expresa sus convicciones y percepciones -especialmente las amorosas-, dichas opiniones pueden ser incómodas e incluso sonar espeluznantes, pero ella las ve como algo normal dentro de su propia realidad.

Hasta que es confrontada y se da cuenta de que dicha realidad le ha sido impuesta y dista de ser normal.

Pero sobre todo, y como la propia protagonista irá comprendiendo; derivado de esa relación enfermiza, su infancia le fue robada para en su lugar, ser hipersexualizada desde temprana edad. Y en ese proceso, no pudo desarrollar una identidad propia, al grado de ser incluso incapaz de decir si tiene un color favorito o de poder elegir alguna prenda de vestir que le guste, ya que todo eso y más lo determinaba su padre.

Evitando caer en una mirada mórbida o escandalosa sobre el tema, ni buscando tampoco imponer un juicio sobre los procederes de alguno de sus personajes, la película de Nicot -quien también es autora del guión- se mantiene todo el tiempo atenta a las reacciones de su estelar (estupendamente interpretada por Samson), a lo que pasa por su cabeza y a las emociones las cuales le invaden cuando empieza a ser gradualmente consciente de la experiencia traumática que ha experimentado; tales como la desilusión, el enojo, la tristeza, y la rebeldía. Además de mostrar cómo intenta lidiar con los impulsos afectivos y sexuales propios de su edad, bajo la luz de los acontecimientos y revelaciones mencionados. Esto, junto a la paulatina integración con Samia y otros niños de su edad, le ayudarán a vislumbrar un camino hacia la sanación y la construcción de un nuevo y propio yo.

El amor según Dalva es un filme que estremece y conmueve a la vez, el cual gira sobre un personaje cuya infancia ha sido rota y se halla marginada por las circunstancias, pero también resulta esperanzador al mostrarnos como tal personaje trata de buscar su verdadero lugar en el mundo, y lucha por reconstruirse (sobre todo emocionalmente), tratando así de llevar una vida mejor. | 43

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Para mí, interpretar a Lola fue un sueño hecho realidad, casi como si hubiera manifestado este papel en todos los sentidos” Mar Sordo

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UNA HISTORIA JUVENIL DE AMOR, ARTE Y MÚSICA Conversamos con el elenco de la nueva serie juvenil Te quiero y me duele (TQYMD), la primera gran apuesta mexicana de Cris Morena para HBO Max: Mar Sordo, Nicolás Haza, Luis Curiel, Kristy Reyes y Pablo Carnes.

Por C A R L O S M O R A

Te quiero y me duele es la primera serie mexicana creada por Cris Morena, la mente detrás de éxitos como Floricienta y Rebelde Way. Esta producción incluirá canciones originales y una historia que busca inspirar y reflejar la lucha de una generación con el deseo de mostrar lo que parece invisible. La serie narra la historia de Juan Gris (interpretado por Roberto Aguilar) y Lola Robles (interpretada por Mar Sordo), dos jóvenes de universos paralelos que quedan flechados desde su primer encuentro y cuyos caminos se entrelazan para encontrar nuevas versiones de sí mismos. Junto con sus amigos, persiguen sus sueños mientras buscan descubrir su verdadera identidad.

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Juan es un joven rapero del Barrio El Dorado que lucha por ayudar a su comunidad, amenazada por un proyecto inmobiliario de una constructora. En medio de una protesta por este problema, Juan rescata a Lola, quien queda atrapada y la ayuda a llegar a su presentación musical.

En respuesta a la creciente amenaza de la constructora, Juan y sus amigos organizan un concierto para dar visibilidad al barrio y detener el avance del proyecto. Mientras tanto, Lola y su amiga Camila asisten al evento sin darse cuenta de que es el concierto de Juan y su banda, que se lleva a cabo en una vieja fábrica.

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Dante, es una persona muy noble.

Lo que más admiro de él es lo que transmite, más allá de sus acciones. Él emana bondad” Nicolás Haza

Mar Sordo y Nicolás Haza me pueden compartir sus impresiones sobre sus personajes: Mar: Me encantó absolutamente todo acerca de Lola. Para mí, interpretar a Lola fue un sueño hecho realidad, casi como si hubiera manifestado este papel en todos los sentidos. Ella es como mi bebé; tiene una gran cantidad de virtudes.

Quiero aclarar que no estoy tratando de perfeccionar ningún personaje, ya que todos son personajes muy reales y profundos. Ella es una mujer muy contemporánea y tiene numerosas oportunidades para crecer y convertirse en quien ella quiere ser.

Lola posee un criterio propio, es muy segura de sí misma y determinada. Tuvo la fortuna de crecer en una familia amorosa, con un padre que le dio todo. Sin embargo, como en todas las familias, ninguna es perfecta, y esto es algo que exploramos en la serie. Observamos cómo diferentes tipos de amor se reflejan en los personajes a través de sus relaciones familiares.

Es fascinante ver cómo estos jóvenes pueden ver lo que los padres y los adultos no pueden, enfocándose en detalles que a menudo parecen triviales. En última instancia, lo que importa son estas herramientas fundamentales. En la historia, el amor es una de las herramientas maestras, pero también vemos la importancia de la gratitud, la confianza, la disciplina, la responsabilidad y la empatía.

Es un personaje valiente e intrépido. Siempre sigue su propio camino, sin preocuparse por las apariencias u opiniones ajenas. Su objetivo es crear un mundo más justo y equitativo. Es una joven con una visión clara, intuitiva y sabe cuándo tomar medidas, y una vez que decide hacer algo, lo sigue hasta el final.

También exploramos el lado de Lola en el que se está descubriendo a sí misma.

A pesar de ser valiente, también enfrenta problemas propios de su edad, como no saber a quién amar o por qué ciertas cosas no funcionan. Esto agrega profundidad a su personaje y muestra su humanidad. Además, en la serie no hay una distinción clara entre villanos y héroes, lo que agrega complejidad y realismo a los personajes. | 47

Nicolás: Mi personaje, Dante, es una persona muy noble. Lo que más admiro de él es lo que transmite, más allá de sus acciones. Él emana bondad, en primer lugar. Aunque a veces no es consciente de ciertas cosas y puede cometer errores, es muy humano. Sin embargo, nunca actúa desde una intención maliciosa ni equivocada, sino que es genuinamente noble. Además, lo que transmite el personaje también está relacionado con su mayor conciencia sobre la depresión y la salud mental. Él entiende que la depresión puede surgir de eventos específicos o simplemente de desequilibrios químicos. Dante es muy apasionado y realiza sus acciones por amor.

Además, está en un proceso de autodescubrimiento, como todos los demás personajes. Este aspecto no me es ajeno; me identifico con él y admiro la idea de hacer las cosas por amor y pasión. ¿Cómo fue grabar en Veracruz?

Nicolás: Fue una experiencia increíble, pasamos alrededor de dos meses en Veracruz y otros dos meses aquí en la Ciudad de México. Creo que en Veracruz fue donde realmente nos conectamos como grupo. Incluso tengo una canción llamada Veracruz que refleja cómo este lugar dejó una huella en todos nosotros y nos hizo sentir como una familia. La magia que vivimos en Veracruz es algo que siempre recordaremos.

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TE QUIERO Y ME DUELE Dónde ver: HBO Max

Sobre trabajar en un proyecto de Cris Morena, creadora de éxitos como Rebelde Way y Floricienta: Mar: Estar en un proyecto de Cris Morena es realmente reconfortante, ya que sabemos que estamos en manos expertas.

Esta serie va a ser lanzada a nivel mundial en una plataforma de gran alcance, y presenta una historia compleja con personajes profundos. Al mismo tiempo, cuando observas lo que uno es capaz de lograr, te das cuenta de que aunque esta producción sea más contemporánea y cuente con herramientas visuales más avanzadas, es casi imposible superar lo que Cris ya ha logrado en el pasado. Ella fue una mujer adelantada a su tiempo, creando proyectos, historias y personajes realmente visionarios.

Cuando comparas la versión de RBD con la original (Rebelde Way), es asombroso ver la capacidad de interpretación de los argentinos. Hemos formado un equipo increíble, aprovechando lo mejor de Argentina y México en cada aspecto de nuestra producción. No solo hablo de los casos específicos, sino de cómo ambos países aportan sus talentos únicos. Esto brinda una sensación de tranquilidad al pensar en estar bajo la dirección de Cris Morena.

Al mismo tiempo, es una gran responsabilidad, ya que esta es una oportunidad única en la vida. Personalmente, y en conjunto con todo el equipo, hemos invertido nuestra pasión y esfuerzo en hacer que esta experiencia valga la pena. Queremos que el esfuerzo que todos hemos puesto sea reconocido, valorado y que tenga un impacto profundo en los corazones de la audiencia.

La música desempeña un papel fundamental en la serie: Nicolás: Creo que la música desempeña un papel fundamental en la serie. La mejor música suele surgir del drama, y aunque también hay canciones alegres, creo que lo que realmente conecta con las personas es el aspecto humano y emocional de la música. El drama, el dolor y el sufrimiento son elementos que todos experimentamos en algún momento, y esa esencia contrasta con la idea detrás de Te quiero y me duele. En mi opinión, la música aporta muchísimo a la historia al reflejar los sentimientos de los personajes y también permitir que los espectadores se identifiquen y se conecten en un nivel profundo.

