Apreciación del arte

Juan Antonio Esparza Hernández

Carlos Mendoza Maldonado

Elisa Ontiveros Delgadillo

Humanidades y sociedad 1

Perspectiva de género Apreciación del arte

Apreciación del arte

Juan Antonio Esparza Hernández

Carlos Mendoza Maldonado

Elisa Ontiveros Delgadillo

1 Humanidades y sociedad

D.R. © 2023

Editorial Innovación Educativa, S.A. de C.V.

Lábaro Patrio 264, Conjunto Patria, C.P. 45150, Zapopan, Jalisco

Autores

Juan Antonio Esparza Hernández

Carlos Mendoza Maldonado

Elisa Ontiveros Delgadillo

Coordinación de producción

Sol Ortega Ruelas

Coordinación editorial

María del Carmen Padilla Arreguín

Corrección

Luis Alberto Pérez Amezcua

Diseño y maquetación

J. Daniel Zamorano Hernández

Primera edición, noviembre de 2021

Tercera reimpresión (revisada), junio de 2023

ISBN: 978-607-993-462-0

Impreso y hecho en México

Contenido adicional disponible en la plataforma Agnus: agnus.mx

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Te presentamos el manual de Apreciación del arte, un curso que es formativo y propedéutico, el cual está a cargo del Departamento de Humanidades y Sociedad y de la Academia de Arte y Cultura. El curso se ubica en el eje curricular de Comprensión del ser humano y ciudadanía del plan de estudios del Bachillerato General por Competencias del Sistema de Educación Media Superior de la Universidad de Guadalajara.

Con este taller construirás procesos que te permitirán conocer, interpretar y valorar el arte en sus diversas manifestaciones, con el fin de incrementar tus conocimientos y habilidades en la comprensión del fenómeno artístico y su importancia en la historia de la humanidad.

En el desarrollo de este curso repasarás en la parte teórica lo que corresponde al conocimiento del arte, la cultura y su relación con el entorno. Todas las actividades que se proponen te permiten un acercamiento al arte de manera vivencial. El curso busca a través de sus tres unidades de competencia acercarte a la realidad social y cultural a través de la apreciación, la sensibilidad y la empatía mediada por el arte.

En la unidad de competencia 1 se presentan los conceptos de arte, cultura y estética, seguidos por la clasificación de las artes. Después, se muestran los elementos estructurales del arte y, por último, se discute sobre el valor axiológico del arte. Con todo ello podrás contextualizar las distintas manifestaciones de tu entorno sociocultural.

En la unidad de competencia 2 se presenta un breve panorama de la relación entre arte y cultura, así como de la importancia de su valoración y su proceso. Se discute sobre la variedad artística y cultural, el lenguaje y el arte, la forma y el contenido. Del mismo modo se habla sobre la relación entre el arte y la expresión de emociones, así como del enfoque comunicativo en el arte, el proceso creativo y, por último, la relación artista-obra de arte-receptor.

Con este contenido la segunda unidad de competencia explora la importancia que el arte tiene en nuestra cultura e intenta propiciar un acercamiento más reflexivo al arte. El propósito es que lo valores como un elemento esencial de comunicación y expresión de sentimientos y emociones en distintos contextos en relación con la identidad cultural.

En la unidad de competencia 3 dispondrás del siguiente contenido temático: primero, el arte como lenguaje universal; segundo, la multiplicidad de contextos en la contemplación del arte; tercero, la función social del arte; cuarto, la obra artística como forma concreta de cultura; cuarto, el artista y su representación del entorno; quinto, los periodos en la historia del arte, reflejo de la historia del hombre; sexto y último, las obras de arte como bienes culturales.

Con este gran repaso por la historia del arte se busca que adquieras distintas herramientas de reflexión, debate y diálogo a través de la obra artística desde distintos espacios: políticos, históricos, geográficos, económicos y culturales, con el objeto de que emitas juicios con argumentos, reflexivos y críticos.

El manual presenta una importante gama de recursos didácticos entre ellos “Momento de inventiva”, para que explores de forma autogestiva actividades increíbles y lúdicas pensadas para reafirmar aquellos temas vistos en clase, actividades que van de la mano de las nuevas tecnologías. El modelo de los libros de Lernen se basa en tres componentes: creatividad, calidad e innovación, lo que permite la interactividad entre estudiantes y docentes en el abordaje del contenido.

GUÍA DE USO PARA EL DOCENTE

1. RECONOCE LOS PROPÓSITOS FORMATIVOS

En la página 12 encontrarás el objetivo general del curso, así como las competencias genéricas, específicas y disciplinares correspondientes del Marco Curricular Común (mcc) del Bachillerato General por Competencias (bgc) y de los programas de estudios de la Universidad de Guadalajara. Los propósitos formativos nos permiten reflexionar acerca de la selección de contenidos y su relevancia, así como profundizar respecto de la relación de las actividades con la realidad social, económica, cultural, académica, familiar y personal de las y los jóvenes.

2. DETECTA LOS OBJETIVOS TEMÁTICOS Y LOS APRENDIZAJES ESPERADOS

En la presentación de cada unidad te sugerimos leer en voz alta dentro del aula los objetivos específicos de cada secuencia didáctica. Encontrarás también los aprendizajes esperados, que te permitirán fijar el rumbo de los retos cognitivos que enfrentarán tus alumnos.

3. IDENTIFICA ESTRATEGIAS

En el desarrollo de las unidades de aprendizaje observarás que se presentan actividades preliminares, las cuales rescatarán los saberes previos del tema a abordar. También encontrarás actividades parciales y colaborativas que abonan significativamente en diferentes áreas y temáticas fundamentales para el proceso de aprendizaje. Por último, en cada unidad de competencia encontrarás una actividad integradora que evidenciará el nivel de desempeño de cada alumno.

4. UTILIZA RECURSOS PARA EL APRENDIZAJE

El presente libro brinda diversos apoyos para construir tu propio andamiaje en clase:

• Un desarrollo de los temas con un lenguaje claro, preciso, asertivo y agradable para las y los estudiantes.

• Ejercicios y actividades de práctica por cada tema, tanto individuales como en equipo.

• Enlaces a sitios en internet para que cada estudiante complemente, continúe y profundice su aprendizaje en el área de creación artística.

• Recursos de apoyo visual como imágenes, gráficas, tablas con síntesis de información, entre otros.

5. SUPERVISA LA EVALUACIÓN

La evaluación debe aplicarse de manera inicial, continua, formativa y sumativa. Por ello, para evaluar el desarrollo de las competencias y de los aprendizajes esperados en cada unidad de competencia se proponen diversas actividades de aprendizaje y una actividad integradora, con su correspondiente rúbrica de evaluación, que fácilmente puede ser adecuada a las necesidades de cada grupo. Al final de cada módulo se presenta una lista de cotejo en donde el alumno podrá revisar de forma autónoma su desempeño vinculado con las competencias.

6. ANEXOS

Al final de las unidades aprendizaje están los anexos. En este apartado encontrarás un ejemplo del análisis de una obra de arte para que el alumnado se apoye en él. También presentamos las distintas clasificaciones del arte a través de la historia, así como diferentes sitios que pueden ser de interés (museos en línea, páginas oficiales de artistas, etcétera).

GUÍA DE USO PARA EL ALUMNO

¿PARA QUÉ SIRVE TODO ESTO?

En la siguiente página puedes leer los propósitos formativos, que te dejarán muy claro cuál es la utilidad para tu vida real de lo que aprenderás con ayuda de este libro.

¿A DÓNDE ME LLEVARÁ ESTE LIBRO?

Para aprender es necesario ir paso a paso, por eso en cada unidad se indica cuál es el objetivo de cada uno y qué se espera que aprendas de ellos. Verás que todos son propósitos interesantes y sin grandes complicaciones.

ENTONCES, ¿QUÉ DEBO HACER?

En el desarrollo de cada tema hallarás las variadas estrategias que te sugerimos para que adquieras diferentes conocimientos, destrezas, actitudes y valores. No te quedes con la curiosidad, utiliza tu capacidad autodidacta para extender las actividades que se ofrecen en este libro, busca más información. Además, aprovecha la interacción con tus compañeros y profesor o profesora, comparte ideas, debate, haz propuestas, lee con ellos.

IDENTIFICA PRODUCTOS Y RECURSOS

Los siguientes recursos te ayudarán a complementar el contenido temático para que explores de manera autónoma información, videos, actividades creativas, etcétera, te presentamos todos y cada uno de los recursos que tiene tu libro.

Recurso Descripción

La glosa Glosario, definición de conceptos.

¿Sabías que…?

Para saber más Se proporciona más información de un tema que se aborda en el contenido y curiosidades de algún tema.

¿Quién es? Se presentan biografías breves de personajes relacionados con los temas abordados.

Leemos Se hace un espacio cuando se trata de una lectura literaria.

En la mira Recomendaciones de material audiovisual como videoclips, documentales y cortometrajes.

Momento de inventiva

Son actividades virtuales para explorar o crear diferentes temas y técnicas de creación artística.

¿CÓMO VOY A APRENDER TODO LO NECESARIO?

No creas que estás solo, te proporcionamos una serie de recursos tanto verbales como gráficos, detallados o breves, dentro del propio libro o en internet para que aprendas de distintas formas, pero siempre de manera completa e interesante.

¿DE QUÉ MANERA DEMOSTRARÉ QUE SÍ HE APRENDIDO?

Busca al final de cada unidad de competencia la lista de cotejo ”¡Autoevalúate!“. Por cada tema hay ejercicios de aprendizaje que te habrán proporcionado las herramientas necesarias para realizar la actividad de autoevaluación. Con esta lista demostrarás qué tanto has aprendido y te dará pistas para descubrir cuáles saberes hay que mejorar o reforzar con la ayuda de tus compañeros y tu profesor.

PROPÓSITOS FORMATIVOS

Objetivo general

Aprecia el arte en sus diversas manifestaciones, valora los elementos que lo constituyen y asume una postura de respeto hacia la diversidad cultural de su entorno.

Competencias genéricas

• CG 2.1. Valora el arte como manifestación de la belleza y expresión de ideas, sensaciones y emociones.

• CG 2.2. Experimenta el arte como un hecho histórico compartido que permite la comunicación entre individuos y culturas en el tiempo y el espacio, a la vez que desarrolla un sentido de identidad.

• CG 2.3. Participa en prácticas relacionadas con el arte.

Competencias específicas

• Identifica las distintas manifestaciones artísticas para diversificar su gusto y experiencia estética.

• Distingue los diferentes elementos que componen la obra artística así como su interacción en su aproximación al arte.

• Reflexiona sobre las distintas manifestaciones artísticas para ampliar su gusto y experimenta creaciones artísticas y culturales diversas incluyendo su contenido histórico.

Correspondencia con las competencias disciplinares básicas y extendidas del MCC

Humanidades y comunicación

Básicas

• CDb-Hum 10. Asume una posición personal (crítica, respetuosa y digna) y objetiva, basada en la razón (lógica y epistemológica), en la ética y en los valores frente a diversas manifestaciones del arte.

• CDb-Hum 11. Analiza de manera reflexiva y crítica las manifestaciones artísticas a partir de consideraciones históricas y filosóficas para reconocerlas como parte del patrimonio cultural.

• CDb-Hum 12. Desarrolla su potencial artístico, como una manifestación de su personalidad y arraigo de la identidad considerando elementos objetivos de apreciación estética.

Extendidas

• CDex-Com 6. Difunde o recrea expresiones artísticas que son producto de la sensibilidad y el intelecto humano, con el propósito de preservar su identidad cultural en un contexto universal.

• CDex-Hum 4. Comparte expresiones artísticas para reconstruir su identidad en un contexto de diversidad cultural.

Conocimientos (saberes teóricos)

• Conceptos fundamentales sobre el arte en general.

• Disciplinas que constituyen el arte.

• Elementos estructurales del arte.

• Formas de expresión del arte.

• Categorías estéticas para valorar el arte (sublime, grotesco, bello, feo, gracioso, etcétera).

• Elementos de las emociones humanas.

• La obra artística y su contenido en relación con hechos históricos, sociales y/o culturales.

Habilidades (saberes prácticos o procedimentales)

• Relaciona la parte conceptual del arte con las distintas manifestaciones artísticas.

• Analiza los elementos estructurales internos y externos del arte en diversas disciplinas.

• Describe y clasifica las diferentes manifestaciones artísticas.

• Establece criterios de análisis sobre las diferentes manifestaciones artísticas y sus modalidades.

• Demuestra el significado de las diversas obras artísticas con el objeto de reforzar su sentido de apreciación.

Actitudes (disposición)

• Respeta la diversidad cultural.

• Participa activamente en la realización de las actividades.

• Es responsable con la entrega de sus trabajos.

• Se comporta de manera respetuosa cuando presencia una creación artística.

Valores (saberes formativos)

• Equidad.

• Respeto a la diversidad.

• Cordialidad en el trato con los demás.

Calaveras artesanales en mercado mexicano. Zona arqueológica de Chichen Itzá, Yucatán.

UNIDAD DE COMPETENCIA

1

CÓMO ACERCARSE AL ARTE

Conducir al alumnado, en un proceso inductivo, del reconocimiento de su propio entorno sociocultural, hasta el conocimiento de las distintas manifestaciones artísticas y sus elementos estructurales.

Aprendizajes esperados

• Identificarán y aplicarán instrumentos básicos para interpretar obras de arte.

• Conocerán las discusiones en torno a los conceptos de arte, cultura y estética.

• Clasificarán las expresiones artísticas con base en distintos enfoques teóricos.

• Identificarán los elementos estructurales del arte.

• Comprenderán los conceptos clave para emitir juicios valorativos en las expresiones artísticas.

• Crearán expresiones artísticas partiendo de la apropiación de los conceptos de arte y estética.

1.1 EL ARTE, MATERIA Y OBJETO DE CONOCIMIENTO

Actividad preliminar

De acuerdo con tu experiencia y sin consultar ninguna fuente de información, contesta las siguientes preguntas.

1. ¿Cuál crees que sea la importancia del arte?

2. ¿Qué tipo de conocimientos podemos obtener de una obra de arte?

3. ¿Por qué crees que se conservan las obras de arte en los museos?

¿De qué forma podemos extraer conocimiento de una obra de arte?

A lo largo de nuestra historia como humanidad hemos usado diferentes tipos de lenguajes (de señas, orales y escritos) para comunicarnos y comprender nuestro mundo. También desarrollamos el pensamiento matemático y las ciencias para poder entender los fenómenos naturales y adaptarnos a nuestro entorno. Gracias a la ciencia hoy sabemos que la tierra es redonda y que la lluvia cae por el proceso de condensación. También desarrollamos otro tipo de expresiones que nos permiten explicar el mundo, pero desde otra perspectiva muy diferente a la de la ciencia: nos referimos al arte.

A través del arte explicamos nuestra visión sensible del mundo. Para poder acercarnos a él es necesario que utilicemos dos capacidades que todos poseemos: la de nuestros sentidos y la de la intuición, que nos ayudan a comprender las cosas sin necesidad de apelar al razonamiento. Generalmente asociamos al arte con la pintura y el dibujo debido a que la imagen ha sido utilizada como forma primigenia de expresión sensible, sin embargo, lo podemos encontrar en la música, la danza, el teatro, la escultura, la arquitectura y otro tipo de soportes que iremos descubriendo a través de este curso.

Nos dice el historiador del arte Ernst Gombrich que no hay un solo significado para la palabra arte, sino que este concepto cambia según el lugar y la época en la que se use. Más que entender la acepción de la palabra arte, lo que conviene —dice— es identificar la presencia de los artistas en distintas épocas: “No existe, realmente, el arte. Tan solo hay artistas. Estos eran en otros tiempos hombres que cogían tierra coloreada para dibujar toscamente las formas de un bisonte sobre las paredes de una cueva” (Gombrich, 1997, p. 15).

Nuestra visión sensible del mundo ha quedado plasmada desde el arte rupestre hasta en las obras que se producen en nuestros días, y su importancia radica en que a través del arte podemos extraer conocimientos tan diversos como la historia, las tradiciones, la forma de pensar de una época en particular, la forma de vestir en las diferentes etapas de la humanidad, las tecnologías e incluso los avances científicos. A través de las construcciones piramidales en Chichén Itzá en México o de Keops en Egipto hoy podemos conocer el tipo de tecnologías que desarrollaron estos pueblos para levantar dichos monumentos arquitectónicos. Si observamos la diminuta escultura prehistórica llamada Venus de Willendorf reconocemos en ella las creencias primitivas en las que se manifestaba el culto hacia la mujer, la fertilidad y la vida, y si queremos conocer un poco de la vida cotidiana en el siglo xvi en el norte de Europa, basta con acercarnos a las pinturas narrativas de Pieter Brueghel el Viejo.

A partir de lo anterior, concluimos que muchas obras de arte se pueden convertir en un testimonio o documento del que podemos extraer información. Cabe señalar que no todo el arte es narrativo y muestra los mensajes a simple vista, por lo que es necesario que conozcamos los diversos métodos que existen para poder leer o interpretar una obra de arte.

En esta ocasión tomaremos como referencia un sencillo método que nos proponen Maria Carla Prette y Alfonso de Giorgis en su Atlas ilustrado para comprender el arte (Prette & Giorgis, 2017, p. 8).

Para leer e interpretar una obra de arte es conveniente seguir estos pasos:

1. Conocer la ficha técnica de la obra que incluye la siguiente información:

q El autor (nombre, apellido, fecha y lugar de nacimiento y muerte)

q El título (nombre de la obra)

q La datación (en qué año se ha realizado la obra)

q Las dimensiones (medidas)

q La ubicación (lugar donde se encuentra la obra)

q La técnica empleada

q El género

Según las características técnicas y materiales:

Puede pertenecer a los códigos de la pintura, la escultura, la arquitectura, etc.

En cada código existen subcódigos: pintura al óleo, pintura al temple, escultura en mármol, en madera, etc.

2. Realizar una lectura descriptiva

Según el contenido la obra figurativa puede pertenecer a distintos géneros:

Arte sacro, arte profano, temas mitológicos, temas históricos, temas alegóricos, retrato, paisaje, bodegón.

Una vez que se han obtenido los datos, procedemos a realizar una lectura descriptiva o “denotativa”, que consiste en describir todo lo que se ve en la imagen, por ejemplo: un árbol, un cielo rojo, personas, ángeles, animales, etcétera.

3. Realizar una lectura interpretativa

A esta lectura se le llama “connotativa” y constituye la fase más compleja, ya que implica comprender a fondo el mensaje y la función que el artista quiso otorgarle a la obra o lo que quería comunicar.

Una vez que decodificamos los símbolos podemos obtener una interpretación más amplia. Cabe señalar que no todas las obras de arte contienen elementos simbólicos, ello depende del estilo y la época en que han sido creadas.

4. Estructura expresiva

Hay que describir las formas, las líneas y los colores que ha utilizado el artista, pues estos elementos influyen en el nivel de expresión.

5. El mensaje

Es necesario conocer el significado de las figuras simbólicas y que contienen un sentido distinto al que aparentan a primera vista, buscando interpretaciones que ya han sido realizadas por especialistas o expertos en arte. Y si no existiese alguna interpretación previa podemos realizar nuestra propia decodificación de los símbolos.

¿Sabías que…?

El arte ha sido una forma eficaz para difundir ideas, sobre todo en épocas donde no todo el mundo sabía leer. Descubre cómo la pintura de El Bosco fue utilizada para moralizar a las sociedades europeas en el siglo xv.

Fuente: Museo del Prado

6. Referentes

Cuando se habla de los referentes en una obra de arte quiere decir que encontramos algunos elementos que son comunes y que aparecen en otras obras de distintas épocas. Recordemos que el arte siempre está ligado a la tradición y como tal, los artistas aprovechan las experiencias de sus predecesores; de este modo se actualizan las diversas expresiones artísticas en el devenir histórico.

Actividad individual.

Ahora que conoces este método que nos ayuda a interpretar y obtener conocimiento de una obra de arte, es momento de que realices un ejercicio y te embarques en la aventura del arte.

1. Revisa la siguiente dirección y elige una obra que sea de tu interés. Lo ideal es tener a la mano la imagen, así que puedes descargarla en tus dispositivos o en su defecto imprimirla.

þ https://artsandculture.google.com/explore

2. Aplica el método de los seis pasos que se describieron con anterioridad. Si tienes dudas de cómo hacerlo puedes consultar el ejemplo de interpretación de una obra de arte en el apartado Anexos, en la página 120.

