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The Line in Venice

The Line – la ville linéaire longue de 170km qui rallie la mer Rouge au désert dans la nature de NEOM en Arabie saoudite, débarque à Venise à l’occasion de la Biennale d’architecture (20 mai26 novembre 2023). L’expositon Zero Gravity Urbanism – Principles for a New Livability, en cours jusqu’au 24 septembre à l’Abbaye de San Gregorio, présente les principes clés de ce mégaprojet impliquant d’importants architectes internatonaux dont Sir Peter Cook, Massimiliano Fuksas, Jean Nouvel et Ben van Berkel. La propositon du Studio Fuksas, seul studio italien invité, concerne les modules 48, 49 et 50 qui font parte de la première phase du masterplan de cete ville futuriste et controversée pouvant accueillir jusqu’à 9 millions d’habitants avec une emprise foncière égale à 2% de celle d’une ville de même populaton. Partant du concept de «Zero Gravity Urbanism», c’est-à-dire de l’idée de superposer vertcalement les fonctons urbaines, le nouveau projet de Studio Fuksas est conçu comme un développement urbain linéaire entèrement intégré, hyper-connecté, avec des quarters piétonniers, une mobilité intégrée et un accès direct au paysage naturel. Il sera alimenté à 100% par des énergies renouvelables et tous les services quotdiens essentels seront à moins de cinq minutes à pied.

The Line – la cità da 170 km in Arabia Saudita che collega da est a ovest il Mar Rosso con le montagne e le valli superiori dell’Hejaz, nella natura di NEOM sbarca a Venezia in occasione della Biennale di architetura (20 maggio - 26 novembre 2023). La mostra Zero Gravity Urbanism –Principles for a New Livability, allestta fno al 24 setembre nell’Abbazia di San Gregorio, presenta i principi chiave di questo mega progeto dove intervengono important architet internazionali tra cui Sir Peter Cook, Massimiliano Fuksas, Jean Nouvel e Ben van Berkel. La proposta dello Studio Fuksas, unico studio italiano coinvolto, riguarda i moduli 48, 49 e 50 che fanno parte della prima fase del masterplan di questa cità lineare che, tra critche e consensi, potrà ospitare fno a 9 milioni di abitant con un’impronta sul suolo pari al 2% di quella di una cità con una popolazione simile. Partendo dal conceto di “Zero Gravity Urbanism”, ovvero dall’idea di stratfcare vertcalmente le funzioni urbane, il nuovo progeto di Studio Fuksas è concepito come uno sviluppo urbano completamente integrato, iperconnesso, lineare con quarteri percorribili, mobilità integrata e con accesso direto al paesaggio naturale. Sarà alimentato al 100% da energia rinnovabile e tute le necessità quotdiane essenziali saranno raggiungibili in cinque minut a piedi.

The Line – a 170 km long city in Saudi Arabia that crosses and connects the Red Sea to the mountains and upper valleys of the Hejaz from east to west in the wonderful natural setng of NEOM – is coming to Venice for the Architecture Biennale (20th May – 26th November 2023). The exhibiton enttled ‘Zero Gravity Urbanism - Principles for a New Livability’, on display untl 24th September in the Abbey of San Gregorio, showcases the key principles of this megaproject involving such leading internatonal architects as Sir Peter Cook, Massimiliano Fuksas, Jean Nouvel and Ben van Berkel. The project by Studio Fuksas, the only Italian frm involved, concerns modules 48, 49 and 50, which are part of the frst phase of the masterplan for this linear city, which, amidst all the critcism and consensus, will be able to accommodate up to 9 million inhabitants with a footprint on the ground equal to 2% of that of a city with a similar populaton. Startng from the concept of “Zero Gravity Urbanism”, i.e. the idea of vertcally layering urban functons, the new project by Studio Fuksas is designed to be a fully integrated, hyper-connected, linear urban development with neighbourhoods for walking round, integrated mobility and direct access to the natural landscape. It will be powered by 100 per cent renewable energy and all essental daily needs will be catered for within fve minutes’ walk.

Studio Fuksas, The Line Project

Noken Porcelanosa Bathrooms collabore avec ERRE Arquitectura pour proposer un nouveau design de robineterie, baptsé Swan, qui se distngue principalement par son caractère intemporel, sa fonctonnalité, l’authentcité de ses matériaux et sa technologie. Il s’agit en outre d’un design WaterForest, car son ouverture à froid et son système Noken Eco-Flow partcipent à la réducton de la consommaton d’eau.