Haciendo referencia a Cris Morena, ella logró este efecto en proyectos como Rebelde Way y Floricienta, demostrando que la música puede transformar películas en obras maestras.

Tenemos la fortuna de que Te quiero y me duele no solo sea una gran serie con una narrativa sólida, sino que también cuente con un poderoso componente musical. La música no es solo un acompañamiento, sino una parte esencial de la historia.

Personalmente, me siento afortunado de poder trabajar en la música detrás de escena y ser parte de un proyecto que valora y entiende tanto la importancia de la música. No es solo una conexión con lo visual, sino también con lo auditivo. Sin este componente, creo que Te quiero y me duele no sería lo que es.

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SERIES

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L U I S

C U R I E L

Se adentra en el lado oscuro en Te quiero y me duele FOTO PINPOINT

D

espués de haber participado en exitosos proyectos como Control Z, El Rey, Vencer el pasado y El Chapo, Luis Curiel regresa al mundo de las series interpretando a Casco, el antagonista en la nueva serie juvenil Te quiero y me duele, de HBO Max. “Tenía ganas de interpretar el personaje de Luis en ‘Control Z’; todo el mundo me veía como el bueno y el tranquilo, pero no es así. Ha sido una experiencia muy enriquecedora explorar esta oscuridad, ya que todos los seres humanos estamos compuestos de luz y sombra”, revela el actor en una entrevista con la Revista Cameo.

Cuéntame más sobre tu personaje.

Interpreto a Casco, el amigo de la infancia de Juan Gris (Roberto Aguilar), el chico popular del barrio por quien anhela tener suerte. Crecimos en el mismo barrio y formamos parte de la misma pandilla, pero me expulsan y esto tendrá consecuencias en los próximos capítulos. Esto genera cierto antagonismo en la trama; sin embargo, mi personaje está marcado por heridas, dolor y vacío, lo que justifica sus acciones.

La creadora de la serie, Cris Morena, ha cosechado muchos éxitos en Argentina. ¿Qué opinas al respecto?

Dos elementos son cruciales aquí: la calidad de HBO Max y la maestría de Cris en la creación de contenidos para jóvenes.

Espero que esta historia que ella ha ideado y desarrollado no sea la excepción y que logre conectar con el público. La música es completamente original y las letras son de Cris Morena.

Se trató de un proyecto en busca de la más alta calidad y espero que sea del agrado de todos. ¿Qué opinas de la combinación de melodrama y música en la serie?

Me parece excelente. El melodrama es un género que debe ser abordado con cuidado para evitar convertirse en una telenovela, y creo que en este caso se logra ese equilibrio. Supie-

ron combinar la música con la fotografía y la edición; todos los números musicales se ensamblan de manera acertada en todos los departamentos y equipos. Estoy emocionado, ya que es mi primera incursión en una serie musical. Aunque Casco no tenga su propia canción, me emociona mucho. El soundtrack está disponible en Spotify y otras plataformas. Es un proyecto 360 que está en todos los frentes; se promocionará en redes sociales y abarca la música, el baile, lo musical, la actuación y las historias individuales de los personajes. Es realmente emocionante.

Esta serie tiene un elenco coral y cada personaje tiene su propia historia.

Es un enfoque genial. En general, tanto las personas jóvenes como adultas buscan representación, quieren ver sus caras y experiencias reflejadas en las historias de los medios.

La serie apuesta por esto y también por dar más profundidad a los protagonistas, explorando sus conflictos, vacíos, alegrías y amores. Creo que el título de la serie lo resume bien: Te quiero y me duele. Aborda desamores, anhelos y formas únicas de amar, todo lo cual los espectadores verán en la serie y con lo que podrán identificarse a través de alguno de los personajes.

Además, estas series suelen ser un semillero de nuevos talentos.

Es asombroso. Parte de la apuesta de la televisión abierta es dar oportunidades a nuevos rostros y actores que están dando sus primeros pasos en la industria. Esto nos permite descubrir talentos que tienen mucho que ofrecer. A diferencia de la televisión tradicional, donde a veces se repiten las mismas caras, en las plataformas como HBO Max buscamos contenido fresco. Se percibe que Te quiero y me duele podría convertirse, al igual que Control Z, en un semillero de nuevos actores, brindando oportunidades a muchas personas para que sean vistas.

• Carlos Mora

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La seire habla de temas muy actuales.

Sí y me encanta que esté relacionado con la música y que las historias están entrelazadas con ella. Los temas que aborda, cómo luchar por los sueños, la comunidad LGBT+, la lealtad y la hermandad entre amigos, me apasionan.

Creo que también estoy muy familiarizada con esta idea de hermandad que puedes tener con amigos, una familia que se elige y no se basa en la sangre. La serie retrata esto de manera hermosa y honesta. ¿Cómo fue grabar en Veracruz?

Había algo mágico en trabajar en ese lugar.

Transmitía una vibra tan especial; cada lugar al que íbamos era pura belleza. Veracruz era hermoso en cada rincón que exploramos durante el rodaje. A pesar de los cambios de clima inesperados, como el calor insoportable en momentos o el buen tiempo en otros, creo que al final contribuyó mucho a la atmósfera y al entorno.

Cada personaje tiene una historia, eso aporta mucho, ¿no crees?

Exacto, es algo que aplaudo a quien tuvo la idea. La versatilidad entre todos nosotros es sorprendente, y cualquiera puede identificarse con alguna de las historias. Hay una historia para cada persona, desde la comunidad LGBT+ hasta muchas otras. Los jóvenes pueden sentirse identificados con personajes diversos, ya sea la rubia, la pelirroja, el chino o la morena. Me encantó este enfoque más realista de la serie.

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R E Y E S

¿Cómo fue trabajar en un proyecto de Cris Morena?

La verdad, cuando supe que era de ella, me emocioné mucho, ya que había visto algunos de sus proyectos anteriores. También sentí mucha felicidad y orgullo de poder formar parte de este proyecto que lleva su firma.

K R I S T Y

¿Qué fue lo que te gustó de Sara?

Ella es la hermana de Ciro (Heider Moreno), y juntos están en busca de su sueño de una vida mejor. Es un personaje que amo profundamente; me buscó hasta encontrarlo. Compartimos un poco de nuestra historia, ya que tenemos en común la experiencia de salir de nuestro país y luchar por nuestros sueños.

Lucha por sus sueños

¿Cómo te sientes del estreno de Te quiero y me duele?

Estoy muy feliz y emocionada. Es un proyecto que se realizó con mucho amor y pasión.

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Sobre la música, ¿qué me puedes contar?

Las letras son 100% originales y la música es muy pegajosa. Seguro que quedará en la cabeza de todos y la están tarareando. No dejo de escucharla, realmente la disfruto. Además, mis compañeros son muy talentosos, tanto en voces como en actuaciones. Creo que el público la va a disfrutar muchísimo. ¿Qué opinas sobre la importancia de ver caras nuevas?

Es crucial, ya que a menudo falta la oportunidad de mostrar lo que podemos hacer. Agradezco mucho que se nos haya brindado esta plataforma exitosa con productores increíbles y un guión sólido. Nos dan a nosotros, las caras nuevas y frescas, la oportunidad de demostrar lo que sabemos hacer.

• Carlos Mora

P A B L O

E

l cantante habla sobre su participación en la serie creada por Cris Morena, que se estrena en la plataforma de HBO Max.

Nacho representa a la comunidad LGBTQ+. ¿Qué mensaje deseas transmitir con tu personaje?

Creo que el mensaje general de la serie aborda temas sensibles como el bullying y la depresión, tratándolos de manera honesta. Espero que las personas que la vean se identifiquen con alguno de estos temas y que la serie les brinde ayuda de alguna forma. Es un privilegio y un orgullo. También de formar parte de este proyecto es algo muy hermoso que ha sucedido en mi vida. Me siento muy contento de interpretar a este personaje.

C A R N E S

P A B L Osu C A R N E S Hace debut Hace suactor debut como como actor en “Te quiero TQYMD yen me duele”

¿Cómo te sientes respecto a tu primer proyecto?

Soy cantante y músico, por lo que siempre había prestado más atención a esa parte musical. Ahora tengo esta bendición de trabajar en una serie. El hecho de que esta serie haya sido creada por Cris Morena, quien ha tenido grandes éxitos como Rebelde Way o Floricienta, fue impactante para mí. Abrirse camino en el mundo actoral junto a estas personas y este equipo me llenó de alegría. ¿Cómo te sentiste al actuar?

Estuvimos muy cuidados y fue una experiencia hermosa debutar en esta serie tan especial de HBO Max. Creo que hay una conexión en la cuestión de interpretar, pero al final, los artistas sabemos cómo expresar emociones, estados, historias y situaciones. Por ahí radica la parte artística. ¿Qué opinas para los nuevos actores?

Me parece una oportunidad muy hermosa tanto para cada artista como para los personajes. Pudimos explorar mundos diferentes, ya que para algunos de nosotros era nuestro primer proyecto actoral. Otros tenían más experiencia, pero fue una experiencia de aprendizaje impresionante. ¿Cómo fue la experiencia de grabar en Veracruz?