Ficha técnica

El autor (nombre, apellido, fecha y lugar de nacimiento y muerte)

El título (nombre de la obra)

La datación (en qué año se ha realizado la obra)

Las dimensiones (medidas)

La ubicación (lugar donde se encuentra la obra)

La técnica empleada

Ficha técnica

El género

Lectura descriptiva

Lectura interpretativa

Estructura expresiva

El mensaje

Referentes

Actividad de cierre

1. Escribe una breve reflexión en la que expliques por qué es importante el arte y por qué es una fuente de conocimiento.

CONCEPTOS BÁSICOS: ARTE, CULTURA, ESTÉTICA

Actividad preliminar

Leemos

LA LEYENDA DE ZEUXIS Y PARRASIO

Plinio el Viejo, escritor romano del siglo i, escribe en su libro Naturalis historia sobre un concurso en donde dos pintores, Zeuxis de Heraclea y Parrasio de Atenas, llevarían a cabo una competencia para determinar cuál de los dos era el artista más grande. Cuando Zeuxis mostró una pintura con uvas, estas eran tan reales que los pájaros bajaron del cielo e intentaron comerlas. Zeuxis, orgulloso de su trabajo, le pidió a Parrasio que corriera la cortina que cubría su pintura para que la mostrara a los jueces. Fue entonces cuando Zeuxis se dio cuenta de que la cortina era la pintura y se vio obligado a concederle la victoria a Parrasio. Cuenta la leyenda que Zeuxis dijo: “Yo he engañado a los pájaros, pero tú has conseguido engañarme a mí”. Parrasio había engañado no a los animales sino a la mente humana.

1. ¿Conoces formas de arte que imiten la realidad? ¿Cuáles?

2. ¿Has visto formas de arte contrarias a la realidad? ¿Cuáles?

3. ¿Consideras que el arte nos da placer? ¿Por qué?

4. ¿Crees que el arte es lo que los críticos dicen que es arte? ¿Por qué?

Desarrollo histórico del concepto de arte

El concepto de arte ha evolucionado desde la prehistoria hasta nuestros días. De acuerdo con Sachant, en su obra Introduction to Art (s.f), se puede abordar la idea de arte desde al menos cuatro puntos de vista diferentes:

El arte como imitación: para los griegos el arte intentaba imitar el mundo real. Esta definición no puede ser válida porque en nuestros días vemos muchas obras de arte que son totalmente contrarias a la forma en la que los objetos se ven en la realidad.

El arte como comunicación: según el escritor ruso León Tolstói el arte es la actividad en la que un ser humano comunica emociones y sentimientos vividos a otro ser humano para que este las experimente. Esta definición no es suficiente porque no hay forma de comprobar si la persona ha sentido lo que el artista intentaba transmitir.

El arte como forma de placer: para el crítico inglés Clive Bell el arte se produce cuando las formas (líneas, puntos, colores, etc.) se elevan a un nivel tan grande que podemos sentir placer a través de ellas. Sin embargo, esta definición falla porque el placer en la apreciación de la belleza es imposible de medir y de definir confiablemente.

El arte como industria: en la década de los sesenta los filósofos americanos George Dickie y Arthur Danto promovieron su Teoría Institucional del Arte (ArtWorld o Mundo del Arte). Dicha teoría sostiene que un objeto o una serie de condiciones o instrucciones (como el teatro, cine, música, etc.) pueden ser declarados arte o no según las personas que están en el mundo (industria) del arte, el cual es un campo lleno de “fuerzas complejas”. Esta definición, muy

usada en nuestros días, falla debido a que poco tiene que ver con el arte, sino con las personas que tienen el poder de decidir sobre el arte: tiene que ver más con la política que con la estética.

Definición de arte

Según Sachant (s.f.) cada persona percibe el mundo desde su propio punto de vista, es decir, cada una crea su propia imagen mental del mundo. La ciencia es el proceso mediante el cual creamos imágenes mentales del mundo que percibimos y así llevamos conceptos de la realidad al interior de nuestra mente. El arte es la forma contraria de interactuar con la realidad: es el proceso por el cual llevamos ideas de nuestra mente al mundo real. Como seres humanos necesitamos de ambas cosas para existir en la realidad. Cada actividad humana que realizamos tiene un lado científico y un lado artístico.

De acuerdo con la definición anterior las artesanías y el arte podrían ser prácticamente indistinguibles, sin embargo, existe una diferencia importante. De manera errónea se suele asociar a las artesanías con objetos que tienen utilidad o un fin práctico en el día a día de las personas. La artesanía tiene un conjunto estricto de instrucciones que se deben seguir para su elaboración, la calidad de la artesanía depende de la perfección con la cual se han seguido dichas instrucciones. El arte por su parte no sigue instrucciones, sino que es el resultado de la libre exploración de la mente humana sin seguir ninguna fórmula determinada para su creación o validación. El arte es en parte artesanía debido a que se basa en lo anterior, pero va más allá de los parámetros y las reglas.

Definir arte implica agrupar, clasificar y analizar una gran cantidad de objetos y actividades humanas que podemos encontrar en sitios muy diversos como museos, teatros, salas de conciertos, cines, edificios, redes sociales, en el día a día y en muchos otros lugares. Por tanto, preguntar qué es el arte no es la pregunta correcta. La verdadera pregunta es ¿cuál arte llama tu atención?

Definición de estética

Jaime Blum señala en su Manual de estética que existen al menos tres momentos claves para entender el desarrollo histórico del concepto de estética:

1. El primero ocurre durante los siglos iv y v a.C. cuando dio inicio el estudio de la belleza. Las teorías de Platón y Aristóteles siguen siendo referencia en la actualidad.

2. Se puede identificar un segundo momento en la historia de la estética cuando pensadores como Descartes, Hobbes, Locke, Hume, Hegel, Kant, Schelling, entre otros, se enfocaron en estudiar al espectador y no solo a la obra de arte. Sus estudios subrayan las características psicológicas de quien observa y la relación que pueden guardar con la obra de arte. Aparecen teorías y conceptos sobre el gusto, lo sublime y la percepción.

3. Un tercer momento emerge cuando teóricos y pensadores como Schopenhauer, Nietzsche, Heidegger, Croce, Dewey, entre otros, se preocuparon por estudiar al arte como una forma de expresión y como una experiencia, en lugar de preocuparse por lo bello.

Para definir el concepto de estética debemos considerar el periodo de la historia o el punto de vista desde el cual estamos observando. La definición de este concepto no está contenida en un solo pensador o en una época de la historia, sino en todas las teorías que han surgido desde la edad antigua hasta nuestros días. La estética no solo estudia lo bello de una obra de arte, sino la psicología del espectador, el gusto, la percepción, las experiencias, las formas de expresión y seguramente otros puntos de análisis que están por descubrirse, debido a que, como se observa, es un concepto dinámico que siempre está en constante evolución.

Definición de cultura

Susana Emanuel (2001) escribe en su libro Culturas y estéticas contemporáneas que cultura es el concepto mediante el cual podemos analizar y explicar la interacción y el comportamiento del ser humano con el otro. Sara Carmen Valdés (1998) subraya que la cultura se refiere no solo a las ideas, conocimientos, técnicas, creencias y tradiciones de un grupo social que son aprendidas o recibidas por herencia, sino a todo aquello que es creado por el ser humano, puesto que la creación implica conocimiento y por lo tanto se puede considerar un hecho cultural. La cultura puede ser aprendida, puede ser inculcada y es adaptativa, es decir que evoluciona y va de la mano de las tendencias de innovación y desarrollo. El arte y la cultura guardan una relación muy estrecha puesto que el arte es una manifestación de cultura, lo que significa que la cultura es el “espacio” en donde nace y se desarrolla el arte. En síntesis, los elementos estéticos de una cultura; los fenómenos sociales, históricos, políticos y económicos de una cultura; y los valores y prácticas de una cultura son elementos que siempre tienen y tendrán impacto en la creación artística.

Actividad individual. Concepto de arte, cultura

y estética aplicado a una creación artística

1. Elabora una creación artística utilizando como recurso únicamente la línea recta.

2. De preferencia utiliza palos de madera y pegamento (observa los ejemplos) pero si no cuentas con los materiales para hacer esta actividad intenta hacer un dibujo usando únicamente líneas.

¿Sabías que…?

Las líneas son uno de los elementos principales del arte. Estas pueden ser rectas o curvas, delgadas o gruesas.

CONCEPTOS BÁSICOS: ARTE, CULTURA, ESTÉTICA

Actividad de cierre

Después de realizar tu creación artística reflexiona y contesta las siguientes preguntas.

1. ¿Mi creación intenta imitar a la naturaleza?

2. ¿Qué quiero comunicar con mi creación?

3. ¿Qué te hace sentir tu creación? ¿Te gusta o encuentras placer al contemplarla?

4. ¿Para la elaboración de tu creación utilizaste reglas definidas o es producto de la libertad de tu mente?

5. Observa tu creación y después explica cómo es que la cultura en la cual te encuen tras influye consciente o inconscientemente en tu creación.

1.3 CLASIFICACIÓN DE LAS ARTES

Actividad preliminar

Clasificar nos ayuda a entender el mundo. Contesta las siguientes preguntas.

1. ¿Cómo podrías clasificar los tipos de ropa?

2. ¿Cómo podrías clasificar los tipos de alimentos?

3. ¿Cómo podrías clasificar los medios de transporte?

4. ¿Qué criterios utilizaste para clasificar los objetos anteriores? ¿Colores y formas? ¿Usos? ¿Precios?

5. ¿Qué criterios utilizarías para clasificar el arte?

Tipos de arte

Sachant (s.f.) propone en Introduction to Art distinguir entre tipos de arte y estilos del arte. Los tipos de arte se refieren a observar uno de los elementos más generales del arte: el grado de abstracción o de representación. Los estilos del arte se refieren a una serie de reglas y principios estéticos que siempre se encuentran por debajo de la representación o la abstracción.

Estilos del arte

REPRESENTACIÓN VERSUS ABSTRACCIÓN

Muchos teóricos del arte señalan que independientemente de los estilos, el arte siempre tendrá un grado de abstracción debido a que no puede separarse completamente de la realidad y siempre tendrá un grado de representación debido a que nunca podrá copiar o ser una imagen exactamente igual a los objetos que percibimos en la realidad, por eso estas características son una macro-categoría del arte o tipos de arte.

Ejemplo de representación

Arando en el Nivernais

Rosa Bonheur (1849)

Ejemplo de abstracción

LA IDEALIZACIÓN

Este tipo de arte ocurre cuando el artista intenta crear una versión idealizada de un objeto en lugar de reflejar una versión exacta de este en la realidad, para lo cual se deben seguir una serie de principios y normas establecidos por una o varias personas y no seguir los parámetros de la naturaleza o el mundo físico observable. Este es el caso de las esculturas egipcias, las cuales tenían reglas definidas sobre cómo deben verse los rostros o los cuerpos. En la actualidad podemos observar el caso de los dibujos del anime japonés en donde existen reglas muy marcadas sobre la proporción de los elementos del rostro y del cuerpo, principalmente en los personajes femeninos.

Ejemplo de idealización

https://t.ly/lBBw

https://t.ly/YC3e

Diseño de personaje

Danny Choo (2011)

Barcos en reposo

Paul Klee (1927)

EL ARTE NO REPRESENTATIVO O NO FIGURATIVO

Es una especie de ampliación del arte abstracto ejemplificado anteriormente, pero se diferencia de este en su proceso de creación e inspiración. Mientras que el arte abstracto admite para su creación tomar como referencia o inspiración objetos del mundo natural, el arte no representativo rechaza completamente dicho influjo, negando así cualquier referencia con el mundo natural. El arte abstracto y el no figurativo pueden verse parecidos pero su diferencia está en el cómo fueron creados y de dónde se toma la inspiración para su creación.

Si bien los expertos en el arte señalan que ningún arte está libre completamente de referencia, el arte no representativo intenta que el espectador sea capaz de reaccionar a los colores, formas y sonidos sin relacionarlos con elementos del mundo físico o real.

Ejemplo de arte no representativo

Cuadro con arco negro

Vasili Kandinsky (1912)

Estilos del arte

Dentro del marco de la representación y la abstracción es necesario abordar los estilos del arte, los cuales abarcan los principios de forma y apariencia basándose en elementos de la cultura y de la época. Para Sachant (s.f.) existen tres maneras de categorizar dichos estilos:

POR SU CULTURA

Estilos que se configuran a partir de las características de una cultura sujetándose a un lugar determinado, entre los cuales se encuentran:

EL ARTE DEL ANTIGUO ORIENTE (2600-2400 a.C.)

El arte propio de las culturas madre como Mesopotamia, Egipto, India y China.

Autor desconocido (700 a.C.)

https://t.ly/CPIo

Plato de plata fenicio

EL ARTE DE LA ANTIGUA GRECIA (1200-31 a.C.)

Y ROMA (509 a.C.-476 d.C.). Conocido como arte clásico.

Templo Posidonia

Autor desconocido (500 a.C.)

https://t.ly/b4b4

EL ARTE EUROPEO EN LA EDAD MEDIA (476 d.C. A 1492 d.C.).

Periodo marcado principalmente por la religión y las costumbres cristianas, entre las cuales destaca la tendencia por expresar la preocupación por el fin de la vida, la muerte y el fin de los tiempos.

Ataúd francés

Autor desconocido (1330-1350)

https://t.ly/pnt9

POR SU PERIODO HISTÓRICO

Se refiere a estilos que se configuran a partir de las características de una cultura observándola desde un tiempo o época determinados. Algunos de los más representativos son:

siglos

XV y XVI

RENACIMIENTO

Primer periodo definido de la era moderna en donde el artista tenía un especial interés por expresarse como ser humano. Durante este periodo el humanismo fue el eje central de la creación artística.

Tiziano (1556)

https://t.ly/BGj2

siglos

XVII y XVIII

BARROCO

Arte que se caracteriza por abusar de los adornos y otros elementos de ornamentación.

Rembrandt (1642)

https://t.ly/06Es

Diana y Acteón

La guardia nocturna

NEOCLÁSICO

Aparece la tendencia por imitar el arte clásico griego y romano.

Juramento de los Horacios

Jacques-Louis David (1786)

https://t.ly/6XBT

ROMANTICISMO

Privilegiaba las emociones y la creación espontánea sobre la razón.

La muerte de Daoíz en el Parque de Artillería de Monteleón

Leonardo de Alenza (1835)

https://t.ly/5t43

REALISMO

Se diferencia del naturalismo porque mientras que este intenta imitar los objetos como se ven en la realidad, el realismo va más allá intentado imitar la realidad social de los acontecimientos y no solo la apariencia física de las cosas.

Entierro en Ornans

Gustave Courbet (1849)

https://t.ly/tXgu

EXPRESIONISMO

Estilo que pone el foco en el contenido emocional, en aquello que siente y sintió el artista sobre un objeto durante la creación de su obra.

Celos

Edvard Munch (1907)

https://t.ly/mApZ

POR SU FORMA

En esta categoría se apuntan estilos que se configuran a partir de reglas y principios que no dependen de una época o un lugar. A lo largo de la historia han existido artistas difíciles de clasificar, que a pesar de vivir en una época o lugar determinado su obra no responde a dichas características culturales.

En este punto también se puede mencionar a todos esos artistas que emergen en nuestros días y que intentan desmarcarse de los estilos artísticos del pasado o que hacen mezcla de distintos estilos combinando todo tipo de formas y elementos. Con frecuencia ocurre que estos nuevos artistas no pueden clasificarse en las categorías anteriores debido a que el arte es una actividad humana que siempre está en evolución, lo que hace del arte un objeto dinámico casi inclasificable.

Entonces ¿cómo clasificar el arte?

Como se habrá notado el arte es un objeto de estudio complicado, casi imposible de definir y de clasificar de manera general; por lo tanto, para intentar aproximarse a definirlo y clasificarlo se debe tomar en cuenta la cultura, el tiempo y las formas que lo enmarcan y construyen. Las formas de clasificar evolucionan de la misma manera en que evoluciona el arte mismo. No hay una respuesta definitiva a cómo clasificar el arte, pero una buena idea podría ser considerarlo desde todas las formas de clasificar que conozcas.

En el campo educativo Irma Leticia Escobar, coordinadora del libro Conocimientos fundamentales para la formación artística (2009), menciona una de las formas de clasificación más aceptada por la mayoría de las escuelas. Aunque ya está algo pasada de moda, señala que el arte puede clasificarse con base en los conceptos de tiempo-espacio de la siguiente manera:

Artes espaciales

Arquitectura

Pintura

Artes temporales Artes espacio-temporales

Momento de inventiva

¿Conoces el espacio del Big Bang de arte de Google Arts & Culture? Explora obras de arte en un espectacular espacio tridimensional. ¡Pruébalo!

Además de estas clasificaciones, revisa en el Anexo 2 otras que se han utilizado a lo largo de la historia, porque si bien algunas están en desuso, es interesante conocerlas y compararlas con las actuales. Recuerda que aunque el ejercicio de clasificar el arte es necesario no existe una clasificación definitiva.

https://t.ly/p6AD

¿Sabías que…?

Además de la línea, la forma es otro de los elementos estructurales del arte. Las formas pueden clasificarse en:

• Formas geométricas: son aquellas que tienen una forma regular, son construidas con líneas y curvas como los círculos, triángulos, hexágonos, cuadrados, dodecaedros, etcétera

• Formas orgánicas: son aquellas formas irregulares y caóticas en las cuales es muy difícil reconocer algún patrón.

Las formas pueden tener dos tipos de contorno:

• Duro o grueso: contorno que marca claramente la frontera entre la forma y el fondo.

• Suave: contorno que no permite diferenciar claramente la forma del fondo.

Otra característica de las formas es que estas pueden estar en dos dimensiones cuando es en papel y en tres dimensiones en el caso de la escultura.

Actividad individual. ¿Clasificar una obra de arte?

Elabora una creación artística de papel utilizando formas.

Ejemplo 1

Ejemplo 2

Ejemplo 3

Actividad de cierre

Reflexiona y contesta las siguientes preguntas.

1. ¿Cuál clasificación del arte funciona mejor para mi creación artística?

2. ¿Por qué?

ELEMENTOS ESTRUCTURALES DE LAS ARTES

Actividad preliminar

Une con una línea las palabras que se correspondan.

Elementos estructurales del arte

Seguro has escuchado expresiones como “esta pintura tiene una interesante paleta de colores”, “la película tiene un ritmo muy lento y eso la hace pesada para el espectador” o “no se respetaron las armonías de la melodía original”. Todas estas valoraciones se basan en juicios sobre la materia organizada que distinguimos en una obra de arte.

Cuando hablamos de los elementos estructurales de las artes nos referimos a los componentes que la integran. Dichos componentes varían en cuanto a la disciplina que trabajan por lo que no todos estarán presentes en todas las producciones artísticas. Los elementos estructurales de las diversas artes son asunto de análisis para la crítica, como en los ejemplos que planteamos al principio de esta exposición, y también de la enseñanza de las diversas disciplinas artísticas: en la escuela de danza te enseñan a seguir el ritmo, en los talleres de literatura creativa a descubrir y desarrollar tu propio lenguaje o en los cursos de fotografía cómo lograr diferentes texturas.

Los elementos estructurales de las artes cambian y se suman según el momento o el autor que los clasifique. Manifold (2017) nos propone los siguientes:

Líneas

Se definen como una sucesión de puntos continuos en el espacio. Pueden estar dibujadas o implícitas, ser delgadas, gruesas, difusas, nítidas, tenues, curvas, horizontales. Definen el contorno de las formas.

Forma

Este elemento se refiere al concepto de figuración que posee una obra; cómo esta se presenta. Por ejemplo, podemos reconocer el arte cubista por las formas geométricas que exhibe.

Valor

Este elemento manifiesta la posibilidad lumínica en las obras de arte. Está ligado a la claridad u obscuridad de esta. Para mayor comprensión visualiza las diferencias en la rueda acromática en el Anexo 3, en la página 125.

Unidad

Elemento de composición que hace que las partes de una obra se articulen como un todo, se puede ver en la simetría o repetición o aproximación de múltiples formas dentro de una pieza.

Proporción

Elemento fundamental que refiere tamaño, ubicación o cantidad de una cosa en comparación con otra.

