REVISTA CAMEO 24

Foto Warner Bros.

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EMILIO TREVIÑO Y BENNY EMMANUEL

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AGRADECEMOS EL MATERIAL FOTOGRÁFICO A LAS AGENCIAS DE RP Y A LAS DISTRIBUIDORAS.

NÚMERO 24

JULIO 2023

AÑO 3 REVISTA DIGITAL

Editor:

Carlos Mora

Co editora:

Maribel De Luna

Colaboradores:

Elizabeth Osorio

Cinthya Salas

Alejandra Lomelí

Francisco Javier Quintanar Polanco

Angélica Ramírez

CORREO:

cameo.revista@gmail.com

REVISTA CAMEO

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issuu.com/revistacameo

EL TRANSPORTE Y LA ILUSIÓN VIAJA EN TRANVÍA

El español Luis Buñuel documentó el ir y venir del extinto tranvía. En su filme de 1953 La Ilusión Viaja en Tranvía el Caireles y el Tarrajas, los encargados de dar mantenimiento al tranvía 133, se enteran que éste dejará de dar servicio hecho que justifica la borrachera que inician en la estación y continuarán a bordo del tranvía en las calles de noche. En diversas tomas se aprecian panorámicas que reflejan el centro de los años 50.

En ¡Esquina... bajan! de 1948, el transporte público y los autobuses urbanos son los protagonistas del filme, en el que las aventuras y romances de los operados son la trama central. Al inicio de la película puede apreciarse la avenida 5 de mayo esquina con Eje Central, ambas congestionadas con un tráfico, como el de hoy, eso no ha cambiado.

EL CENTRO HISTÓRICO EN LA ÉPOCA DEL CINE DE ORO

Escena de ¡Esquina... bajan!

EL DANZÓN EN EL SALÓN MÉXICO

Nuestra cultura popular y el palacio del danzón quedaron para la posteridad en la película Salón México de Emilio “el Indio” Fernández, protagonizada por Marga López. El legendario salón de baile estuvo a dos calles de la Alameda Central desde 1920, sus años de operación coincidieron con la época del cine de oro mexicano, cuando su fama estaba en apogeo.

El Salón México, conocido como “el Marro”, ya que al entrar se percibía un fuerte olor a sudor, marcó toda una época, fue una realidad urbana que reflejó “El Indio” Fernández en su filme. Mercedes (Marga López) trabaja en el salón a merced de un pachuco que es su padrote y que le propinaba golpizas. Ella ataviada de una belleza muy particular llega cada noche a taconear danzón para lograr pescar a sus clientes, su único ingreso para mantener su apariencia de mujer de sociedad frente a su hermana.

El Salón México estuvo en la calle Pensador en la colonia Guerrero, ahora es ocupado por un mercadito, y ni una placa rememora que ahí estuvo o que ahí se filmó una de las películas más entrañables de cine de oro mexicano.

CUANDO EL ZÓCALO ERA UN JARDÍN

Una infinidad de películas han mostrado la evolución de la imagen del Zócalo capitalino, a través de los años; requeriría diversos textos para nombrarlas todas, por ello sólo me centraré en algunos de los filmes que lo muestran cuando fue un gran jardín con palmeras que nos recuerda a las plazas centrales del interior de la república. Fue a mediados de los años 50 que se quedó sin árboles y sólo con el alumbrado público y el asta bandera.

Río Escondido, también de Emilio “El Indio” Fernández, protagonizada por María Félix inicia con una toma de la Catedral y el Zócalo repleto de su extinta y bella vegetación para dar paso a Rosaura (María Félix), la maestra de escuela rural que llega apresurada al Palacio Nacional para hablar con el Presidente de la República, quien le encomendará una misión educativa.

En Caballero a la Medida quedó el testimonio de un Cantinflas ataviado en un traje de etiqueta cruzando la calle 16 de septiembre por los portales, mientras pasa frente al Zócalo , se alcanzan a apreciar las palmeras que lo adornaban.

El centro histórico de la Ciudad de México fue escenario fundamental de un sin número de filmes de la época de oro del cine mexicano. Las calles que vieron nacer la efervescencia de la industria cinematográfica con la llegada del Cinematógrafo Lumiére, a finales del siglo XIX, son las mismas que quedaron como testimonio de lo que fue el centro en las primeras décadas de siglo XX en las películas que, a continuación rememoraremos…

Las películas que se mencionan son sólo algunas de la larga lista que se filmaron en las calles del centro y que son testimonio fidedigno de los usos y costumbres, y las muchas formas de vida que se han expresado en la historia del corazón de la ciudad.

por ELIZABETH OSORIO

Escena de Salón México.

Estuvimimos en la conferencia de prensa de los protagonistas de Barbie, durante la premire en la Ciudad de México, en ella las actrices Margot Robbie, America Ferrera y el actor Ryan Gosling, confesaron cómo fue trabajar en una de las cintas más esperadas del año y con la directora Greta Gerwig.

por CARLOS MORA

¿Cómo fue trabajar con la directora Greta Gerwig?

America: Ella es una mezcla de humor e inteligencia, es una hermosa y reluciente bomba de amor. No puedo pensar en otra directora de nuestra generación que pudiera haber abierto el mundo de Barbie para hacerla tan relevante y divertida, todo al mismo tiempo.

Margot: Greta siempre fue mi directora soñada para esta película y al conocerla durante los primeros cinco minutos ya estaba encantada con ella, es encantadora, inteligente y divertida, creo que todas sus películas tienen esos mismos atributos.

Sabía que queríamos que esta película fuera divertida y tener una conversación culturalmente relevante; teníamos que honrar el legado de más de 60 años de una gran marca.

Ryan, ¿cómo te ayudó Greta a encontrar a tu Kenergy?

Siento que ella es la persona perfecta porque es la única persona que podría haber dirigido esta película. Esta película es tan específica a lo que es ella, como artista y como una persona tan especial; es como cuando alguien puede hacerte ver tan vívidamente a través de la lente que ellos ven al mundo.

Margot, ¿cuál fue la parte más desafiante de Barbie?

Fue un reto divertido intentar llevarlo al mundo real. Creo que para el equipo de diseño llegar a ciertas soluciones creativas fue muy divertido. Queríamos que los rincones del mundo de Barbie se sintieran palpables y tangibles, también que al ver el fondo pintado de rosa sintieras que estabas realmente en Barbieland. Es un mundo caótico, hermoso e impredecible.

Todos los que diseñaron la película se lo pasaron muy bien ideando soluciones creativas, porque todos estaban encontrando a su niño interior y jugando de nuevo como adultos ideando soluciones divertidas e hilarantes, creo que la película es muy inteligente y muy tonta al mismo tiempo, no puedo pensar en otra película que logre eso.

¿Cuál fue su accesorio favorito de Barbieland?

Margot: Yo tuve dos peticiones Greta, creo que esperaba una larga lista o muy larga, sólo le dije, "quiero un tobogán que vaya desde mi dormitorio hasta la piscina... y una Barbie sirena en algún lugar", ella dijo, ¿eso es todo? y yo le dije, "eso es todo", aparte de eso, haz lo que quieras, ella dijo "hecho", (risas).

Fotos Warner Bros

America: Para mí fue tan surrealista sentarme en un Corvette rosa de Barbie en la vida real. En el coche había un montón de pensamiento detrás de él, sobre todo con las dimensiones, si es grande o pequeño para que parezcamos muñecas y quepamos en él. Pero fue algo que me encantó de esta película.

America, ¿qué es lo que más admiras de tu personaje?

Me encantó cómo Greta contó esta historia y la conexión con Barbie a través de una mujer adulta, porque Barbie no existe sin los humanos, nosotros la hicimos y jugamos con ella, proyectamos todos nuestros pensamientos e ideales en ella, y todas las niñas que crecen jugando con una Barbie.

La cinta explora esa conexión entre una mujer que vive en el mundo real, que experimenta su feminidad, y se aferra a ella, creo que fue extraordinaria y es nuestra forma de contar que ya eres adulto, hombre o mujer, y cómo esta muñeca es relevante para nosotros.

Se ha dicho muchas veces que es una película sobre una muñeca, pero es más sobre la humanidad que sobre el plástico. Eso me encanta.

Margot, ¿cuál crees que es el mensaje que da la cinta?

Personalmente, me parece un poco abrumadora la idea de que puedes ser cualquier cosa y puedes serlo todo. Y

creo que en estos tiempos todos somos multitask y tratamos de hacer lo mejor que podemos para hacer tantas cosas.

El mensaje que más me impactó y me pareció más profundo fue que eres suficiente tal y como eres, ya lo estás haciendo muy bien y no necesitas hacer de más.

Pero que alguien te diga que eres bueno tal y como eres, que eres bueno, que ya lo estás haciendo genial, siento que necesitaba escuchar eso al ver esta película. Así que espero que ese sea uno de los muchos mensajes que la gente se lleve de la película.

America: Me gustaría añadir que creo que a lo largo de los años el legado de más de 60 años de Barbie ha representado un único estándar de belleza, un único estándar de feminidad, un único estándar de éxito.

Siento que esta película está invitando a acabar con cualquier estándar único, que si antes era "puedes serlo todo", ahora es "puedes ser exactamente quien eres y celebrar eso".

¿Cómo es un día perfecto para ti?

Margot: Fue el día de la premiere en México, fue un día casi perfecto, es decir, me encanta viajar y venir a este país, he estado en el Festival de Cannes y en la Comic-Con en San Diego, pero llegar a ese centro comercial para la alfombra rosa fue algo que nunca he experimentado y nada se le comparó a ese momento. Honestamente fue tan abrumador, que hasta podría llorar pensando en ello, fue tan increíble ver el entusiasmo y la emoción de la gente y la energía que se sentía fue ¡uf!, y pensé, "Dios mío, si pudiera tomar esta foto instantánea y aferrarme a ella para siempre, nunca estaría triste otra vez", fue asombroso... gracias, gracias y gracias.

Ryan, ¿cómo describirías la primera vez que te viste como Ken?

Es muy difícil de explicar, sólo podría compararlo con tomar demasiado tequila, es muy divertido en el momento, pero viene con una resaca infernal.

¿Cómo fue trabajar con el mexicano Rodrigo Prieto?

Margot: Es un increíble director de fotografía con quien tuve el gran honor de trabajar hace muchos años en El lobo de Wall Street y lo supe inmediatamente cuando estábamos haciendo esta película que le dije a Greta, por favor, vamos a hacerlo con Rodrigo, ella también le admira desde hace muchos años, así que él fue perfecto.

Y cómo retratar un mundo cubierto de rosa, creo que fue una pesadilla, (risas), pero tan divertido para el público. Tenía que poner sábanas grises para mitigar el hecho de que estaba rebotando tanto rosa y se veía de un color raro. Pero lo hizo muy bien. Es un hombre con mucho talento, muy dulce y encantador.

¿Creen que esta película les ha ayudado a estar más en contacto con lo que significa ser humano?

America: Diría que sí. Personalmente hice un viaje increíble interpretando a este personaje y atravesando el mundo de Barbie. Me enfrenté a todo lo que surge cuando te enfrentas a un mundo perfecto, porque el mundo no es perfecto y no somos felices todo el tiempo, creo que cuando te enfrentas a esa perfección, sólo ves tu propia humanidad, para mí mi viaje personal fue una aceptación más profunda de mis propias imperfecciones y abrazarlas.

Fui una niña que no creció jugando con Barbies, que no se veía representada en el mundo de ella, es un ícono asombroso e increíblemente dominante e influyente, pero la narrativa en todo el mundo ha cambiado, se ha ampliado para incluir a muchos más.

Los jóvenes que crecen en un mundo en el que pueden mirar hacia arriba y verse reflejados, es motivo de celebración. Yo misma he visto ese cambio en mi vida y en mi carrera.

la vida en rosa

La actriz Margot Robbie ha llevado a lo largo de la gira de prensa distintos looks en referencia a las ediciones de la mítica muñeca de Mattel, en las que se ha inspirado su diseñador de imagen Andrew Mukamal para realizar el propio clóset de la actriz.

En la CDMX la actriz se transformó en la Barbie Totally Hair de 1992, usando un mini vestido de Gucci, aretes y bolsa de Chanel y zapatos de Manolo Blahnik.

UNA PROVOCADORA REFLEXIÓN SOBRE LA FEMINIDAD

por ALEJANDRA LOMELÍ

POCAS películas generan tanta expectativa como Barbie , ya sea porque supone el primer trabajo mainstream de su directora Greta Gerwig, icono del cine independiente de la última década que ha dotado con un potente discurso feminista sus largometrajes, o porque gira en torno a una de las muñecas que más polémicas y discusiones ha generado en la cultura popular (para el movimiento feminista representaba todos los estereotipos que se buscaban derrocar). Sea cuál sea el motivo del debate, lo cierto es que teníamos mucho tiempo que no veíamos un fenómeno cinematográfico como el de esta película protagonizada por Margot Robbie y Ryan Gosling.

Barbie (Margot Robbie) lleva una vida ideal en Barbieland, allí todo es perfecto, con chupi fiestas llenas de música y color, y todos los días son el mejor día. Claro que

BARBIE Distribución: Warner Bros Pictures

Barbie se hace algunas preguntas, cuestiones bastante incómodas que no encajan con el mundo idílico en el que ella y las demás Barbies viven. Cuando Barbie se dé cuenta de que es capaz de apoyar los talones en el suelo, y tener los pies planos, decidirá calzarse unos zapatos sin tacones y viajar hasta el mundo real.

Barbie es una provocadora reflexión sobre la feminidad, la deconstrucción del patriarcado y la lucha por la igualdad, pero, sobre todo, una radiografía de la mujer en cuanto a concepto individual y social, así como la lucha por romper con las exigencias de una sociedad que siempre espera su perfección. En este sentido, la película también es una vertiginosa fantasía de autodescubrimiento envuelta en una estética pop, vestuarios de ensueño y un diseño de producción cuidado hasta el extremo que nos sumerge

tanto en la perfecta y brillante Barbieland, c omo en el caótico mundo real.