Fue genial. Hace muchos años había estado en Veracruz; mi mamá es de allí. Me parece un lugar precioso. Hay varias tomas que muestran la belleza de Veracruz. El clima fue un sueño. En pocas palabras, fue una experiencia completamente positiva. ¿Aprecias la presencia de caras nuevas en la serie?

Me parece sensacional y muy gratificante que haya oportunidades para nuevos talentos. El mundo está lleno de talento y considero que es justo buscar esos espacios. También agradezco que nos brinden estas oportunidades hermosas para contar historias y conectar con las personas a través de ellas. ¿La música juega un papel importante?

Por supuesto, en la serie hay 15 canciones, todas de la autoría de Cris Morena. Hay un gran equipo detrás de la parte musical.

Grabar todas las canciones fue una experiencia hermosa y novedosa. A pesar de haber estado en el estudio, te sientes un poco como en casa. Me gusta aportar mi voz a Nacho para que pueda expresar su historia.

• Carlos Mora

FOTO BGMANAGEMENT

Roberto Quijano Chumpi

SERIES

Adriana Montes de Oca Inés Urquiza

Diego Klein Fede Urquiza

Camila Valero Rafaela Urquiza

Sylvia Pasquel Leticia Urquiza

MALA FORTUNA

LOS DRAMAS FAMILIARES SON UNIVERSALES

Macarena Achaga Marie Claire

Fátima Molina Balbina Urquiza

Lisa Owen Camila Urquiza Ricardo Polanco Julián Urquiza Jorge López Michi Montefusco

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Mala Fortuna es creada por Cristian Conti y María Hinojos. Busca explorar una nueva perspectiva de las clases privilegiadas en México al ponerlas a prueba cuando dos jóvenes intentan engañarlas para arrebatarles todo. Conversamos con el elenco: Jorge López, Macarena Achaga, Lisa Owen, Camila Valero, Ricardo Polanco, Sylvia Pasquel, Fátima Molina, Diego Klein, Adriana Montes de Oca; y con los directores Joe Rendón y Analeine Cal y Mayor, sobre esta nueva serie original de Prime Video.

Por C A R L O S M O R A

¿Cómo se sienten de formar parte de este proyecto?

Jorge: Me siento muy contento, es mi primer proyecto en México en una producción local. Nunca había trabajado aquí en el país y me siento ansioso pero feliz por el estreno y por volver a ver a mis compañeros. Grabamos hace un año y ya quiero que la gente lo vea y pueda disfrutarlo. La verdad es que tengo muchas ganas.

Maca: Les contaba que organicé una pequeña proyección para mis amigos y me sentía tan nervioso que llegué a decir: “Parece que es mi boda”. Creo que nunca estaré tan nerviosa en mi vida. Es realmente gratificante compartir algo en lo que se ha invertido mucho tiempo y que ha pasado por manos de muchas personas hasta que está terminado. Por eso, este es un momento muy emotivo y creo que compartirlo ahora con el público es la cereza en el pastel. ¿Qué opinan sobre la formación de elencos multiculturales en las series, donde vemos personas de España, Chile y Argentina, entre otros?

Jorge: En mi opinión, esto refleja la realidad del mundo en general. La gente se desplaza, las fronteras se difuminan, y el mundo se ha vuelto más interconectado. Un elenco multicultural es una representación precisa de la diversidad actual, y eso tiene sentido para mí.

Maca: Lo veo desde la perspectiva de los hispanohablantes. Creo que es importante apoyarnos mutuamente, ya que si no lo hacemos, estaríamos limitados a nuestras propias regiones. Siempre pienso en cómo sucede en otros lugares del mundo: cuando compartes un idioma, hay muchas cosas que también se entrelazan, y es realmente gratificante poder combinarlas de manera armoniosa.

Es una serie que cuenta con un elenco destacado.

Maca: Creo que hablo en nombre de los dos cuando digo que a veces tenemos que detenernos en medio de las tomas debido a las risas contagiosas que surgen mientras estamos grabando con todos. Somos un grupo grande y cuando nos reunimos, la alegría es evidente. A veces nos decían: “Chicos, por favor, concéntrense”. Pero considero que esto siempre es un buen signo.

JORGE LÓPEZ Y MACARENA ACHAGA

Jorge: Realmente es un placer. Coincidir y compartir escenas con todos los compañeros es un verdadero deleite. Es una experiencia creativa enriquecedora, jugamos juntos y nos lo pasamos muy bien. Hay un gran talento en el elenco y es maravilloso verlo y ser parte de ello.

Estaba platicando con Lisa Owen y me hablaba de su personaje, una mujer que se involucra en una relación amorosa con un hombre más joven.

Jorge: Claro, porque generalmente se tiende a pensar que un hombre joven no puede sentir un amor genuino por una mujer mayor. En cuanto a esa trama, principalmente está impulsada por la ambición. Sin embargo, a medida que avanzamos, entendemos que mi personaje (Michi) experimenta emociones auténticas y se va involucrando cada vez más. Esa es la parte complicada y difícil de esta trama, ya que la realidad y la irrealidad se entremezclan. Al final, las estrategias de los personajes terminan dominando su verdadera naturaleza.

Maca: Estamos viviendo un momento en el que nuestras carreras nos permiten abordar temas que antes eran tabú o que no se discutían abiertamente. Podemos explorarlos desde perspectivas diferentes, porque eso es precisamente lo que hacemos. El arte sirve como una poderosa expresión de lo que realmente pensamos y sentimos.

Cada personaje tiene su propia historia.

Maca: Es muy importante para nosotros, ya que al interpretar los personajes

para el público, creemos que es fundamental que cada uno tenga su propio desarrollo. Siempre es gratificante ver que cada personaje esté dispuesto a tener su propio arco, porque así la audiencia puede identificarse con muchos de ellos.

Jorge: Es realmente valioso poder presentar una variedad de personajes con cualidades completamente diferentes, con profundidad y arcos interesantes. Esto permite que la audiencia pueda empatizar con uno u otro personaje.

Cuando se aborda de manera completa y se presenta adecuadamente, creo que el producto final se enriquece enormemente, y eso es precisamente lo que ocurre en esta serie. ¿Cómo se sienten al trabajar con primeras actrices mexicanas como Silvia Pasquel o Lisa Owen?

Maca: La combinación de actores enriquece mucho la experiencia y también a nosotros como intérpretes. Siempre es gratificante trabajar con personas que tienen experiencia, ya que se puede aprender tanto de los más jóvenes como de los más experimentados. Es muy interesante cómo sucede esto, ya que en nuestra profesión es esencial mantener una actitud humilde y estar dispuesto a ser un aprendiz.

Jorge: Siempre es agradable contar con compañeros generosos y dispuestos a ayudar. La colaboración fluida hace que el trabajo sea placentero y las cosas fluyan de manera natural, lo cual es algo realmente gratificante.

• Carlos Mora

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¡Por fin estrenan Mala Fortuna!, ¿están felices?

Fátima: ¡Muy bien! Ya queríamos que llegara este día.

Hace un año que estábamos filmando esta serie y hoy en día es una realidad que la estrenemos en Prime Video el 18 de agosto. Estamos muy contentos y al igual que tú, creemos que es un proyecto que puede conectar muchísimo con la gente, que puede gustar mucho. Aunque sea un drama, también tiene momentos de comedia que aligeran mucho el ambiente y enganchan a la gente. Ya nos dirás qué te parece cuando veas estos ocho capítulos.

Diego: Para mí, este es “el proyecto”. De todo lo que he hecho, sin desmeritar lo que uno hace, este es al que más ganas le tenía y en el que más fe tengo. Le tengo toda la esperanza. No quería verlo; a mí también me mandaron los dos primeros capítulos y me esperé hasta que vimos una proyección y dije: “Wow, qué bonito”. Porque cuando tienes tantas expectativas, generalmente no se cumplen, imagínate un año de expectativas y que no resultara. Esto está impresionante.

Sylvia, ¿cómo te sientes trabajando con tu nieta Camila Valero?

Muy contenta, fue una experiencia muy bonita trabajar con ella. Fue muy curioso, porque de ser abuela pasé a ser su tía. Me gustó mucho observarla trabajar, ver esta forma diferente de abordar el personaje, de construirlo, de cómo se relaciona con sus compañeros y directores. Para mí, trabajar con ella fue una experiencia muy enriquecedora.

En cuanto al proyecto, vemos que la realización fue muy buena y superó nuestras expectativas. Lo que necesitamos ahora es que la gente se enganche, que le guste y que haga comentarios positivos recomendando la serie, para que todo el mundo hable de ella. Eso es lo realmente importante, y así habrá posibilidades de una segunda temporada, permitiendo que la gente siga disfrutando de estos personajes tan controvertidos y ricos, que a fin de cuentas son muy similares a la vida misma.

Me gustó mucho el humor negro que maneja la serie. ¿Qué pueden comentar al respecto?

Adriana: Creo que como actriz pocas veces tienes la oportunidad de encontrarte con guiones tan bien escritos, con personajes femeninos fuertes y un humor negro tan bien logrado. A pesar de tocar temas fuertes y dramáticos, la inclusión del humor negro permite que la gente se conecte fácilmente y que puedas reírte para liberar la tensión de lo que estás presenciando. ¿Alguna escena que quieran compartir?