Texturas

Son las cualidades visuales trazadas en la superficie de una obra que da carácter e identidad a la representación.

Armonía

Es el equilibrio de las proporciones entre las distintas partes de un todo, y su resultado siempre connota belleza.

Equilibrio

Es el principio del arte que se preocupa por igualar las fuerzas visuales, o elementos, en una obra de arte. El tipo de equilibrio que usa un artista para organizar una obra de arte afecta los sentimientos que expresa la obra.

Variedad

Este elemento aborda la diferencia y el contraste. Cuando cierto elemento predomina en un diseño, se pueden añadir elementos opuestos: luz y oscuridad, por ejemplo, en las artes visuales.

Patrón

Es uno o varios elementos que se repiten en una obra, también puede ser un conjunto asociado de obras. Se utilizan, por ejemplo, en la decoración.

Como puedes observar, estos elementos son la materia prima con que el artista trabaja y el uso que haga de ellos aporta su estilo.

En la mira

Si te quedas corto de inspiración mira la recomendación del Museo Smithsoniano Cooper Hewitt para diseñar patrones:

https://t.ly/ibnR

Para saber más

Descubre cómo las distintas técnicas artísticas tienen en común los mismos elementos estructurales. Explora cientos de técnicas diferentes a lo largo de la historia humana con Google Arts and Culture:

https://t.ly/OXGA

Actividad individual.

Las líneas curvas están ocultas en las rectas

1. Dibuja un ángulo recto y traza dos líneas de igual longitud, como si fuera un eje de coordenadas en una hoja tamaño carta. Puedes usar toda la hoja o solo la mitad. Divide la horizontal y vertical a intervalos iguales. En este caso lo hemos hecho separando las líneas a 3 milímetros.

2. Enumera la línea vertical, de arriba a abajo.

3. Enumera la línea horizontal, de izquierda a derecha.

4. Ahora, usando la regla, une las divisiones del mismo número. Es decir, el 1 de la vertical con el 1 de la horizontal, el 2 con el 2, y así sucesivamente.

5. Ahora que conoces esta técnica elabora un hilorama o cuadro de hilos utilizando clavos e hilos con tu propio dibujo o patrón.

Actividad de cierre

Identifica cuáles elementos estructurales del arte están presentes en tu trabajo y explica por qué.

1.5

VALORES EN EL ARTE: AXIOLOGÍA

Actividad preliminar

Imagina un objeto que sea muy importante para ti, ya sea porque te lo regaló alguien muy especial o porque dicho objeto tiene un valor único.

1. En el siguiente recuadro dibuja ese objeto tal como lo recuerdas.

2. Describe ese objeto, es decir explica de qué pieza se trata y explica las razones por las que tiene un valor especial para ti.

La axiología y el valor del arte

Recordemos que el arte se inscribe dentro del vasto grupo de creaciones humanas a las que también denominamos expresiones culturales y por consiguiente les otorgamos un valor, ya sea por su importancia histórica o por su relevancia social. Los descubrimientos científicos y el arte son productos culturales de alto valor para la humanidad porque nos aportan conocimientos y abonan en la construcción de la identidad en cada cultura.

Cabe mencionar que cuando nos referimos al valor de los productos artísticos no hacemos alusión al valor mercantil que los objetos adquieren en el sistema económico, más bien nos referimos a valores intangibles y de carácter simbólico que les otorgamos a cada una de las creaciones estéticas. Al conjunto de estos valores intangibles se les denomina valores estéticos

La axiología es una disciplina filosófica que se encarga de estudiar los valores, ya sea valores éticos, valores morales o valores estéticos, estos últimos son los que corresponden al arte, y guardan una relación estrecha con la experiencia estética que vivimos al contemplar una obra de arte.

LOS VALORES ESTÉTICOS

Los valores estéticos se refieren a los juicios que emitimos cuando entablamos un encuentro con cualquier obra de arte. La mayoría de estos juicios de valoración los expresamos a partir del uso de nuestra capacidad sensorial y nuestro conocimiento intuitivo. La experiencia sensorial se entiende como las diversas sensaciones e incluso emociones que experimentamos en el momento que observamos una obra de arte.

De acuerdo con el filósofo mexicano Samuel Ramos, los valores estéticos tienen un carácter alógico e irracional, esto quiere decir que la valoración estética no puede realizarse a partir del uso del razonamiento lógico, más bien se llega a la valoración a partir de nuestra intuición (Sánchez, 1978, p. 169).

Por otro lado, relacionamos la belleza con el arte y la estética debido a que en siglos anteriores se estableció la idea de que el arte como producto estético debía corresponder con la armonía y el agrado para nuestros sentidos, sin embargo, el estudio de la estética es más amplio y abarca no solamente lo bello sino también lo que nos resulta feo, sublime, grotesco, cómico y todas las variantes sensoriales que experimentamos como seres humanos, ya sean agradables o desagradables.

A continuación exponemos algunos de los valores estéticos que se manifiestan al momento de emitir un juicio valorativo de carácter estético. Cabe mencionar que no son los únicos, pero sí los más representativos dentro del marco de estudio de la axiología del arte.

Por otro lado, algunos de estos valores no se pueden aplicar en obras de arte contemporáneo porque muchas de las obras contemporáneas no están sustentadas en las formas, como en el caso del arte tradicional figurativo.

LO BELLO

De acuerdo con el filósofo alemán Immanuel Kant, lo bello es todo aquello que nos causa placer, pero es un placer desinteresado y es compartido de manera universal, lo que quiere decir que todos los seres humanos coincidimos en que algo

es bello. Podríamos pensar que esta afirmación es errónea, pues es común pensar que la belleza es subjetiva porque todos la percibimos de forma diferente. No obstante, Kant nos dice que todos los seres humanos coincidimos en que algo es bello si eliminamos toda conceptualización que tenemos de la belleza y nos enfocamos únicamente en el agrado que nos produce el objeto, sin importarnos incluso la existencia o no existencia de dicho objeto.

Esto nos queda mucho más claro en palabras de Konrad Liessmann:

El gusto es la facultad de enjuiciar un objeto o un modo de representación mediante un agrado o desagrado, sin interés alguno. El objeto de un agrado tal se denomina bello. El gusto puro, así, podría parafrasearse en términos culinarios, donde se degusta por mor del propio gusto: no debe satisfacerse hambre ni sed alguna, es decir, no debe satisfacerse ningún interés ni aplacarse ninguna necesidad (Liessmann, 2006, p. 22).

Por lo tanto, para poder identificar la belleza en una obra de arte debemos contemplarla sin ningún interés de por medio y en caso de poder llegar al estado puro de contemplación podremos encontrar su belleza.

LO SUBLIME

Lo sublime también es definido por Kant y guarda cierta relación con lo bello, solo que lo bello es captado a partir de las formas de los objetos y lo sublime es captado por la facultad humana de comprensión. El filósofo Raymond Bayer nos explica la diferencia que plantea Kant respecto a lo bello y lo sublime. Lo bello posee una satisfacción cualitativa y lo sublime la tiene cuantitativa, lo sublime se refiere pues a la razón y no al entendimiento, la captación de lo sublime es completamente de orden subjetivo ya que el sujeto que lo percibe es quien le otorga ese carácter de sublime. La manifestación de lo sublime se produce a partir del uso de nuestra imaginación y surge cuando nos confrontamos con aquello que nos parece absolutamente grande e inconmensurable, por consiguiente, lo sublime no se puede buscar en objetos naturales sino en nuestras ideas (Bayer, 2012, p. 210).

Kant dividió el concepto de lo sublime en dos posibilidades: lo sublime matemático y lo sublime dinámico.

Lo sublime matemático

Se produce cuando echamos a andar nuestra imaginación, es un juicio que se refiere a lo que es absolutamente grande y magnífico, el mote de matemático se refiere a que lo sublime es un todo pero también es inmenso, de tal modo que si intentamos percibirlo con el uso de la razón, no podemos concebirlo como una medida finita y con un límite, ya que la razón nos diría que numéricamente siempre podemos agregar unidades y por lo tanto no estaríamos contemplando la unidad máxima de un todo, por ese motivo es que la única forma de captar lo sublime matemático es a través del uso de nuestra imaginación ya que como sujetos nos sentimos incapaces de captar lógicamente un numero o una medida tan grande, de ese modo recurrimos a nuestra capacidad suprasensible y llegamos a identificar en nuestra imaginación la idea de un todo absoluto y reunido en una sola unidad (Ibid, p. 211).

Un ejemplo de lo sublime matemático es pensar en los millones y millones de estrellas o tratar de imaginar al universo entero en una sola imagen o idea en nuestra mente.

Lo sublime dinámico

Se refiere a la fuerza y se hace presente cuando nos vemos confrontados a ciertas potencias que superan por mucho a nuestras propias fuerzas, impone miedo y de algún modo nos resistimos a él (Ibid, p. 212).

Por ejemplo, experimentamos lo sublime dinámico al vernos confrontados con las fuerzas de la naturaleza, un huracán, una tormenta eléctrica o la erupción de un volcán.

LO FEO

Es lo opuesto a lo bello: si en la belleza encontramos placer y deleite al contemplar las formas, en la fealdad encontramos desagrado por la forma en que se han organizado los elementos y la composición en una obra de arte. En palabras del semiólogo Umberto Eco, la fealdad es aquello que causa horror, asco, es penoso, deforme y hasta nauseabundo, no obstante el autor afirma que hay tres formas en las que se nos presenta la fealdad: la fealdad en sí misma, por ejemplo, un excremento, una carroña o algo nauseabundo, la fealdad de las formas que reconocemos a través de la ausencia de armonía en los objetos que observamos, y por último la representación artística de la fealdad, que se manifiesta cuando el artista representa a un objeto feo pero este puede alcanzar cierta belleza a través de la maestría con la que el artista le ha representado (Eco, 2007, pp. 19-20).

LO GROTESCO

En lo grotesco se reúne el horror y la fealdad, todo aquello que se considera grotesco se presenta ante nuestra percepción como algo que perturba, es lo antinatural, pueden ser las representaciones monstruosas o lo fantástico e irreal. En resumidas palabras lo grotesco se manifiesta como una perturbación profunda del orden de la realidad (Wolfgang, 2004, p. 20).

LO CÓMICO

Lo cómico es aquello que nos resulta irrisorio, no obstante para que una situación sea considerada como algo cómico debe reunir ciertas cualidades; nos dice Henri Bergson que no hay comicidad fuera de lo propiamente humano, esto quiere decir que un animal, un paisaje o un objeto cualquiera no puede producir situaciones cómicas o provocarnos risa. La comicidad se produce cuando una persona sale de las normas o situaciones sociales preestablecidas, ya sea por circunstancias accidentales o por situaciones premeditadas, lo cómico encuentra cierta relación con aquello que nos resulta ilógico, fuera del orden e incluso ridículo (Bergson, 2015, p. 19).

Para saber más

El libro de Umberto Eco, Historia de la fealdad, recupera las distintas manifestaciones de lo que estéticamente llamamos grotesco. En un recorrido visual puedes disfrutar de las pesadillas y terrores que grandes artistas han plasmado en tres mil años. Si un día te topas con él, es imperdible.

LO TRÁGICO

Nos acercamos a lo trágico cuando percibimos el sufrimiento que conlleva un fin desdichado, la tragedia provoca frustraciones que derivan de la imposibilidad humana para poder realizarnos íntegramente. La tragedia va siempre ligada a una reflexión. De acuerdo con el filósofo griego Aristóteles, a partir de la representación memorable y perfecta de la tragedia podemos experimentar la compasión y el temor de forma moderada (Aristóteles, 2013, p. 25). De este modo ya liberados del caudal de nuestras pasiones podemos conectar con el aprendizaje o la lección que se muestra en las vivencias trágicas del ser humano. La tragedia siempre está ligada con un sentido moral ya que a partir de lo funesto podemos llegar a comprender la importancia de los valores morales y las virtudes del ser humano.

A manera de conclusión podemos decir que al hablar de axiología del arte nos referimos al valor que podemos otorgarles a las manifestaciones artísticas, sin embargo, esta valoración es de carácter estético y por ello utilizamos los juicios de valor con base en valores estéticos. Es importante aclarar que estos valores estéticos no son aplicables a todo tipo de obras de arte, en la actualidad podemos encontrarnos con otras formas de representación que requieren de valoraciones más complejas, como es el caso del arte objeto y las abstracciones que son tan comunes en el arte contemporáneo.

Actividad individual. Palabras clave

Recupera y escribe las palabras clave de cada uno de los valores estéticos.

Valores estéticos Palabras clave

Lo bello

Lo sublime

Lo sublime matemático

Lo sublime dinámico

Lo feo

Lo grotesco

Lo cómico

Lo trágico

Para saber más

Descubre el valor axiológico de una pintura del Greco a través de los elementos formales y simbólicos que el autor incluyó en su obra titulada La Anunciación

Fuente: Museo Nacional Thyssen-Bornemisza https://t.ly/akjk

Actividad de cierre

Ahora que conoces algunos de los juicios estéticos pongamos en práctica lo aprendido y realiza una valoración estética de las siguientes obras de arte.

1. Describe las formas y colores que observas (formas se refiere a los objetos, animales, personas y paisajes).

La glosa

• Alógico. Se refiere a todo lo que está fuera de la lógica.

• Finito. Es todo lo que tiene un final o límite.

• Intangible. Aquello que no puede percibirse mediante el tacto, sino a través de las ideas.

• Irracional. Es opuesto a la razón o ajeno a ella. Cuando somos irracionales hacemos uso de nuestras capacidades sensitivas o intuitivas dejando a un lado el razonamiento lógico.

• Simbólico. Se refiere a lo que es expresado a partir de símbolos que es necesario interpretar para poder llegar a su comprensión.

• Suprasensible. Que está fuera del alcance o no es accesible a los sentidos, más allá de la experiencia del mundo material.

2. De acuerdo con lo que observas y las sensaciones que experimentas, otorga a esta obra un valor estético (feo, sublime, cómico, etc.) y explica por qué le otorgas ese valor estético.

Niña con máscara de muerte

Frida Kahlo (1938) https://t.ly/3suS

3. Describe las formas y colores que observas (formas se refiere a los objetos, animales, personas y paisajes).

Saturno devorando a su hijo (detalle)

Peter Paul Rubens (1636)

https://t.ly/oQSr

4. De acuerdo con lo que observas y a las sensaciones que experimentas, otorga a esta obra un valor estético (feo, sublime, cómico, etc.) y explica por qué le otorgas ese valor estético.

5. Para concluir este capítulo explica con tus propias palabras por qué el valor axiológico de una obra de arte se expresa a partir de los valores estéticos.

U 1 ACTIVIDAD INTEGRADORA CATALOGACIÓN DE UNA

OBRA ARTÍSTICA

Es momento de poner en práctica los aprendizajes y habilidades que desarrollaste durante esta primera unidad. Para ello será necesario que selecciones una de las obras que realizaste, puede ser cualquiera de las tres que corresponden a las actividades:

þ Concepto de arte, cultura y estética aplicado a una creación artística, en la página 23.

þ ¿Clasificar una obra de arte? En la página 37.

þ Las líneas curvas están ocultas en las rectas, en la página 39.

Una vez que elegiste tu obra realiza una ficha de identificación que te permitirá recopilar todos los datos descriptivos y formales con el fin de catalogarla dentro del patrimonio artístico que se ha realizado dentro de tu salón. Esta ficha de identificación será necesaria para la actividad de la Unidad 3, “Las obras de arte como bienes culturales”, en la que tu obra participará en una subasta de arte, por lo que será necesario tener lista la información que siempre va de la mano de la obra de arte.

Para el llenado de la ficha puedes tomar las siguientes recomendaciones:

þ Título: escribe el nombre que le otorgas a tu creación. Si la obra no tiene título se coloca la leyenda “Sin título”.

þ Autor: el nombre del artista, en este caso tu nombre.

þ Año: el año en el que ha sido creada la obra.

þ Medidas: se utiliza sistema métrico de medición, puede ser en centímetros o en metros. Si se trata de un cuadro se mide altura y ancho sin contar el marco, si se trata de una escultura se mide altura, ancho y fondo.

þ Ubicación: es el lugar donde reside la obra, puede ser un museo, una galería o una colección privada. En este caso si tu obra aún no ha sido adquirida por un museo o galería colocas la leyenda “Colección privada”.

þ Estilo: revisa el apartado 1.3, en el que se mencionan los estilos en las artes, e indica si el estilo de tu obra guarda semejanza con algún estilo histórico o algún estilo relacionado a una cultura.

þ Técnica: se refiere a cómo realizaste tu obra, puede ser pintura al óleo, acuarela, acrílico. Si es un dibujo se especifica si la técnica es al lápiz o con colores, pluma, marcadores. Para las obras volumétricas como la escultura algunas técnicas son el modelado o desbaste y si realizaste el hilorama la técnica principal es el entramado.

þ Materiales: se trata de toda la materia prima que utilizaste para realizar tu obra: pinturas, lienzos, hilos, clavos, arcilla, etcétera.

þ Tema: es la idea que se ha plasmado en la obra.

þ Descripción: se realiza una breve explicación de la obra mencionando los elementos formales y simbólicos.

Gramática y ortografía

Rúbrica para la evaluación de la ficha de identificación

No hay errores gramaticales en el uso de los verbos, ni faltas de ortografía.

Llenado de datos en la ficha

Se completaron todos los campos de la ficha con datos objetivos sobre la obra de arte.

Descripción de los materiales

Se presentan uno o dos errores gramaticales en el uso de los verbos, sin faltas de ortografía.

Se ha omitido uno de los espacios del llenado de datos de la ficha.

Comete más de tres errores gramaticales, presenta faltas de ortografía.

Se han omitido dos de los espacios del llenado de datos de la ficha.

Se presentan errores gramaticales y ortográficos en más de la mitad del texto.

Se han omitido tres de los espacios del llenado de datos de la ficha.

Son evidentes los errores gramaticales y las faltas de ortografía en la mayor parte del texto.

La ficha solo cuenta con la mitad de los datos que se solicitan.

Tema de la obra

Describe de forma completa los materiales que se emplearon en la obra de arte.

Identifica y describe de forma clara el tema que corresponde a la parte formal en la obra de arte.

Omite uno de los materiales que se emplearon en la obra de arte.

Omite dos o más de los materiales que se emplearon en la obra de arte.

Menciona solo uno de los materiales empleados en la obra de arte.

Los materiales que describe no corresponden a la obra de arte.

La descripción del tema no tiene claridad suficiente.

La descripción del tema excluye algunos de los elementos formales que se encuentran en la obra.

Descripción de la obra

La descripción de la obra incluye todos los elementos formales que permiten comprender la obra de forma general.

La descripción solo se concentra en la mitad de la composición de la obra y limita su comprensión.

En la descripción solo se aprecia una tercera parte de la composición y no permite la comprensión total de la obra.

El tema que describe guarda poca relación con la parte formal de la obra.

La descripción es vaga y omite más de la mitad de los elementos en la composición de la obra.

El tema que describe en la ficha no concuerda con la parte formal de la obra.

La descripción de la obra es mínima y no contempla ni la composición ni los elementos formales que integran la obra.

Mural del artista mexicano Farid Rueda. Cancún, Quintana Roo. Captura de pantalla del videojuego Forza Horizon 5®.

UNIDAD DE COMPETENCIA 2

RELACIÓN ARTE-CULTURA Y SU PROCESO DE VALORACIÓN

La segunda unidad de competencia relaciona el arte con la cultura y propicia un acercamiento más específico con el arte a través de su propio lenguaje, para que el alumnado lo valore como elemento de comunicación. El proceso de valoración incluye una participación activa por medio del reconocimiento de los elementos del proceso creativo (artista-obra de arte-contemplador) como signos de expresión de sentimientos y emociones en múltiples contextos en donde el alumno puede verse representado o crear nexos de identidad cultural.

Aprendizajes esperados

• Comprenderán la relación entre el arte y la cultura, así como la forma en que se manifiesta la diversidad cultural y artística.

• Identificarán los diferentes lenguajes en el arte.

• Comprenderán la diferencia entre la forma y el contenido en el arte.

• Conocerán el papel de las emociones en la creación artística.

• Identificarán los discursos en el arte.

• Explorarán procesos creativos.

• Crearán un cartel de arte.