La película resulta por demás arriesgada y consigue darnos más de lo que esperamos, es en la sencillez de su premisa donde radica la profundidad de Barbie, su consigna feminista y sus ambiciones emancipadoras están presentes a través de frases en apariencia simplonas, pero que apuntan, como dardos envenenados, a la estructura heteropatriarcal y a los estereotipos que una vez representó la muñeca, mientras celebra su legado como figura de cambio, resaltando su persuasivo eslogan: “sé lo que quieras ser”.

Una película brillante, divertida y con un claro discurso feminista solo podría venir del talento e ingenio de la gran Greta Gerwig.

Foto Warner Bros.

BENNY EMMANUEL Y EMILIO TREVIÑO

Regresan al mundo de las leyendas

Los actores vuelven a dar voz a los simpáticos Leo San Juan y Nando, en la nueva entrega La leyenda de los chaneques, la cinta se centra en Veracruz, donde las cosas empiezan a ponerse raras, y es que desde lo más profundo de la selva de los Tuxtlas una antigua maldición ha regresado y sólo Leo puede enfrentarla al lado de sus amigos.

por CARLOS MORA

Foto Carlos Mora

¿Cómo se sienten de estar de regreso en la saga de Las leyendas?

Benny Emanuel: A mí me encanta revisitar al personaje de Leo San Juan y ver que en cada entrega nos da como un aprendizaje distinto en todos los sentidos, tanto en la historia de las leyendas que cuenta, como en la animación mexicana que se hace, creo que son películas increíbles y por eso tienen unos seguidores que les gusta mucho, y como actor me gusta el reto de hacer doblaje en animaciones, aunque siempre tengo esa duda, ¿es animación o doblaje?, pero cualquiera de las dos es un gran reto para mí, es muy bello y chido, aunque lo hago poco, pero me emociona cada vez que hago este trabajo.

Emilio: Siento que mi infancia ha vuelto. (risas). Me emociona que todavía hay mucho qué explorar y decir en el tema de Las Leyendas, para que yo acepte un proyecto de doblaje tiene que haber algo que me llame la atención y me mueva, y sin duda esta película me impresionó de grata manera y me gusta que siga creciendo junto con los personajes, insisto, hay mucho qué explorar en los personajes.

Foto Carlos Mora

Foto ViX+

Creo que hay una saturación de contenido en la industria y ver que la saga de Las Leyendas se ha mantenido, en gran parte gracias al fandom, es increíble. Es algo de lo que debemos estar orgullosos de ver, lo que se hace en el tema de animación en nuestro país y más que se vea en otras partes del mundo.

El doblaje mexicano siempre ha sido reconocido a nivel mundial, ¿qué opinan de ello?

Emilio: El doblaje mexicano ha trascendido a lo largo de los años, desde que Jorge Arvizu, El Tata, participaba en el doblaje de las caricaturas como Don Gato o Los Picapiedra, fue cuando se empezó a querer saber quiénes daban voz a esos personajes tan entrañables, y en la actualidad gracias a las redes sociales podemos conocer a las personas que están detrás del doblaje y eso hace que la industria crezca más, aunque también es un arma de doble filo y se genera polémica sobre todo cuando llegan películas grandes y se cuestiona a quiénes contratan para dar voz a ciertos personajes. En general creo que debemos sentirnos súper orgullosos de que la industria del doblaje en México siga siendo una de las mejores del mundo. Incluso es reconocida por compañeros de otros países, creo que tenemos una chispa los mexicanos para hacerlo, conectamos más con las historias y hasta somos cálidos, me emociona mucho. Nuestro objetivo es contar las historias de la mejor manera, creando un personaje con las circunstancias, que evolucione en eso y creo que Las Leyendas lo llevan haciendo desde el año del caldo, incluso hasta le han copiado un poco, (risas).

Foto Carlos Mora

Benny: Creo que ya todo lo ha dicho Emilio, con sus propias palabras, yo no sabía que México era la industria más importante en el mundo, pero ¡qué chido!, me pasa cuando escucho películas con nuestro doblaje y veo que sí hay actores de primera calidad. Soy muy fan de ellos.

La leyenda de los chaneques tiene un mensaje sobre el cuidado de la ecología.

Emilio: A mí me parece que es un tema super importante a tocar. Hay gente que no ha hecho conciencia sobre este tema y no hemos sido lo suficientemente conscientes de cuánto le estamos dando en la torre a nuestro planeta.

Esta última primavera y verano, ha sido la más calurosa que me ha tocado en mi vida. No quiero ni pensar en lo que vendrá para nosotros, ver que el hielo está agotado en la Ciudad de México, bosques quemados, de hecho me tocó ir a Nueva York cuando los bosques de Canadá se estaban incendiando y una nube de humo y cenizas cubrieron la gran manzana y era un ambiente apocalíptico, ver el cielo rojo fue algo impresionante.

Me gusta que se hable sobre estos temas, y que en La leyenda de los chaneques se toque este tema sobre el cuidado del medio ambiente, y ver que la naturaleza nos regresa lo malo que hemos sido con ella, por eso cada vez hay más terremotos, tornados, tsunamis tan fuertes, así que tenemos que empezar a cuidar de este lugar (Tierra) que es de todos nosotros.

Por último, ¿ustedes creen en los chaneques?

Benny: ¡Claro!, esta película está basada en varias leyendas que se cuentan en diferentes estados de México, hablar de estos "seres" de la naturaleza que son guardianes, de que no te portes mal con los bosques, que son el pulmón del país, y si te portas mal, ¡híjole!, algo malo sucede,;también los chaneques tienen su historia en regiones de Veracruz. Me gusta pensar que por lo menos existen y llegan a enseñarnos esta lección de que los bosques no son nuestra casa, es casa de ellos, y hay que aprender a cuidarlos; es una gran gran manera de verlo en La leyenda de los chaneques.

Emilio: ¡Claro!, nunca digas nunca.

Foto Carlos Mora

"me dieron la joya de la corona"

El director cuenta en entrevista a la Revista Cameo lo que significó dirigir La leyenda de los chaneques, una de las franquicias más importantes de Ánima Estudios.

por CARLOS MORA

¿Cómo ha sido tu paso por Ánima Estudios?

En mi primer año entré a trabajar en la serie de Las leyendas, y ahí fue una formación exprés de dirección, porque antes no había hecho nada de dirección, hice publicidad muchos años, hice storyboard y otras cosas. Sentarse en la silla del director, ¡son palabras mayores!, y cuando me invitaron a dirigir algunos episodios fue gracias al showrunner Alex García que me dio la confianza para hacerlo.

En Ánima conocí gente que al día de hoy son grandes amigos y gente que admiro muchísimo, hay un talento muy impresionante en nuestro país y son sorpresas que te das cuando simplemente no habían volteado en esa dirección. Uno está acostumbrado a todo lo que nos bombardean de estudios como Cartoon Network y de Hollywood. Hay artistas que admiro muchísimo y casi te podría decir a nivel mundial, tanto en fondos como en animación o en el departamento que tú digas.

Y cuéntame sobre tu primera película de animación.

Pues ya con la experiencia que agarré en el estudio me sueltan la película que se llama La liga de los 5, entonces imagina si dirigir unos episodios para la televisión era un reto grande, ahora hacer una película, fue ¡wow!, pero salimos avante, la película tuvo su estreno y le fue muy bien, y lo más importante nos divertimos mucho. Fue una gran experiencia.

¿Cómo llegas a La leyenda de los chaneques?

Te cuento un poco mi historia, hace casi cuatro años entré a Ánima Estudios, y a como lo veo en retrospectiva creo que es poco tiempo para que confiaran en un director novato como yo. Y cuando me dijeron de dirigir La leyenda de los chaneques, me dijeron "te vamos a dar la joya de la corona", primero me sentí algo abrumado pero también fue un halago que me estuvieran confiando un proyecto tan importante para el estudio. Estábamos terminando la película de La liga de los 5 cuando se acerca José Carlos, productor ejecutivo y presidente de Ánima para decirme, queremos que hagas Chaneques y algunos años después ya la estamos estrenando.

¿Qué consejo le das a las personas que quieren entrar al mundo de la animación?

Lo primero que les digo es que tienen que empezar por un cortometraje, y eso ya es bastante experiencia en el campo, en mi caso hice algunos comerciales pero también trabajaba en proyectos personales en lo que trataba de diseñar todo lo que se ve en la pantalla e incluso las voces, y todo eso me ayudó porque yo no sabía que me iba a abrir las puertas para lo que hago actualmente. Fue mi llave la que estaba forjando.

¿Cuál fue tu reto al tomar una película de saga de Las Leyendas?

En cada paso se busca ir más lejos. Cada vez que vuelve a ti este "el chamaco" (Las leyendas), por decirlo así, pues ya aprendiste a peinarle los gallos para que no se le vea el almohadazo, porque a lo mejor en la primera estaba recién

levantado. Y también "el chamaco" va pidiendo cosas, también te va diciendo, "oye, no me gusta esto. No me gusta vestirme de esta forma o pruébame esta otra ropa", yo digo que tal cual es ver crecer a un hijo porque de alguna manera empieza a tener su propia identidad. Y nosotros como creativos o la gente que vamos desarrollando este proyecto de alguna forma tenemos esta evaluación cada vez que vemos una película.

En el caso de Chaneques, yo no te voy a decir mentiras, la vara estaba altísima. Lo que se ha hecho en esa saga realmente es muy bonito. A mí en particular me parece que el trabajo de fondos y el de dirección de arte es tremendo, o sea, las locaciones, los cielos, toda esta atmósfera en la que te sitúan en un México muy romántico, a mí los fondos me fascinan y más verlos en la pantalla grande. Era algo que yo disfrutaba mucho de las películas, sobre todo de la saga de Las Leyendas.

¿Y qué opinas de las películas de esta saga?

Esta saga en particular tuvo ese encanto de haber pegado desde la primera película de La leyenda de la Nahuala, creo que la gente volteó a ver el cine animado, pero en particular a esos personajes, todo lo que conjuntaron ahí para contar una historia es lo que quiere el público, miedo pero chistoso, es para niños pero que lo disfrutan más grandes, entre otras cosas, y se me hizo una puntería genial que hayan querido hacerla crecer, de ahí salió la serie Las leyendas que se hizo para Netflix y la primera serie latinoamericana, es un gran orgullo para los que trabajamos en ella. Todo esto obliga a que entreguemos cada vez algo mejor, es el compromiso que hay.

Sobre el mensaje que tiene la película referente al cuidado del medio ambiente, ¿qué opinas?

Ese era un tema central. Antes en la antigüedad se buscaba ese equilibrio con la naturaleza y se vivía en armonía, es algo

que se perdió. Creo que es una esencia de nosotros como civilización que se tiene que desarrollar y ampliar, pero no se debe de perder esta raíz. Es el tema central porque justo a Leo San Juan es lo que le está pasando. Está bien que tenga que crecer y le interesen los barcos y seguir su camino, pero, no hay que olvidarse de quiénes somos y no perder nuestras raíces ni la identidad, esas dos cosas se unen ahi.

Por último, ¿cómo ves la animación en México?

Cada vez más armada, veo al talento salpicar por muchos lados, están creciendo mucho los estudios que antes eran pequeños, ahorita ya son titanes. Hay artistas muy jóvenes con un talento de verdad impresionante, uno ve en redes sociales lo que están desarrollando y no le piden para nada a otros países, ni a otros estudios mucho más armados. Tenemos el talento para demostrarlo y ver que tenemos con qué, eso es lo que me inspira.

"La leyenda de la Nahuala, es un logro increíble para el cine mexicano y para la animación"

Foto Carlos Mora

La leyenda de los chaneques

ECOLOGÍA, MISTICISMO Y EL INFRAMUNDO

CINTHYA SALAS

CUENTAN que caminar de noche y sin compañia por la selva atrae a unas misteriosas criaturas que hacen travesuras a los visitantes para confundirlos hasta desorientarlos; esta es la historia sobre la que se basa la última película de Ánima Estudios títulada La Leyenda de Los Chaneques. Una reinterpretación de aquellos serés ancestrales, ahora integrados al universo de la franquicia animada mexicana Las Leyendas.

Esta séptima entrega de la saga, se ubica temporalmente después de La Leyenda del Charro Negro (2018), aventura en la que Leo San Juan se ve obligado a renunciar a sus poderes y a la capacidad de ver a sus amigos del inframundo. Cinco años después y envuelto en un sentimiento de soledad y un temperamento que evade las grandes hazañas, Leo y su hermano Nando se encuentran en un viaje de Puebla a Veracruz para cumplir el nuevo sueño del protagonista: hacerse a la mar en solitario y conocer los siete mares.

El plan se ve interrumpido cuando cerca de la selva de Los Tuxtlas, al sur de Veracruz, conocen a Diego, un pequeño niño que solicita ayuda a los hermanos San Juan para encontrar a su papá, quien ha desaparecido por culpa de los chaneques. A diferencia de otras aventuras de Las Leyendas, es Nando San Juan quien toma la iniciativa e intenta hacer frente al peligroso misterio.

Una película que muestra el desarrollo que Ánima Estudio ha tenido desde el lanzamiento de su primera entrega, La Leyenda de la Nahuala (2007), no sólo en el ámbito técnico con secuencias animadas con mayor fluidez, sino también muestra un crecimiento argumental en los personajes, comenzando con Leo, cuya percepción de sí mismo se ve afectada al intentar aceptarse como una persona común y sin poderes.

A pesar de que Leo es quien resuelve el misterio y termina por ser el salvador material de la historia, el personaje clave resulta ser Nando al brindar ese despertar moral en su hermano para continuar la aventura. El descubrimiento del

LA LEYENDA DE LOS CHANEQUES Dónde ver: ViX+

potencial meramente humano ante lo inexplicable, es lo que orilla a Leo a averiguar la manera terrenal de conectarse de nuevo con el más allá y reflexionar sobre si realmente estaba tan sólo como él pensaba.