Diego: Hay una escena que sale en el tráiler, yo me lanzo a una alberca de cabeza, es un choque brutal. No sé si la vieron, pero fue muy buena. El agua estaba helada, y no solo eso, sino que no sabía que el impacto sería tan fuerte.

Cristian Conti inventó esa escena en el momento, sin estar en el guión. Dijo: “Mira, el atardecer, tírate de cabeza”. Les juro que me quedó la cara morada. Me hizo repetirlo tres veces más, pero ya no podía, caía medio de costado, pero sabía el golpe que me daba. (risas)

SYLVIA PASQUEL, FÁTIMA MOLINA, DIEGO KLEIN, Y ADRIANA MONTES DE OCA

Sylvia: Una escena muy divertida fue cuando llego en helicóptero, aunque entre nosotros nunca subí al helicóptero de verdad, siempre estuvo en tierra. En la escena, se suponía que llegaba y los perros corrían a saludarme.

Tengo 16 perros y cuando llego todos corren a saludarme, pero los de la grabación no querían saber nada de mí. Los soltaron y avanzaron un par de pasos, pero luego regresaron buscando a su amo. Cristian Conti, el showrunner, decía “por favor, que jalen a los perros”. Intenté con salchichas y jamón serrano, pero los perros nunca se acercaron.

Aún así, me tomé una foto con ellos como una gran señora con sus perros, pero son anécdotas graciosas que nadie ve, pero que son muy divertidas. (risas) La serie retrata una relación entre una mujer mayor (Lisa Owen) y un hombre joven (Jorge López). ¿Qué opinan del tema?

Fátima: Es algo que no solemos ver y que nos parece poco común, ya que estamos acostumbrados a ver a mujeres jóvenes con hombres mayores, lo cual hemos normalizado y estigmatizado durante mucho tiempo. Es importante comenzar a cambiar estas narrativas, normalizarlas y dar el valor que corresponde a cada edad.

Adriana: Siento que el personaje de Lisa es extremadamente poderoso al abordar estos temas abiertamente en lugar de evadirlos. Nombrar lo que ocurre y mostrarlo como algo completamente natural es esencial, así como tratar la sexualidad de una mujer mayor de manera realista.

Syvia: Los jóvenes a veces creen que, debido a la edad, la libido desaparece, que ya no hay deseos ni apetito sexual. Puede que el deseo no sea tan intenso ni tan frecuente, pero la sexualidad sigue existiendo y los deseos y el gusto también.

Diego, ¿cómo fue trabajar con compañeras que, además de ser mujeres increíbles, son grandes actrices?

Fue asombroso, la verdad es que no solow son mujeres excepcionales, sino también compañeras y actrices excepcionales. Tuve la suerte triple. Ayer, al ver el episodio, pensé: “Qué suerte la mía de compartir escenas y de ver las diferencias con sus personajes”. Es asombroso, incluso como actor, ver la distinción entre la persona y el personaje, y con un año de diferencia, dices: “Guau, fue una experiencia muy bonita”.

Fátima, ahora te vemos en un papel antagonista, algo diferente a tus otros personajes. ¿Cómo te sentiste?

Estoy feliz. Es un personaje muy picante, diferente y desafiante. Voy a seguir defendiendo la verdad de Balbina, aunque mi familia ficticia me lo niegue. Creo que es una mujer con la capacidad para dirigir la empresa de Los Urquiza. A pesar de que no se le reconoce debido al patriarcado, ella lucha por ser aceptada y reconocida por su talento.

Sin embargo, su familia se vuelve un obstáculo. A veces tomamos decisiones acertadas, otras no tanto, y veremos cómo evoluciona el proceso de Balbina.

• Carlos Mora

Por fin llega el estreno de Mala Fortuna, ¿cómo se la están pasando?

Camila: Muy contentos, creo que hablo por todos.

Fue un rodaje muy disfrutable y divertido. El elenco es muy completo y logramos ser muy unidos. Estamos emocionados por ver cómo lo recibe la gente. Esperamos que el amor que le pusimos se note en la pantalla.

Lisa: Muy contenta, sobre todo con una comedia tan bien escrita. Como dijo Camila, armamos un equipo muy bueno. Además, estuvimos grabando fuera de la ciudad, lo que implicaba estar en el mismo hotel.

Ricardo, ¿qué opinas del humor que maneja la serie?

Siento que se utilizan los mejores momentos para contar las escenas cómicas. Este proyecto permitió que las escenas cobraran vida. Hubo decisiones sobre qué chistes usar y qué escenas mantener. Al final, Cristian Conti, el creador y showrunner, logró el resultado que buscaba.

Camila, compartes escenas con tu abuela Sylvia Pasquel, ¿cómo te sentiste?

Muy bien, fue lindo. No sabía qué esperar en el ámbito laboral, ya que no la conocía en ese contexto. Es una persona de carácter fuerte pero muy chistosa. Me habían hablado bien de ella en el trabajo, pero aún así sentí nervios por trabajar con un familiar. Fue una experiencia sorprendente. Es una buena compañera de escena, chistosa y relajada. Tiene mucha experiencia y el personaje le quedaba muy bien. Fue curioso que nos eligieran sin saber que éramos parientes. También fue interesante ver cómo la vida nos coloca en situaciones familiares, al igual que en la serie.

Lisa, ¿cómo fue trabajar con Sylvia Pasquel, otra primera actriz como tú?

Fue bonito conocerla. Aunque seamos rivales en la serie, Silvia y yo nos llevábamos bien. Salíamos a comer juntas y ella es divertida e inteligente, con un sentido del humor negro. Quiero agregar que nadie sabía que Camila y Sylvia eran parientes porque Cristian Conti es español y no estaba al tanto.

Lisa, tu personaje es algo que no habíamos visto antes.

Sí, pero me he dado cuenta de que lo que quiero es ser millonaria (risas). Es un personaje bonito y me gusta el tono de refinamiento que mantiene. Es menos dramática que los hijos y se encarga de mantener el orden. Además, muestra que una mujer mayor puede tener un romance con un hombre más joven. Creo que es un mensaje positivo para las mujeres.

LISA OWEN, CAMILA VALERO Y RICARDO POLANCO

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Ricardo, haces una buena pareja con Fátima Molino, pero también hay grandes actrices mujeres. ¿Cómo te sientes rodeado de tanto talento femenino?

Me siento afortunado. La mayoría de las escenas son con Fátima, pero todos teníamos espacio para nuestras historias. Las escenas en conjunto eran divertidas y enriquecedoras. Disfruté trabajar con Fátima, ya que comenzamos a colaborar antes de las grabaciones. En el set, fue pura diversión y admiración. Ver trabajar a todos siempre ofrece oportunidades de aprendizaje. Fue una experiencia feliz y divertida. ¿Cómo se sintieron grabando fuera de la Ciudad de México?

Lisa: En general, me gustó mucho. Te concentras solo en el trabajo y no tienes que volver a casa para cocinar o ir al supermercado.

Camila: A mí también me gustó. No nos fuimos por mucho tiempo, así que se sintió como unas vacaciones de trabajo. Mientras grabábamos en Acapulco, después del llamado diario, íbamos al mar. Eso nunca sucede en la Ciudad de México, donde después del llamado enfrentas el tráfico y llegas agotado. Grabar en otro lugar permite concentrarse más. Fue una experiencia agradable, y visitar lugares como Acapulco, Valle de Bravo o Toluca fue una buena fortuna.

• Carlos Mora

JOE RENDÓN DIRECTOR ¿Qué te gusó de la historia?

La historia es original de Cristian Conti y María Hinojos.

Son ellos quienes me invitaron al proyecto. Yo dirigí los capítulos 1 al 4. Lo que me parece interesante es que, desde el principio, es la historia de Victoria (Macarena Achaga) y Julio (Jorge López), quienes se conocieron cuando eran ricos y llevaban una vida diferente. Cuando sus padres tomaron malas decisiones y perdieron todo su dinero, cayeron en desgracia y ambos tomaron caminos diferentes. Julio se convirtió en un vividor y Victoria hizo lo mismo. Al final, la historia trata sobre lo que perdemos en la vida y lo que deseamos recuperar.

Si te fijas, lo mismo le está sucediendo a la familia Urquiza. La pérdida de su padre y su ausencia crean un vacío que necesita ser llenado, provocando intrigas dentro de la familia. ¿Cómo fue grabar las escenas con un ritmo más ágil?

Sí, me alegra que lo hayas notado. Es un tema que discuto con mi Director de Fotografía, Julio Llorente. Esta es la segunda serie que realizamos juntos, y desde Búnker comenzamos a explorar un lenguaje visual. Con Mala Fortuna, quisimos continuar ese estilo. Implica aspectos como los encuadres, el color, la apertura y el cierre, y sobre todo, el ritmo visual.

Me gusta especialmente el piloto de Mala Fortuna, porque arranca rápido y lleno de energía. El objetivo es entretener y captar la atención, ya que es clave para mantener a la audiencia interesada.

Y, ¿cómo fue dirigir a este increíble elenco?

Fue muy divertido. Jorge López es excepcional en todos los sentidos. Es un actor comprometido, dedicado, inteligente y sensible. Aporta una profundidad increíble a su personaje.