VARIEDAD ARTÍSTICA Y CULTURAL

Actividad preliminar

1. Observa las siguientes obras de arte y escribe en cada una a cuál cultura crees que pertenecen.

2. ¿Explica cuáles son los elementos que consideraste para definir a qué cultura pertenecen?

3. ¿En alguno de los ejemplos encontraste dificultad para poder identificar la cultura a la que pertenece? Explica tus conclusiones:

a)

b)

c)

Un abanico: diversidad artística y cultural

Crear una obra de arte implica poner en marcha nuestra facultad creativa y recurrir a la imaginación. El artista retoma las formas tangibles o imaginarias y las reorganiza de tal modo que la composición de todos los elementos pone de manifiesto su visión estética del mundo.

La libertad creativa que ofrece el campo del arte permite la elección de temas muy distintos para cada obra. Algunos artífices retoman elementos simbólicos propios de su cultura y los plasman de forma explícita; estos ejemplos son muy evidentes en los temas históricos y costumbristas. Sin embargo, en la pluralidad de estilos también se encuentran los artistas que optan por composiciones más complejas como la abstracción o incluyen temáticas que no guardan una relación directa con su cultura; en este caso nos resultará imposible reconocer la relación de estas obras con un grupo social, porque las formas, los colores y los símbolos expresan otras ideas más personales o incluso de índole psicológica, como en el caso de los artistas surrealistas que representan imágenes que emergen del inconsciente y fuera del orden lógico.

Además de la libertad en la elección de los temas también nos encontramos con un extenso catálogo de expresiones estéticas dividido en dos grandes grupos:

En un grupo se encuentran las artes académicas como la pintura, la danza, la literatura, el teatro, la fotografía, la arquitectura, la música, el cine y todas las expresiones que corresponden al arte contemporáneo. En este campo encontramos una diversidad de temas y estilos que no siempre se apegan a las tradiciones y la historia, sobre todo por los cambios generados a partir del siglo xx cuando las vanguardias abrieron una puerta a nuevas formas de representación en el arte y nuevas exploraciones estéticas.

En el otro grupo nos encontraremos con los objetos ritualistas propios de las culturas originarias, los objetos de diseño y las artesanías; estas últimas son las más fehacientes expresiones de la cultura porque son el reflejo y la materialización de las costumbres y las tradiciones. Las expresiones estéticas en este caso siempre guardan una relación con el folclore. Tomando en cuenta los argumentos anteriores podríamos afirmar que las artesanías y las artes figurativas, en especial las que se apegan a los temas costumbristas, son las únicas expresiones estéticas que guardan relación con la cultura, sin embargo, podemos encontrar otras formas en las que dicha relación también está presente. Para ello resulta conveniente retomar varios aspectos que nos ayudarán a comprender la forma en la que el arte se liga a la cultura.

1. La cultura: en el apartado 1.2 se afirma que la cultura es todo lo que hacemos los seres humanos y no se refiere de forma única a las tradiciones o los rasgos étnicos de un grupo social: también entran en juego los valores, las formas de pensar, las dinámicas sociales y las dinámicas económicas. Por ejemplo, hoy en día resulta común escuchar expresiones como cultura de consumo, cultura física o cultura de la paz. En estos casos no se alude a un grupo en específico sino a las formas de pensamiento e interacción que se extienden más allá de las fronteras de un país.

2. Lo que se ve y lo que no se ve en una obra: el arte se constituye por la forma y el contenido. Las formas son todos los elementos figurativos que aparecen a nuestra vista y el contenido se refiere al tema que la obra expresa. Ambos elementos nos pueden ofrecer datos, accedemos a ellos en un primer momento por la observación de las formas; el lenguaje visual permite identificar de forma precisa la relación de los objetos representados con los objetos que corresponden con la realidad, en cambio el contenido de la obra es menos visible y requiere de un ejercicio de interpretación para poder identificar la idea o tema que se expresa.

En algunos casos nos encontraremos con obras de arte en las que las formas no tendrán conexión directa con alguna cultura, la narrativa de las imágenes no ofrece muchos elementos relacionados con alguna corriente de pensamiento o alguna tradición en particular, pero si realizamos una interpretación nos encontraremos con otra información que quizá pueda encontrar una correspondencia con las manifestaciones propias de alguna dimensión cultural. Un ejemplo muy claro son las ilustraciones de las latas de sopa Campbell’s de Andy Warhol, donde los objetos mercantiles y de naturaleza cotidiana son tomados como tema central y nos remiten a las sociedades industrializadas y la creciente cultura de consumo en la sociedad estadounidense de la década de los sesenta del siglo xx.

Descubre la pluralidad cultural y las diversas expresiones artísticas creadas en diversas partes del mundo. Ingresa a los lugares del arte en Google Arts and Culture:

https://t.ly/PkfN

https://t.ly/usHK

Para saber más

Latas de sopa Campbell’s Andy Warhol (1962)

Bajo esta lupa podemos afirmar que la variedad artística y cultural se despliega en un amplio abanico donde convergen las artes que reflejan las costumbres de un pueblo, pero también las obras que reflejan otras dimensiones de la cultura como las dinámicas económicas y mercantiles.

ALGUNAS EXCEPCIONES

Encontraremos ejemplos de arte en casos en que los temas y los soportes no se aproximan a los aspectos culturales sino a cuestiones muy particulares donde a veces lo único que cuenta es la expresión de sensaciones que no se ligan a la visión lógica o racional del mundo. Esto es muy común en las nuevas tendencias donde no se narran historias y más bien la intención consiste en la experiencia sensorial sin ninguna otra pretensión. Esta particularidad se acentúa porque los artistas siempre se encuentran en la búsqueda de nuevas formas de representación. Otra condición que interviene en la creación contemporánea es la concepción del arte como una mercancía. En ocasiones las obras se adhieren a las preferencias que dictan los consumidores. En el arte contemporáneo conceptos como mercantilización y tendencias tienen mayor peso que cualquier otra cualidad estética o narrativa. De acuerdo con el antropólogo Néstor García Canclini, en el marco de la modernización las expresiones artísticas son definidas por una lógica de mercado donde el arte deja de ser únicamente una cuestión estética y su producción depende de la opinión de los críticos, los periodistas, los historiadores, los coleccionistas y los marchands del arte (García Canclini, 1990, p. 18).

Antes de concluir este capítulo conviene reflexionar sobre el concepto de cultura y todas sus dimensiones. En ocasiones lo asociamos de forma tajante con las expresiones populares y el folclore. Aquello a lo que denominamos cultura se modifica de acuerdo con las épocas y en algunos casos se extiende en territorios más amplios sobre todo en esta época en la que el mundo se conecta de forma más rápida gracias a las tecnologías digitales. En la misma línea de transformaciones se encuentran el arte y todas las posibilidades estéticas que se manifiestan como un reflejo de la cultura, pero también como reflejo de visiones individuales que siempre emergen del núcleo social.

Actividad de cierre

1. Dibuja tu autorretrato en dos formas diferentes de representación, una ligada a la cultura mexicana y una abstracta. No te preocupes si no sabes dibujar, hazlo de forma libre, pero trata de seguir las reglas de cada modalidad.

Autorretrato ligado a la cultura mexicana

Procura dibujar de manera más naturalista y agrega los elementos que ayuden a comprender que se trata de una persona que corresponde a la cultura de México.

Autorretrato abstracto

La abstracción es la comprensión de la realidad a partir de las ideas. En el arte consiste en representar la esencia de los objetos, es decir, no se representa el objeto como lo vemos de manera natural, sino que se toman sus cualidades intrínsecas y generales, por ejemplo: los colores y las formas esenciales sin incluir detalles.

¿Quién es?

Néstor García Canclini nació en Argentina en 1939. Estudió filosofía y se doctoró en 1975 en la Universidad Nacional de La Plata, su ciudad natal. Tres años después se doctoró en la Universidad de París. Su obra es vasta en investigación de las culturas y sus transformaciones contemporáneas. Sus principales libros son Culturas populares en el capitalismo, donde documentó una investigación sobre Michoacán, y Culturas híbridas, en el que retomó los problemas de interculturalidad y de hibridación. Ambas han sido un parteaguas para los estudios culturales recientes.

UNAM & ArtLorgie

En la mira

Puedes revisar el siguiente video que te ayudará a comprender la representación abstracta. https://t.ly/zIJy

Autorretrato ligado a la cultura mexicana

Imágenes de referencias

• Mujeres jóvenes visitando a Shinto Shrine

Katsushika Hokusai

1814

21.3 x 13.8 cm

Museo Metropolitano de Arte, Nueva York

https://t.ly/yiuz

• Viernes de Dolores

María Izquierdo

1944

76 x 60.5 cm

Óleo sobre tela

Museo Blaisten, Ciudad de México

Autorretrato abstracto

t.ly/kqokO

• Sobre blanco II

Vasili Kandinsky

1923

Óleo sobre tela

105 x 98 cm

Centro Pompidou, París

https://t.ly/EMLC

2. Ahora contesta las preguntas siguientes.

a) ¿Cuáles son las principales diferencias que se observan en los dos ejemplos?

La glosa

Marchand. Galicismo que se refiere a los comerciantes que venden o compran productos, en este caso se refiere a quienes acuden a las subastas para comprar o vender arte.

b) ¿A qué conclusiones llegas sobre las diversas formas de representación de un mismo tema, en este caso tu autorretrato?

Actividad preliminar

1. ¿Consideras que en el arte existen distintas maneras de decir lo mismo? ¿Por qué?

2. ¿Crees que los lenguajes en el arte son lo mismo que las diferentes técnicas? ¿Por qué?

3. ¿Qué relación existe entre estilo y lenguaje?

El arte está en la forma de decirlo

Michael Parker público en 2014 un libro llamado No es lo que dices sino cómo lo dices. Ahí señala que desde la época de los griegos Aristóteles había identificado los tres elementos básicos del discurso de un buen orador: ethos, el encanto del orador; logos, el argumento racional del orador; pathos, las emociones de la au-

diencia. Para Michael Parker el secreto de la persuasión no está en lo que dices, aunque tengas la razón, sino en cómo lo dices. Hablar el lenguaje de la audiencia y conectar emocionalmente con ella son dos de los secretos de un buen discurso. Si no eres capaz de sentir lo que siente el público entonces no te van a escuchar. Shakespeare diría: “No puedes hablar de lo que no sientes”. ¿Estás de acuerdo?

En un proceso de comunicación se encuentra algo más que las palabras. Seguramente has escuchado hablar del lenguaje corporal. Albert Mehrabian, profesor de la Universidad de California en Los Ángeles (ucla), demostró desde 1975 que el 55% del significado de un mensaje proviene de la postura y de gestos faciales, el 38% de la entonación y el tono de voz, y solo el 7% de las palabras utilizadas (Webster, 2017, p. 17). Tanto el lenguaje corporal como el oral y escrito contienen información que es procesada por nuestro cerebro. Joe Dispensa, en su libro del 2013, Entrena tu cerebro, señala que el último pensamiento que haya pasado por nuestra cabeza genera cambios en nuestro cuerpo: el páncreas y glándulas suprarrenales segregando hormonas, el cerebro liberando millones de neuroquímicos, el hígado procesa enzimas nuevas, se altera el ritmo cardiaco, hay variación en la actividad pulmonar y en el flujo sanguíneo. Todo en un segundo y a partir de un pensamiento.

Considerando lo anterior, es fácil entender por qué en un experimento se leyó una lista de palabras de frutas y verduras a unos niños pequeños utilizando un tono de voz agresivo mientras que a otro grupo se les leyó una lista de insultos con un tono amable y cómico. El tono de voz agresivo provoco tensión, estrés y llanto en el grupo de niños mientras que el tono cómico, a pesar de los insultos, no generó malestar. Aunque se tratara de niños que quizás no tienen un desarrollo emocional y racional completo, se puede observar que el cerebro y el cuerpo reaccionan a la información que están recibiendo, y que la reacción no se generó a partir del contenido de los mensajes sino de otros elementos del lenguaje corporal y entonación, esto es, del ethos y el pathos. No es lo que dices sino cómo lo dices. ¿Qué te indica esto sobre el arte?

Lenguaje y arte

Yuri Lotman publicó en 1998 su libro Sobre las artes. En ese trabajo fundamental para la semiótica se aborda la relación entre arte y lenguaje. Lotman menciona que cualquier sistema creado artificialmente que sirva como medio de conexión y que esté formado por signos organizados puede constituir una lengua o lenguajes. Por lo tanto, el teatro, la pintura, el cine, la música y en general el arte, desde este punto de vista, constituyen lenguajes organizados de un modo particular.

Así como el abecedario en español está formado por letras que podemos entender, otros lenguajes tendrán signos diferentes. Cada expresión artística tiene sus propios signos y los organiza de manera distinta.

La relación entre lenguaje y arte es muy amplia y complicada, sin embargo, hay dos aspectos clave para entender dicha relación y distinguirla de otros conceptos:

1. El lenguaje de la obra de arte no es la forma sino la manera de utilizar las formas. En la música del periodo clásico se popularizó la forma sonata, la cual consistía, de manera muy general, en dividir la música en tres sec-

ciones A, B y A. Esta forma no podía cambiarse para que la composición pudiera considerarse como una sonata. En este sentido dos músicos podían seguir la misma forma, pero cada uno necesariamente lo haría con un lenguaje propio, simplemente porque se trata de dos compositores diferentes que tienen vidas muy distintas y quieren decir diferentes cosas a pesar de usar la misma forma. Las sonatas de Mozart no son iguales que las de Haydn debido a que tienen lenguajes diferentes. O quizás hayas escuchado grupos de cumbias que suenan diferente (incluso cuando tocan la misma pieza musical) a pesar de que la cumbia ya está compuesta y tiene una forma más o menos rígida que no puede variar.

2. El lenguaje tiene el objetivo de dar estructura al contenido de la obra y por lo tanto tiene información. El lenguaje es una ventana para conocer no solo la visión estética del artista (puede ser el mensaje) sino el mundo que le rodea. Por ejemplo, las palabras que selecciona un escritor para elaborar un texto no serán iguales a las de otro porque estas están ligadas a su cultura, forma de pensar, época y a todos los elementos de la historia social y cultural.

Actividad de cierre

1. Formen binas o equipos de tres integrantes.

2. Elaboren un mural lo más grande posible utilizando únicamente cuadros y rectángulos de papel, pueden ser de distintos tamaños, pueden pintarlos o recortarlos. De ser posible utilicen material reciclable y reutilizable.

Ejemplo 1

La glosa

Semiótica. Proviene del griego semeiotiké La semiótica estudia la interpretación y producción de sentido que se genera a partir del signo, así como el estudio de su recepción. Este estudio se basa en el análisis de los significados que cada tipo de símbolo puede tener y cómo ese significado puede variar a lo largo del tiempo.

www.significados.com

www.definiciónabc.com

Ejemplo 2

3. Después de realizado el mural reflexiona y contesta:

a) ¿Qué diferencia mi trabajo de los de mis compañeros si todos han usado el mismo recurso (cuadros y rectángulos de papel)?

b) ¿Por qué utilicé los recursos y las formas de la forma en que lo hice?

c) ¿Cómo podría describir el lenguaje usado en esta creación?

Actividad preliminar

Leemos

ESTOY INTERESADO EN LAS IDEAS, NO EN LOS PRODUCTOS

La Rueda de bicicleta (1913) de Marcel Duchamp, artista francés, desafió al mundo y a los críticos del arte al colocar una rueda de bicicleta sobre un banco común. La idea del artista era tomar dos objetos carentes de belleza para despojarlos del sentido útil con el que fueron originalmente elaborados para crear algo nuevo y bello.

1. ¿Qué sientes cuando ves esta obra de arte?

2. ¿Cuál crees que sería ese mensaje del artista?

¿Quién es?

Marcel Duchamp (1887-1968) fue un pintor francés nacionalizado estadounidense en 1955. Procede de una familia de artistas y estudia en París en la Académie Julian. En 1909 y 1910 conoce a Apollinaire, a los cubistas y a Picabia, con el que fundará el dadaísmo en América. Aprende con rapidez los principios de este movimiento y del cubismo, pero investiga sobre la sugerencia del movimiento y se anticipa al futurismo.

Más de arte

Explora una breve exposición en línea de Marcel Duchamp en Google Arts:

https://t.ly/WAr0

Dos caminos que se unen: forma y contenido

¿Alguna vez alguien te ha dicho algo así como “esas no son las formas”? Seguramente ha ocurrido cuando haces una petición o cuando dices algo de cierto modo. Eso se debe a que el lenguaje admite muchas maneras de decir la misma idea. Puedes pedirle a alguien que te preste un lápiz siendo grosero o educado. Cuál será el mejor camino para llegar a tu objetivo depende de ti.

Al igual que la lengua, el arte permite expresar una misma idea de un sinfín de distintas maneras. En este sentido, la idea o la expresión se entiende en el arte como el contenido, mientras que la manera de estructurar aquello que se quiere expresar es la forma.

En el arte existen infinidad de formas como las escalas, secciones y acordes en la música; las líneas, puntos y colores en la pintura; las posturas en el teatro y la danza, etc. Las formas, como has visto antes, son diferentes dependiendo del tipo arte y evolucionan según la cultura, la época o el tiempo. No hay que olvidar que la forma es en sí misma una de las maneras para clasificar el arte.

Ya se ha dicho que el lenguaje es la cualidad particular de cada artista para estructurar la forma y el contenido. Cuando dos artistas tienen que hablar, por ejemplo, de un tema como la tristeza, cada uno lo hará con su propio lenguaje y para ello utilizarán sus propias palabras, es decir sus propias formas; así mismo, cada artista colocará una expresión distinta en torno al mismo tema, es decir, pondrá en la obra de arte su propio contenido. Para Luis Borobio (1989) la forma es el medio para expresar, pero para que esa forma de expresión llegue a ser arte debe tener un contenido. Como se observa, nos resistimos a definir el contenido de la obra con algo tan simple como el “mensaje”, lo anterior debido a que notarás que en algunas obras de tipo figurativo es “más fácil” identificar el contenido, que puede ser “lo que la obra quiere decir (mensaje) o un objeto al cual se hace referencia”. En el caso del arte abstracto o no figurativo el contenido puede ser una expresión y no un objeto o un mensaje concreto.

Actividad de cierre

¿Quién es?

Jackson Pollock fue un artista expresionista precursor del arte acción. Se hizo famoso por “chorrear” pintura sobre el lienzo para crear sus obras de arte. Pollock pintaba con todo el movimiento de su cuerpo; cuando realizaba su arte, hacía mucho más que solo chorrear. Lo que ves como resultado final en el lienzo es el movimiento de su cuerpo, de sus manos y sus instrumentos.

1. Piensa en una emoción que quieras compartir y elabora una creación artística al estilo Pollock.

2. Puedes hacer este tipo de trabajo sobre un lienzo en blanco como un trozo de tela grande en la cual puedes “chorrear” pintura con movimientos del cuerpo mientras escuchas música clásica o rock pesado, lanzarle o dejar caer objetos con pintura como globos o balones y pelotas, deslizar cosas como canicas o grava, o incluso tomar un objeto que ya no te sirva para convertirlo en una obra de arte al estilo Pollock. Deja volar tu imaginación.

3. Muestra tu trabajo a los compañeros y responde la siguiente a la pregunta: ¿cuál es la emoción usada en la obra?

Momento de inventiva

Despierta tu imaginación y crea uno o varios Pollock en línea:

https://t.ly/74u0

EL ARTE, EXPRESIÓN DE EMOCIONES

Actividad preliminar

1. Escucha en el enlace de la derecha “La petite fille de la mer” de Vangelis.

2. Responde a las siguientes preguntas.

a) ¿Qué historia cuenta la melodía?

https://t.ly/pUwR

b) ¿Cuál es la emoción que quiere transmitir el autor?

3. Observa la pintura Judit decapitando a Holofernes de Artemisa Gentileschi.

Judit

Artemisa Gentileschi. (1620-1621).

https://t.ly/MirN

decapitando a Holofernes

a) ¿Qué sucedió entre los personajes dos horas antes?

b) ¿Qué sensación te provoca el cuadro?

Arte y emociones

El arte en sus diversas manifestaciones es expresión y comunicación de las emociones humanas. Para comprender esto debemos distinguir tres conceptos fundamentales: emoción, sentimiento y estado de ánimo.