Un proyecto que reuné una vez más a la pandilla del otro mundo: Alebrije, Evaristo, Teodora Villavicencio, Don Andrés, Xóchitl y los hermanitos Moribunda y Finado con Leo y Nando; personajes que son traídos a la vida gracias a las voces de Benny Emmanuel, Emilio Treviño, Eduardo España, Mayté Cordeiro, Annie Rojas, Paola Ramones, Jesús Guzmán, Andrés Couturier y Gabriel Basurto

Dirigida por Marvick Núñez, conocido por dirigir algunos capítulos de la serie Las Leyendas (2017) en Netflix y por ser director de La Liga de los 5 (2020), esta película además de retomar la leyenda de los llamados duendes de la mitología nahua, se apoya en otros recusos ancestrales como el uso del incienso de copal, el elemento capaz de hacer conexión con el inframundo o mostrar los ritos para invocar los poderes de Tezcatlipoca, el Dios Guerrero.

Una fuerte carga mística que logra entrelazarse ágilmente con problemáticas naturales causadas por la intervención del ser humano, principalmente la tala indiscriminada de árboles, las especies en peligro de extinción (en este caso, especies mágicas) y la importancia del cuidado del agua como el recurso natural primario y dador de vida. Dos capas de una misma historia, que logran tener participaciones bien dosificadas a lo largo de su casi hora y media de duración.

Justo como en entregas pasadas, La Leyenda de los Chaneques presenta a un México antiguo pero atractivo para todo público, en el que se introducen conceptos, personalidades y costumbres mesoamericanas alejadas del ámbito académico, aspecto que alimenta el interés sobre estos temas en la audiencia joven.

Esta es la segunda película de la saga lanzada en exclusiva directamente para ViX+. Una batalla por preservar el equilibrio entre la Tierra y los seres humanos que se resume en una frase que el viejo brujo dice a Leo: “El jaguar solo no puede contra la manda de ocelotes”. Así, los guardianes míticos de la naturaleza y los residentes de la selva descubren que no es necesario avanzar en solitario cuando ambos grupos persiguen un mismo objetivo.

un retrato de la cruda realidad

Blanquita, la nueva película de Fernando Guzzoni es protagonizada por Laura López, está inspirada en el Caso Spiniak, proceso judicial por estupro, pornografía y prostitución infantil, cuya red estaba liderada por un poderoso empresario y en la que se vieron involucrados varios políticos chilenos en la década de los 2000. Llega a las salas mexicanas después de ganar el Premio a Mejor Guion en el pasado Festival de Cine de Venecia.

por CARLOS MORA

FERNANDO GUZZONI DIRECTOR

¿De dónde sale esta historia?, vi que está basada en una historia real en Chile.

Es una película basada en hechos reales de un escándalo político que ocurrió hace más o menos 20 años en Chile, donde había una red de asociación ilícita de explotación infantil, compuesta por un empresario de la élite económica.

La película se basa en esta joven mujer que tiene mucha precariedad y que vive en un hogar de menores e inicia un proceso de justicia en contra de esta élite. Yo la describo como un enfrentamiento de David contra Goliat.

Con la temática de Blanquita en años anteriores hubieras sufrido de censura, ¿qué opinas?

Yo no recibí censura de ningún tipo, pero digo que son materialidades complejas porque colisionan al poder y son temas difíciles de abordar. Yo pienso que con el cine hacemos estos ejercicios de denuncias e incluso de activismo, también lo he hecho con el documental.

¿Cómo ves el panorama del cine latinoamericano?

El problema del cine latinoamericano es su

distribución, digamos que el cine latinoamericano no se consume.

En Chile el 85% de las pantallas están tomadas por las grandes producciones americanas y el resto es para el cine local y del resto del mundo.

Lamentablemente es así, los productores independientes hacen sus esfuerzos. Creo que deberíamos seguir el ejemplo de Francia, hay una política donde desde la escuela a los niños se les muestra el cine francés, y cualquier ciudadano promedio consume mucho cine al año, yo pienso que tenemos que mirar lo que hacen ellos.

Por último, ganaste en la pasada edición del Festival de Cine de Venecia, ¿cómo te sentiste?

Nuestro estreno mundial fue en el pasado Festival de Venecia, de esa forma se genera mucha visibilidad y también colabora con la distribución futura de la película, así que para nosotros fue realmente increíble, también recibimos el premio de León de Oro al mejor guión, fue algo que potenció el mensaje de la película.

Lo curioso es que el cine latinoamericano tiene mucha presencia en festivales internacionales, lo único que se necesitan son más recursos económicos, porque talento lo hay y mucho.

LAURA LÓPEZ ACTRIZ

¿Cómo llegas a este proyecto?

Yo llegué a la película porque había hecho un cortometraje de Manuela Martelli, esa fue mi primera aparición en el cine y ese corto lo vio Fer (director), me llamó al casting de Blanquita y fue así como me quedé con el personaje. Fue todo un desafío, aunque sea ficción me permitieron muchas libertades para la interpretación de mi personaje.

Tu personaje es una mujer fuerte, ¿te identificas con él?

Creo que me pude identificar en hartas cosas y emociones, yo me dejé llevar por el director. Fue muy enriquecedor, es lo que me gusta de la actuación, poder vivenciar otras vidas.

Eres una mujer feminista, ¿cómo ves el panorama en Chile?

Creo que es muy necesario lo que está sucediendo con las olas feministas en Chile, el destapar una problemática que lleva muchos años con el patriarcado y con la sociedad.

La película habla también de este movimiento, no está alejada de la realidad que están viviendo muchas personas que son marginadas y viven abusos, ellas tienen que enfrentarse a estos poderes judiciales y luego no logran recibir justicia.

Blanquita

UNA HISTORIA BASADA EN HECHOS REALES

ALEJANDRA LOMELÍ

PARA SU LARGOMETRAJE BLANQUITA , Fernando Guzzoni se inspiró en el Caso Spiniak, un caso real que cimbró a Chile en 2003 que destapó a una red de prostitución infantil y producción de material pornográfico en la que se vieron involucrados empresarios y políticos.

Guzzoni no busca recrear los hechos reales, ni siquiera desentrañar la verdad, sino exponer los mecanismos del engaño utilizados por las élites que hacen imposible llegar a ella, la ambigüedad moral, la manipulación a través de los medios de comunicación y, cómo a través de las instituciones se fabrica una verdad.

Protagonizada por Laura López en el papel principal, la historia sigue a Blanquita, una adolescente que vive en un hogar refugio en la ciudad de Santiago dirigido por el cura Manuel (Alejandro Goic). Cuando la joven se presenta como testigo de un escándalo sexual que involucra a políticos, empresarios y otros hombres poderosos, se convertirá en el centro de una enorme polémica mediática que la coloca en una doble posición: para muchos como un ícono feminista, y para otros como una declarante contradictoria.

Es la ambigüedad el gran tema que atraviesa la propuesta de Blanquita, el director confecciona una película oscura (visual y narrativamente) para reflexionar sobre las aristas del doble discurso cuando hay muchos intereses en juego. En este sentido, Guzzoni nos sumerge en la sordidez de la impunidad, las retorcidas dinámicas de poder, el turbio papel de los medios de comunicación y el espiral emocional que finalmente condenan el destino de Blanquita ante la opinión pública.

Fue una buena decisión por parte del director/guionista la de situar la acción desde esas perspectivas, sin embargo, la crítica que propone en momento llega a ser escurridiza, ambigua como su propio planteamiento. Por un lado, la densidad del tema llega a sofocar y, en conjunto con su tono oscuro, generan una situación de pesadez que impiden mantenernos involucrados. Por otro lado, hay diálogos que resultan incomprensibles.

Pero, lo que finalmente genera un resultado irregular es que el director nunca consigue construir una propuesta contundente y unir la variedad de aristas que abre (la manipulación mediática, el encubrimiento político, la prostitución infantil, los abusos de la iglesia), acercándose peligrosamente al sensacionalismo.

BLANQUITA Distribución: Piano

Foto Piano

Dos corazones rotos en un road trip

La directora Silvana Lázaro presenta Canción de invierno, su ópera prima; narra la vida de Danielle, una joven guitarrista que decide emprender un viaje con su mejor amigo, mientras ambos enfrentan el duelo de un rompimiento amoroso, "es una película que me hubiera gustado ver cuando tenía 16 años y pensar que había otras maneras de pensar en la sexualidad".

por CARLOS MORA

Canción de invierno es tu ópera prima, ¿cierto?

Ya había hecho varios cortometrajes en la escuela y Canción de invierno es mi tesis para graduarme del CUEC-ENAC. Fue un proceso arduo, el reto de pasar de hacer una película de 15 minutos a una película de 90 minutos es muy diferente.

También fue muy emocionante ir conociendo todo lo que conlleva hacer un largometraje, es un mundo nuevo. Es una película que hicimos un grupo de mujeres, todas muy jóvenes, para todas era nuestra primera oportunidad de hacer un largometraje, son amigas mías, entonces teníamos sed por hacer cine.

¿Cómo surge la idea del guion?

Como casi todos mis proyectos, tienen que ver con experiencias propias , por otro lado, me interesaba mucho hacer una película donde hubiera un personaje femenino que de alguna manera saliera de los estereotipos y de la manera que he visto que han sido filmadas las mujeres en el cine.

Me interesaba hacer una película que fuera sobre el proceso del duelo y el rompimiento amoroso, pensaba en los elementos que me ayudaron a mí como la amistad, música, viajes, así fue que escribí la película.

Háblame de las locaciones.

Baja California es un lugar que que me impresionó mucho, desde la primera vez que fui me di cuenta que la gente está harta de ver que reflejan a Tijuana como este lugar sórdido de prostitución y narcotráfico, obviamente es una parte de la realidad, pero hay muchísimas otras cosas buenas.

Es importante salir de tu zona de confort, creo que para mí esta película es también un proceso de crecimiento personal.

¿Cuál fue tu reto al hacer Canción de invierno?

Para mí estudiar cine fue un experimento y en casi todos los proyectos que hice quería tratar de hacer algo muy diferente a lo que ya había hecho y era experimentar nuevas cosas.

Con esta película me interesaba mucho escribir diálogos que es algo que no había hecho tanto en mis otros proyectos, y esa mezcla ha sido padre. Y también hicimos la música original para la cinta, hicimos las canciones y luego las remezclamos en una sala Atmos, jugamos mucho alrededor de los sonidos, fue una experiencia muy padre.

Es una película muy íntima.

Sí, desde la manera en la que estamos tratando de abordar la sexualidad, he visto muchas veces en el cine hecho por hombres sobre historias de mujeres que todo tiene que ver con la visión masculina y cómo quieren que las mujeres se vean y desde un punto de vista patriarcal.

Al final de cuentas, por eso me interesaba hacer una película que fuera accesible para la gente y sobre todo para los adolescentes; es una película que me hubiera gustado ver cuando tenía 16 años y pensar que había otras maneras de pensar en la sexualidad.

Por eso el personaje de Diego es visto desde una masculinidad diferente, me importaba mucho que no fuera la típica historia donde los dos mejores amigos se hacen novios, era pensar cómo deberíamos validar esa amistad, validemos que hay hombres que les puede interesar más allá que sólo acostarse contigo, por eso de alguna manera me interesaba reimaginar estos roles.

¿Cómo ves que este año están nominadas cuatro mujeres al Premio Ariel a Mejor Directora, tú estuviste nominada en el 2017 por un cortometraje?

Es muy emocionante. Desde que estaba en la escuela de cine notas que somos minoría, por ejemplo, en mi generación entramos 15 alumnos, y solo 5 somos mujeres, aún se siente una disparidad muy grande, y ver que hora de los cinco nominados, cuatro sean mujeres es ver que hemos generado una comunidad importante entre nosotras.

Canción de invierno

UNA PELÍCULA SOBRE LA JUVENTUD

ALEJANDRA LOMELÍ

LA RUPTURA AMOROSA, la catarsis y la sublimación del sentimiento a través de la música son los grandes temas que configuran la historia de Canción de Invierno (2020), ópera prima de Silvana Lázaro. La película tuvo su estreno mundial en la edición 35 del Festival Internacional de Cine de Guadalajara y significó la primera producción bajo el sello Escuela Nacional de Artes Cinematográficas (antes Centro Universitario de Estudios Cinematográficos), en competir por el Premio Maguey. Filmada en tan solo 20 días, con un equipo integrado en su mayoría por mujeres y en locaciones de Ciudad de México, Tecate, Morelos y Baja California, Canción de Invierno es una road movie en la que asistimos al proceso de transformación de sus personajes.

La historia sigue a Danielle (Ruth Ramos), una joven guitarrista, que decide emprender un viaje con su mejor amigo Diego (Andrés Lupone), mientras ambos enfrentan el duelo de un rompimiento amoroso. Esto los llevará a conocer el complejo contexto fronterizo, donde tendrán que usar sus habilidades como músicos para sobrevivir. Dos corazones rotos, dos amigos, un viaje en carretera, un nuevo amor y una profunda necesidad de en-

contrarse a sí mismos, eso es lo que presenta esta película.

El talento de Silvana Lázaro en la dirección destaca particularmente en su propuesta formal, recurriendo a la cámara lenta en momentos donde las canciones, compuestas originalmente para el largometraje, toman protagonismo. En este sentido, las letras de los temas complementan muy bien el conflicto interno de la protagonista.

Es en un guion que quiere abarcar muchos aspectos de la que también ha sido descrita por Lázaro como una película sobre la juventud (por ejemplo, la sexualidad femenina y las relaciones lésbicas, e incluso el complejo tema de la migración), así como por unas actuaciones irregulares por parte del elenco secundario, lo que nos impide involucrarnos genuinamente con el drama o interesarnos en los personajes más allá de Danielle, a pesar de presentar situaciones con las que todos podemos identificarnos.