Noken Porcelanosa Bathrooms collabora con lo studio ERRE Arquitectura al nuovo design della rubineteria

chiamata Swan, che si caraterizza principalmente per il suo stle senza tempo, la funzionalità, i materiali di prima qualità e le prestazioni tecnologiche. Inoltre, utlizza il design WaterForest (soluzioni per risparmiare fno all’89% d’acqua) con apertura a freddo e sistema Noken Eco-Flow, che contribuisce a ridurre il consumo di acqua.

Noken Porcelanosa Bathrooms is collaboratng with ERRE Arquitectura on Swan, a new tap design boastng functonality, technology, material sincerity and tmeless appeal. And it’s a WaterForest design, featuring cold-start and Noken Eco-Flow systems to help reduce water consumpton.

laminam.com

IN-SIDE de Laminam est une collecton de surfaces en pierre céramique partculièrement adaptée à l’espace cuisine. La contnuité matérielle et esthétque entre bord, surface et masse, la résistance aux chocs, aux taches et aux rayures sont ses caractéristques principales. Avec son caractère polyvalent, la céramique permet aux surfaces de garder leurs spécifcités même en cas d’expositon à la chaleur, au gel et aux rayons UV, avec une absorpton d’eau moyenne égale à 0,1 %. IN-SIDE est un produit totalement naturel, compatble avec les substances alimentaires puisqu’il ne relâche pas d’éléments en soluton (même en cas d’incendie) et ne permet pas le développement des moisissures.

IN-SIDE di Laminam è una collezione di superfci in pietra ceramica partcolarmente adata alla zona cucina. Contnuità materica ed estetca tra bordo, superfcie e massa, resistenza agli urt, alle macchie e ai graf sono le sue principali carateristche. Con il suo caratere versatle, la ceramica permete alle superfci di mantenere le proprie specifcità anche se esposte al calore, al gelo e ai raggi UV, con un assorbimento d’acqua medio pari allo 0,1%. IN-SIDE è un prodoto completamente naturale, compatbile con le sostanze alimentari in quanto non rilascia element in soluzione (nemmeno in caso di incendio) e non permete lo sviluppo di mufe.

provex.eu

Provex propose diférents modèles de cabines de douche qui allient recherche esthétque, accessibilité et sécurité, afn de transformer la salle de bain en un lieu de détente totale. S-Lite SW-5 est le modèle walk-in avec porte coulissante en ligne, idéal pour ceux qui ont besoin d’une entrée confortable. Conçu pour les confguratons en niche ou d’angle, il permet d’allier la pratcité d’une cabine de douche à l’italienne à la possibilité d’agrandir l’espace disponible en laissant la porte coulissante ouverte. La poignée vertcale, facilite l’ouverture et la fermeture de la porte tandis que le mécanisme coulissant est entèrement logé dans les roues.

IN-SIDE by Laminam is a collecton of ceramic stone surfaces that are ideal for kitchens. Textural and aesthetc contnuity between edges, surfaces and masses, and resistance to shocks, stains and scratches are its most distnctve features and traits. Due to its versatlity, ceramics allow surfaces to retain their specifc traits even when exposed to heat, frost and UV rays, with an average water absorpton rate of 0.1%. IN-SIDE is a completely natural product compatble with foodstufs, since it does not release solutons (even in the event of fre) and prevents mould for growing.

Provex propone diversi modelli di cabine doccia che uniscono ricerca estetca, accessibilità e sicurezza, al fne di trasformare la stanza da bagno in un luogo di totale relax. S-Lite SW-5 è il modello walk-in con anta scorrevole in linea, pensato per chi necessita di un ingresso comodo frontale. Ideale per confgurazioni in nicchia o ad angolo, permete di abbinare la pratcità di una cabina doccia walk-in alla possibilità di ampliare lo spazio a disposizione, lasciando la porta scorrevole aperta. La maniglia vertcale, squadrata e minimale, agevola in modo otmale l’apertura e la chiusura della porta mentre il meccanismo di scorrimento è interamente alloggiato nelle ruote.