Las emociones son reacciones que todos hemos experimentado: felicidad, sorpresa, ira, tristeza, miedo, asco. Actúan a nivel cognitivo, pues registramos sucesos que hemos vivido y las sensaciones que experimentamos; fisiológico, pues experimentamos tensión muscular, cambio en la presión arterial y el ritmo respiratorio, entre otras cosas; y subjetivo, ya que percibimos sensaciones intensas, desagradables o placenteras algunas veces al mismo tiempo.

Los sentimientos, según Castilla del Pino (2008), son emociones conceptualizadas, es decir estados mentales, los sentimientos son resultado de las emociones: la alegría, la culpabilidad o la decepción son algunos de ellos.

Por último, los estados de ánimo son una condición o disposición emocional transitoria; ejemplo de ello son la euforia, la melancolía o la desconfianza. En el círculo de las emociones puedes ver estos diferentes conceptos.

La caracterización de las pasiones humanas a través del arte es tan importante que incluso designan conceptos de carácter psicológico: tiene complejo de Edipo, sufre del síndrome de Peter Pan o tiene complejo de Cenicienta; también en nuestra vida cotidiana utilizamos conceptos como es un don Juan, la música amansa a las fieras o celos que matan (en referencia esto último a la obra de teatro Otelo de Shakespeare).

El arte se torna fundamental en la expresión de las emociones no solo del artista, del creador, sino también del espectador, quien a través de la vivencia de la música, la danza, la pintura o la literatura genera emociones, construye e interpreta, con base en su propia memoria emocional, una relación nueva y particular con la obra artística.

Para saber más

Visita el mapa interactivo de la emociones en el siguiente enlace:

Actividad de cierre

A partir del ciclo de las emociones realiza la siguiente actividad. Pro vo c ado r Hosti l Enfure cidoIrritadoIntrovertidoDesconfiado

Insignificante MarginadoAlineado IrrespetadoRidiculizadoApenadoDevastadoAtacadoCelosoResentid o

Insuficiente InferiorInútil

Preocupado

Agobiado

Espantado

ReflejoDesilusionado AbatidoConmocionado Aterrado

U l ta jado

Inseguro Sumiso RechazadoHumilladoHeridoAmenzadoLlenodeodio L

Asustado Ansioso

Sorprendido

EscepticoSarcastico

Ag r e s ivo Frustr adoDistanteCríticoDisconformeDecepcionante HorribleAbstinencia

MoralistaReacioRepugnante

Revoltoso

Asco

OdiosoAversión

Vacilante Arrepentido

P o d er o so A c ep t ado Org u l loso InteresadoAlegreAsEntusiasmado ombrosoConfundido

Valien t e Res pe ta do Seg uro Imp orta nte CuriosoEntretenidoLEufórico ibreEnérgicoEntusiasmoEImpresionado stupefacto

1. Vitral de las emociones Instrucciones

a) Repasa el tamiz de emociones.

F urio so Rabios o S atis fe ch o

Culpable

Abandonado DeDesesperado primidoSolo OpAburrido timista Íntimo Pacífi co

Avergonzado

Ignorado

Victimizado

Desvalido

Car i ñoso Pro vocati v o

MelVulnerable ancólicoAiVacío DessladoamparadoInApático diferenteInspiradoAbierto Bromista EsperaSensible nzad o

b) Mira el video “Instrucciones para realizar un vitral con papel” con el código QR o en la siguiente dirección: https://t.ly/TYl7.

c) Construye un vitral con la forma que tú elijas donde plasmes con papel de colores cuáles fueron las emociones por las que has transitado esta semana.

d) Con la guía de tu docente presenta tu trabajo en clase, en foro o por medios digitales.

Figura. Círculo de las emociones primarias y secundarias. De dentro hacia afuera: emociones, sentimientos y estados de ánimo. https://t.ly/TYl7

2. Pide a un compañero que vea tu vitral de las emociones y que describa cómo fue tu semana. Registra su respuesta en este espacio:

EL ENFOQUE COMUNICATIVO DEL ARTE

Actividad preliminar

Al igual que en la ciencia de la comunicación en el arte existen figuras como emisor, mensaje y receptor, aunque con otros nombres que aprenderemos más adelante. Por ahora nos centraremos en un aspecto comunicativo presente en toda actividad artística: los discursos, es decir, lo que se dice sobre el arte. En la comunicación es fundamental para darle sentido a la información saber quién es la persona que dice o habla y lo mismo ocurre en el arte y en cualquier ámbito de la cultura. Reflexiona en estas cuestiones.

1. ¿Por qué piensas que existen diferentes opiniones sobre un mismo objeto artístico?

2. ¿Consideras que una persona experta en arte daría la misma opinión que una persona que no lo es? ¿Por qué?

3.

¿Consideras que las opiniones de las personas que no son expertas en arte son importantes? ¿Por qué?

Arte y comunicación

La Enciclopedia de Conocimientos Fundamentales (2010) entiende el discurso en el arte como el contenido, la intención y las formas que socializan los artistas. En dicho texto se propone revisar el discurso a partir de un modelo de análisis basado en los trabajos de Michel Foucault, el cual revisa los siguientes aspectos:

q El discurso del arte en los medios de comunicación. Considera al arte como entretenimiento, su finalidad es únicamente la de los rendimientos económicos. Aquí se encuentran medios de comunicación masivos.

q El discurso del arte en la academia. Todos los discursos relacionados con el conocimiento acerca del arte cuya finalidad es generar conocimiento. Aquí se encuentran profesores, investigadores, teóricos, etcétera.

q El discurso del arte en el campo del arte. Considera al arte como un espacio de expresión, la finalidad es difundir las obras de arte y encontrar nuevas formas de expresarse. Aquí se encuentran todos los artistas.

El discurso mediático usa al arte como entretenimiento, busca promover el consumo, se dirige al público en general y es explotado únicamente por los distintos medios de comunicación y no por el artista o por los académicos. Se pueden enlistar las siguientes características:

q Retrógrado: El discurso mediático entiende las artes según las clasificaciones del siglo xviii, las de “las bellas artes”, dejando fuera todas las expresiones contemporáneas debido a que las censuran por alterar el statu quo y porque son más difíciles de entender y no quieren salir de las fórmulas conocidas que han probado ser exitosas.

q Explota estereotipos: no muestran la realidad de lo que es el arte y ser artista, sino que construyen estereotipos distorsionados, desde el del genio solitario e incomprendido, al del artista pobre y fracasado o la celebridad multimillonaria.

¿Quién es?

Paul-Michel Foucault

Filósofo, historiador, sociólogo y psicólogo francés. Fue profesor en varias universidades francesas y estadounidenses. En 2007 Foucault fue considerado por The Times Higher Education Guide como el autor más citado del mundo en el ámbito de humanidades en dicho año. La historia de la sexualidad y el estudio de las estructuras del poder son piezas clave de su obra.

Elsevier & Wikipedia

q Banalización: simplifica el arte con el argumento de hacerlo comprensible por una mayor cantidad de personas, por ejemplo, al pensar que las artes plásticas son meros adornos y decoraciones.

El discurso académico plantea que el arte es un objeto de conocimiento, busca promover y generar conocimiento nuevo, es elaborado por investigadores y académicos y dirigido a otros investigadores y académicos. Aquí no se involucran los medios de comunicación, en muchos casos ni siquiera los propios artistas. Se caracteriza por:

q Profundizar y generar teorías estéticas y teorías del arte.

q Perfeccionar la enseñanza de las artes.

q Realizar el ejercicio de la crítica del arte.

El discurso autorreferencial, es decir el del arte dentro del arte, plantea que el arte es una actividad humana, busca posicionar en el mundo nuevas expresiones, es elaborado por artistas y dirigido a distintos públicos como los críticos, otros artistas y especialistas.

Actividad de cierre

1. Selecciona una creación artística que hayas realizado anteriormente.

2. Recaba tres opiniones de diferentes personas e identifica si el discurso es mediático, académico o referencial.

Opinión

Primera opinión

Discurso

Opinión

Segunda opinión

Discurso

Opinión

Tercera opinión

Discurso

EL PROCESO CREATIVO

Actividad preliminar

Roba como un artista es el título de un libro publicado en 2012 por el escritor y artista Austin Kleon. En este polémico texto se sugiere que ya no hay nada original, y que hay cosas que vale la pena robar y otras que no. Roba a los grandes o roba lo que te gusta, empieza por aquellas cosas y personas que verdaderamente te inspiran e imítalas, al final siempre habrá algo que no puedas copiar fielmente y tendrás que rellenar ese hueco con tu propia cosecha. Copia de todas partes y no solamente de un solo lugar. Austin Kleon dice que robarle a una sola persona es un plagio, mientras que robarles a muchas es investigación. El escritor francés André Gide dice que todo ya se ha dicho antes, pero como nadie estaba escuchando hay que decirlo de nuevo.

1. ¿Qué piensas de las ideas de Austin Kleon?

2. ¿Crees que la imitación puede llevar a la originalidad? ¿Por qué?

3. Describe tu método para buscar inspiración.

Camino a la obra: el proceso creativo

Lisa Gordon publicó en su libro Encuentra tu voz artística de 2019 un modelo para llevar a cabo procesos creativos. Existen un sinfín de propuestas para crear arte, cada artista tiene la suya y depende de la actividad artística que realiza, la cultura, los recursos económicos y materiales, la formación académica, entre otros. En su propuesta Lisa Gordon sugiere que la mayoría de los procesos creativos comparten los siguientes aspectos:

1. La chispa. Es el momento o los momentos en los que te sientes inspirado a crear arte o convertirte en artista. Es una conexión con una expresión artística como el libro que leíste, la película que viste, el viaje que realizaste, el museo que visitaste, el profesor o el artista que conociste, etc. Ese momento de inspiración puede ocurrir a cualquier edad. En ocasiones puede resultar difícil inspirarse debido a factores como las normas culturales, inseguridades, la familia, los juicios, entre otros. Lo importante no es la edad, sino que cuando sientas la necesidad de crear pongas manos a la obra.

2. La necesidad de crear. Sin la necesidad o el deseo de crear no puede manifestarse la creatividad. Una vez que sientes el deseo de crear este se vuelve un motor o una motivación, que es diferente en cada persona, que ayuda a ser perseverante y a superar un sinfín de obstáculos y barreras. Incluso los artistas más experimentados suelen perder el deseo de crear. Cuando esto ocurre hay que buscar la manera de volver a encender la chispa. Encontrar un nuevo camino para realizar la misma actividad ayuda a reencontrarse con el proceso creativo.

3. La toma de riesgos y la experimentación. Todo el mundo tiene ideas creativas, pero solo algunos pocos llegan a realizarlas. Conocemos a muchas personas que hablan de las cosas que harían si tan solo tuvieran los medios y las herramientas para hacerlas. La necesidad y el deseo de crear pueden impulsarnos a hacer cosas con los materiales y habilidades que tenemos. Para crear hay que tomar riesgos. Experimentar es poner las ideas en práctica sin importar si tienes muy claro a dónde van a llevarte. No hay que olvidar que fracasar es parte del proceso creativo, las personas abandonan

¿Quién es?

Austin Kleon es el autor más vendido del New York Times con una trilogía de libros ilustrados sobre la creatividad en la era digital: Steal Like An Artist, Show Your Work!, y Keep Going. Su libro Newspaper Blackout es una colección de poemas a través de hojas de periódico usando un marcador permanente.

Explora su sitio personal de internet, consulta sus artículos, videos y una muestra de sus obras:

https://austinkleon.com/

sus proyectos porque se sienten abrumadas cuando los resultados no satisfacen las expectativas; sin embargo, si el deseo de crear es fuerte adquiriremos la disciplina de realizar una y otra vez la misma actividad hasta que nos sintamos satisfechos. Luego, el fracaso es algo que ayuda a perfeccionar y no un motivo para abandonar los proyectos.

4. El flujo creativo. Es ese momento cuando sientes que pierdes la perspectiva del tiempo, ya no sabes si han pasado cinco minutos o una hora. Estás tan concentrado en tu “momento” que es como si perdieras conciencia de lo que te rodea. Llegar a esos momentos de flujo creativo puede tomar años de experiencia debido a que no suele manifestarse durante el periodo de aprendizaje; una vez superada la fase frustrante de ensayo y error en el aprendizaje es probable que experimentemos flujos creativos prolongados.

Para encender la chispa del deseo creativo recuperamos algunas ideas de Austin Kleon y Lisa Gordon.

q Sal de casa. Toma como influencia todo lo que te rodea. El filósofo francés Gilles Lipovetsky diría que vivimos en un mundo “estetizado” donde todo, desde las cosas comunes hasta las grandes obras de arte, está diseñado para “gustarnos”. El arte está allá afuera.

q Nada es original. Aléjate de la idea de mantenerte inmune a las influencias externas, aceptarlas es el primer paso de la creación.

q Presenta y comparte tus ideas, no tengas miedo de lo que otras personas piensen de tus creaciones, escuchar sus comentarios puede llevarte a ideas que no habías pensado.

q Practicar no te lleva a la perfección sino a descubrir tu propia voz. Solamente hacer cosas puede llevar a que te conozcas mejor a ti mismo. Finge que eres un artista hasta que lo seas.

q Sé un coleccionista de lo que te gusta y no un acumulador.

q Si no existe la canción que quieres escuchar o el libro que quieres leer entonces créalos.

q No todo es digital, antes de usar el ordenador usa marcadores y papel, usa tus manos y ensúciate un poco.

q Si te cansas intenta que tus pasatiempos y actividades de tiempo libre sean una inspiración para tu creatividad. Selecciona con atención tus pasatiempos.

q Sé amable, no te enfrasques en peleas, rodéate de personas talentosas, creativas y productivas.

q Sé aburrido, se necesita tiempo libre para que la mente pueda desarrollar la creatividad, a veces tendrás que buscar tiempo a solas y alejarte de las fiestas y otras actividades sociales, después siempre podrás hacer amigos y compartir tus creaciones.

q Lleva una bitácora, apunta todas tus ideas, dibuja, no dejes nada fuera.

Momento de inventiva

Róbale tiempo a la rutina y explora el generador de arte. ¡Está increíble!

https://t.ly/4wdf

Actividad de cierre

1. Observa esta obra de arte e intenta copiar algunas ideas hasta que se conviertan en algo nuevo.

En la mira

Austin Kleon habla acerca de la creatividad, el pensamiento visual y ser un artista en línea. ¡Síguelo!

https://t.ly/lZKg

2. Responde las siguientes preguntas.

a) ¿Qué elementos de la obra de arte copiaste?

b) ¿Qué elementos de la obra de arte no copiaste?

c) ¿Qué elementos nuevos utilizaste? ¿Qué diferencias existen con la obra original?

d) ¿Sientes que has creado algo nuevo? ¿Por qué?

e) Después de todo lo que leíste y experimentaste apunta las ideas de tu propio proceso creativo.

RELACIÓN ARTISTA-OBRA DE ARTE-RECEPTOR

Actividad preliminar

Anteriormente se han discutido algunos aspectos comunicativos del arte. Este apartado se centra en las figuras del artista, obra y públicos, o si se compara con el modelo básico de comunicación, emisor, mensaje y receptor. En este curso has visto algunas obras polémicas. Antes de seguir con este tema observa la siguiente obra y responde las preguntas.

1. ¿Cuál crees que es el significado que el artista quiere comunicar con esta obra? ¿Por qué?

2. ¿Qué sientes cuando ves esta obra? ¿Por qué?

La obra anterior es de Marcel Duchamp. La original desapareció, pero una copia se vendió en una subasta por 1.7 millones de dólares. La obra es un urinario común con la firma R. Mutt. Según el crítico de arte Fulwood Lampkin, en 2004 la obra fue votada como la obra más influyente del siglo XX por más de 500 profesionales de la crítica de arte. ¿Cuál es el misterioso y complejo significado de esta obra? Los especialistas coinciden en que Duchamp estaba molesto con los críticos y la crítica de arte de su época, así que lo que decidió comunicar es un insulto. ¿Esperabas ese significado?

3. ¿Qué piensas de la obra ahora?

4. ¿Consideras que cumple con su misión? ¿Por qué?

Relación artista-obra de arte-receptor

La Universidad Nacional Autónoma de México señala en el podcast ¿Y tú qué con el arte? al menos tres sujetos del arte: creador, intérprete y espectador. Podríamos pensar que el artista es esa persona que es tocada por las musas y que a partir de eso se inspira y produce su creación. No podríamos estar más equivocados. El artista es una persona trabajadora. Pablo Picasso dijo: “Que las musas te encuentren trabajando”. Un artista siempre tiene una necesidad y un impulso emocional e intelectual que lo lleva a estar buscando y experimentando formas de expresarse y no descansará hasta haber materializado ese impulso en una obra de arte en la cual libera sus creencias e ideas,

su esencia y su forma de ser y de pensar. Se pueden identificar dos grandes momentos en el impulso del artista:

q Interiorización, cuando el artista se da cuenta de que tiene algo que decir.

q Exteriorización, la materialización de las ideas y sentimientos que se tienen que decir.

La actividad artística siempre es parte de la cultura y por lo tanto el artista siempre está influenciado desde al menos dos puntos de vista.

q De acuerdo con el contexto: son todos los factores y elementos del momento histórico, social y cultural en el cual el artista existe. Un artista además de ser artista es una persona que vive en el mundo y no puede aislarse de este. La imagen del artista solitario y lejos de todo contacto social es solo un estereotipo. Bertolt Brecht solía decir “Trabajo con la ventana abierta para no olvidarme del mundo”. El lugar y el tiempo en el que se genera la creación de alguna manera influyen en la misma.

q De acuerdo consigo mismo: son las experiencias y aprendizajes del artista que de alguna manera se pueden observar en su obra. Un artista siempre se encuentra influenciado por las experiencias de vida, por lo tanto, se encuentra en constante perfeccionamiento y construcción, por ello se pueden identificar “etapas” en la obra de un artista a lo largo de su vida.

Estas características siempre ocurren en el caso de un artista individual, como un escritor, y en los colectivos, cuando muchos artistas se unen para crear una identidad nueva, como una banda de rock.

Algunas expresiones artísticas, como el cine, la música y la danza, requieren de un intermediario entre la obra y el público; a este se le conoce como intérprete.

A lo largo de la historia se ha debatido si la función del intérprete es renunciar a su propia personalidad artística para adoptar la del creador de la obra y así ofrecer al público la posibilidad de experimentar de manera directa, como si el intérprete estuviera poseído por el creador, lo cual sería como escuchar a Beethoven en persona tocar el piano. Por el contrario, hay quienes sostienen que el intérprete puede y debe enriquecer y recrear la obra, lo cual no consideran como una falta de respeto a la creación original, sino como una forma de hacerle homenaje. En ambos casos la actuación del intérprete no es autónoma, sino que depende de los parámetros establecidos por el artista. De la interpretación y el intérprete depende que una obra pueda ser valorada con justicia, la creación de nuevos públicos y que el arte llegue a los destinatarios. El público y el espectador se refieren a las personas que consumen la obra de arte. Las razones de estos para experimentar el arte pueden ser varias, desde tener una conexión emocional hasta fines académicos o de investigación. En el siglo xx teóricos de la estética de la recepción como Gadamer y Jauss comenzaron a observar que muchos tipos de arte solo pueden entenderse más allá del mero acto de la contemplación, es decir cuando el espectador no solo hace eso, “contemplar”, sino que ahora, en muchos casos, el arte requiere que los públicos participen de la creación, por ejemplo: las películas o novelas con un final inconcluso y que el espectador debe imaginar. Este tipo de arte exige aún más del pensamiento y reflexión de los espectadores, pues en lugar de entregarles una ver-

sión terminada de la obra, estos deben imaginar y rellenar esos huecos o espacios de indeterminación dejados por el artista consciente o inconscientemente. En cuanto a la obra de arte, ya se han señalado en los capítulos anteriores sus características y clasificaciones; por lo tanto, en este punto solo mencionaremos que la obra es el producto resultante del esfuerzo de un artista por expresarse y comunicarse.

Actividad de cierre

1. Piensa en algo que quieras expresar.

2. Realiza una creación artística libre.

3. Con la guía de tu docente compártela en clase, plataforma educativa o medios digitales.

4. Pregunta a tus compañeros por el significado de tu obra y responde lo siguiente.

a) ¿Tus compañeros han acertado sobre el significado de tu obra? ¿Por qué?

b) ¿Crees que has cometido algún error en tu creación? ¿Por qué?

c) ¿Por qué crees que acertaron o no sobre el significado de tu obra?