Mención especial merece la interpretación de Ruth Ramos, la actriz entrega un personaje creíble y lleno de matices, es ella quien eleva la propuesta y aporta la intensidad emocional que esta historia requería.

CARMEN Distribución: Cine Caníbal

Carmen VERSIÓN SUI GÉNERIS DEL CLÁSICO DE BIZET

por FRANCISCO JAVIER QUINTANAR POLANCO

CUANDO SU MADRE es asesinada y siguiendo su última voluntad, Carmen (Melissa Barrera) abandona su hogar al norte de México, y trata de cruzar de modo ilegal, la frontera la cual separa a nuestro país de Estados Unidos, y buscar del otro lado a una persona -y un lugar- que le permitan dilucidar cómo dar con su propio destino.

Por otra parte se encuentra Aidan (Paul Mescal), un exmilitar quien tras su vuelta al hogar se halla un tanto perdido, sin un rumbo claro de lo que quiere hacer ahora con su vida. Un día, acepta la oferta de un conocido para hacer una incursión nocturna en una zona desértica cercana al borde fronterizo para allí cazar y atrapar inmigrantes como si fuesen animales silvestres.

En medio de la noche, en un desierto en penumbra; Carmen y Aidan se descubren a consecuencia de la mencionada incursión la cual tiene un desenlace trágico. A raíz de ello la pareja se ve obligada a huir de la justicia, transformándose en fugitivos. El segundo intentará ayudar a la primera a alcanzar su objetivo, arribando finalmente a una especie de centro nocturno llamado La Sombra Poderosa, propiedad de la extravagante y misteriosa Masilda (Rossy de Palma). Y durante ese viaje, entre los dos protagonistas comienza a surgir una relación solidaria y estrecha, que no tarda en convertirse en fuerte pasión.

Pero sobre estos amantes se cierne una sombra de fatalidad, la cual se manifiesta tanto por ciertas señales, presencias amenazantes y vaticinios funestos, como por la cada vez más próxima presencia de la ley, que continúa rastreandolos de forma implacable.

Carmen (2022), es una coproducción franco-australiana, y constituye el primer largometraje del cineasta, coreógrafo y ex bailarín

francés Benjamin Millepied, actual pareja de la actriz Natalie Portman. En ella, Millepied elabora una interpretación muy libre y estilizada de la ópera homónima de Georges Bizet, basada a su vez en la novela homónima de Prosper Mérimée.

Esta versión es protagonizada por un ecléctico cuadro de actores encabezados por la mexicana Barrera (En el barrio, Scream, No descansarás); el irlandés -y recién nominado al Oscar- Mescal (Aftersun, La hija oscura) y la española de Palma (sempiterna Chica Almodóvar quien ha participado en múltiples trabajos de dicho autor). Con ellos el realizador elabora un filme el cual, enarbolado un trasfondo y contexto migratorio y con cuestiones emanadas del mismo, narra una historia de amor, romance y pasiones desbordadas, marcadas dramáticamente por un fatal sino.

El un tanto elemental guión elaborado por Loïc Barrere, Alexander Dinelaris y el propio director, es trasladado a la pantalla en la forma de una película extravagante, la cual se mueve entre el exotismo y el mexican curious, lo surreal y el realismo mágico, y los terrenos del musical. Todo ello apoyándose en la fotografía del veterano Jörg Widmer (Pina, Una vida oculta), cuyas imágenes son entrelazadas con un score compuesto por Nicholas Britell, además de temas musicales ejecutados por Julieta Venegas, Taura Stinson y Tracy "The DOC" Curry.

Tal mezcla de elementos -así como sus variopintos registros actorales- es arriesgada y se adivina potencialmente volátil e incluso por momentos bordea peligrosamente la frontera de lo meramente pretencioso. Sin embargo Millepied sostiene con fuerza las riendas de la cinta, consiguiendo a la vez equilibrio entre sus diversos (y a veces contradictorios) elementos; en un grácil balance y un ritmo intenso análogo al de algunas de las coreografías mostradas aquí, y logra (apoyándose en su pareja protagónica) sacar avante una de las adaptaciones más sui-géneris de la obra de Bizet. Carmen es algo digno de verse.

Dentro de las múltiples franquicias de las cuales derivan varios de los blockbusters más importantes que podremos ver en 2023, hay dos que destacan particularmente, ya que están protagonizadas por verdaderos íconos del cine de acción. Uno de ellos proveniente de la década de los ochenta, y el otro de los noventa. Pero ambos interpretados por actores no sólo consagrados, sino que ya se han vuelto legendarios dentro del universo cinematográfico. Y ambos se verán las caras este verano.

por FRANCISCO JAVIER QUINTANAR POLANCO

Cara Indiana Jones

en este

a cara Ethan Hunt verano 2023

INDIANA JONES

CARMEN Distribución: Cine Caníbal

INDIANA JONES Y EL DIAL DEL DESTINO Distribución: Disney

PERSONAJE INTERPRETADO por el actor originario de Chicago, Harrison Ford, quien además de tener una larga trayectoria en la pantalla grande, con los años se ha vuelto un ídolo de la cultura pop, al encarnar (además del legendario Indiana), a otros dos personajes que ocupan un lugar especial en la memoria colectiva y el universo del género fantástico: el intrépido capitán espacial Han Solo en el universo de Star-Wars y el taciturno detective Rick Deckard en el futurista y oscuro mundo de Blade Runner.

Situado entre los años 1930 y 1950, Henry Walton Jones Jr. (su nombre completo) es por un lado un respetado profesor de arqueología que imparte cátedra en una prestigiada universidad, y por otro (ataviado con su inconfundible sombrero, su chamarra de piel, su revólver y su látigo), es el prototipo del aventurero que se interna en parajes exóticos y lugares prohibidos y peligrosos, en busca de reliquias con gran valor (tanto económico como histórico), muchas veces trabajado para el gobierno de los Estados Unidos. Sus búsquedas lo han llevado a enfrentarse tanto con otros arqueólogos y aventureros menos escrupulosos, como con nazis o rusos quienes buscan ciertas reliquias para fines más oscuros y ambiciosos.

Indiana Jones originalmente fue concebido por el cineasta estadounidense Georges Lucas en 1973, inspirado en los seriales cinematográficos de acción y aventura que se proyectaban en los cines durante las décadas de los treinta y los cuarenta. En 1977, compartiría el proyecto con el entonces joven realizador Steven Spielberg, quien posteriormente se haría cargo de dirigir la primera película (tras venir de un sonado fracaso intitulado 1941) la cual iniciaría la franquicia, intitulada Cazadores del arca perdida (Raiders of the Lost Ark), estrenada en 1981.

Aunque enfrentó diversas dificultades durante su realización, resultó ser un gran éxito cinematográfico (y uno de los trabajos más reconocidos de Spielberg) y para muchos revitalizaría el género de cine de aventuras. Tal éxito derivaría en dos secuelas casi inmediatas: Indiana Jones y el templo de la perdición (Indiana Jones and the Temple of Doom, 1984) e Indiana Jones y la última cruzada (Indiana Jones and the Last Crusade, 1989). Además de estos largometrajes, Jones y su universo ha sido el tema central de una serie televisiva, videojuegos, libros e historietas, juguetes y parques temáticos.

Casi veinte años después, se lanzaría una cuarta cinta protagonizada

de nueva cuenta por el aventurero, intitulada Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal (Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull, 2008). Y este 2023, llega un quinto largometraje: Indiana Jones y el dial del destino (Indiana Jones and the Dial of Destiny). Ambas películas están protagonizadas nuevamente por Ford.

La más reciente entrega dirigida por James Mangold (Logan, Contra lo imposible) se sitúa a finales de la década de los sesenta, y muestra a un Indiana envejecido, al que la vida le hizo un par de malas jugadas, y ahora vive solo y un tanto amargado en un departamento. Está a punto de retirarse de la docencia y sus días de aventurero parecen haber llegado a su fin. Ese panorama desolador se interrumpe con la aparición de Helena ‘Wombat’ Shaw (Phoebe Waller-Bridge), la hija de Basil Shaw (Toby Jones) un arquéologo y antiguo colega de Jones. Helena se acerca a él buscando que le dé información sobre un objeto que obsesionó a su padre en sus últimos años de vida: el mecanismo de Anticitera, inventado por el legendario matemático Arquímedes, el cual se supone que tiene la capacidad de ubicar fisuras en el tiempo. Indiana le revela a la joven que él posee parte del mencionado objeto y decide mostrárselo. No pasará mucho tiempo para que ello inicie toda serie de persecuciones y búsquedas frenéticas por parte de un grupo de personajes siniestros, encabezados por el astrofísico y otrora nazi Jürgen Voller (Mads Mikkelsen), quien precisa el objeto para viajar en el tiempo y tratar de cambiar el curso de la historia a su favor. Y es así como Indy se embarca en una nueva (y última) gran aventura.

El último -y más tardío- capítulo de la saga no tuvo la recepción deseada ni con la crítica especializada ni con el público. Lo primero quedó patente con una taquilla muy tibia, y que apunta para que el filme se convierta en una de las grandes decepciones del verano. En cuanto a lo segundo, se han hecho señalamientos referentes a la poca química que existe entre los personajes principales (Indiana y Helena); a que la historia es demasiado larga y tiene un ritmo que por ratos la vuelve fatigosa; la cual está repleta de absurdos y enormes agujeros argumentales así como notorios errores de continuidad. Lo más rescatable del largometraje viene a ser su secuencia inicial (que logra captar un poco de la esencia original de la franquicia) y el desenlace de la historia, que le da un cierre al personaje no solo decoroso, sino cargado de nostalgia y con una pizca de melancolía.

ES INTERPRETADO por el actor internacional Tom Cruise, quien en años recientes ha enfocado su carrera principalmente en hacer filmes de acción, y en ello se ha vuelto no solo una figura importante, sino que ha trascendido por su insistencia en filmar escenas de riesgo sin usar dobles, prefiriendo realizarlas él mismo. Es actualmente uno de los actores mejor pagados de Hollywood, y uno de los más influyentes, quien en estos momentos goza de gran popularidad gracias a que una tardía secuela de uno de sus grandes éxitos de los ochenta (Top Gun: Maverick) recibió críticas muy positivas, al tiempo que se volvió no solo una de las más taquilleras de su carrera, sino también del 2022.

Ethan Matthew Hunt es un imparable, astuto y eficaz agente quien, dada la naturaleza de su trabajo, busca mantener ocultos los detalles acerca de su vida personal, y poco a poco se ha ido conociendo un poco de ella durante sus intrépidas misiones. Hunt originalmente formaba parte de un grupo especial denominado Fuerza Misión Imposible, ya que ellos se encargaban de llevar a cabo tareas encubiertas que la CIA, u otras organizaciones gubernamentales no estaban dispuestas a hacer, por temor a represalias internacionales. Pero tras una fallida misión donde casi todo su equipo fallece, es señalado como traidor aunque finalmente logra probar su inocencia y revelar a los verdaderos culpables, pasando así a ser el líder de un nuevo equipo especial, denominado también FMI.

El concepto original de Misión: imposible no surgió del cine, sino de la televisión, en una serie del mismo nombre creada en 1966 por Bruce Geller y emitida por la cadena CBS hasta 1973. En 1988 dicha serie tendría un remake el cual sería emitido por la cadena ABC hasta 1990.

Fue en 1996 que daría inicio el universo cinematográfico de dicha franquicia, con la película homónima dirigida por Brian De Palma (Carrie, Caracortada, Los Intocables), quien conservaría tanto el asunto de esos mensajes ultrasecretos que se autodestruyen, como el tema musical compuesto originalmente por Lalo Schifrin; y llevando en los estelares, además de a Cruise, a Jon Voight, Emmanuelle Béart, Henry Czerny, Ving Rhames, Kristin Scott Thomas, Vanessa Redgrave y Jean Reno.

Aunque esta entrega recibió críticas no muy favorables, fue un éxito en la taquilla, generando así múltiples secuelas: Misión: Imposible 2 (M:I2, 2000); Misión: Imposible III (M:i:III, 2006); Misión imposible: Protocolo fantasma (Mission: Impossible - Ghost Protocol, 2011); Misión imposible:

ETHAN HUNT

Nación secreta (Mission: Impossible - Rogue Nation, 2015) y Misión imposible: Repercusión (Mission: Impossible – Fallout, 2018).

En 2023, Ethan Hunt regresa a la pantalla grande con Misión imposible: sentencia mortal (Mission: Impossible – Dead Reckoning Part One), una secuela que estará dividida en dos partes, teniendo proyectado el estreno de la segunda para 2024. Dirigida por Christopher McQuarrie (director de las últimas dos entregas de la saga), en esta nueva aventura, Hunt encara a un enemigo distinto a los que haya enfrentado anteriormente: una Inteligencia Artificial que ha cobrado conciencia de sí misma, e intenta preservarse y conversar su independencia de los humanos, pero poniendo en peligro el orden mundial.

Lo único que parece poder detener a dicha amenaza es un par de llaves que dan acceso al servidor donde ella se oculta, y cuyo paradero es conocido por muy pocos. La misión de Ethan se complica tanto por la aparición de una hábil y escurridiza ladrona llamada Grace (Hayley Atwell); como por la intervención de Gabriel (Esai Morales) un humano quien trabaja para dicha IA y está vinculado con un evento del pasado de Ethan.

La recepción que esta nueva entrega ha tenido tanto con el público como con la crítica, ha sido del todo favorable. Y es que, además de la naturaleza del villano (actual tema de discusión en diferentes ámbitos), la cinta reúne todos los elementos que han hecho tan popular a la franquicia: ritmo vertiginoso, emocionantes secuencias de acción, y excelente sentido de la aventura y el suspenso, los cuales garantizan que los fans de la saga, donde los haya, no saldrán de las salas decepcionados.