Provex ofers several shower units that combine aesthetc experimentaton, accessibility and safety to transform the bathroom into a place for total relaxaton. S-Lite SW-5 is a walk-in design with an in-line sliding door designed for people who are looking for a convenient front entrance. Ideal for niche or corner confguratons, it combines the practcality of a walk-in shower unit with the possibility of expanding the amount of space available by leaving the sliding door open. The vertcal, squared and minimalist handle makes it easy to open and close the door, the sliding mechanism is entrely housed in the wheels.

The Italian Ceramic Tiles Group

ceramic mosaic and small format tiles with a high technical, aesthetic and functional content.

Made in Italy qualitative and visionary design ceramics.

all the colors and formats of glazed porcelain stoneware tiles for architecture solutions.

Hexa

Pastelli

Flauti

Appiani

Ceramica Bardelli

Ceramica Vogue

Légèreté et luminosité sont au cœur du modèle de cuisine Sign, conçu par Giuseppe Bavuso pour Ernestomeda.

Sign se distngue par l’absence d’éléments hauts fermés qui cèdent la place à des éléments caractérisés par la transparence des matériaux, amplifant la luminosité de l’espace. Le verre devient le protagoniste de la cuisine en caractérisant les éléments hauts, les vitrines et les éléments ouverts. Le modèle est complété par l’espace de travail avec éléments bas et top en Fenix Beige

Arizona, évier intégré et planche à découper en bambou massif teinté Namib Elm. La péninsule équipée

Move-On Plus en Hi-melamine Olmo

Namib s’étend vers le centre de la pièce, caractérisée par un plateau coulissant pratque qui révèle le compartment à outls équipé en dossous.

Leggerezza e luminosità sono al centro del modello di cucina Sign, frmato Giuseppe Bavuso per Ernestomeda. Sign si contraddistngue per l’assenza di pensili chiusi che lasciano il posto a element caraterizzat dalle trasparenze dei materiali, dando respiro e luce all’ambiente. Il vetro diventa protagonista della cucina caraterizzando pensili, vetrinete ed element a giorno. Il modello si completa con l’area operatva con basi e piano di lavoro in Fenix Beige Arizona, zona lavaggio integrata e tagliere in massello bambù tnto Olmo Namib. Dalla parete si estende verso il centro dell’ambiente la penisola atrezzata Move-On Plus in Hi-melamine Olmo Namib, caraterizzata da un pratco piano scorrevole che rivela il sotostante vano atrezzato portautensili.

Lightness and luminosity are the focus of the Sign kitchen range designed by Giuseppe Bavuso for Ernestomeda. ‘Sign’ stands out for its lack of enclosed wall units that are replaced by features made of materials, giving breath and light to the kitchen-scape. Glass becomes the key feature of the kitchen characterising the wall units, display cabinets and open elements. The kitchen design is completed by the work area with base units and worktop made of Fenix Beige Arizona, an integrated washing area and chopping board made of solid bamboo-coloured Elm Namib. Extending from the wall towards the centre of the room is The Move-On Plus fully-fted island made of Hi-melamine Olmo Namib complete with a handy sliding top revealing the utensils compartment below.

Conçue par Design Studio Meneghello Paolelli Associat pour Glass 1989, ChillOut est une soluton de bien-être modulaire innovante, hautement personnalisable et polyvalente, qui vous permet de vous détendre dans la chaleur d’un bain turc, de réactver votre énergie dans le sauna fnlandais ou simplement de transformer le geste quotdien de douche dans un vrai moment de détente. En combinant deux ou trois modules pouvant être installés au mur, dans une niche ou dans un angle, avec de grandes portes vitrées frontales pouvant être prolongées latéralement ou à l’intérieur, ChillOut permet de créer des confguratons diférentes optmisant l’espace détente; les nombreux matériaux et fnitons ofrent des solutons uniques en termes de volumes et de couleurs.

Firmata da Design Studio Meneghello Paolelli Associat per Glass 1989, ChillOut è un’innovatva soluzione modulare di benessere, altamente personalizzabile e versatle, che consente di rilassarsi nel tepore di un bagno turco, riatvare le energie nella sauna fnlandese o semplicemente trasformare il gesto quotdiano della doccia in un momento di vero relax. Combinando due o tre moduli installabili a parete, in nicchia o ad angolo, con ampie vetrate frontali che possono essere prolungate da una vetrata laterale o interna, si realizzano dei layout che consentono un’otmizzazione e fruibilità degli spazi; i molteplici materiali all’avanguardia e fniture proposte, consentono di realizzare soluzioni uniche nei volumi e negli abbinament cromatci.