ACTIVIDAD INTEGRADORA CARTEL PARA UNA EXPOSICIÓN DE ARTE

Al final de este curso deberás montar una exposición de arte en la que se incluyan los trabajos realizados durante las clases. En la actividad integradora 1 has realizado las fichas de identificación donde se explica los espectadores las técnicas, estilos, géneros, materiales, dimensión, entre otras cosas, de las diferentes obras. En esta actividad integradora toca el turno a la elaboración de un cartel que podrás utilizar para montar una futura presentación o exposición de los trabajos en tu comunidad educativa. Para ello es importante tener en cuenta lo siguiente: un cartel es una elaboración que, al contrario de algunos tipos y estilos de arte, sí intenta comunicar claramente cierta información como: horarios, fechas, dinámicas, costos, etc. Aunque lo principal es comunicar al público claramente la información relevante de tu exposición de arte eso no implica que no puedas poner algo de arte en él. Ahora que conoces elementos que van desde la estructura del arte como formas, contenidos, estilos, conceptos y clasificaciones hasta aspectos de la sociología del arte como axiología, enfoques comunicativos, discursos, emociones, receptores y públicos, intenta tomar todo eso en cuenta para elaborar un cartel que tenga los siguientes elementos básicos:

1. Elige un título atractivo.

2. Selecciona colores e imágenes.

3. Selecciona tipografías.

4. Revisa la información sobre fechas, horarios, reglas y protocolos, etcétera.

Presenta la propuesta y no la deseches porque la utilizarás más adelante. Si no quieres realizar el cartel a mano puedes utilizar plantillas de Canva para elaborar posters como los ejemplos de esta página: https://www.canva.com/

Rúbrica de evaluación

Organización de la información

Identifica con precisión la secuencia de los elementos del tema.

Se dificulta reconocer la secuencia de los elementos del tema.

Mezcla los elementos de manera confusa y expresan poca coherencia.

Exposición del tema

Explica de forma coherente el propósito del cartel y la información es clara y concisa.

Explica con algunos tropiezos el tema asignado. Se requiere aclarar la relación de los elementos.

Tiene dificultad para explicar cómo los elementos se interrelacionan entre sí y cómo se refleja el tema.

Los elementos contienen una estructura difusa y la secuencia en sus datos es desorganizada.

Las explicaciones son vagas ya que desconoce cómo se relacionan los elementos con el tema.

Los elementos no contienen estructura ni secuencia en sus datos.

No existe correlación entre los datos y el tema.

Vocabulario

Utiliza el vocabulario apropiado para el tema, facilita la comprensión de términos definiendo las palabras que podrían ser nuevas para el lector.

Utiliza el vocabulario apropiado para el tema, aunque no facilita la comprensión de todos los términos porque no define algunos que podrían ser nuevos para el lector.

Diseño

Gramática y ortografía

El diseño es original y tiene una amplia variedad de elementos visuales que lo hacen atractivo y se vinculan con el tema central.

No hay errores gramaticales ni faltas de ortografía.

El diseño es original sin embargo no tiene una amplia variedad de contenido visual que le permita engarzar las ideas con el tema central.

Se presentan uno o dos errores gramaticales, sin faltas de ortografía.

Utiliza el vocabulario apropiado para el tema, sin embargo no facilita la comprensión de todos los términos porque no define los que son nuevos para el lector.

El diseño no tiene originalidad aunque los materiales empleados son variados, lo que lo hace medianamente atractivo de acuerdo con el tema.

Comete más de tres errores gramaticales, presenta faltas de ortografía.

El vocabulario es muy pobre y no permite una comprensión del tema, no utiliza términos relacionados al tópico.

No utiliza el vocabulario apropiado para el tema.

El diseño y los materiales muestran una organización confusa con muy poco atractivo visual.

El diseño no es original por lo que el tema resulta opaco y sin ningún atractivo visual.

Son evidentes los errores gramaticales y las faltas de ortografía en menos de la mitad del escrito.

Los errores gramaticales y ortográficos están presentes en la mayor parte del texto.

Protesta ante el cambio climático del grupo activista Red Rebel Brigade. Afuera del metro de Londres, Inglaterra.

UNIDAD DE COMPETENCIA 3

EL ARTE, LENGUAJE UNIVERSAL

Es de la mayor importancia que los alumnos adquieran herramientas de discusión y diálogo sobre el arte mediante la ubicación de la obra artística en ámbitos diversos: políticos, históricos, geográficos, económicos y culturales más amplios, para que estén así en condiciones de emitir juicios críticos.

Aprendizajes esperados

• Identificarán los distintos puntos de vista para observar el arte.

• Comprenderán las funciones del arte en el siglo XXi

• Vincularán las expresiones artísticas con las culturas.

• Conocerán los diferentes roles del artista.

• Identificarán y comprenderán los periodos en el arte.

• Planificarán una exposición de arte entre pares.

LA MULTIPLICIDAD DE CONTEXTOS EN LA CONTEMPLACIÓN DEL ARTE

Actividad preliminar

1. Observa la siguiente imagen de una pintura impresionista del artista Claude Monet. Identifica los detalles, la luz, las formas, el cielo, los rasgos faciales de los personajes, los colores y sobre todo las texturas.

Mujer con sombrilla

Claude Monet (1875) https://t.ly/72uO

2. Ahora ingresa al enlace que acompaña la pintura y observa nuevamente la obra. Utiliza la herramienta de acercamiento para que puedas percibir todos los detalles que observaste en la imagen impresa. Recorre toda la pintura, identifica las pinceladas y las texturas, aléjate un poco y vuelve a observar los elementos que la integran y la forma en la que el pintor los ha plasmado.

3. ¿En cuál de las dos imágenes has podido identificar mejor los detalles?

4. Describe si has percibido la obra de forma igual o diferente en los dos espacios: la versión impresa y la imagen exhibida en el museo virtual. ¿En cuál de las dos tuviste una experiencia más enriquecedora?

Contemplar es algo más que observar

Existe una diferencia de percepción entre los objetos utilitarios y los objetos estéticos. Los primeros llaman nuestra atención debido a que nos resultan eficientes para alguna función en particular, por lo tanto, dejamos a un lado sus cualidades estéticas y nos concentramos en su utilidad.

Con el arte sucede todo lo contrario, lo percibimos a partir de sus cualidades estéticas y no pensamos si puede llegar a ser útil o si tiene alguna finalidad. Los objetos artísticos no son creados para cumplir una función utilitaria, podríamos decir que la única finalidad que tiene el arte es la de mostrar una visión muy particular que tienen los artistas del mundo que les rodea.

Nuestro acercamiento a las obras de arte implica algo más que percibirlo con nuestros sentidos. La vivencia estética requiere la búsqueda de un estado de percepción más agudo que nos permite comprender un poco más de la esencia y la significación en una obra. A este momento en el que se agudiza nuestra percepción se le denomina contemplación del arte

La palabra contemplación comenzó a utilizarse en el ámbito religioso, pero también es un término que suele emplearse en el contexto del arte, porque nuestro acercamiento a una pieza artística requiere más que una simple observación: contemplar implica percibir en completa calma y dejar que las formas estéticas nos remonten a nuestra capacidad intuitiva de conocer e imaginar. El verdadero disfrute del arte comienza cuando nos permitimos ir más allá de mirar y comenzamos a sentirnos identificados con la obra a través del acto contemplativo.

Algunos autores como José Jiménez afirman que la contemplación entendida como un encuentro íntimo y sereno con el arte se ha ido perdiendo con las dinámicas actuales en tanto que las visitas al museo se planifican como una forma de turismo, en estos casos lo más importante es tomarse una fotografía junto a la obra dejando a un lado el momento de contemplación y deleite frente a la pieza artística (Jiménez, 2002, p. 150). Otro fenómeno que interfiere en el acto contemplativo es la reproducción masiva de las obras en camisetas, catálogos, tazas y souvenirs, en estos ejemplos la obra no pierde su carácter estético, pero sí se reduce la oportunidad de vivirla en su máximo esplendor y deleitarnos a través de la vivacidad de los colores, las pinceladas o las dimensiones originales de la pieza, por ello siempre es recomendable poder disfrutarlas en vivo y a todo color, claro que a veces nos resultará imposible viajar a las ciudades donde se encuentran las grandes obras maestras, pero podemos comenzar visitando los museos que tenemos en nuestra ciudad y también podemos hacer recorridos virtuales que ya están disponibles en los sitios de internet de los museos más importantes del mundo.

Los contextos al contemplar una obra de arte

El contexto es todo lo que está alrededor de un acontecimiento, una persona o un objeto y nos ayuda a comprender cuál es su situación. Por ejemplo, el contexto que se relaciona con un estudiante puede estar integrado por las aulas, los pupitres, los libros y el cuaderno de notas, sin embargo, la situación de dicho estudiante cambia si descubrimos que en su contexto las aulas son al aire libre y se encuentra totalmente expuesto a la lluvia o al sol.

De manera similar el contexto en una obra de arte puede determinar la forma en la que le percibimos. En algunos casos podemos permitirnos la tranquilidad y la contemplación porque nos encontramos dentro de un espacio tranquilo en un museo que no es muy concurrido. En otras ocasiones únicamente tendremos un encuentro fugaz con la obra porque se encuentra dentro de una exposición abarrotada y llena de ruidos e interferencias. En ambos casos el contexto será un factor determinante que nos permitirá llegar a la contemplación o simplemente conformarnos con un recuerdo instantáneo de aquella obra de arte.

Otro de los factores que interfieren en la contemplación del arte tiene que ver con nuestra sensibilidad. De acuerdo con el teórico Juan Acha nuestra sensibilidad nos permite disfrutar y comprender los objetos estéticos, pero el goce estético siempre estará determinado por la cultura en la que nacemos. A esta condición se le denomina ecoestética. El autor afirma que nuestros gustos esté-

Momento de inventiva

https://t.ly/zgt4

Colorea con la cámara de tu teléfono móvil:

ticos dependen de la sociedad o país en el que nacimos, de tal modo que la cultura estética se va heredando a través de la escuela, los medios de comunicación, la familia, el medio ambiente y la vida social en general (Acha, 2008, pp. 30-33). Podemos concluir que la contemplación del arte tiene relación con el contexto: la experiencia estética depende mucho del lugar donde se encuentra la obra; por otro lado, conviene que reflexionemos sobre nuestras preferencias estéticas ya que son los parámetros que utilizamos para valorar el arte de forma axiológica e influyen de alguna forma en la percepción hacia cualquier manifestación artística.

Actividad de cierre

De acuerdo con lo aprendido en este capítulo, escribe tres condiciones que consideras ideales para que puedas contemplar una obra de arte.

La glosa

Souvenir. Préstamo lingüístico de la lengua francesa. Se trata de un objeto que sirve como recuerdo de la visita a algún lugar determinado.

1.

2.

3.

3.2 LA FUNCIÓN SOCIAL DEL ARTE

Actividad preliminar

1. Mira los siguientes videos:

Jean-Michel BasquiatGraffiti: https://t.ly/DjQQ

El muralismo en México https://t.ly/536u

2. Establece tres características sobre las obras vistas.

Se trabaja con… Se desarrolla en… Aborda los temas de…

La función social del arte

Si bien es cierto que de manera tradicional se ha considerado que la función social del arte es la de la denuncia o el compromiso con una causa, debemos reconocer que va más allá de eso. En el arte, sea o no la intención, se “cuela” la visión de mundo no solo del creador sino de toda una sociedad. En las diferentes producciones atestiguamos costumbres, modas, creencias, incluso climas que nos permiten aproximarnos a diversos grupos sociales tanto en tiempo como en espacio. Del mismo modo también las sociedades se reconocen en los diferentes productos artísticos: los incorporan a su acervo, los validan como parte de su identidad y su patrimonio.

Pierre Bourdieu (1990), sociólogo francés, indica que el arte no existe. Lo que nosotros identificamos y consumimos como producción artística es la estética legitimada por la burguesía dominante. Si bien asienta que existe una estética popular y una de las clases medias, puntualiza que el arte solo está en quien o quienes lo valoran como tal. Es decir, el arte es una construcción social.

El filósofo norteamericano George Dickie (2005) elabora la teoría institucional, que postula que el arte se encuentra inserto en estructuras institucionales y que los objetos comunes no. Plantea que el arte es un universo de agentes (artistas y promotores), productos (obras y artefactos) y receptores (públicos, críticos, consumidores). Es decir, es necesaria una construcción social para pronunciarse sobre lo que es arte.

Podemos poner como ejemplo el caso del grafiti, que surge como expresión popular de carácter marginal y transgresor en los años setenta, ligada a las expresiones vandálicas de tribus urbanas para delimitar territorios. Es hasta que la opinión de los agentes artísticos y los receptores valida e incorpora al arte urbano cuando se torna objeto de consumo estético. Por ejemplo, se llegó a tasar entre los nueve y los doce millones de dólares una obra de Jean-Michel Basquiat (El Universal, 2009). Sin embargo, no todas las manifestaciones artísticas corren la misma suerte. Pensemos en las culturas originarias cuyas producciones son calificadas como artesanías y a las que no se les otorga la categoría de arte.

Indaga acerca de la mujer en la cultura:

https://t.ly/gaUC

Experimenta con arte

digital. Los tags y las obras de arte:

https://t.ly/i5dh

En la mira

Dickie apunta: “por aproximación institucional entiendo la idea de que las obras de arte son arte como resultado de la posición que ocupan dentro de un marco o contexto institucional” (2005, p. 17) Esto es, si la estructura social preponderante considera que tal objeto no debe estar inscrito en la escala del gusto estético no será tomado en cuenta y no será incorporado al patrimonio cultural.

Actividad de cierre

Leemos

ORACIÓN POR MARILYN MONROE

Señor

Recibe a esta muchacha conocida en toda la Tierra con el nombre de Marilyn Monroe, aunque ése no era su verdadero nombre (pero Tú conoces su verdadero nombre, el de la huerfanita violada a los 9 años y la empleadita de tienda que a los 16 se había querido matar) y que ahora se presenta ante Ti sin ningún maquillaje sin su Agente de Prensa sin fotógrafos y sin firmar autógrafos sola como un astronauta frente a la noche espacial. Ella soñó cuando niña que estaba desnuda en una iglesia (según cuenta el Times) ante una multitud postrada, con las cabezas en el suelo y tenía que caminar en puntillas para no pisar las cabezas. Tú conoces nuestros sueños mejor que los psiquiatras. Iglesia, casa, cueva, son la seguridad del seno materno pero también algo más que eso…

Las cabezas son los admiradores, es claro (la masa de cabezas en la oscuridad bajo el chorro de luz).

Pero el templo no son los estudios de la 20th Century-Fox.

El templo —de mármol y oro— es el templo de su cuerpo en el que está el hijo de Hombre con un látigo en la mano expulsando a los mercaderes de la 20th Century-Fox que hicieron de Tu casa de oración una cueva de ladrones.

Señor

en este mundo contaminado de pecados y de radiactividad, Tú no culparás tan sólo a una empleadita de tienda que como toda empleadita de tienda soñó con ser estrella de cine. Y su sueño fue realidad (pero como la realidad del tecnicolor).

Ella no hizo sino actuar según el script que le dimos, el de nuestras propias vidas, y era un script absurdo. Perdónala, Señor, y perdónanos a nosotros

1. Lee “Oración por Marilyn Monroe” de Ernesto Cardenal.

por nuestra 20th Century por esa Colosal Super-Producción en la que todos hemos trabajado. Ella tenía hambre de amor y le ofrecimos tranquilizantes. Para la tristeza de no ser santos se le recomendó el Psicoanálisis.

Recuerda Señor su creciente pavor a la cámara y el odio al maquillaje insistiendo en maquillarse en cada escena y cómo se fue haciendo mayor el horror y mayor la impuntualidad a los estudios. Como toda empleadita de tienda soñó ser estrella de cine.

Y su vida fue irreal como un sueño que un psiquiatra interpreta y archiva. Sus romances fueron un beso con los ojos cerrados que cuando se abren los ojos se descubre que fue bajo reflectores

¡y se apagan los reflectores!

Y desmontan las dos paredes del aposento (era un set cinematográfico) mientras el director se aleja con su libreta porque la escena ya fue tomada. O como un viaje en yate, un beso en Singapur, un baile en Río la recepción en la mansión del Duque y la Duquesa de Windsor vistos en la salita del apartamento miserable. La película terminó sin el beso final. La hallaron muerta en su cama con la mano en el teléfono. Y los detectives no supieron a quién iba a llamar. Fue como alguien que ha marcado el número de la única voz amiga y oye tan solo la voz de un disco que le dice: WRONG NUMBER. O como alguien que herido por los gángsters alarga la mano a un teléfono desconectado.

Señor: quienquiera que haya sido el que ella iba a llamar y no llamó (y tal vez no era nadie o era Alguien cuyo número no está en el Directorio de los Ángeles) ¡contesta Tú al teléfono!

2. Reflexiona y contesta las siguientes preguntas.

a) ¿De qué país habla el texto?

b) ¿A qué compañía cinematográfica se refiere?

Ernesto Cardenal

c) ¿Has visto películas de esta empresa productora?

d) ¿Quiénes son los personajes que aparecen a lo largo del poema?

e) ¿Cómo, de acuerdo con el texto, fue la vida de la protagonista?

f) ¿Qué obra de arte conoces que aborde un tema social? Anota el nombre de la obra y señala cuál es el fondo social que aborda.

g) Redacta de manera breve por qué consideras que esa obra plantea un tema social.

Momento de inventiva

Recupera y explora el patrimonio cultural en peligro. Revisa los lugares de interés cultural de todo el mundo frente a la amenaza climática en Google Arts & Culture:

https://t.ly/09dF

LA OBRA ARTÍSTICA COMO FORMA CONCRETA DE CULTURA

Actividad preliminar

Leemos HISTORIA DE LA CANCIÓN PROHIBIDA

Era el 7 de agosto de 1930 en la ciudad de Marion, Indiana, Estados Unidos, cuando Thomas Shipp y Abram Smith, dos afroamericanos, fueron arrestados acusados de robar a un obrero blanco y de violar a su novia. Horas después del arresto una multitud invadió la cárcel, golpeó a los acusados y con ayuda de la policía los colgaron de un árbol en la plaza del condado. En 1939 la cantante afroamericana Billie Holiday se encontraba vomitando en el área de servicio de un pequeño teatro después de cantar “Strange Fruit”, canción cuya letra estaba basada en un poema de Abel Meeropol, un judío blanco, que describía el linchamiento de Thomas Shipp y Abram Smith. La cantante narra en su biografía que esa canción la dejaba sin fuerzas y totalmente agotada. El gobierno de Estados Unidos persiguió a Billie Holiday y le prohibió interpretar la canción debido al impacto emocional que producía en los espectadores.

1. ¿Consideras que los artistas toman elementos de sus experiencias y las usan en sus obras? ¿Por qué?

2. ¿Por qué piensas que la canción interpretada por Billie Holiday fue prohibida por el gobierno?

En la mira

Entra al enlace y escucha la canción “Strange Fruit” interpretada por la cantante de soul Billie Holiday, en donde de una forma muy sentida expone el dolor de la discriminación racial.

t.ly/eXxR

Las obras de arte están estrechamente relacionadas con la actividad humana. En las sociedades pueden funcionar como medio de expresión, medio de comunicación, herramienta educativa, terapia, entretenimiento, para rendir culto o rituales, entre otros. El arte es parte de la cultura y por lo tanto es posible observar la evolución de las culturas a través del arte. El sociólogo Jesús Martín Barbero decía que para entender la cultura de un pueblo se debe iniciar por la música. Piensa en cómo los corridos, el rock con su tono de protesta o incluso el reguetón nos dicen algo en sus letras de la cultura en la que fueron compuestos. El mundo siempre está cambiando y conforme evoluciona el pensamiento de las sociedades, el arte buscará nuevas formas de expresión que vayan acorde a las nuevas ideas y formas de pensar.

Javier Albelo, especialista y divulgador de arte, menciona en su blog que la obra de arte es tanto un espejo como una ventana.

q El arte es como un espejo, pues sin que el artista tenga la intención la obra de arte refleja a la persona que lo produjo, así como a la sociedad y la cultura del artista.

q El arte es como una ventana, pues más allá de la abstracción o representación, tiene la capacidad de mostrarnos el mundo y lo que existe, aunque sea desde el punto de vista del artista.