Se ha hablado mucho de que si estas dos películas constituirán el final de las aventuras de Ethan Hunt. Pero al parecer no será así, tanto por la calurosa y optimista respuesta que esta primera parte ha recibido en su reciente estreno, como por recientes declaraciones del director McQuarrie quien expresó sus deseos de seguir desarrollando ese universo. Incluso el propio Tom Cruise se ha mostrado dispuesto a continuar con ello, y ha declarado que, inspirado (curiosamente) en lo que hizo Harrison Ford con la más reciente entrega de la franquicia Indiana Jones, desearía poder seguir haciendo películas de Misión: Imposible hasta que él también tenga ochenta años. Así que todo parece indicar que tenemos agente Hunt para rato.

MISIÓN IMPOSIBLE: SENTENCIA MORTAL Distribución: Paramount pictures

“¡Viva México, cabrones!”

La nueva serie original de ficción de Star+, Pancho Villa. El centauro del norte, recorre la vida del legendario líder revolucionario de México Doroteo Arango, más conocido como Pancho Villa. En Revista Cameo conversamos con los actores Jorge A. Jiménez (Pancho Villa), Juan Luis Medina (Carlos Jáuregui), Gabriela Cartol (Lucita) y su director Rafa Lara, sobre la producción que llega en la víspera del 100 aniversario del asesinato del caudillo.

por CARLOS MORA

Jorge A. Jiménez, originario de Coahuila, no es la primera vez que el actor da vida a un personaje real, anteriormente había interpretado al político Luis Donaldo Colosio en la serie Historia de un crimen, de Netflix. Ahora se mete en la piel de El centauro del norte

¿Cómo te preparaste para dar vida a Pancho Villa?

Muy bien, la verdad que muy contento, orgulloso de haber sido parte de este proyecto y feliz de haberle dado vida a Pancho Villa, ya que para la preparación del personaje fueron varias cosas las que tuvimos que hacer, principalmente con toda la información que me pasó Rafa, una investigación y un estudio a profundidad sobre su vida, todo lo documentado viene de parte de él, me proporcionó mucha información en libros, tuvimos unas largas pláticas para empaparme de los conocimientos, y muchas cosas que yo no sabía.

Por otro lado fue lo físico, ver todas las fotografías posibles existentes de Pancho Villa, sus posturas, miradas, reacciones en diferentes situaciones como cuando montaba a caballo o dando órdenes.

La misma fotografía te dice lo que sucedió en esa parte de la historia en la que fue tomada.

También fue muy importante la preparación para aprender a montar a caballo, es parte fundamental del personaje, tuve mucho entrenamiento para poder llevar a cabo todas las escenas de batalla. Entonces fue un trabajo bastante completo.

¿Qué sentiste la primera vez que te viste como Villa?

¡Híjole!, pues la verdad es que sentí mucha emoción, una cosa es decir, le "voy a dar vida a Pancho Villa", y otra es ya verme caracterizado, con toda la información sobre el personaje, la verdad fue increíble. Yo ya no me veía a mí, fue como si me hubiera transportado en el tiempo, gracias al maquillaje y al vestuario, entrar a los sets, verme rodeado de tanto revolucionario de época, fue algo muy emocionante.

¿Cómo fue trabajar esta parte de las locaciones?

Fue un trabajo en conjunto, es una serie cien por ciento filmada en Jalisco, lo cual para mí es un doble logro y orgullo porque yo crecí y estudié en Guadalajara. Tuvimos la fortuna de contar con el apoyo del Gobierno del Estado, quien nos brindó todas las facilidades para llevar este tipo de producciones. Hubo un equipo de artistas como

el fotógrafo Jordi Planell, un catalán que ha hecho un trabajo increíble, Gloria Carrasco, una leyenda del diseño de producción del cine mexicano, Verónica Ríos, quien se encargó de todo el diseño de los personajes, así pudimos visualizar esta serie, fiel testigo de una historia que vale la pena recalcar. Es una serie que cumple con su función de entretener, de atrapar al espectador del principio hasta el final; no es una aburrida lección de historia, no es una historia de buenos contra malos. Creo que conseguimos una obra cinematográfica plasmada en una serie de diez episodios. Tiene un valor artístico que le da un peso por sí misma y el público va a poder disfrutar.

¿Qué te dejó dar vida a Pancho Villa, un personaje de la historia mexicana muy importante?

De entrada darle vida a Pancho Villa como actor es un sueño hecho realidad, cualquier actor quisiera darle vida a este tipo de personajes. En esta ocasión tuve la fortuna y la verdad que feliz, fue algo que jamás en la vida me imaginé fuera a pasar. Muy agradecido con Rafa Lara de haber confiado en mí y de haberme dado esta oportunidad y yo le dije, "no te vas a arrepentir", siempre fuimos de la mano.

RAFA LARA DIRECTOR

¿Por qué traer este personaje a una serie?

Tú no tienes que saber nada de México, nada de Pancho Villa para apasionarte por la serie, porque es una serie bélica y épica de acción. Dados mis antecedentes sobre el manejo histórico y de escenas de acción, de efectos visuales, me contactaron los ejecutivos de Disney que querían que hiciera una serie de Pancho Villa muy en el estilo de lo que hago. Es una historia absolutamente universal, les gustó que desde un principio pudieron detectar que no era una serie de México para México, tampoco es una serie latina, es una serie que cuenta una historia desde este país, pero para el resto del mundo. Además si te gusta o te interesa el personaje de Pancho Villa, conoces algo al respecto de su vida, creo que se van a llevar una gran sorpresa, porque la serie es una visión muy fresca, renovada y muy diferente a lo que hemos visto de El Centauro del Norte

¿Cuál es la importancia como productor de llevar proyectos a otros estados?

Yo estoy convencido y lo he hecho a lo largo de mi carrera. Antes parecía que si no estabas en la Ciudad de México no existías, como alguien que creció en Jalisco te puedo decir que el talento sobra, en la serie un ochenta o noventa por ciento de la gente es de Jalisco, tanto extras como detrás de cámaras. Es un proyecto que nos llena de orgullo y es parte de nuestra responsabilidad ayudar a descentralizar toda la maquinaria productiva, también nos lleva a la búsqueda de talento fresco. Sólo puedo decir que estoy muy orgulloso de Pancho Villa. El centauro del norte, van a ver un gran casting, estamos rodeados de actores muy sólidos.

¿Cómo describirías a este Villa, en la serie?

Lo vamos a ver como un hombre tal cual, sin tapujos, va a ser el hombre con sus virtudes y sus defectos, sus claros y oscuros, todo ahora sí que con el alma desnuda.

GABRIELA CARTOL "LUCITA FUE UNA GRAN MUJER EN TIERRA DE HOMBRES"

La actriz interpreta a María de la Luz Corral Fierro o Lucita, la esposa legítima del revolucionario mexicano, "aprendí mucho de dónde vengo y entendí sobre mi herencia familiar", comparte a Revista Cameo

¿Qué fue lo que le aprendiste a Lucita?

Muchas cosas, entender de dónde vengo, lo que se vivía en aquella época, de lo que significaba ser mujer y lo que significa ahora, después de más de cien años de la Revolución Mexicana.

Me cuestioné el rol de la mujer a través de la época y a través del tiempo. Pero también lo que significaba el amor y de cómo se demostraba.

Creo que el mayor acto de amor era quedarte con una pareja hasta el fin de los días sin importar nada, para algunos significaba sacrificio y para otros era amor.

A mí no me interesaba irme apegada completamente a la historia porque físicamente no soy como la describe la historia y Rafa Lara me dijo, "tú tienes la esencia de Lucita, es lo que me interesa más que replicar la realidad y construir a esta mujer a partir de las crónicas que se conocen", eso me pareció un regalo.

También indagué en libros de historia de México, en aquellos escritos que la describen y junté todo eso al lado de mi propia historia y las de mis abuelas, fue un gozo de personaje.

¿Cómo fue trabajar con Jorge Jiménez?

Jorge es un gran actor, un gran compañero y un colega muy respetuoso. Él está en donde tiene que estar, es un hombre muy entregado al trabajo y al personaje, fue el ideal para interpretar a Pancho Villa, sin duda.

Y con Rafa, el director, ¿cómo es trabajar a su lado?

Rafa es apasionado y transmite, creo que él nació con el don de la palabra y en este caso de transmitir lo que significa la Revolución, él luchó por nosotros los actores para que diéramos vida a cada uno de los personajes que aparecen en la serie y lograr un proyecto como él lo quiso, y creo que por esa pasión y esfuerzo es que tiene un talento.

Recordemos que las plataformas tienen sus reglas, y él fue contra todas esas reglas, y de verdad deseo que sea un éxito porque va a marcar un referente.

Me gusta que cada vez las plataformas metan más rostros e historias nuevas, y creo que el público ha cambiado y cada vez quiere más calidad que fama.

Pancho Villa tiene grandes actores que no son tan famosos pero sin duda son muy talentosos, ¿qué opinas?

Sí, a mí se me hace que se fueron más por el prestigio del actor más allá que de la fama del actor, que son dos cosas distintas.

Por ejemplo, yo me siento honrada por ser el único rostro de una mujer en donde el elenco principal son más hombres. Y pensaba sobre lo que fue Lucita fue una gran mujer en tierra de hombres, tiene todo el sentido que su crédito esté en medio de ellos. Todo tiene sentido para mí.

Es una serie grabada en Jalisco, ¿cómo te sentiste?

Fue increíble, la verdad es que disfruté muchísimo grabar allá, desde la comida, la cultura, el clima, para mí sí fue una gozadera completamente.

Por otro lado estaba cumpliendo un sueño, siempre había querido interpretar a alguien de la época de la Revolución o del Porfiriato y poder usar estos vestidos que se me hacen tan elegantes y tan bellos.

Justo, ¿cómo ves la ambientación de la serie y cómo te sentiste al estar en ella?

Uf, maravillosas, como te comentaba usar esas prendas te ayudan mucho a meterte en el papel de Lucita, desde cómo se sentaba hasta cómo caminaba.

Para mí hay dos escenas muy impactantes que grabé y que ya muero por ver, una fue cuando Lucita se entera de la muerte de Pancho Villa y dos cuando le reclama de la muerte de la hija que tenían en común, esas dos escenas me muestran a una Lucita muy humana, porque si bien una parte de ella lo odiaba, había otra que lo amaba profundamente.

Para mí son escenas que me llevaré por siempre en mi corazón y en las que dí todo para realizarlas. Y ahí entendí que esta mujer sí amaba a Villa, al menos en esta historia.

JUAN LUIS MEDINA, DA VIDA A CARLOS JÁUREGUI

¿Qué te gustó de tu personaje Carlos Jáuregui?

Es el secretario particular de Pancho Villa, es una mezcla de todos los secretarios particulares que llegó a tener Villa, y fue una gran decisión que tuvo mi querido director, Rafa Lara. Además, de ser la mano derecha, es una especie de Pepe Grillo para Pancho Villa, en la serie es el hombre más leal que puede llegar a tener El centauro del norte.

¿Cómo fue transportarte a la época de la Revolución Mexicana?

Es algo que aplaudo mucho de la serie, la escenografía y la ambientación están muy bien. Era llegar al set y sentirte realmente en la época de la Revolución Mexicana, estábamos acompañados de gente súper talentosa y apasionada, la gente de vestuario, maquillaje, arte, efectos visuales... Todos nos facilitaban todo el trabajo porque no teníamos que imaginar nada, todo ya estaba puesto.

¿Qué va a descubrir la gente de Pancho Villa?

Una parte humana, no se endiosa al personaje, pero se muestran esos claroscuros que tenía. Una parte es de hechos históricos y otra de ficción, al final de cuentas no nos olvidemos que es una producción para el entretenimiento. Veremos un montón de explosiones, carros, caballos... una historia muy bien contada, un guión sólido escrito también por el director Rafa Lara. Creo que

van a llegar a amarnos u odiamos, pero se la van a pasar bien. Al final de cuentas es un producto hecho con una gran alta calidad y con mucho mucho amor.

¿Cómo fue trabajar con Jorge?

Al principio fue muy imponente verlo de Pancho Villa. Pero como persona es un ser extraordinario y un gran actor, ahora es un muy buen amigo. Dentro de la serie y fuera del set me facilitó mucho el trabajo, cuando estás con actores y actrices tan profesionales empieza a surgir la magia.

Grabaron en Jalisco, ¿cuál fue tu experiencia?

Bien, cuando me dijeron que era en Guadalajara me alegró mucho porque viví un tiempo allá, amo la comida de Jalisco en especial la togada ahogada y la carne en su jugo. Es un estado que me encanta y también sus pueblos mágicos, sus paisajes son preciosos, pero obviamente también extrañaba mi casa. Y grabar en Guadalajara fue muy bonito, siempre nos han recibido con mucho cariño.

¿Y cómo es trabajar Rafa, el director?

Para mí Rafa es un rockstar, tiene toda mi admiración, es un sueño trabajar con él. Al principio estaba muy nervioso porque es mi primera experiencia en una gran producción, y Rafa me facilitó mucho las cosas. También tiene un gran ojo que se nota desde la elección de su casting, hay toda la confianza.

VISIBILIZA LA VIOLENCIA VICARIA

ERIKA DE LA ROSA

La actriz protagoniza el capítulo ¿Dónde están mis hijos?, en la segunda temporada de la éxitosa serie original de Lifetime: Amores que Engañan. En entrevista con Revista Cameo, Erika de la Rosa cuenta lo que representa para ella abordar el tema de la violencia vicaria y el dolor de una mujer cuando le arrebatan a sus hijos.

por CARLOS MORA

Cada episodio de la segunda temportada de Amores que engañan, producidos y protagonizados por mujeres detrás y delante de cámaras, presenta historias diferentes basadas en problemáticas de mujeres reales.

¿Cómo te sientes de regresar a esta serie?

¡Ay, me encanta que me digan que cómo me siento de estar en un proyecto tan bien hecho! Me encanta que estén identificando este gran proyecto.