Ricardo Polanco es uno de mis mejores amigos y siempre aporta algo único. Fátima Molina es increíble. Trabajar con leyendas como Sylvia Pasquel y Lisa Owen también es un lujo, ya que tienen una ética profesional y personal inigualable. Ya conocía y había trabajado con varios de ellos, como Adriana Montes de Oca, Camila, Macarena, Octavio Hinojosa y Roberto Quijano. Fue un gran regalo poder reunir un elenco coral tan sólido para este proyecto.

ANALEINE CAL Y MAYOR DIRECTORA ¿Cómo llega Mala Fortuna?

Ya había dirigido anteriormente un proyecto para Amazon, y me especializo en comedia. Aunque Mala Fortuna también tiene drama y es un dramedy con situaciones tanto dramáticas como de humor, creo que por eso me invitaron. Han visto mi trabajo en series para Netflix como Madre solo hay dos y Contra las cuerdas, supongo que por eso me buscaron. ¿Cómo fue dirigir al elenco?

Fue algo especial, pero también fue un reto para mí. Fue increíble tener la oportunidad de trabajar con Lisa Owen, no me había tocado trabajar con ella. Trabajar con Macarena Achaga es una delicia, al igual que con Fátima Molina, Ricardo Polanco y Diego Klein, en realidad con todos.

En cuanto al reto, no me había tocado dirigir escenas tan complicadas en las que tenía de 9 a 30 actores en escena. Hay una en particular, la boda de Chumpi (Roberto Quijano) e Inés (Adriana Montes de Oca). Imagina la boda, una mesa con 25 a 30 personas a las que tienes que dar atención.

Ahora puedo decir que en Mala Fortuna me gradué en el uso de los ejes de cámara y todas las reglas sobre miradas.

Fue mi graduación porque te aseguro que cambió mi manera de dirigir. A partir de Mala Fortuna, ya me enfoco en cómo el actor mira a la actriz, no solo hacia un lado, sino viendo si están mirando a la derecha, si se ven bien o mal. Tener a 8 o 9 actores al mismo tiempo es un desafío. ¿Cómo es codirigir un proyecto, en este caso con Joe Rendón, quien dirigió los capítulos 1 al 4 y tú los capítulos 5 al 8?

Es lo normal y más común en series. Siempre he compartido los créditos de dirección en las series, como en Madre solo hay dos. Creo que las series con un solo director son excepcionales. Es cuestión de trabajar mucho en la preproducción para ponernos de acuerdo en un lenguaje visual y en cómo se va a contar la historia. Los fotógrafos también tienen que estar muy de acuerdo. Trabajar mucho en equipo durante la preproducción y luego arrancar con la filmación.

SERIES UNIVERSAL+ estrena Poker Face, la aclamada serie de crimen y misterio creada, escrita, dirigida y producida por el multi-nominado al Premio de la Academia, Rian Johnson (Knives Out, Glass Onion, Star Wars: The Last Jedi).

Poker Face presenta las aventuras de la también multinominada al Emmy, Natasha Lyonne (Orange Is the New Black), como Charlie Cale, una chica con la extraordinaria habilidad de detectar cuando alguien está mintiendo. Tras el trágico asesinato de su mejor amiga, una exjugadora profesional de póker y ahora mesera de casino, Charlie usa sus habilidades para descubrir la verdad detrás de este oscuro crimen y salvar su propia vida.

Pero esto es solo el comienzo de un viaje lleno de aventuras que la llevará a recorrer Norteamérica, resolviendo asesinatos y encontrando un misterio en cada esquina. Todas las historias están protagonizadas por grandes estrellas de Hollywood en la serie original más esperada de la temporada, exclusiva de Universal+.

El personaje de Charlie Cale (interpretado por Lyonne), cínico, adorable y desenfadado, ha valido a la serie un 99 por ciento de críticas positivas en Rotten Tomatoes y ha sido calificado por Entertainment Weekly como el show de misterio del año.

“Una serie que busca la verdad y defiende la justicia me parece uno de los grandes termómetros sociales y un buen indicador social. Los seres humanos usamos la mentira como mecanismo de defensa, el chisme como supervivencia, pero también la crítica como una forma de ponernos un caparazón por alguna razón”, comenta Maryfer Centeno, grafóloga.

Aclamada por la crítica, la serie ha recibido múltiples nominaciones a los Premios Emmy 2023, incluyendo Mejor Diseño de Vestuario y Mejor Actriz Invitada en una Serie de Comedia (Judith Light). Por supuesto, Natasha Lyonne también ha sido nominada como mejor actriz en una serie de comedia.

• Redacción

POKER FACE Dónde ver: Universal Plus

SERIES

ELLAS SOY YO Dónde ver: ViX+

“Estoy muy

ORGULLOSA

de ser una Gloria”

REGINA VILLAVERDE hace su debut en la serie Ellas soy yo: Gloria Trevi, interpretando a la cantante y compositora mexicana durante su adolescencia. La trama sigue a Gloria Trevi, quien a los quince años viaja desde Monterrey a la Ciudad de México para participar en un concurso televisivo. Allí, conoce a César Santiago, un hombre que se convierte en su depredador durante los siguientes diecisiete años. Así comienza la serie que se estrena en la plataforma ViX+.

Texto y foto C A R L O S M O R A

¿Cómo te sientes acerca de tu primer proyecto?

Fue algo impresionante para mí, ya que no tenía experiencia como actriz. Es la primera vez que actúo y cuando me dijeron que interpretaría a Gloria Trevi, fue impactante. Sabía que mi vida cambiaría por completo. Estaba en la preparatoria y sabía que tenía que darlo todo. No me arrepiento en absoluto, y literalmente lloré cuando Carla me lo dijo. Fue algo increíble. ¿Eras fan de Gloria Trevi?

La verdad es que no conocía mucho a Gloria Trevi. Claro que conocía sus canciones, pero al conocer su historia y darme cuenta de lo resiliente, fuerte y talentosa que es, me convertí en una gran admiradora suya. La respeto mucho y cada vez que la veo, siento la misma emoción que la primera vez. ¿Cómo fue trabajar con Carla Estrada?

Fue todo un honor tener la oportunidad de trabajar junto a ella. Carla sabe lo que quiere y lo logra de manera excepcional.

Es perfeccionista y trabaja de manera increíble. Es una sensación maravillosa colaborar con ella. Espero que podamos trabajar juntas nuevamente. Agradezco la confianza que tuvo en mí para interpretar este papel y la amo con todo mi corazón.

¿Qué sentiste la primera vez que te viste caracterizada como Gloria Trevi?

Recuerdo que tomé un montón de fotos. Al entrar al set, estaba muy nerviosa ya que nunca había grabado antes. Fue una experienciaincreíble,yaquetodosenlaproducciónmeayudaron y cuidaron mucho. Siempre llevaré ese momento en mi corazón. ¿Cómo fue trabajar con Jorge Poza?

Jorge Poza es un caballero. Trabajar con él es asombroso y te diviertes mucho. Es muy profesional y realiza su trabajo de manera excepcional. Lo admiro mucho de verdad. Trabajar con un actor como él fue increíble. Aunque no trabajé directamente con Scarlet Gruber (Gloria en su etapa joven) , pude verla actuar y es realmente una actriz increíble. Creo que les encantará su trabajo. ¿Cómo fue la primera vez que conociste a Gloria Trevi?

No tuve muchas oportunidades de conocerla personalmente, pero tuve la oportunidad de hacer un video con ella y platicar un poco. Me pareció una persona increíble y pude conocerla un poco más. Estoy realmente orgullosa de todo el trabajo de producción y, sobre todo, del trabajo de Scarlet.”

ELLAS SOY YO Dónde ver: ViX+

“GLORIA TREVI CUENTA ESTA HISTORIA NO PARA HACERSE FAMOSA”: CARLA ESTRADA A CASI 20 AÑOS de haber sido absuelta de los delitos de corrupción de menores y rapto por la justicia mexicana, la cantante Gloria Trevi relata su propia versión de su tormentosa vida, en la bioserie Ellas soy yo: Gloria Trevi.

“Tiene un mensaje muy claro, la violencia es un problema global y de alguna manera la serie nos brinda la oportunidad de ver a una persona que pasó por eso y que pudo salir adelante. Es una historia de resiliencia, donde podemos visibilizar y acercarnos para pedir ayuda. Algo que hace unos años no habría sido posible, pero sí lo es en este momento”, comenta la productora Carla Estrada.

La serie consta de 50 capítulos y sigue la vida de la intérprete de “Recuento de los daños”, desde su infancia hasta su adolescencia, cuando conoció al entonces productor musical Sergio Andrade (César Santiago). “No buscábamos a alguien que se pareciera a Andrade en apariencia física ni en personalidad, estábamos buscando talento”.

En cuanto a su primer encuentro con la

cantante, Estrada recuerda: “La primera vez que me acerqué a ella, estábamos en un viaje y en ese momento se estaba transmitiendo en Estados Unidos la serie de Joan Sebastián. Me preguntó cómo me había ido y le respondí que muy bien. Fue entonces cuando me preguntó si algún día me atrevería a contar su historia y expresó su deseo de que yo fuera quien la llevara a cabo. Esa fue la primera vez que me lo dijo. Después de algunos años, Televisa estableció un vínculo con el equipo de Gloria.