Actividad de cierre

1. Lee el texto de la canción “Strange Fruit” y escucha la canción.

Leemos

STRANGE FRUIT

Southern trees bear strange fruit

Blood on the leaves and blood at the root

Black bodies swinging in the southern breeze

Strange fruit hanging from the poplar trees.

Pastoral scene of the gallant south

The bulging eyes and the twisted mouth

Scent of magnolias, sweet and fresh

Then the sudden smell of burning flesh.

Here is a fruit for the crows to pluck

For the rain to gather, for the wind to suck

For the Sun to rot, for the trees to drop

Here is a strange and bitter crop.

LA FRUTA EXTRAÑA

Momento de inventiva

Viaja por la historia y por los cinco continentes a través del arte en un espacio digital imprescindible:

https://t.ly/ZmYZ

Los árboles del sur dan frutos extraños, tienen sangre en las hojas y sangre en la raíz, cuerpos negros balanceándose en la brisa del sur, fruta extraña que cuelga de los árboles.

Escena pastoral del elegante sur, los ojos hinchados y la boca retorcida, aroma de magnolias, dulce y fresco, y luego el repentino olor a carne quemada.

Aquí está la fruta para que la arranquen los cuervos, para que se junte la lluvia, para que el viento la chupe, para que el sol la pudra, para que caigan los árboles, aquí hay una cosecha extraña y amarga.

2. Responde las siguientes preguntas.

a) ¿Qué ideas expresa la canción “Strange Fruit”?

b) ¿De dónde toma la canción “Strange Fruit” las ideas?

c) ¿Cómo se relaciona la forma de vida de los afroamericanos de la primera mitad del siglo XX con la canción “Strange Fruit”?

d) Menciona otro ejemplo en donde consideres que el arte es un reflejo de la cultura y explica por qué.

EL ARTISTA Y LA REPRESENTACIÓN DEL ENTORNO

Actividad preliminar

Leemos CABLE A TIERRA

Si estás entre volver y no volver si ya metiste demasiado en tu nariz si estás como cegado de poder tira tu cable a tierra.

Y si tu corazón ya no da más si ya no existe conexión con los demás si estás igual que un barco en altamar tira tu cable a tierra. Y yo estoy acercándome hasta vos bajo la luna, bajo la luna. Las cosas son así, tengo el teléfono del freak que está deseoso de volarte la cabeza. En un par de minutos sale el sol si ya no hay nada que anestesie tu dolor

si no llegas, si no alcanzas a verme tira tu cable a tierra. No creas que perdió sentido todo no dificultes la llegada del amor, no hables de más, escucha al corazón ese es el cable a tierra. Y yo estoy acercándome hasta vos bajo la luna, bajo la luna. Las cosas son así, tengo el teléfono del freak que está deseoso de volarte la cabeza. Si estás entre volver y no volver si ya metiste demasiado en tu nariz si estás como cegado de poder tira tu cable a tierra.

1. Con base en el texto responde a las siguientes preguntas.

a) ¿A quién se dirige el autor?

b) ¿Cuál es su estado de ánimo?

c) ¿Cómo es el contexto en que vive la persona a quien le habla?

Fito Páez

Tener una definición exacta y unívoca sobre qué es un artista es tan imposible como definir qué es el arte. El reconocimiento de la figura del artista es difuso. Hasta antes del renacimiento, la mayor parte de los creadores no dejaban su nombre en sus obras. Era común que para referirse a una obra determinada se nombrara la ciudad o región donde se ubicaba, por ejemplo: el Coloso de Rodas o el Faro de Alejandría. Si bien es cierto que hay registro de nombres como el del poeta Homero, algunos estudiosos consideran que bajo este nombre se agrupan diversos autores anónimos.

Sin embargo, la definición de artista ha estado presente y se ha transformado no solo en el tiempo, sino desde la perspectiva disciplinar en que se enuncia. Como mencionamos, es en el renacimiento cuando las obras se relacionan con el autor de tal modo que ahora cuando nos referimos a nombres como Leonardo da Vinci, William Shakespeare, Johann Sebastian Bach, Pablo Picasso, Andy Warhol o Stanley Kubrick asociamos, además de una estética determinada, un contexto sociocultural.

Lo que sí podemos establecer es que la denominación de creador es común en las diversas definiciones de artista. No obstante, revisemos tres aspectos que aportan a esta función de creador una perspectiva social para considerar qué es un artista.

Para Bourdieu, según Romeu (2017), el artista se comprende desde la perspectiva del capital simbólico, esto es, una especie de capital que se define por la posesión de bienes no materiales vinculados, generalmente, al prestigio social. Estos “bienes” son otorgados por otros agentes dentro y fuera del campo, y legitimados o conservados como tales por medio de las acciones de los agentes del campo (los artistas, básicamente) mediante sus prácticas y discursos en torno al arte.

El filósofo estadounidense Dickie (2005) establece que la temporalidad es básica para entender el concepto de artista. Un artista se considera como tal solo si, además de sus pares, el entorno socioeconómico —agentes, críticos, compradores— lo reconocen como tal. Un ejemplo de ello es Las Cajas Brillo de Warhol. Este objeto no hubiera sido considerado arte en el siglo xviii.

Gombrich (1989) va más allá y afirma que el arte no existe, que solo existen los artistas porque cada uno tiene su punto de vista acerca del arte, lo que implica entonces que el artista, esté consciente de ello o no, lo quiera o no, filtra su propia construcción de mundo en los elementos de sus obras.

Actividad de cierre

1. En la siguiente página redacta un texto rimado, de una extensión mínima de media página y máxima de una página. Narra un acontecimiento de tu entorno inmediato: familia, escuela o trabajo. Tu público, de manera hipotética, serán los pasajeros de un autobús, por lo que tu vocabulario deberá ser accesible para una gran variedad de personas.

Para saber más

Crear después de una bomba

Obras como Evangelion de Yoshiyuki Sadamoto o El increíble castillo vagabundo de Hayao Miyazaki nos muestran a través de la animación una visión del mundo que sobrevive a un apocalipsis. ¿Ya los viste?

Para saber más

Te presentamos el cortometraje “La furia de las rimas” un documental sobre hip-hop en Francia, Alemania, Palestina, Colombia, Israel, Senegal y Estados Unidos. De Joshua Atesh Litle.

https://t.ly/hR7W

2. Pide a un compañero que responda las siguientes preguntas y anota sus respuestas.

a) A partir del texto ¿cuáles crees que son mis gustos y mi estilo de vida?

b) A partir del texto ¿cómo describirías mi personalidad?

En la mira

Conoce y explora más sobre las obras de quienes han forjado el arte a través de la historia en el Catálogo de artistas de Google Arts & Culture:

https://t.ly/yOAd

c) A partir del texto ¿cuáles crees que son las cosas que me inspiraron e influenciaron?

PERIODOS EN LA HISTORIA DEL ARTE, REFLEJO DE LA HISTORIA DEL HOMBRE

Actividad preliminar

þ De acuerdo con lo que has aprendido hasta el momento, explica con tus propias palabras por qué el arte puede reflejar la historia del hombre.

La trayectoria histórica del arte es casi tan antigua como la historia del ser humano. Hemos encontrado en el arte una forma muy particular de percibir nuestro entorno y una estrategia comunicativa que se desarrolla a partir del uso de nuestra facultad sensitiva y nuestras necesidades estéticas.

Las pinturas rupestres en Lascaux y Altamira son los testimonios más remotos que ponen de manifiesto las necesidades comunicativas del hombre primitivo. Desde hace más de 15,000 años comienza la historia de las representaciones y con ella la posibilidad de plasmar el mundo que nos rodea. Antes de la invención de la escritura la imagen ya se había instaurado como el vehículo que nos permite materializar nuestras ideas a través de la representación. En el mismo sentido, la imagen se convierte en una eficaz herramienta testimonial.

El arte en todas sus manifestaciones lleva impregnadas en sí tanto las ideas del artista como las del entorno que le rodea. Nos dice Kandinsky que “cada obra de arte es hija de su tiempo, y con frecuencia es madre de nuestros sentimientos”

(Kandinsky, 2006, p. 7). Con esta frase el autor deja en claro la cualidad histórica del arte porque no solo materializa nuestros sentimientos sino que también guarda en sus formas y contenidos parte del momento en el que ha sido creada.

Abordar la historia del arte en un capítulo es una tarea abrumadora, no obstante, haremos un breve recorrido por los estadios más representativos. Para

Para saber más

La Cueva de Altamira fue declarada Patrimonio de la Humanidad por la UNEsco en 1985. En 2008 la denominación fue ampliada a Cueva de Altamira y arte rupestre paleolítico del norte de España.

Bisonte magdaleniense. Cueva de Altamira, España.

efectos prácticos se tomarán como líneas divisorias los estilos en el arte y comenzaremos por el periodo clásico en la antigua Grecia, la cuna de la civilización occidental y el lugar donde el arte comienza su temprana gestación.

Los estilos del arte en la historia

1. CLÁSICO GRIEGO

Se refiere a las expresiones realizadas en Grecia. Abarca desde el siglo v a.C. hasta el siglo ii d.C. Tuvo mayor auge en la arquitectura y la escultura. Estas creaciones, más que ser valoradas por su carácter estético, fueron creadas con una finalidad religiosa. Las figuras en mármol representaban tanto a sus dioses como a sus héroes y los templos eran embellecidos con un estilo innovador para esa época, pues se incluyeron las columnas con diversos ornamentos en sus capiteles.

Para saber más

Descubre los tres órdenes griegos de capiteles y columnas:

https://t.ly/hA1a

https://t.ly/nAhJ

Laocoonte y sus hijos

Agesandro, Atenodoro y Polidoro de Rodas (Siglo ii a.C.)

https://t.ly/1hFv

2. CLÁSICO ROMANO

Aproximadamente entre los siglos i y v de nuestra era, el imperio romano se apropia de los elementos culturales de Grecia, se adopta el panteón griego pero ahora los dioses tienen nombres latinos, las esculturas no solo representan a las divinidades sino también a gobernantes o emperadores, en el mismo sentido la arquitectura deja de ser completamente religiosa y se erigen construcciones civiles a las que se les incluye un nuevo elemento que hasta entonces no se había implementado: el arco de medio punto.

Dovelas Extradós Intradós

Dovela basal (salmer)

Arco de medio punto

Dovela central Línea de impostas

Coliseo de Roma

Autor desconocido (72 a 80 d.C.)

https://t.ly/ROl6

3. BIZANTINO

Cerca del siglo iv de nuestra era, el imperio romano se divide en occidental y oriental, este último gana mayor importancia en las ciudades de Ravena y Bizancio (hoy Estambul) por el desarrollo cultural que promueve el emperador Constantino, quien instaura el cristianismo como religión oficial para todo el imperio. En este momento aparecen las primeras iglesias cristianas, así como las grandes basílicas cuya ornamentación se basa en motivos bíblicos representados en mosaicos constituidos por teselas.

Teselas. Partes más pequeñas de un mosaico, pueden ser piezas de piedra, vidrio o terracota que se utilizan para conformar figuras y formas dentro del mismo.

4. ROMÁNICO

Surge a partir del siglo xii y cobra importancia por las primeras monarquías occidentales que se desprenden del dominio imperial romano y se distribuyen en la región que actualmente corresponde a Europa. Se establece el sistema feudal y el cristianismo cobra una vital importancia promoviendo la vida monástica. Los ejemplos más representativos se encuentran en las abadías edificadas con piedra y las tallas que ornamentan las arquerías. La actividad monástica trae consigo el canto y la música monódica con temas religiosos, y en la vida cotidiana aparece el canto de los juglares y trovadores con temas que narran gestas heroicas o fábulas.

Mosaico de la Emperatriz Teodora y su cortejo

Autor desconocido (Siglo vi d.C.)

https://t.ly/4PAF

Columnas en la abadía de San Trófimo (Siglo xii d.C.)

https://t.ly/lDcI

La glosa

5. GÓTICO

A mediados del siglo xii en Francia comienza a gestarse un estilo que deriva del románico pero adquiere sus propias características. La basílica es sustituida por la catedral como principal centro religioso. Algunas tienen la finalidad de ser relicarios y se convierten en centros de culto que atraen a peregrinos. La arquitectura se vuelve más esbelta y cobra bastante altura. A diferencia de las iglesias medievales cerradas y con poca luz, la catedral gótica se torna luminosa con la innovadora integración de los vitrales decorados con pasajes bíblicos. La escultura se adhiere a los muros y se apega a los temas cristianos con el fin de evangelizar a través de la imagen. La música gótica adquiere un carácter propio al integrar la polifonía o arte de cantar a varias voces.

https://t.ly/m2IJ

6. RENACENTISTA

Italia durante los siglos xv y xvi se convierte en el escenario de diversos cambios que marcaron el inicio de la edad moderna. El sistema feudal pierde fuerza, el comercio prolifera y se consolida la nueva clase social denominada como burguesía, con alto poder económico. Algunos de sus miembros serán los primeros mecenas que patrocinan a los artistas para que se dediquen de forma exclusiva a crear obras de arte. El pensamiento teológico deja de ser la única forma de comprender el mundo y el uso de la razón se torna imperante en una época donde el ser humano comienza a tener sed de conocimiento. Los artistas retoman las formas del arte clásico (Grecia y Roma), ya que se consideraba que el verdadero conocimiento estaba en aquellas culturas que se libraron del fanatismo cristiano y la fe ciega que imperó durante la edad media. La pintura se renueva gracias a los estudios anatómicos y la implementación de la perspectiva de tal modo que el arte en esta época se torna más mimético y naturalista, la escultura cobra un nuevo sentido con las reproducciones más detalladas en mármol, la arquitectura se vuelve majestuosa con la integración de grandes cúpulas nunca antes realizadas.

https://t.ly/jjsO

Detalle de las columnas en la fachada de la Catedral de Chartres

David Miguel Ángel (1501 a 1504)

La última cena Leonardo da Vinci (1495-1498)

7. BARROCO

El auge del pensamiento racional que proliferó durante el renacimiento trajo consigo cuestionamientos hacia la iglesia. De este modo surge en el siglo xvi un movimiento a cargo de Martín Lutero al que se le denominó reforma protestante, ya que buscaba eliminar los abusos del poder ejercido por los clérigos y pontífices. La reforma provocó la pérdida de muchos seguidores en la fe católica, situación por la cual la iglesia despliega una contrarreforma establecida en el Concilio de Trento que comienza en 1543 y finaliza en 1563. La renovación interna de la iglesia trajo consigo una nueva propuesta estética que impactaría principalmente en el ámbito religioso, donde se aprecia una exagerada ornamentación y elementos que manifiestan poder y riqueza. El estilo barroco también se implantaría en todo el territorio virreinal ya que los estilos europeos terminarán por imponerse en las colonias americanas durante los siglos xvi, xvii y xviii.

https://t.ly/hDEJ

La glosa

Mecenas. Persona o fundación rica y poderosa que protege a los artistas y adquiere o promueve sus obras.

La adoración de los pastores Sebastián Conca (1720)

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8. NEOCLÁSICO

El prefijo neo nos indica que se trata de un nuevo clásico. A finales del siglo xviii y principios del xix el pensamiento europeo se transforma gracias al movimiento conocido como ilustración. La fe sigue acompañando la vida del ser humano, pero algunos sectores deciden reconocer su existencia únicamente a través de la razón. En esta época surgen grandes pensadores, se publica la primera enciclopedia y se incentiva la divulgación del conocimiento. El sentido de libertad comienza a ganar fuerza y se gestan las primeras revoluciones que eliminarían el sistema monárquico y devienen en la instauración de las primeras repúblicas. En la fiebre de conocimiento se publica la Historia del arte antiguo de Winckelmann donde se concluye que las obras de arte griego transmiten grandeza, serenidad y sencillez; ante dicho argumento se retoman las formas y los temas de la antigua Grecia como sinónimo de la sobriedad que se adquiere con el razonamiento. La arquitectura replica los elementos formales de Grecia y Roma, se integran las columnas y capiteles, la escultura adopta los estilos puros y sobrios que hasta entonces se conocían de los hallazgos arqueológicos, la pintura sigue una ruta muy parecida donde los temas clásicos abundan y se abandona el dramatismo y la exuberancia del barroco para adoptar formas y colores menos vibrantes y acordes con la serenidad que brinda la razón. Esta particularidad también se asienta en la música con las composiciones de Beethoven y Mozart que se alejan el exceso ornamental del barroco y proponen un equilibrio entre la armonía y la melodía.

https://t.ly/e9GO

https://t.ly/t1Ev

Eros y Psiqué

Antonio Canova (1793)

Fachada del Palacio Borbón

Giardini y Jacques Gabril (1722-1728)

9. ESTILO ROMÁNTICO

Surge en el siglo xix como una forma de oposición al razonamiento que se impuso durante la ilustración. El estilo romántico privilegia los sentimientos por encima de la razón. Es un momento donde las pasiones rigen la vida, se extiende una fuerte tendencia hacia la emancipación del individuo que se rebela hacia las nuevas realidades provocadas por la industrialización, con lo que surge una tendencia conocida como escapismo en la que se buscan nuevos horizontes: tanto en la historia como en los lugares lejanos y exóticos hay un inmenso deseo de acudir a la naturaleza donde se puede disfrutar de una vida idílica.

La Libertad guiando al pueblo Eugène Delacroix (1830)

10. IMPRESIONISMO

A finales del siglo xix la pintura experimenta un cambio que abre todas las posibilidades para la experimentación en las siguientes décadas. Algunos pintores optan por no seguir el vuelo imaginativo que propone el romanticismo y se enfocan en plasmar escenas cotidianas. Para este momento ya había llegado la fotografía y el furor que causaba la impresión fidedigna de la realidad propició que la pintura buscase su propio camino abandonando la idea de mímesis, ya que en ese sentido la fotografía podía hacerlo mucho mejor. Los artistas experimentaron con el manejo de la luz y una nueva forma de plasmar los objetos sin formas cerradas y sin mezclar el color en la paleta. La premisa para esta nueva pintura es que el ojo humano es capaz de reconocer las formas y los colores sin que se especifiquen todos los detalles en la pintura. En este mismo tenor la era industrial permite la implementación del hierro como parte estructural y ornamental en la arquitectura, algo completamente novedoso para la época.

https://t.ly/qAuC

11. LAS VANGUARDIAS

Las exploraciones en el arte que comenzaron en el impresionismo cobran intensidad a principios del siglo xx con diversos estilos o movimientos artísticos conocidos como los “ismos”. Es un momento de búsquedas constantes en la interpretación y representación de la realidad. Cada uno de los movimientos traza su propio camino y se legitiman con la exposición de sus “manifiestos”, que son una especie de tratados donde se explican los argumentos que justifican esa forma tan particular de hacer arte. Las vanguardias se caracterizan por una plena libertad creativa, en este momento los artistas abandonan la idea del arte académico y los temas históricos. Abren nuevas posibilidades estéticas que van desde la abstracción hasta nuevas formas en la pintura como el cubismo.

Fauvismo

https://t.ly/OvDr

Les Alyscamps

Vincent van Gogh (1888)

Todos los movimientos vanguardistas son importantes, sin embargo, para no extendernos en una larga lista se han agregado solo algunos ejemplos y en cada uno de ellos una liga que te dirige hacia una página de internet con una explicación más detallada.

Dadaísmo

https://t.ly/dHcm

Surrealismo

https://t.ly/iW9K

https://t.ly/d0jU

12. ARTE CONTEMPORÁNEO

Más que ser un estilo es una categoría que aglutina muchas formas de hacer arte. En las múltiples expresiones contemporáneas no es común encontrarnos con elementos narrativos de forma explícita como sucede con la pintura figurativa o las esculturas naturalistas. En la mayoría de los casos nos encontraremos con objetos cotidianos o expresiones abstractas que complejizan la interpretación. En ocasiones las obras son lúdicas, interactivas o se relacionan únicamente con experiencias sensoriales. Podríamos decir que el arte contemporáneo se sostiene más en las ideas que en las formas, es menos narrativo y más sensorial.

https://t.ly/FF4x

Palacio de Cristal

Ricardo Velázquez Bosco (1887)

Puppy

Jeff Koons (1992)

Todas estas características en el arte actual se desprenden de la corriente cultural denominada postmodernidad establecida a partir de 1980. En la postmodernidad todos los discursos son válidos, hay un rechazo a las normas y se admite todo tipo de conocimiento. De tal modo que el arte postmoderno es un campo totalmente abierto para expresarse y todas las propuestas son válidas ya que la idea es más importante que la forma. Konrad Liessmann cita en su texto Filosofía del arte contemporáneo al filósofo Jean-François Lyotard, quien resume de forma muy acertada la esencia del arte contemporáneo: “Finalmente, debería ser claro que lo que nos incumbe no es aportar realidad, sino idear alusiones a algo pensable que no puede representarse” (Liessmann, 2006, p. 206).