Estoy muy contenta y feliz de regresar con una familia, por decirlo de esa manera, conozco a muchas personas encargadas de la producción de esta serie desde hace mucho tiempo y el poder ser parte de esta producción me llena de orgullo y emoción. Desde que me invitaron para estar en la primera temporada claro que dije sí inmediatamente.

¿Platícame sobre tu episodio?

Estar en esta segunda temporada es algo maravilloso y más interesada por la temática que aborda mi capítulo que se llama ¿Dónde están mis hijos? y que aborda la violencia vicaria, algo necesario de hablar aunque sea en ficción, porque nos sucede en la vida real.

Estoy segura que todos conocemos a una mujer que está pasando por ello. Esta historia trata de una mujer que está divorciada y tiene dos hijos, ella cree que está en el momento justo y puede dejar atrás el divorcio, quiere volver a formalizar una relación con una nueva pareja y se siente lista para continuar y en ese momento su ex marido le hace ver su suerte, es una característica de la violencia.

Se encarga de quitarle a sus hijos y de separarlos de su madre para llevarlos a otro país, pero mi personaje no se deja, es una mujer que busca ayuda legal, con su familia, amigos y hace todo lo posible para recuperarlos.

Es un episodio que espero vea mucha gente, no sólo por el interés del entretenimiento, sino esperando pueda aportar alguna especie de educación a las mujeres que estén pasando por ello.

En esta serie las mujeres se sobreponen a todo lo que les toca vivir, ¿tienes algún parecido?

Es que no queda de otra, hay que hacerlo, seguir adelante y cuando se trata de los hijos, puede sonar muy cursi y muy trillado el dicho que dice "que por mis hijos todo", pero es cierto, no hay otra manera de explicarlo. Tan es así que los hombres siguen actuando de la misma manera, siguen haciendo exactamente lo mismo cuando quieren lastimar a la madre de sus hijos. Entonces no nos queda más que convertirnos en leonas, algunas por decisión propia y otras por circunstancias de la vida.

Me gusta mucho que Lifetime tenga actores y actrices de diferentes países de Latinoamérica.

Claro, yo creo que ha sido una dinámica y un formato bastante acertado, ver actores y actrices de diferentes nacionalidades, tiene que ver mucho la representación, es algo muy importante, yo soy mexicana y les cuento de mi dolor y mi sen-

tir a mujeres de Colombia o Venezuela, pero, si ellas escuchan su acento o encuentran sus modismos en el lenguaje se va a identificar todavía más, entonces es muy acertado lo que ha hecho Lifetime. También para nosotras que tenemos la oportunidad de trabajar con gente de otros países es una dinámica muy enriquecedora.

Es una serie hecha en México, ¿cómo te sientes?

Sí, todos los episodios se filmaron en Guadalajara. Las locaciones son bellísimas y hay un equipo de producción liderado por una mujer, es maravilloso ver esto.

Yo he ido a trabajar a otros países como Colombia o Estados Unidos y ver que en México estamos en las grandes ligas, cuando llegué a esa ciudad y vi que el crew era en su mayoría de mujeres, se me puso la piel chinita y me llena de orgullo, estoy muy contenta de que Lifetime haya decidido invertir y tenga la confianza de que se están haciendo cosas buenas y tal es el resultado que estamos en esta segunda temporada.

SERIES

risa garantizada

La nueva producción original de Prime Video, Chavorrucos cuenta con un gran elenco encabezado por Dalilah Polanco, Juan Soler, Cristián de la Fuente, Freddy Ortega, Rodrigo Murray y Julio Bracho.

por CARLOS MORA

Disponible en la plataforma desde el siete de julio en México y en más de 240 países, la historia cuenta la vida de Regina (Polanco), una psicóloga que decide escribir un libro en el que hablará de las diferentes personalidades de los hombres, por lo que reunirá a cinco divertidos y muy peculiares Chavorrucos.

El Ruco Rico es Víctor (Soler), La Estrella Caída es Aldo (de la Fuente), La Leyenda es Tony (Ortega), El Sugar Daddy es Roberto (Bracho) y El Camino Recto es Andrés (Murray), sin imaginarlo, se volverán no solo compañeros de terapia sino amigos que se ayudarán a superar diversas crisis por las que atraviesan.

En la presentación de la serie el actor Cristián de la Fuente platicó lo que es ser un chavorruco: "Nosotros tenemos una transición media, por ejemplo, hasta los 40 aún es chavo, pero de los 40 a los 60 no es ni chavo, ni ruco, está en la mitad y ya después de los 60 a 70 ya uno es más ruquito.

Ahora ya somos de una generación intermedia que antes no existía, antes sólo pasabas de ser joven y enseguida a viejo. Yo me siento joven, hago cosas de jóvenes, entrenó deporte y me cuido, pero esta generación en la que estoy, no existía cuando yo tenía diez años, lo que creo es que se puede seguir extendiendo, en un futuro ya serás viejo hasta los 70 u 80, mientras la calidad de vida vaya creciendo.

"Si después de verla te gustó, abrazaste a tu chavorruco y dijiste, "me voy a vestir así y me vale", pues qué bien. Yo no tengo que justificar que soy un chavorruco, yo me siento joven, tengo esa juventud para hacerlo y además tengo la experiencia de un viejo.

La producción fue creada por Nazareno PérezBrancatto, quien también funge como productor junto con Ricardo Ferrer. Magaby García está a cargo de la dirección de la serie, mientras que Esteban Garrido, Charlie El Huevo Barrientos, Laura Aldeni y Harald Rumpler son los guionistas.

Fotos Carlos Mora

"Chavorrucos es una serie de entretenimiento y crecer es una condición de vida de todos los seres humanos, o sea, tenemos que pasar por chavorrucos una vez en algún momento y no es una crítica como tal, es exponer lo que sucede, así de fácil. Es nuestra verdad"

"Es la estrella caída de un grupo musical en el que estuvo desde chiquito, pero también es muy divertido, a veces habla como puertorriqueño, otras como mexicano o con acento chileno. En la banda en la que estuvo tuvo mucho éxito, fama y muy poco dinero; está tratando de volver a tener esa fama porque cree que la felicidad está en la fama. Y en el camino de los chavorrucos se va dando cuenta que la felicidad está en otro lugar"

"Es una es una transición que se da entre ciertas edades, asumirse como una persona que todavía quiere enfrenta retos y que quiere hacer cosas nuevas a pesar de que tengo 57 años, creo que me define muy bien la palabra chavorruco porque tengo la vitalidad de un chavo y la experiencia de un ruco, aún me siento con esa energía que despiden los chicos. No es una cuestión de dar un mensaje, es entretener al espectador y si alguien se ve reflejado pues qué bien, es básicamente entretenimiento de muchísima calidad, con compañeros que son increíbles y que sí nos sirvió a nosotros en lo personal"

EL SUGAR DADDY, ROBERTO (JULIO BRACHO)

Un hombre homosexual que tiene un novio al que consiente con todo tipo regalos, pero nunca termina de complacerlo.

EL RUCO RICO, VÍCTOR (JUAN SOLER)

Un hombre al que la vida le ha sonreído económicamente y está preocupado por su físico y mantener su vida sexual.

LA ESTRELLA CAÍDA, ALDO (CRISTIÁN DE LA FUENTE)

Una exestrella pop que aún añora sus años de fama y busca impulsar su carrera, pero se topa con la cruda realidad.

"Esta serie no es una crítica como tal, sí estamos conociendo una situación de vida y una condición humana, todos estamos creciendo y vamos para el mismo lugar, la chavorrucos todos y todas la vamos a vivir, creo que antes sólo era niño, adolescente y adulto y se acabó, ahora las cosas están cambiando y puedes gozar la vida de otra manera"

"Tony es un poco de mi reflejo, yo empecé de balarin, vive con sus papás quienes le habilitan una parte de la casa para que viva "independiente". Agradezco mucho el personaje que escribieron, es un tipo muy divertido, pero que ya se siente responsable al saber que tiene una hija, es la parte humana de él. Tenemos trabajo, estamos activos y podemos hacer un una gran serie como esta, la verdad"

LA LEYENDA, TONY (FREDDY ORTEGA) Un maestro de baile, conquistador y con un gusto por las mujeres jóvenes.

REGINA (DALILAH POLANCO) Psicóloga que escribe un libro en el que hablará de hombres que no aceptan el paso de los años.

hbo max celebra los 25 años de sex and the city en la cdmx

Para festejar el 25 aniversario de la serie Sex and the City y el estreno de la segunda temporada de And just like that…, HBO Max presentó una experiencia diseñada para los todos los fanáticos de las exitosas series, donde disfrutaron un recorrido que incluyó la puerta del departamento de Carrie Bradshaw, donde se tomaron fotos, degustaron de hot dogs de Nathan’s Famous, de Hot Fellas, la panadería de Anthony Marentino, una deliciosa pizza de Pizza Felix, entre otras actividades.

Fotos Carlos Mora

Ximena González Rubio

entregamos todo: la voz, el corazón, la

y hasta las entrañas"

La actriz regresa al teatro con Éxtasis Medea, una obra que narra el encuentro entre las princesas griegas Creúsa y Medea (Carolina Politi). Con un texto de Ximena Escalante inicia temporada en el Foro Lucerna.

por CARLOS MORA

"En el escenario lo

carne

ÉXTASIS MEDEA

Dónde: FORO LUCERNA Estreno: 4 de agosto al 10 de septiembre

¿Cómo te sientes de regresar al teatro?

Estoy muy contenta. Es un proyectazo y un caramelo. Sólo quiero decir que soy fan de la directora y dramaturga Ximena Escalante desde que vi Yo también quiero un profeta, hace más de 20 años, me quedé muy impactada con el texto, la actuación, la dirección y todo lo que implicaba el trabajo de ella, después trabajé con ella en una obra que se llamaba Sensualidad, ahí interpretaba a un personaje masculino de nombre Raúl. Entonces, Ximena me preguntó si había hecho tragedia griega, a lo que le conteste "que no", y me dijo: "no lo puedo creer, en algún momento de tu vida tienes que hacerla", y ahí quedó. (risas).

Y hace un par de meses me llamó para decirme que tenía una obra que se llama Éxtasis Medea, donde me estaba ofreciendo el personaje de Creúsa, una princesa griega que nunca ha sido interpretada, se le ha dado voz a Medea y a otros personajes de las tragedias griegas, pero a Creúsa se le ha visto muy poco,. Entonces Ximena escribió esta versión del encuentro entre dos mujeres, la historia narra cuando Medea va al palacio a visitar a Creúsa para desearle suerte en su matrimonio con su marido Jasón, ahí empieza una relación entre ellas dos, que por primera vez se topan frente a frente. Esta obra es muy interesante porque se le da voz por primera vez a Creúsa, a quien tengo el privilegio de dar vida en esta ocasión.

Trabajas al lado de la gran actriz Carolina Politi, ella da vida a Medea, sin duda será un duelo de actrices.

Es realmente un privilegio, para mí Carolina, voy a usar la palabra monstruo en el mejor sentido de la palabra, pero ella lo es en el teatro y en el cine, es una gran actriz muy galardonada, reconocida y aplaudida, para mí es un privilegio estar al lado de una gran maestra.

Por otro lado, es una compañera muy generosa que tiene una gran parte intelectual, yo soy un poco más emocional, más arrebatada, más de sentimiento, por eso compartir con ella el escenario es interesante, me da una perspectiva muy completa de lo que es la obra y los personajes.

También trabajar con Ximena, como todas las personas que están dentro del equipo, no quiero dejar de mencionar el trabajo de Itzhel Razo, la persona que nos está ayudando con la coreografía, a Nadia Cuevas una experta en voz.

¿Cómo te sientes al final de la obra?

Pues te voy a decir dos cosas, termino muy exaltada y con una sensación de mucha vida, de mucha pasión, tiene un final súper fuerte e intenso.

Acabamos drenadas emocionalmente, mentalmente y físicamente, pero con una sensación de llena por dentro pero vacía al mismo tiempo en el sentido de energéticamente porque lo entregamos todo y lo dejamos en el escenario: la voz, el corazón, la carne y hasta las entrañas. Es una obra que de verdad se la recomiendo mucho al público, no sólo porque yo esté en ella (risas).

XIMENA GONZÁLEZ RUBIO

Creúsa

Es la princesa joven, víctima del poder, elegida por Jasón, inteligente y bella.

CAROLINA POLITI Medea

Es la princesa madura, madre, poseedora de mala fama, extranjera y exiliada.

DE QUÉ TRATA LA OBRA.

Esta versión de Medea persigue el hilo del mito previo a Eurípides: no fue Medea quien mató a sus hijos. Aquí Medea abandona la ciudad, de la que ha sido expulsada, y minutos antes de su partida visita secretamente a Creúsa, su rival y futura esposa de Jasón. En este íntimo encuentro, las dos mujeres se conocen. Medea: la princesa madura, madre, poseedora de mala fama, extranjera, exiliada. Creúsa la princesa joven, víctima del poder, elegida por Jasón, inteligente y bella. Se reconocen como dos princesas a la deriva de las decisiones de ellos, los hombres en el poder. Aunque parece que estos momentos de incipiente amistad son sinceros y auténticos, en realidad Medea desea destruir a Creúsa.

Se presentará en el Foro Lucerna, un lugar muy íntimo. Yo creo que esta obra no podría presentarse en ningún otro lado. Creo que el Foro Lucerna es perfecto, tiene esa intimidad de tener la respiración de la actriz, del personaje enfrente de tus narices, porque vamos a estar ahí, casi casi a la distancia de un brazo, casi que el público puede tocarnos.

Es un proyecto liderado en su mayoría por mujeres, ¿cuál ha sido tu experiencia?

Creo que en realidad el antes y el ahora es un poco lo mismo. Sí es verdad que cada vez se está viendo esta mentalidad de que las mujeres lo podemos hacer todo, eso es muy importante en esos tiempos, pero ha sido muy satisfactorio.