El día que finalmente dijo que sí, sabemos que cuando ella dice que sí, es definitivo, y no hay quien pueda decir que no y tuve miedo al tener su historia en mis manos y la responsabilidad de las actrices que participan en la serie. Creo que es una de las mujeres más juzgadas, primero por la prensa y los jueces, y luego por la sociedad, y esta persecución continúa. Hubo ocasiones en las que tuvimos que detener las grabaciones debido a escenas intensas”.

• Texto y fotos Carlos Mora

T E AT R O

Marina de Tavira REGRESA DONDE ESTÁ SU

CORAZÓN...

EL TEATRO Texto y fotos C A R L O S M O R A

Consentimiento marca el regreso de la actriz al teatro tras una pausa.

En una entrevista EXCLUSIVA con la Revista Cameo, durante una de las lecturas de la obra, se confiesa: “Estoy muy feliz, disfrutando muchísimo el proceso. Me despierto contenta. La energía de todo el grupo es de pura alegría por estar haciendo esta obra. Me doy cuenta de que en cada uno y una de los que están en este proyecto se siente un amor profundo por el teatro y que es su pasión. Eso es para mí lo más importante cuando conformas un grupo”.

¿Cómo te convertiste en productora de teatro?

Me convertí en productora de teatro un poco por accidente, nunca tuve esa intención. Fue de la mano de Enrique Singer. Yo quería ser parte de la Compañía Nacional de Teatro y no podía porque, en su nueva versión y configuración más reciente, el director era Luis de Tavira. Aunque no soy su pariente de línea directa, tenía que explicarlo. Entonces, ni siquiera presenté una solicitud y estaba triste porque tenía muchas ganas de formar parte de ese lugar.

Después, fui a desayunar con Enrique y él me dijo: “Bueno, entonces hagamos algo. Eso no te detiene. No tienes que seguir esperando a que alguien te llame. ¿Qué obra quieres hacer?”. Le dije que siempre había querido hacer Traición de Harold Pinter. Así es como comenzamos. Ahora, Consentimiento es nuestro nuevo proyecto. Ya llevamos casi nueve obras.

He sido una productora que gestó el proyecto, pero después me retiro, ayudo en la conformación del elenco y luego me enfoco más en lo actoral.

Ni siquiera tengo un sueldo de productora. Para mí, ser productora es lograr que el proyecto se realice.

Los textos han llegado de diferentes maneras. A veces son cosas pendientes que teníamos muchas ganas de hacer o que yo tenía muchas ganas de hacer. Le propongo a Enrique obras como Traición o Crímenes del corazón.

Otras veces, llegan a nuestras manos como El río, que nos la trajo Alfredo Michel, al igual que Consentimiento. Me gusta que él se haya vuelto un cómplice de Incidente Teatro. En este caso, son obras inglesas porque él es un especialista en teatro inglés. Él conoce un poco mis obsesiones y cuáles son las cosas de las que me gusta hablar. En fin, son obsesiones que uno tiene en la vida y que el teatro te ayuda a entender en ti mismo.

¿Qué fue lo que te atrajo de Consentimiento?

Me encantó que es una obra totalmente coral. No es una obra de protagonistas y eso hace que el juego sea delicioso y que también la felicidad de todo el elenco, porque cada actor y actriz tienen un personaje que está contando una historia propia. No están en función de nadie. Tiene muchas escenas de grupo y apela mucho al ritmo. Tiene esta característica inglesa que en México es distinta y en español también, busca un ritmo. Estoy hablando de las cosas más técnicas, pero sobre lo que habla, me llamó mucho la atención. Es una obra que trata temas que ahora son muy importantes, como el consentimiento, la mentira y la justicia. Solo el nombre “Consentimiento” en este momento es muy polémico, pero lo aborda desde un lugar diferente, desde personajes que no son heroínas ni héroes que podemos admirar.

Ahora el público puede juzgarnos por decidir interpretar a personajes tan desagradables. Lo que no podemos hacer es tener una confusión respecto a nuestra postura. Por eso creo que el personaje de Jana Raluy (Gina) es tan importante, porque es el único personaje en el que no hay dudas. No es que sea un personaje libre de contradicciones, también es una mujer enferma, pero dice la verdad, mientras que los otros personajes están constantemente mintiendo.

En cuanto a los personajes femeninos, ¿cuál es tu opinión?

Mientras están otras mujeres que son el personaje de Sandra (Adriana Llabrés) y Rita (Daniela Schmidt), y yo, que interpreto a Katy. La verdad es que se traicionan unas a otras como mujeres. Me preocupa una parte que le preguntaron a la autora (Nina Raine) en Argentina. Una reportera

le preguntó si sentía que las mujeres del nuevo movimiento feminista no podrían identificarse con los personajes, y si ella no escribía para el movimiento de las mujeres. Lo que ella contestó fue: “No escribo para el movimiento de las mujeres, ni tampoco no escribo para el movimiento de las mujeres. Yo escribo en principio para lo que me nace y luego para la condición humana”.

En realidad, esto es cierto. Estas mujeres pueden mentir, engañar y traicionar, pero es importante que nos veamos en ese espejo para poder ser mejores. Porque yo no creo que el teatro sea para otra cosa más que para hacernos mejores.

Regresas al teatro junto a Juan Manuel Bernal, ¿cómo fue el acercamiento?

Juanma es increíble. Es mi segunda obra de teatro con él y tenemos años de una larga amistad. Incluso antes de hacer Traición, ya teníamos una historia de profundos amigos. Lo he admirado durante muchos años. Se entrega como pocos actores lo hacen. Pone todo su corazón en ello y además es una gran cabeza de reparto. Su energía nos contagia a todos y todas. ¿Cómo te sientes de regresar al teatro?

La verdad es que yo estaba asustada. Mi última obra fue en 2019, Tragaluz, con Luis de Tavira, Alejandro Luna y Rafael Sánchez Navarro. Hice algunas versiones en la pandemia, pero no había vuelto al teatro presencial. Entonces, para mí, este proyecto es muy especial. El hecho de sentir esa alegría y que todos dijeron sí al proyecto con tanto entusiasmo llena mi corazón.

¿Cómo viviste todo el huracán que trajo consigo Roma? ¿Llegó a cambiar algo en ti?

Creo que no cambió nada porque estoy aquí. Pero fue difícil llegar a ese punto.

No te niego que, con todo lo maravilloso que fue, hay algo complicado que queda después. Es desconcertante y toma tiempo acomodarse, sobre todo lidiar con las expectativas. ¿Y ahora qué pasará? ¿Te convertirás en actriz de Hollywood? Yo decía: “Pero si nunca tuve esa aspiración”.

No digo que cosas increíbles no puedan suceder.

Siempre he hecho teatro. Ahí saltan muchas preguntas: ¿Debería hacer esto o aquello? ¿Me traerá felicidad? Entonces, te detienes, te paralizas. A mí me paralizó.

Estoy hablando con toda la honestidad que puedo tener. Fue como si de repente lo único que podía sacarme adelante era regresar a donde está mi corazón. Como decía mi maestro Luis de Tavira, donde está tu tesoro, está tu corazón. Lo he comprobado.

(El teatro) es lo que más felicidad me brinda en términos profesionales, en los temas familiares y amorosos muchas cosas me hacen feliz, pero esto es lo que me hace feliz en mi vida cotidiana. Me he estado despertando enormemente feliz todos los días porque tenemos ensayos.

Por último, ¿qué es el teatro para ti?

Tanto como actriz como espectadora, el teatro es una forma de conocer la realidad.

Es un medio de conocimiento que me ha enseñado mucho, tanto haciéndolo como viéndolo. Antes de convertirme en actriz, era una espectadora de teatro. Fue donde me conmoví, reflexioné y me dije: “Guau, me llegó”. Creo que el arte y la ciencia, entre muchas otras formas, tratan de conocer la realidad y comunicarnos con los demás.

También es una forma de autoconocimiento y de celebrar la vida en comunidad.

Foto Carlos Mora

Enrique Singer, Marina de Tavira, Juan Manuel Bernal, Arturo Barba, Daniela Schmidt, Jana Raluy, Adriana Llabrés y Alfonso Borbolla.

Consentimiento

Una obra que pone en escena el enfrentamiento entre la justicia y la ley

CONSENTIMIENTO Dónde: Teatro Helénico Del 31 de agosto al 1 de octubre de 2023

Revista Cameo estuvo presente en una de las primeras lecturas de la obra Consentimiento, de la dramaturga inglesa Nina Raine, dirigida por Enrique Singer. El elenco lo integran destacados actores y actrices como Juan Manuel Bernal, Marina de Tavira, Adriana Llabrés, Arturo Barba, Daniela Schmidt, Alfonso Borbolla y Jana Raluy.

P

or primera vez llega a México la obra Consentimiento, que pone en escena el enfrentamiento entre la justicia y la ley. El texto de Nina Raine plantea el provocador conflicto entre la justicia y la ley, explorando el contraste entre la empatía y la ambición económica en un mundo donde las relaciones superficiales y los intereses personales prevalecen sobre la verdad y la legalidad. La obra examina la impersonalidad de la justicia en la sociedad contemporánea a partir de los sufrimientos que enfrenta una mujer víctima de violación.