Actividad de cierre

Cada una de las palabras o frases que se presentan a continuación corresponde a un estilo artístico. Organízalas de manera temporal colocando un número en cada casilla. El número 1 corresponde al estilo clásico griego y consecutivamente el número 12 corresponde al arte contemporáneo.

Encuentra las diferentes corrientes artísticas en un solo lugar en Google Arts & Culture:

Manejo de la luz

BIENES CULTURALES

Actividad preliminar

1. ¿Qué es lo más caro que tienes o que has tenido?

2. ¿Qué es lo más valioso que tienes o has tenido?

3. ¿Consideras que las cosas que tienes en tu casa —fotografías, reconocimientos, trofeos, juegos, canciones, libros, joyas, imágenes religiosas, incluso bailes o festejos— representan a tu familia? ¿Por qué razón?

Es común que cuando nos referimos a bienes, valores o patrimonio asociemos estas palabras con la economía. Si bien sabemos que las obras de arte se comercializan —Cristo como salvador del mundo de Leonardo da Vinci tiene un precio de ¡cuatrocientos cincuenta millones de dólares!— el concepto de bien cultural abarca más que un precio.

La cuestión de los valores del arte desde un punto de vista axiológico, que ya hemos abordado en temas anteriores, es fundamental para comprender

¿Sabías que…?

En México los hombres-pájaro se lanzan al vacío para que la lluvia venga. Conoce más sobre el ritual de los Voladores de Papantla, patrimonio inmaterial de la humanidad, que involucra a la danza y la música. https://t.ly/GoTL

el concepto de bien en la producción artística. Nadie duda del gran valor que guarda un museo.

En términos económicos, un bien es un elemento tangible o material destinado a satisfacer alguna necesidad del público. Además, a cambio de una contraprestación. En esta definición caben las producciones artísticas: una pintura, una escultura, un concierto, una película son ejemplo de ello. Existen espacios físicos y virtuales donde se comercializan dichas creaciones: galerías públicas y privadas, casas de arte, incluso mercados donde se compran, se venden o se permutan.

Sin embargo, los bienes culturales no solo están enfocados en objetos sino también en la producción inmaterial pero significativa de las diferentes comunidades. Es decir, también las sociedades reconocen como valiosas diversas expresiones de identidad, historia o cultura. En el caso de México la celebración del Día de Muertos constituye un claro ejemplo de ello. Este día es considerado festivo a nivel nacional. Si bien es cierto que dicha festividad para honrar a los difuntos hunde sus raíces en el pasado profundo de nuestro país, no es una conmemoración: la cantidad de productos culturales y artísticos como obras literarias, composiciones musicales, elaboración de artes gráficas o producciones dancísticas, por nombrar algunas, en que el Día de Muertos se ve reflejado, lo transforman, reelaboran y reinterpretan. De esta forma la celebración por el Día de Muertos es una experiencia vigente que habita en nuestras casas, se enseña en las escuelas y convive en las plazas públicas o las oficinas.

La suma de estos bienes valiosos constituye lo que definimos como patrimonio cultural inmaterial. En 2001 la uNEScO, por primera vez, emitió su Declaratoria sobre Patrimonio Oral e Intangible de la Humanidad, donde se abarcan y clasifican determinados bienes como relevantes para la cultura de un pueblo, de una región o de toda la humanidad. Wikipedia (2021) apunta que el patrimonio cultural “es la herencia cultural propia del pasado de una comunidad, mantenida hasta la actualidad y transmitida a las generaciones presentes”. Existen dos tipos de patrimonio cultural: el material y el inmaterial,

Calavera garbancera José Guadalupe Posada (1910)

también llamados tangible e intangible. Todos estos bienes son fundamentales para definir nuestra propia humanidad, en esto radica su complejidad y la necesidad de su resguardo. En la página de la Universidad de Guadalajara (2021) se precisa que: “todos aquellos bienes muebles materiales e inmateriales originales que reúnen valor estético, histórico o intelectual relevante como producto de la creatividad humana en cualquiera de las manifestaciones científicas, artísticas y literarias […] de relevancia histórica, científica, simbólica y/o estética, sean muebles o inmuebles, requieren un sistema de administración y cuidado distinto al resto de los bienes de la Universidad”.

Actividad de cierre

Construye tu propio mercado del arte: hagamos una subasta. þ Instrucciones

1. Escoge entre los objetos que hayas elaborado a largo de esta unidad de aprendizaje tres que consideres valiosos.

2. Toma una fotografía de cada uno e imprímela.

3. Redacta para cada fotografía una ficha de identificación. No se te olvide, además de ponerle un nombre a la obra, especificar los materiales y la técnica que utilizaste en su elaboración.

4. En una ficha aparte anota el precio en que la tasas, es decir, pon un precio a tu obra.

5. Seleccionen en grupo y con la ayuda del profesor una moneda de cambio simbólica para que puedan comprar algunas obras que les interesen.

6. En el salón coloquen las fotografías con las fichas de identificación y elijan entre ustedes a una persona que se encargue de recibir las ofertas de compra de los diferentes participantes.

7. Compra y vende en tu Salón del Arte. En el Anexo 5 encontrarás encontrarás una plantillas de billetes recortables para que los puedas utilizar en esta actividad.

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Para saber más

Poner precio a lo valioso es más complejo de lo que parece. Entérate, a través de este blog, sobre el proceso que se vive en una galería de arte para organizar una subasta.

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Sueño de una tarde dominical en la Alameda Central

Diego Rivera (1947)

INTEGRADORA EXPOSICIÓN DE ARTE

Ahora toca presentar las creaciones que a lo largo del semestre produjiste. De manera grupal planifiquen una exposición. Aquí te proponemos una serie de acciones para que esta resulte un éxito. De igual forma en el apartado Recursos encontrarás algunos sitios para organizar tu presentación.

Instrucciones

1. Con apoyo de su docente decidan si la exposición será presencial o virtual, es decir, si la obra se presenta ante público o arman la exposición y la comparten a través de un sitio electrónico.

2. Elijan curadores, es decir, nombren a unos compañeros para que decidan cuáles son las obras que participarán en la exposición. Es conveniente que establezcan reglas de participación como el número máximo de obras con las que cada estudiante pueda participar, temática para darle uniformidad a la muestra, por ejemplo, escoger solo obras que combinan, que giren sobre el tema de la naturaleza, etcétera. También pueden usar el criterio de las técnicas de realización.

3. Si la exposición será presencial, ubiquen un espacio para montarla. Si bien es cierto que el salón de clases es un lugar adecuado, exploren sitios como la biblioteca, la cafetería, las canchas deportivas, la sala de lectura, incluso los pasillos de la escuela. Recuerden que pensar en el espacio implica también componer y proponer maneras de contar lo que ustedes crearon.

4. Preparen aspectos técnicos. Consideren lo que van a necesitar para que las obras puedan ser exhibidas: caballetes, pedestales, lazos. En caso de no contar con ellos, pueden improvisar con otros elementos que sirvan para exponer las diferentes creaciones.

5. Promocionen la exposición. Es necesario que los demás se den cuenta de que su clase hará una exhibición de sus piezas. Diseñen publicidad para que compañeros de otros grupos acudan a verlas. Pueden hacerlo por medio de redes o diseñar un cartel, un programa de mano o hasta un separador o menú en el que registren el grupo y los nombres de los participantes.

6. Presentación Por último, celebren con una presentación el trabajo de todo un semestre. Tomen fotografías del evento: servirán como evidencias para integrarlas a su portafolio de trabajo.

Rúbrica de evaluación

Trabajo

Participación

Responsabilidad en la realización de tareas

Trabajan de manera constante y de forma organizada en la exposición.

Todos los alumnos participan de modo activo y entusiasta en la organización del evento.

Los alumnos comparten de manera igualitaria la responsabilidad en la tareas que les son asignadas.

Trabajan con algunas deficiencias en la organización de la exposición.

La mayoría del grupo participa en la organización del evento.

Trabajan sin armonía y cuestionan el desempeño de los compañeros.

La mitad del grupo participa en el evento.

Trabajan sin organización.

Apenas cumplen y no muestran interés en la exposición.

La mayor parte del grupo hace frente al trabajo con responsabilidad.

Solo la mitad del grupo asume responsabilidad por el evento.

Solo algunos alumnos trabajan en la exposición.

Acuden a la exposición sin haber participado.

La responsabilidad la asumen unos pocos estudiantes.

Nadie asume la responsabilidad por lo que el trabajo se presenta de manera caótica.

Dinámica de trabajo

Escuchan y aceptan los comentarios y las sugerencias del otro para mejorar el trabajo. Adoptan acuerdos.

Roles

Todos tienen un rol definido y lo desarrollan a cabalidad.

Escuchan los comentarios e ideas de los otros y utilizan adecuadamente las que son conveniente después valorarlas..

Todos tienen un rol pero no está bien definido ni están de acuerdo con él.

Escuchan los comentarios e ideas de los otros pero no los usan.

Cuestionan sin escuchar a profundidad las sugerencias de los demás.

No se hacen sugerencias ni comentarios por no tener un ambiente propicio para la discusión.

Tienen un rol pero no entienden cuál es su función.

Tienen un rol pero no lo desempeñan. No hay roles establecidos de trabajo por lo que se dejan tareas pendientes.

Brochas y pintura al oleo en estudio de arte. Kiev, Ucrania.

ANEXOS

ANEXO 1 EJEMPLO DE INTERPRETACIÓN DE UNA OBRA DE ARTE

þ Autor: Sandro Botticelli

þ Título: Nacimiento de Venus

þ Datación: 1485-1486

þ Dimensiones: 1.72 m x 2.78 m

þ Ubicación: Galería Uffizi, Florencia (Italia)

þ Técnica: Pintura al temple

þ Género: Renacentista, mitológico

Lectura descriptiva o denotativa. Al centro del cuadro se observa a una mujer desnuda que cubre sus senos y vagina con sus manos y su cabellera. La mujer se encuentra posando sobre una concha marina que parece que flota sobre las aguas. En el extremo derecho aparece otra figura femenina con un manto florido que intenta cubrir a la mujer desnuda. En el extremo izquierdo se observan dos personajes con alas que flotan en el aire, uno de ellos lanza un soplo hacia la mujer desnuda al tiempo que sobrevuelan un puñado de flores parecidas a las rosas. La escena se enmarca por un fondo con un paisaje acuático y una costa cuyas orillas son arboladas.

Lectura interpretativa o connotativa. La escena describe el mito griego del nacimiento de Afrodita, la diosa del amor (Venus para los romanos). En la mitología griega Hesíodo nos cuenta que Cronos, el dios del tiempo, corta los genitales de su padre Urano y los lanza al mar, y de la espuma que se forma nace Venus (diosa del amor) quien es llevada a la orilla de la isla de Chipre con la ayuda del soplo de Céfiro (dios del viento). En este caso Botticelli incluye a Cloris, la diosa de las flores, y la coloca al lado de su pareja, el dios Céfiro. Al llegar a Chipre, Venus es llevada por las Horas (diosas de las estaciones del año) al lugar de los inmortales. En el cuadro el artista decide plasmar únicamente la presencia de la Hora de la primavera, que se identifica por su manto florido.

Estructura expresiva. Botticelli ha implementado una composición triangular o piramidal, otorgando mayor énfasis a la figura central (Venus). Las líneas de todas las figuras son ondulantes, con lo que se aprecia un sentido de movimiento en los cuerpos, las ondas en el agua simulan el oleaje marino y se aprecia el movimiento de las telas y los cabellos por acción del viento. La expresión de los temas del amor y la feminidad se acentúan con el uso de los colores cálidos como el naranja, rosa y marrón, estos colores fueron muy utilizados en las pinturas renacentistas.

El mensaje. Antes del siglo xv en Europa predominaba el pensamiento cristiano como la única forma de entender el mundo, la ciencia aún no había despuntado y la única explicación para comprender los fenómenos naturales y sociales era la Biblia. Con la llegada del renacimiento surge una corriente de pensamiento conocida como humanismo, que consistió en otorgar mayor importancia al ser humano y sus capacidades. Por ese motivo las antiguas culturas, griega y romana, fueron retomadas como un ejemplo de ponderación hacia el ser humano: los dioses, la cultura y el arte de esas sociedades estaban representados desde una perspectiva terrenal y no desde una perspectiva mística en un mundo espiritual e intangible como lo plantea el pensamiento cristiano. Por esa razón los artistas renacentistas mostraron un interés muy especial en los temas mitológicos de la Grecia antigua, privilegiando al ser humano y todas sus capacidades creadoras y asignándole un lugar muy similar al de Dios, de tal modo que los temas paganos se convertirán en los motivos principales del arte en esta época. En este cuadro Botticelli decide enmarcar el mito del nacimiento de Venus como una forma de privilegiar el cuerpo desnudo, abandonando a las vírgenes y los santos cristianos, para abrir paso a una nueva forma de concebir la naturaleza humana sin las imposiciones de la corriente cristiana.

Referentes. Se puede identificar una clara influencia de la Venus de Milo, y una descripción gráfica del tema mitológico del nacimiento de Afrodita descrito en la Teogonía de Hesíodo.

ANEXO 2 OTRAS CLASIFICACIONES DE LAS ARTES

En su Manual de estética (1998), Jaime Blume hace un recorrido histórico, que se presenta a continuación, de algunas otras clasificaciones del arte.

Clasificación de los sofistas

Artes útiles Artes agradables

Orientadas a necesidades: barberos, arquitectos, pintores, zapateros, etcétera.

Orientadas a generar bienes agradables no necesarios: pintura, escultura, música, oratoria, geometría, lógica, derecho.

Clasificación de Platón y Aristóteles

Artes materiales Artes espirituales Artes imitativas

Que utilizaban instrumentos para realizar mediciones: arquitectura.

Buscaban la formación del hombre. Pintura.

Clasificación de Galeno

Artes vulgares Artes liberales Artes pueriles Artes ludicae

Las que eran desempeñadas por los esclavos, hoy conocidas como oficios: zapatería, barbería, etcétera.

Las que eran realizadas por hombres libres y en las que el intelecto estaba por encima de la fuerza: geometría, astronomía, etcétera.

Clasificación de Quintiliano (se basa en el producto obtenido)

Artes destinadas a la instrucción.

Artes destinadas a la diversión.

Inspectio Artes teoréticas o de pensamientos: astronomía.

Actus Prácticas o de acción: danza.

Effectus Ars poetica o de resultado: pintura.

Clasificación de Cicerón (se basa en los “valores” de las artes)

Artes superiores Política, milicia.

Artes mediocres Filosofía, poesía y oratoria.

Artes menores Escultura, pintura, música, teatro, atletismo.

Clasificación de Plotino (se basa en el grado de espiritualidad)

Artes que producen objetos físicos Arquitectura.

Artes que ayudan a la naturaleza Medicina, agricultura.

Artes que imitan a la naturaleza Pintura.

Artes que mejoran la acción humana Retórica, política.

Artes puramente intelectuales Geometría.

Clasificación de la edad media

Artes liberales Artes mecánicas

Lógica Lanificium (vivienda, herramientas).

Retórica Agricultura (producción de alimentos).

Gramática Venatio (alimentación vía caza).

Aritmética Navigatio (desplazamiento).

Geometría Medicina (salud).

Astronomía Theatrica (entretención).

Música Armatura (arquitectura).

Clasificación del renacimiento

Principales (arquitectura).

Inventivas (escultura).

Mentales (matemática).

Antiguas (agricultura).

Necesarias (pastoreo).

Honestas (pintura).

Subordinadas (pintura).

Instrumentales (utensilios).

Manuales (escultura).

Nuevas (imprenta).

Innecesarias (interpretación).

Deshonestas (proxenetismo).

Clasificación de Francis Bacon (según las cualidades del alma o capacidad de goce del sujeto)

Razón Memoria Imaginación Fruición Ciencias. Historia. Poesía. Música (oído). Pintura (ojos).

Clasificación de la ilustración

Bellas artes (deleite) Artes mecánicas (utilidad) Artes mixtas (placer y utilidad)

Música. Retórica. Arquitectura.

Poesía. Herramientas.

Pintura. Navigatio.

Escultura. Medicina.

Danza. Agricultura y venatio (caza).

Clasificación de Kant (siglo XVII. Aborda los modos de expresión)

Artes de la palabra Poesía y retórica.

Arte de los sonidos Música.

Arte de los gestos Pintura, escultura, arquitectura.

Clasificación de K. Libelt (siglo XIX de acuerdo con su ámbito de manifestación)

Artes formales

Arquitectura Expresa belleza.

En el espacio. Escultura Expresa verdad.

Pintura Expresa bien.

Artes narrativas

Música Expresa belleza.

En el tiempo. Poesía Expresa verdad.

Retórica Expresa bien.

Artes sociales

Idealización de la naturaleza Expresa belleza.

Educación estética Expresa verdad.

Idealización social Expresa bien.

Clasificación de Alain (siglo xx)

Artes sociales

Manifestaciones plásticas como el arte callejero y el dadaísmo.

Clasificación de Souriou (siglo xx)

Artes visuales

En la vida.

Artes solitarias

Pintura, escultura, etcétera.

Artes rítmicas

Fotografía, arte digital, etcétera. Danza, música, etcétera.

Clasificación de Munro (siglo xx)

Artes geométricas

Artes biométricas

Composiciones con formas geométricas. Utilizan la tecnología y el cuerpo.

ANEXO 3 RUEDA ACROMÁTICA

ANEXO 4 SITIOS DE INTERÉS

Actividades interactivas

http://jacksonpollock.org

https://artsandculture.google.com/project/games

https://artsandculture.google.com/camera/selfie

https://artsandculture.google.com/explore

https://www.canva.com/

Museos y museos virtuales

Museo Frida Kahlo, Ciudad de México

https://www.museofridakahlo.org.mx/en/the-blue-house/virtual-tour/

Galería Nacional, Londres

https://www.nationalgallery.org.uk/visiting/virtual-tours/google-virtual-tour

Museo del Vaticano, Ciudad del Vaticano

https://www.museivaticani.va/content/museivaticani/en.html

https://www.museivaticani.va/content/museivaticani/en/collezioni/musei/ tour-virtuali-elenco.html

Museo del Louvre, Francia

https://collections.louvre.fr/en/

https://www.louvre.fr/en/online-tours

Rijksmuseum, Amsterdam

https://www.rijksmuseum.nl/en

https://g.co/arts/E5vmHu5vrcxvvkpF9

MUSA

https://www.musaudg.mx/

Museo del Estanquillo

https://www.museodelestanquillo.cdmx.gob.mx/

Museo del Prado, Madrid

https://www.museodelprado.es/en/whats-on/multimedia/ visual-guide-to-the-prado-museum/4621ae59-3080-43bb-892b-34721f47ca96

Museo de Arte Moderno, Nueva York

https://www.moma.org

Museo Smithsoniano, Washington

https://www.si.edu

https://www.smithsonianmag.com/smithsonian-institution/how-virtually-explore -smithsonian-your-living-room-180974436/

Museo del Hermitage, San Petersburgo

https://www.hermitagemuseum.org/wps/portal/hermitage/?lng=en

https://www.hermitagemuseum.org/wps/portal/hermitage/ panorama/virtual_visit/panoramas-m-1/?lng=en

Galería Uffizi, Florencia

https://www.uffizi.it/en/the-uffizi

Museo Británico, Londres

https://www.britishmuseum.org

https://blog.britishmuseum.org/how-to-explore-the-british-museum-from-home/

Museo Metropolitano, Nueva York

https://www.metmuseum.org

https://www.metmuseum.org/art/online-features/met-360-project

Museo Nacional de Arte

https://www.odisea360.com.mx/inba/munal/munal.html

Museo Franz Mayer

https://franzmayer.org.mx/

Museo de Arte Moderno

https://mam.inba.gob.mx/

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Apreciación del arte se terminó de imprimir en junio de 2023 en Guadalajara, Jalisco, México.