Yo realmente ese rollo de trabajar puras mujeres me parece muy bonito, yo sí soy pro mujer y demás, pero también me encanta la energía masculina. Específicamente en esta obra ha sido algo muy mágico, muy interesante, no lo podría describir, pero lo que es el talento infinito de Carolina Politi, de Itzhel Razo (quiero hacer un pequeño paréntesis sobre ella porque me dejó boquiabierta con su proyecto Wilma, por favor al público quiero aprovechar este momento para que no se la pierdan), ella es nuestra coreógrafa en este momento... es un privilegio aprender de ella y aprender a movernos en el escenario, sin duda, esta es una puesta en escena única.

Por último, ¿para ti qué es el teatro?

Para mí el teatro es compartir, dar y recibir, es una retroalimentación, es principio a fin sin corte, eso también es exquisito, el poder tener la progresión de principio a fin, que tiene un personaje, a diferencia del cine que dicen "corte" y realmente te cortan toda la emoción, pero en el teatro es de principio a fin. Y creo que lo que más nos gusta como actores es poder compartir con el público a un personaje en vivo y a todo color.

gran debut en el teatro

Influencer, conductor y modelo, JHANS RICO

enfrenta un nuevo reto en su trayectoria: Somos Nosotros, una comedia de los dramaturgos argentinos Macarena del Mastro y Marcelo Caballero, bajo la dirección de Ariel del Mastro; la obra se presenta en el Foro Lucerna.

por CARLOS MORA

¿Qué pasa cuando un tercero irrumpe en la vida de una pareja feliz y el mundo que habían construido se sacude?, es el punto principal de la obra Somos Nosotros, una comedia explosiva que llega para poner sobre la mesa esas preguntas que están dando vueltas en tu cabeza y que son las protagonistas de las pláticas con tus amigos. ¿Qué tanto te animas a compartir con tu pareja?.

¿Cómo te sientes de trabajar al lado de grandes actores de comedia como: Ana González Bello, Antonio Alcántara, Tato Alexander y Mario Alberto Monroy?

Soy el más chiquito y el más novato. Entonces me siento muy abrazado, tanto por todo el equipo de producción que armó Óscar, como del elenco.

Yo recién me acabo de graduar de la escuela de actuación, entonces podría decirse que es mi debut en el teatro, soy muy afortunado de haberlo hecho a esta escala y sobre todo con estos actores que tienen tablas con toda la experiencia del mundo; estoy muy agradecido.

¿Qué te gustó de tu personaje?

Me gustó mucho el personaje, te confieso que desde un inicio yo no quería darle vida a Julián, luego entendí que es una persona que ya es más libre en su forma de pensar y no tiene etiquetas ni prejuicios en cuestión de las relaciones amorosas, predica más con la onda de que amor es amor, no importa de quien te enamores, ni en qué momento suceda y estar abierto a la posibilidad de poder amar.

Por esa forma de pensar fue que abracé mucho a

Julián y aprendí que hay muchas personas en esta posición, que no está mal ni está bien y sobre todo, que no te viene a decir qué es lo que tienes que hacer. Simplemente te plantea cuestionamientos y sales con muchas preguntas después de haber visto la obra.

¿Qué opinas de las nuevas formas de amar?

Tuvimos la gran oportunidad de ser dirigidos por los mismos dramaturgos, eso hizo que estuviéramos los personajes de una manera más cercana a como fue escrito el texto, se nos dificultó al inicio.

Logramos entender que son personajes sin máscaras y realmente todos actuamos así, simplemente no nos gusta que nos vean en esos momentos sin la máscara de la pretensión o sin la máscara para ocultar lo que realmente estamos viviendo.

Es un texto en que explotamos en todo momento, simplemente que nos contenemos por la sociedad, nuestros padres y las reglas que nos han dicho: "no se comportan así, no seas explosivo, no demuestras lo que sientes, no te veas débil".

Por eso tenemos que sensibilizar a las personas en decirles "está bien amar de otras formas", yo encontré en este texto una frase que dice: "el amor, no es un número", creo que por ahí va la onda, y ese es el mensaje de la obra.

Es una comedia que te hace reír mucho, ¿cómo tomas eso del público?

Súper padre, las primeras lecturas las hacíamos como de telenovela, un texto muy dramático, nos íbamos a los gritos, y cuando empezamos a descubrir el texto ya nos empezó a dar mucha risa.

Luego entre tanto ensayo ya no nos daba risa nada, y en el previo nos daba miedo que a nadie le diera risa, ese proceso de tropicalizar el texto también fue difícil porque nosotros como actores tuvimos la oportunidad de darle un giro a los textos porque no los entendíamos, y pues muchos chistes no caían tampoco, era como a ustedes dramaturgos que son argentinos les hace sentido pero aquí no se entiende, ese proceso estuvo padre, luego cuando tuvimos el primer previo y que la gente estaba riéndose, ya vas entendiendo en dónde cae el chiste, cuántos segundos hay que esperar, pero sin duda alguna el público te contagia y ya te hace vivir en personaje de una forma más bonita.

¿Y cómo te sientes de estar en el escenario de El Foro Lucerna?

Para mí tanto como actor como espectador me encantan estos espacios más íntimos, un claro ejemplo es La Teatrería, me gusta más esa cercanía con el actor. Yo creo que te generan un vínculo más padre, para este tipo de historias le queda muy bien.

SOMOS NOSOTROS Dónde: FORO LUCERNA

PULMONES Dónde: FORO LUCERNA Todos los jueves hasta el 14 de septiembre

PULMONES, UNA OBRA CON CONCIENCIA ECOLÓGICA

Pulmones, es la obra que aborda el drama de una pareja que entra en crisis al plantearse el impacto medioambiental que implica traer un hijo al mundo. A partir de ahí, se comienzan a tambalear los cimientos de los dos personajes que, a pesar de su gran amor por el otro, no pueden evitar que su universo se rompa en mil pedazos.

"En mi caso nunca he sido una persona muy maternal, no odio a los niños, es algo que tengo desde muy pequeña. Entonces conforme vas creciendo te pones a pensar en muchas cosas, como ahora ¿en qué mundo van a vivir?, si ahora nosotros nos estamos derritiendo, es algo que siempre me pongo a pensar... incluso antes de esta obra. Entonces, ¿sí quiero ser madre?, creo que puede ser egoísta, pero no en el sentido malo, en mi caso sigue siendo un gran signo de interrogación saber si quiero ser madre", comentó la actriz Regina Blandón.

En esta obra podrás reflexionar si el amor es lo único que se necesita para permanecer juntos, y si es capaz de sobrevivir todo: la crisis medioambiental, la inestabilidad política, tener un bebé… ¿Cómo es ser papá en medio de un mundo en caos? En esta obra de teatro se explora con humor pero también con profundidad, la vulnerabilidad de las relaciones humanas.

El dramaturgo Duncan Macmillan diseñó un texto inteligente que nos habla del miedo y del aprendizaje con una conciencia ecológica y una gran sensibilidad.

"Hay diferentes temas que nos ponen a pensar en el futuro, como que en diez años la Ciudad de México ya no va tener agua, al igual que varias ciudades alrededor del mundo... se viene una migración masiva hacia otros lugares donde tengan agua, vienen cambios violentos y no estamos tomando acciones sobre el cambio climático, es nuestro granito con esta obra", dijo el director de la obra Alonso Iñiguez.

Fotos Carlos Mora

ANASTASIA: EL MUSICAL DE BROADWAY, TRAE SU MAGIA A MÉXICO

LA FAMOSA historia que cautivó a toda una generación en los años 90 regresa, pero ahora en un formato que no te puedes perder. Anastasia. El musical, traído desde Broadway estará durante una corta temporada en el Teatro Telcel a partir del 3 de agosto. Escrito por Terrence McNally, música de Stephen Flaherty y letras de Lynn Ahrens; este musical es una puesta en escena que no te puedes perder. Todo bajo la supervisión de Julieta González y Morris Gilbert, dos grandes productores dentro de la escena teatral en México. El elenco está conformado por grandes actores que ya han sido

parte de magníficas puestas en escena. Como la gran emperatriz tendremos a Irasema Terrazas; el papel del villano de esta historia lo interpretará el actor Carlos Quezada; Manuel Corta y Javier Manante le darán vida a Vlad y Dimitri, respectivamente; y en el papel de la hermosa Anastasia estará Mariana Dávila como la versión adulta y Sara Smith en el papel de la pequeña Romanova.

Sin duda, Anastasia. El musical es una de las producciones más hermosas que OCESA haya traído, un clásico que se considera entre los mejores musicales del momento.

ANASTASIA: EL MUSICAL Dónde: TEATRO TELCEL Estreno 3 de agosto

Regresa

La fiesta

ESCRITA POR DAVID DILLON, nos permite asomarnos de manera casi voyerista a la reunión de estos hombres, en la que naturalmente, sin presiones ni prejuicios, y en medio de un divertidísimo juego salen a la luz sus amores, experiencias, ilusiones y sobre todo su gusto por la vida.

por CARLOS MORA

Después del estreno de la obra en Chicago, a principios de la década de los 90, luego llegó a Broadway y saltó materialmente a todo el mundo, incluida la Ciudad de México donde se estrenó el 3 de junio de 1996, producida por Morris Gilbert.

Ahora se estrena en el Marketeatro con diez actores que dan vida a La fiesta: Luis Orozco (Ray), David Ortega (Peter), Miguel Salas (Kevin), Lalo Arredondo (Bryan), Rodrigo Cuevas (Philip), John German (Peter y James), Alex Mont (James), Óscar Ugalde (Andy), Diego Tenorio (Andy) y Dan Cervantes (Swing).

"Hace 27 años fuimos siete intrépidos que estrenamos en 1996 esta obra, en una época en la que no había tanta apertura y tantas libertades como ahora y el destino nos hizo que la volviéramos a hacer entonces estamos muy contentos de volver a hacerla con este gran elenco de talentosos y guapos actores", comentó el productor César Riveros.

¿Qué vamos a ver en La fiesta?

Dan Cervantes: Es una obra que tiene un toque picante que se va dando con el juego y en esta obra sí van a poder vernos jugar en todo nuestro esplendor y sucederán cosas en escena que rara vez suceden en el teatro. Hay castigos, (risas), nos van a ver algunos en calzones o puede ser que haya algún desnudo. La verdad es que aquí la comedia se cuenta por sí misma, se van a reír, hay momentos entrañables, momentos donde van a conectar, y sobre todo a esta comunidad LGBTQ+ es importante decirles que es una oferta más y que se une a la gran cartelera para la comunidad y para la diversidad, y esta es una obra que además tiene un toque desde la comedia en donde se van a entretener, a divertir, pero donde el problema no es en sí solo ser gay, pero es importante ver cómo se comportan estos personajes en los noventas y cómo era ser gay en una fiesta que era donde podías estar libre.

LA FIESTA Dónde: Marketeatro, viernes, sábados y domingos.

Fotos Carlos Mora

Es una comedia muy divertida, pero no solamente es para la comunidad, mientras seas un adulto con mente abierta, puedes venir, disfrutar y echar una ojeada a lo que sería una fiesta, y conocer si no eres parte de la comunidad, es conocer un poco, y entonces está abierta para todo el público mientras seas mayor de edad y con apertura de mente.

¿Qué opinan sobre el tema del desnudo?

Diego Tenorio: Es un tema que estuvimos trabajando tanto personal como grupal, es algo difícil porque luego verte en el espejo te da pena contigo mismo. ¿Ahora imagínate, ven y ponte en un escenario enfrente de tanta gente?, pero es un trabajo de aceptación y de quién eres, y ser feliz con eso, creo que eso también es un mensaje muy padre que se da con la obra, no importa el cuerpo que tengas, si tienes un cuerpo regular pues el chiste es disfrutarlo y enseñarlo porque pues es tu método de trabajo en esta situación, y pues es algo muy bonito celebrar nuestros cuerpos, celebrarnos a nosotros mismos.

Fotos Carlos Mora

¿Cuál ha sido el mayor reto al que se han enfrentado al estar en una comedia?

John German: "El mayor reto para mí ha sido encontrar el timing perfecto, de pronto es complicado entender el ritmo del público y detenernos a escuchar las carcajadas, no cortar las carcajadas, saber decirlo en el momento exacto.

La comedia siempre radica en el ritmo, ser justos y puntuales en los chistes para que caigan, entonces como actor ha sido una gran práctica porque lo vas aprendiendo cada día y cada público es distinto, a veces se ríen de una cosa a veces de otra.

Pero lo interesante es que la comedia siempre

te invita a que escuches al público, que sepas que está vivo y que es una energía que comparte contigo y que engrandece la ficción sin ninguna duda.

¿Cuál ha sido la respuesta del público hacia la obra?

Rodrigo Cuevas: Ha sido una gran experiencia, disfrutamos mucho y nos divertimos mucho como actores y como personajes en escena. El público lo ha recibido muy bien, se ríen de nuestras tonterías, del texto que está muy bien escrito. La fiesta es una comedia que llegó para que el público la disfrute y se identifique.

Sarah Hoch, directora del GIFF.

inovación en pro del cine

El Festival Internacional de Cine Guanajuato presenta su vigesimosexta edición con la riqueza fílmica y gran ambiente que caracteriza a este importante evento. GIFF se celebrará en León del 20 al 23 de julio, San Miguel de Allende del 24 al 27 e Irapuato del 28 al 31

Siguiendo su tradición innovadora y de atención a las tecnologías de vanguardia, GIFF ofrece en su vigesimosexta edición un evento que marcará pauta a nivel nacional e internacional sobre la discusión de los efectos y amenazas que implica la presente revolución en inteligencia artificial. Este enfoque disruptivo en la tecnología que caracteriza al GIFF se ha visto de manifiesto en el uso permanente de la inteligencia artificial para la ejecución de todos los productos del Festival.