En esta obra convergen múltiples relatos: el de Gina (Jana Raluy), quien declara que fue violada la noche del funeral de su hermana, mientras que el acusado sostiene que ella dio su consentimiento; el de Max (abogado defensor del caso, Juan Manuel Bernal), y su esposa Katty (Marina de Tavira); el de Alex (Arturo Barba) y Rita (Daniela Schmidt), quienes están en proceso de separación; el de Toni (Alfonso Borbolla), el fiscal del mismo caso; y el de Sandra (Adriana Llabrés), una actriz que se prepara para interpretar a Medea. Estos personajes ven cómo su mundo se tambalea, al mismo tiempo que todas sus máscaras se desmoronan.

“Es un proceso que ha estado lleno de alegría y la reunión alrededor de lo que es el teatro. Todos los que estamos en la obra lo amamos y eso se siente profundamente. Empezamos a poner en juego nuestras energías. Es una autora que te lleva de

la mano, pero también plantea personajes sumamente complejos”, detalla de Tavira.

Se trata de una pieza que presenta, con espíritu crítico y mucho sentido del humor, todos los temas de la agenda actual de los movimientos feministas: los abusos sexuales (incluso dentro del matrimonio), el aborto decidido unilateralmente, la misoginia del sistema judicial al tratar la problemática de género, así como las relaciones de pareja, la mentira, la traición y la posibilidad del perdón.

Por su parte, Enrique Singer, director de la obra, comparte cómo fue elegir el elenco: “Esto inicia con una compañía que tenemos Marina y yo, que se llama ‘Incidente Teatro’. Esta obra llegó a nuestras manos gracias al productor y adaptador Alfredo Michel. Siempre pensamos que lo más importante era trabajar con gente que amara el teatro. Nos hemos encontrado con colegas para quienes el teatro no necesariamente es su pasión. El texto es tan bueno que todos dijeron que sí. Aborda cuestiones sociales, comunica ideas positivas a la gente. Los que estamos aquí coincidimos en que amamos el teatro por gusto y vocación. Personalmente, me siento muy honrado de tener colegas de este nivel”.

La puesta en escena se podrá disfrutar del 31 de agosto al 1 de octubre: jueves y viernes a las 20:00 horas; sábados a las 19:00 horas y domingos a las 18:00 horas en el Teatro Helénico.

DANIEL A SCHMIDT / RITA Para mí, la belleza de este texto al leerlo y ahora al estudiarlo antes de empezar el proceso de ensayos, aprecias y logras oler ciertas cosas. Comienzas este proceso de estudio y análisis que te deja pensando en muchas cosas. Esta obra está escrita magistralmente. ¿Qué fue lo que te atrajo del texto?

Una de las cosas que amo de este texto es que abre muchas preguntas en el sentido de que hace que te cuestiones muchas narrativas que damos por hecho. Por ejemplo, que las mujeres siempre son las víctimas. En esta obra, la autora tiene un tino increíble sin menospreciar a las víctimas de violencia, pero de pronto te cuestiona si esta narrativa oficial es cierta. Las mujeres somos seres humanos que tenemos fallas. Entonces, ese tipo de confrontación que presenta este texto es sumamente interesante. Toda la obra es un cuestionamiento constante, y cuando crees que lo entiendes, la autora está hablando de una cosa y apoyando una idea. De repente, viene la siguiente escena y te das cuenta de que la autora quiere que te cuestiones. Y eso es fascinante. ¿Cómo te sientes al regresar al teatro?

Siempre necesito regresar a mis raíces. Para mí, es mi gran pasión.

Creo que soy actriz por estos procesos, por la mesa, por el análisis.

Cada vez que preparo un personaje, siento que estoy obteniendo una maestría en el tema. Ver documentales, leer libros, artículos, ver películas, conocer personas que pertenecen a ese universo, todo eso es delicioso.

JANA R ALUY / GINA Gina es un personaje brutal, con mucho que decir. Me gusta darle voz a un personaje así. Es la segunda obra que hago de esta autora; la otra fue Tribus. Esta autora tiene una visión del mundo y de todos estos temas muy comprometida. Autoras como ella hacen falta en el panorama actual, y me encanta que sea una mujer, porque es desde su propia perspectiva. ¿Cómo haces frente a una obra que demanda mucha energía mental?

Es muy cansado y no es fácil, por eso es necesario entrenarse para hacerlo menos difícil. Por ejemplo, tengo una facilidad para llorar y puedo conectarme rápidamente con las emociones, pero lo hago con técnicas para no lastimarme. Sin embargo, con personajes como este, siento dolor en el colon. Lo bueno es que es una función, porque acabaría con colitis, ya que el cuerpo no distingue entre ficción y realidad.

Es muy difícil decirle que estás mintiendo. Es un proceso agotador. ¿Qué opinas del elenco?

Trabajar con Marina y Enrique, ahora que tienen su propia compañía llamada Incidente, ha sido un honor para mí. Me invitaron a participar en Crímenes del corazón en 2014, y en esa obra también compartimos escenario. Le digo a Marina todo el tiempo lo agradecida que estoy por querer “jugar” conmigo de nuevo. Siempre preferiré trabajar con un elenco con el que haya una conexión real, como con Juanma, a quien conozco desde los años 80, mucho antes de convertirnos en actores. Estas mesas de lectura con este elenco excepcional son una verdadera joya.

ADRIANA LL ABRÉS / SANDR A “Consentimiento, es una obra muy inteligente y parte de lo que me encanta es que, en su inteligencia, plantea un retrato que nos confronta sin intentar aleccionarnos”. ¿Qué te gustó del texto?

“Vi la obra en Londres en 2018. Es un texto que me conmovió, me sacudió y me dejó reflexionando sobre el significado de algunas cosas que nunca antes había cuestionado en relación al tema de la justicia y el perdón.”

Ahora, en la piel de Sandra, decidí no abordarla como la vi en Londres. Me puse en las manos del director Enrique Singer, quien me ha llevado a un lugar mucho más interesante.” ¿Qué mensaje tiene la obra?

Creo que se trata de la salud mental y de cómo se juzga a alguien por intentar mejorar. Es interesante cómo esta obra retrata a hombres y mujeres sin pretender ser una defensa directa del feminismo. Es una obra que habla de empatía, equidad y justicia.

Me gusta que la autora no sea propagandista y que los personajes tengan sus propias opiniones, las cuales no necesariamente tienen que coincidir con las mías. Tampoco busca aleccionar a nadie. Estamos creando un retrato de personas, algunas de las cuales me resultan desagradables, pero que son personas que encontramos en la vida real. Las personas que llevan a cabo las acciones más ruin están más cerca de lo que creemos. Me parece que la autora está muy conectada con esa realidad.

ARTURO BARBA / ALEX “Creo que un actor siempre está buscando personajes complejos que lo desafíen,y esta obra cumple con ese propósito. Esta obra está diseñada para confrontar al público, hacerlo reflexionar y desafiarlo.

Al final de la obra, se busca que los espectadores se miren entre sí y piensen: ‘El que esté libre de pecado, que tire la primera piedra’; sin embargo, en última instancia, nadie arrojará una piedra.” ¿Qué sentiste cuando leíste el texto?

Curiosamente, acababa de regresar de Londres, donde la National Theatre presentó este texto. Cuando lo vi aquí, recordé haber visto el libro en la librería de teatro y me di cuenta de que el texto plantea ideas muy interesantes e importantes. Puedo decirte que todos los personajes son complejos y problemáticos, pero también todos encuentran la redención, ya que cada uno tiene un aspecto que los impulsa a mejorar. Sin embargo, ¿quién determina el estándar ético y moral? ¿Es el abogado o alguno de los personajes? Desde mi punto de vista, tenemos un dilema fascinante, sin importar hacia dónde lo enfoques, hay respuestas provocadoras.

Es una obra densa. ¿Llegas a juzgar a un personaje?

Durante el proceso de preparación sí lo hago, porque en el escenario no puedo estar juzgando al personaje. Pero en el proceso de preparación, a veces pienso: ‘¿Cómo puedo llegar a decir algo tan absurdo? ¿Cómo construyo la autenticidad de este momento?’ Es crucial para alguien descubrir las motivaciones del personaje, sus contradicciones y negaciones. Porque si todo concordara con el personaje, estaría demasiado cerca de mí.

T E AT R O FINLANDIA Dónde: Teatro Milán del 28 de agosto al 23 de octubre.

Todos los lunes.

Fotos Carlos Mora

Reflexión sobre la distancia física y emocional La última obra escrita por el dramaturgo y coreógrafo francés Pascal Rambert llega por primera vez a México. Bárbara López y Luis Arrieta dan vida a una pareja que discute sobre su pasado y repiensa su futuro en una gélida madrugada en un cuarto de hotel en Helsinki.

Finlandia es un drama protagonizado por Bárbara López y Luis Arrieta, bajo la adaptación y dirección de Rodrigo Nava.

“Este texto representaba un gran desafío para mí como director y también para los valientes actores que aceptaron participar en esta obra, la cual se convierte en algo muy interesante y creo que todos podemos identificarnos con ella, ya que explora el pasado, el presente y las posibles relaciones futuras.