"Es un tema que yo quería traer a la mesa, porque lo vemos como una amenaza a nuestras historias y a nuestra industria. Este año lo utilicé en algunas áreas de mi festival para ver si se podía usar y pues la verdad es que sí, nos preocupa mucho, por eso antes de hablar por otros había que usarlo nosotros primero para ver cómo funciona. Las herramientas de la inteligencia artificial están creciendo muy rápido, cada vez salen más, algo bueno es que facilita el trabajo pero va a llegar un momento en donde la IA nos puede dejar afuera", dijo Sarah Hoch, directora del GIFF.

Durante el festival se hará el foro SinergI.A. En este foro se explorarán las diferentes perspectivas del reto que plantea la revolución de la inteligencia artificial en el ámbito creativo y su relación con la sociedad de consumo, la economía y el futuro laboral. Con una mirada vanguardista que busca alcanzar y entender lo que esto significa para nuestro planeta, en este foro propiciado por GIFF se generarán previsiones, estrategias y propuestas de valor encaminadas a tomar decisiones informadas con una clara visión ética y humanista. Este foro de inteligencia artificial tendrá lugar los días 21 y 22 de julio en León, Guanajuato.

Durante la conferencia de prensa la actriz, Arcelia Ramírez quiso compartir su punto de vista sobre el tema: "Yo creo que es un tema que tenemos que conocer, yo creo que es muy importante que esta edición del festival de Guanajuato haya puesto sobre la mesa esta preocupación profunda y que nos está ofreciendo la posibilidad de entender cómo viene este proceso y de qué manera podemos utilizarlo a nuestro favor.  Todo esto nos desafía a construirnos como personas".

Este año la edición número 26 del Festival Internacional de Cine Guanajuato (GIFF), cuenta con 37 estrenos mundiales, 32 estrenos americanos, 21 estrenos latinoamericanos, y 53 estrenos mexicanos de una convocatoria que reunió 4065 películas provenientes de 141 países.

La cinta inaugural en León será Joan Baez: I am a Noise —homenaje biográfico a la emblemática cantante folk por parte de las directoras Karen O'Connor, Miri Navasky y Maeve O'Boyle. En esta ciudad también se presentará como muestra especial Perdidos en la noche —la cinta más reciente de Amat Escalante recién desempacada de Cannes, hecha con talento guanajuatense y filmada en la entidad. Por primera vez se llevará a cabo una instancia de Cinema Picnic en el estadio de béisbol Domingo Santana, casa de los Bravos de León. Los asistentes tendrán oportunidad de ver la cinta Transformers: Rise of the Beasts desde los jardines de La Fortaleza.

Durante la Inauguración en San Miguel de Allende se proyectará la película Smoke Sauna Sisterhood, de Anna Hints, que aborda la tradición estonia de los baños de vapor, donde se forman relaciones estrechas de sororidad. La película inaugural en Irapuato será Martínez, de Lorena Padilla. En ella un contador solitario que realmente aprecia su monotonía cotidiana, es presionado por su jerarquía para que se jubile y la muerte de su vecina lo hace comprender que todavía le queda vida por delante.

Entre las cintas internacionales en competencia, GIFF cuenta con una enorme diversidad. Proyectaremos la ópera prima de la ganadora en Sundance Sofia Alaoui, Animalia, un relato que une la ciencia ficción con las inquietudes sociales, así como la ganadora en Locarno Safe Place, de Juraj Lerotić,

que cuenta en primera persona una historia de desintegración familiar. En la misma sección se presenta el relato pandémico A Strange Path del brasileño Guto Parente, que regresa al certamen GIFF con este filme multipremiado durante su estreno mundial en la reciente edición de Tribeca. El belga Bas Devos, también regresa a Guanajuato este año con Here (ganadora de la sección Encounters en la Berlinale) después de haber ganado en 2018 con la cinta Ghost Tropic.

También llegan las muestras especiales que han caracterizado al Festival: la sección infantil Niños en Acción, la muestra erótica Locura de Medianoche y el programa Música+Cine. La esperada sección de horror Cine Entre Muertos se llevará a cabo en los panteones de León, San Miguel de Allende y por primera vez en Irapuato.

Se contará con el preestreno de la esperada Talk to Me de Daniel y Michael Philippou, The Unheard del director de Beach House Jeffrey A. Brown, Rabia del director mexicano Jorge Michel Grau y la antología de terror Satanic Hispanics. Además habrá una selección de cortometrajes terroríficos y una muestra celebratoria del 75º aniversario de Alameda Films que incluye las cintas Los diablos del terror y La maldición de la llorona.

En nuestras tres sedes contaremos con la exposición El Taller del Chucho a través del tiempo. En ella se podrán admirar personajes utilizados a lo largo de la historia por el insigne taller de animación mexicano —recientemente galardonado a nivel internacional por su colaboración en Pinocho, de Guillermo Del Toro. También habrá una sala de virtual production interactiva donde los visitantes y creadores podrán sumergirse en las emocionantes posibilidades que ofrece esta tecnología revolucionaria.

Foto Carlos Mora

HOMENAJES ESPECIALES

ARCELIA RAMÍREZ ACTRIZ

"Gracias infinitas Sarah por darle siempre todo el apoyo a la Asociación de mujeres en el cine y la televisión desde hace muchos años, que es una estructura que ha sido la punta de lanza de visibilizar el apoyo de interlocución para las mujeres que trabajan en el audiovisual en México. Siempre ha habido un lugar muy relevante dentro del festival algo que agradezco muchísimo y estoy profundamente agradecida con la asociación por este homenaje y por este abrazo. Gracias por tomar en cuenta todo este recorrido que para mí ha sido apasionante en mi carrera como actriz. Enhorabuena al festival que es una cita obligada y como ya pueden imaginar va a ser una experiencia maravillosa"

TITA LOMBARDO PRODUCTORA

"Estoy muy agradecida contigo querida Sarah por tu apoyo y solidaridad, también con todos los cineastas de México, para mí es un honor recibir este homenaje, también doy gracias al comité de la Asociación de mujeres en el cine y la televisión por favorecerme este año con un reconocimiento que es muy importante para las mujeres. Es el reconocimiento a una trayectoria de 42 años como productora que he disfrutado y he sufrido como bien lo dice Sarah. Muchas gracias, de todo corazón."

LUIS ESTRADA DIRECTOR

"Quiero agradecerles de todo corazón el que el Festival Internacional de Cine de Guanajuato y la Filmoteca de la UNAM me hagan el gran honor de darme este reconocimiento. Siempre he pensado que estos homenajes se dan, ya cuando se piensa que alguien está al final de su carrera, y esperemos que este no sea el caso, pero de verdad quiero agradecer mucho en particular a Sarah y a toda la organización del festival me hayan considerado. Para mí es un gran honor, me siento de verdad muy honrado y ojalá nos acompañen en Guanajuato, donde se presentarán algunas de mis películas y pues tendré la oportunidad de dar una conferencia o una charla alrededor de mi carrera. Nuevamente a todos, gracias".

Asesinamente, un podcast narrado por Paola Rojas

Amazon Music lanza el podcast Asesinamente, este emocionante podcast está narrado por la reconocida periodista mexicana, Paola Rojas, y se basa en los análisis de la enfermera psiquiátrica y ex agente especial del FBI, Candice DeLong, desentrañando los escalofriantes detalles de las retorcidas mentes de algunos de los asesinos en serie más conocidos de todos los tiempos. Encuentra los tres primeros episodios de Asesinamente en Amazon Music y cada semana, un nuevo episodio donde quiera que escuches podcasts.

"Este proyecto me atrapó por completo; agradezco a Wondery y Amazon Music por invitarme a ser la narradora, ya que representa algo completamente distinto, una producción de calidad que me permite llegar a nuevas audiencias y explorar los misterios más oscuros de la mente humana. Asesinamente nos adentra en la psique de los personajes, quedé cautivada por la investigación meticulosa de una mujer que no se conforma con lo obvio, sino que con su trabajo nos adentra en los perfiles, contextos, incluso la infancia y la familia de los protagonistas, brindando una oportunidad única para presenciar aquellos hechos conocidos en su momento, pero desde una perspectiva más profunda y reveladora. El trabajo de Candice DeLong es

verdaderamente excepcional, su dedicación es palpable en cada episodio." comentó Paola Rojas.

En este podcast, Paola Rojas cautivará a los oyentes al relatar los casos más estremecedores que han dejado una marca indeleble en la historia y han desconcertado a los expertos en el campo. Asesinamente desafiará las percepciones de los espectadores y los transportará al corazón de la maldad humana, ofreciendo una experiencia aterradora y fascinante, explorando los perfiles psicológicos, patrones y motivaciones de los asesinos más infames, desde Juana Barraza, conocida como La mataviejitas, hasta Peter Madsen, apodado El asesino del submarino, y Aileen Wuornos.

“Estamos seguros que este podcast narrado por Paola Rojas sumergirá a los oyentes en la mente oscura y fascinante de los asesinos seriales más notorios de todos los tiempos", comentó Sarah Barrett, Head de México Podcast Content para Wondery.

Cada episodio tendrá una duración de 25 a 30 minutos, lo que permitirá a los oyentes sumergirse en los detalles fascinantes de cada caso de asesino serial.

NOTICIAS

A LO LARGO de la historia del cine los discursos en pro de los cambios y el aceptar las diferencias han pasado por un sin fin de caminos; desde el ámbito de la animación, este argumento ha intentado llegar al público masivo con historias tan significativas como Dumbo (1941), El jorobado de Notre Dame (1996) o Shrek (2001), cuyas perspectivas apelan a la tristeza, al amor o al humor, en este 2023 llega una película que logra unir un poco de todas: Nimona.

Ambientada en un mundo medieval y caballeresco de alta tecnología, muy a lo Escaflowne (1996), esta historia comienza con el asesinato de la reina Valerin a manos de su candidato a caballero favorito, Ballister Blackheart, quien a diferencia de los demás aspirantes destaca por sus sobresalientes habilidades físicas y por ser el único de ascendencia no noble. Después de ser inculpado, Ballister se enfrenta a una persecusión colectiva en la que su única aliada será Nimona, una energética chica peliroja con poderes metamorfícos.

Nimona

CUANDO LOS TIBURONES BAILAN Y LOS CABALLEROS AMAN

CINTHYA SALAS

quienes brillaron en la industria al mostrar su lado conservador por el titubeo ante la producción de esta historia. Al final, fue Annapurna Pictures quien finalizó la película y conservó todos los elementos LGBTQ+, la irreverencia y comicidad.

Detrás del viaje de héroe sobre el que se traza la trama, la trascendencia de Nimona es el mensaje queer y transgenero que sostiene, en el que no importa si uno es un gato, un gorila, un rinoceronte o una niña, al final cada ser es libre de transformarse a voluntad. “Soy Nimona”, es la respuesta recurrente después del cuestionamiento a cada cambio de apariencia (metáfora de las diversas identidades), dos simples palabras que relfejan una verdad que la sociedad ha tardado décadas en asimilar.

NIMONA Dónde ver: Netflix

En su camino por esclarecer el incidente, Ballister y Nimona comienzan una amistad conectada por sus experiencias encarando el rechazo en sus distintas formas. Esta obra, desde su publicación como webcómic en 2012-2014, tiene un transfondo que busca la reflexión sobre la identidad personal y el dar más peso al ¿cómo me veo yo? en lugar del siempre doloroso ¿cómo me ven los demás?

Animada en un estilo que mezcla el 2D de los cómics y el 3D, Nimona llegó a Netflix después de intentar acoplarse a 20th Century Fox, como subsidiaria de Disney, y a Blue Sky Studio,

Idea original del ilustrador ND Stevenson y dirigida por Nick Bruno y Troy Quane en su adaptación cinematográfica, en está película el planteamiento de la idea del “monstruo” evoluciona hasta residir en el prejuicio colectivo que castiga a lo “indefinido”. Una insensibilidad que se acumula y crea a una fantástica criatura gigante y negra que únicamente logra desvanecerse, como si fuera un encantamiento mágico, con un par de palabras de cariño y aceptación.

Así, el reino donde un tiburón rosa baila con un caballero gay con un brazo biónico llega para intentar derrumbar e invitar a cuestionar los estándares que dictan lo que “dería de ser”. Discurso que se refuerza fuertemente en el momento en el que Ballister deja de insistir en conocer cuál es el verdadero origen de Nimona y decide sólo aceptarlo y respetarlo.

INICIA EL RODAJE DE MIENTRAS CUPIDO NO ESTÁ

LA NUEVA comedia romántica protagonizada por Vadhir Derbez y Dolores Heredia, producida por BTF Media y distribuida por Star Distribution, llegará a cines de México a principios de 2024.

La película narra la historia de Mirtha del Cañón, interpretada por la reconocida actriz Dolores Heredia, quien es una brillante empresaria que se enfrenta a su hijo Bartolo, interpretado por Vadhir Derbez, a fin de que éste siente cabeza, trabaje y forme una familia. Es con estas intenciones que la afamada arquitecta, con la ayuda de su asistente personal Alan, interpretado por Manuel Vega y Mary su ama de llaves, interpretada por Antonia San Juan; organizarán una estrategia poco convencional para encontrar a la persona que se gane el

corazón de Bartolo.

El filme es dirigido por Alejandro Aimetta y completan el elenco, Ana Lucia Domínguez, Thali García, Martina Cariddi, Ela Velden, Patricia Bernal, y Dana Garcia; así como Andrea Duro, Sergio Momo, Agostina Goñi, Nicolás Goldschmidt, Alberto Mateo, entre otros.

“Es nuestro compromiso garantizar el desarrollo y la producción de mejores historias, en términos de calidad y representación, pensando siempre en la audiencia. Por eso es un orgullo para BTF media poder traer al cine mexicano una propuesta de tan alto valor de producción, y compuesta con un elenco del más alto nivel”, dijo Francisco Cordero, CEO de BTF Media y productor del filme.