Requería de dos personas valientes, ya que es un texto complicado y oscuro, especialmente por el tema de las parejas que aborda. A menudo, estamos acostumbrados a ver el amor de manera idealizada y romántica, pero en realidad el amor es mucho más complejo. En Finlandia, observamos a esta pareja involucrada en un conflicto feroz, utilizando todos sus instintos para defender lo que más aman, en este caso, su hija”, detalló Nava.

El retrato de la abrumadora cotidianidad en los matrimonios contemporáneos se experimenta de golpe en Finlandia a través de descripciones detalladas, diálogos dinámicos y monólogos que rozan lo poético. Este breve relato es el último lanzamiento de Rambert, quien es reconocido por obras como “Hermanas o La clausura del amor”.

El actor Luis Arrieta, quien lleva tres años fuera de los teatros, comentó: “Estoy emocionado de formar parte de este proyecto que ha sido sorprendente para mí. “Finlandia” es una exploración del amor desde un ángulo muy interesante y profundo. El amor es un tema infinito y esta obra logra abordarlo desde una perspectiva única y llena de simbolismo. Yo tengo una definición de amor que probablemente difiere de cualquier definición que ustedes puedan tener, pero aún así, cualquier cosa que ustedes me digan que es para ustedes el amor

seguramente va a tener aspectos que resonarán conmigo. Ha sido un placer trabajar con Bárbara; es una actriz que explora y se permite ser vulnerable, y eso es algo que como actor siempre se busca”.

“A medida que exploramos el texto y trabajamos en equipo, he descubierto que la confianza es clave para lograr una interpretación auténtica y vulnerable.

La confianza es el fundamento en el que construimos esta historia juntos.

Estamos explorando constantemente y encontrando nuevas capas en nuestros personajes y en la obra en sí. Además, me siento afortunada de trabajar con Luis y Rodrigo, quienes generan un ambiente colaborativo que nos permite ser vulnerables y experimentar en nuestra interpretación”, comentó Bárbara López.

• Texto y fotos Carlos Mora

FRAGMENTARY Dónde: Supremo, Col. Doctores.

Del 30 de agosto al 8 de septiembre.

U

n show multidisciplinario que combina música en vivo, visuales, multimedia, escenografía e iluminación, donde el concepto aborda la búsqueda interior y las múltiples posibilidades y obstáculos en el camino.

Daniela Mandoki, directora artística de “Fragmentary”, menciona: “Esta travesía del personaje principal, llamado Milena, está dividida en cuatro submundos: Limbo, Caos, Vicio y Universo. Estos submundos serán la experiencia que los asistentes podrán vivir en este espectáculo”. ¿Cómo será la interacción con el público?

El público tendrá el poder de decidir el orden de los eventos, lo que cambiará por completo la historia. Cada noche se sentirá como la primera vez para nosotros. Los boletos ya están disponibles en Boletia. La primera y última función seguirán un orden cronológico, mientras que las demás funciones se adaptarán al orden votado por el público. Los bloques intercambiables y las explicaciones están disponibles en la página. El día del espectáculo, las votaciones se cerrarán por la tarde y prepararemos el show para esa noche.

FOTO PINPOINT

F R A G M E N T A R Y

UNA PERSPECTIVA DISTINTA DEL TEATRO Daniela Mandoki presenta este espectáculo en el que el espectador se convierte en protagonista y decide el orden de la historia.

Este concierto multidisciplinario incluirá 11 canciones de la Banda Béke.

Háblame sobre los temas que se abordarán.

Habrá 11 canciones de los dos EP de Banda Béke, llamados Fragmentary Volumen 1 y Fragmentary Volumen 2. Estos álbumes son conceptualmente unificados, y este espectáculo representa un paso hacia la presentación escénica de dicho concepto. Entre las canciones seleccionadas, se incluirá Love Me Twice, una canción especial con acordeón y efectos, que marcó el inicio de Banda Béke. También Reliving, perteneciente al nuevo EP, que ofrece una experiencia única con visuales y un sonido distintivo. ¿Cuántos miembros componen la banda Béke?

Somos 5 miembros en total. Yo también formo parte del grupo desde 2017. Nuestra formación incluye dos guitarristas, un bajista, un baterista y yo, que toco el acordeón, la voz y los sintetizadores. ¿Cómo crees que los espectadores recibirán este concepto?

El concepto es atractivo para diversos públicos, ya que no es solo un concierto; es una experiencia completa en la que lo visual y auditivo se entrelazan con las actuaciones de los artistas, los videos y la iluminación. Buscamos que sea una experiencia sensorial que evoque emociones en la audiencia. ¿Es esta la primera vez que se presenta Fragmentary?

Sí, es la primera vez. La presentación tendrá lugar en Supremo, ubicado en Calle Dr. Carmona y Valle 147, colonia Doctores, cerca del jardín Pushkin. A pesar de ser un lugar conocido por conciertos, estamos transformando el espacio con escenografía para crear un evento verdaderamente único.

• Carlos Mora

T E AT R O

ÉXTASIS MEDEA Dónde: FORO LUCERNA Hasta el 10 de septiembre

ÉXTASIS MEDEA: EL MITO DESDE UNA NUEVA PERSPECTIVA ESTA VERSIÓN DE MEDEA (Carolina Politi) persigue el hilo del mito previo a Eurípides: no fue Medea quién mató a sus hijos. Aquí Medea abandona la ciudad, de la que ha sido expulsada, y minutos antes de su partida visita secretamente a Creúsa, su rival y futura esposa de Jasón. En este intimo encuentro, las dos mujeres se conocen. Medea: la princesa madura, madre, poseedora de mala fama, extranjera, exiliada. Creúsa (Ximena González Rubio) la princesa joven, víctima del poder, elegida por Jasón, inteligente y bella. Se reconocen como dos princesas a la deriva de las decisiones de ellos, los hombres en el poder. Aunque parece que estos momentos de incipiente amistad son sinceros y auténticos, en realidad Medea desea destruir a Creúsa. Escrita y dirigida por Ximena Escalante.

Fotos Carlos Mora

T E AT R O

MAMMA MIA! Dónde: TEATRO DE LOS INSURGENTES Domingo 13:00 hrs.

KIKA EDGAR: LA NUEVA REINA DEL BAILE LA CANTANTE Y ACTRIZ KIKA EDGAR se ha convertido en Donna, la protagonista de uno de los musicales más exitosos en México: el fenómeno de ABBA, Mamma Mia!.

Después de haber realizado más de 100 representaciones y con miles de asistentes que han bailado y coreado los grandes temas de la agrupación sueca, como Dancing Queen y Mamma Mia, entre muchos otros, la cantante dará vida a Donna exclusivamente los domingos. El elenco de la obra está integrado por Lisset, quien continuará en el resto de las funciones como Donna; Alejandro de la Madrid, Francisco Rubio, Marisol del Olmo, Armando Arrocha, Luja Duhart, Sofía Carrera y Gicela Sehedi . Además, cuenta con un ensamble compuesto por actrices y actores que tienen una gran trayectoria en el teatro musical.

Fotos Carlos Mora

T E AT R O

CELEBRAN EL ÉXITO DE SMILEY ÁLEX Y BRUNO, los dos protagonistas de esta comedia romántica, no pueden ser más distintos. Conforman una extraña pareja en la que sólo tienen en común que son dos hombres y que se han enamorado. Sus diferencias parecen insalvables, y sus personalidades antagónicas, pero lo quieran o no, están unidos por ese hilo rojo, por más que a menudo quieran romperlo. Con la dirección de Joserra Zúñiga, y Jesús Zavala, Jerry Velázquez, Martín Barba y Sergio Velasco en el cast alternando funciones.

SMILEY Dónde: TEATRO LA TEATRERÍA

Fotos Carlos Mora

NOTICIA S

SOFÍA NIÑO DE RIVERA ESTRENA LIBRE DE REÍR PRIME VIDEO presenta la nueva docuserie Amazon Original de la comediante mexicana Sofía Niño de Rivera, Libre de reír.

En esta serie documental, Niño de Rivera imparte talleres de stand up comedy mientras se cuentan las historias de tres poblaciones diferentes dentro de una cárcel penitenciaria en la Ciudad de México: hombres, mujeres y LGBTQ+, quienes son desafiados a convertir sus historias personales en una rutina de stand up mientras aprenden un nuevo oficio.

Tocando todas las bases de cómo crear una rutina de comedia y pasando por diversos ejemplos de parte de un par de invitados de Sofía, seguiremos a las personas participantes mientras desarrollan su rutina de comedia.

De la mano de Niño de Rivera, conoceremos las historias personales de resiliencia y de amor del lado de los participantes y sus familias, para finalizar con la presentación de las rutinas de stand up fuera de la cárcel.

Las participantes deberán hacer que cada segundo cuente, mientras se preparan para realizar sus rutinas ante una audiencia en vivo.

Libre de reír cuenta con cinco episodios, producidos por Sofía Niño de Rivera, Jorge Bermúdez y Carla González Vargas bajo la dirección de Maite Alberdi, la primera directora chilena en ser nominada a los Premios Oscar con su película El agente topo y cuyo documental La memoria infinita ganó el Gran Premio del Jurado en el Festival de Sundance de 2023. Se estrena en más de 240 países.

LIBRE DE REÍR Dónde ver: Prime Video

FOTOS PRIME VIDEO