Designed by Meneghello Paolelli Associat design studio for Glass 1989, ChillOut is an innovatve modular health product that is highly customisable and versatle, so you can relax in the warmth of a Turkish bath, reenergise in a Finnish sauna or simply transform the daily act of showering into something really relaxing. By combining two or three unts that can be wall-mounted or fted in a niche or in a corner, with large frontal glass panels that can be extended by a side or insider window, layouts can be created to optmise space or make them more user-friendly; the various cutng-edge materials and fnishes available allow for unique solutons in terms of structural/colour combinatons.

Laufen renouvelle sa collaboraton avec Marcel Wanders pour la collecton Space. Jouant avec la matérialité de la céramique, le designer néerlandais propose une réinterprétaton de la collecton The New Classic à travers trois décors diférents pour les vasques, Cosmopolitan, Bohemian et Ornamental. Chacun de ces trois motfs décoratfs allie rigueur géométrique et référence aux formes naturelles grâce à l’utlisaton du matériau innovant, ultra-fn et résistant, le Saphirkeramik développé par l’entreprise suisse.

Laufen rinnova la collaborazione con Marcel Wanders per la collezione Space. Giocando con la matericità della ceramica, il designer olandese propone una rivisitazione della collezione The New Classic atraverso tre diverse decorazioni per i lavabi, Cosmopolitan, Bohemian e Ornamental. Ognuno di quest tre motvi decoratvi combina rigore geometrico e il richiamo alle forme naturali grazie all’utlizzo dell’innovatvo materiale, ultrasotle e resistente, Saphirkeramik sviluppato dall’azienda svizzera.

Laufen is renewing its partnership with Marcel Wanders for its Space collecton. Playing with the material side of ceramics, the Dutch designer is revamping The New Classic collecton with three diferent types of decoraton for the Cosmopolitan, Bohemian and Ornamental washbasins. Each of these three decoratve paterns combines geometric precision and a reference to natural forms through the use of an innovatve, ultra-thin and resistant material called Saphirkeramik developed by the Swiss company.

Ahead of evolution

Bologne, 25-29 septembre 2023

Salon International de la Céramique pour l’Architecture et des Ameublements pour Salles de Bains

www.cersaie.it

L’événement qui présente en avant-première les tendances en matière d’espaces architecturaux. Le lieu de rencontre des concepteurs, des entrepreneurs et des acteurs commerciaux du monde entier.

COmpilation

La hote îlot Mythos T-Shelf de Franke Home Solutons allie rigueur, légèreté et hautes performances. Disponible dans la fniton Black Mat et en classe énergétque A, la hote T-Shelf permet une utlisaton à 360° grâce à la positon symétrique de l’interface utlisateur et des lumières. Ses lignes au design essentel et ses étagères en verre fumé se combinent à des fltres noirs mats pour donner à l’ensemble un aspect homogène, discret et élégant. Les deux barres lumineuses LED dimmables permetent de régler la lumière souhaitée, tandis que la technologie Sound Pro garantt une ambiance silencieuse toute en assurant une capacité d’aspiraton en mode intensif de 750 m3/h.

La cappa a Isola Mythos T-Shelf di Franke Home Solutons coniuga rigore, leggerezza e alte prestazioni. Disponibile nell’iconica fnitura Black Mat e in classe energetca A, la cappa T-Shelf permete un utlizzo a 360°grazie alla posizione simmetrica dell’interfaccia utente e delle luci. Le sue linee di design essenziali e i suoi ripiani in vetro fumé si combinano con i fltri nero opaco conferendo all’insieme un aspeto omogeneo, discreto ed elegante. Le due barre luminose a LED con funzione dimmer, permetono di impostare la luce desiderata, mentre grazie alla tecnologia Sound Pro è possibile otenere un ambiente silenzioso garantendo una capacità di aspirazione nella modalità intensiva di 750 m3/h.

The Mythos T-Shelf island oven hood from Franke Home Solutons combines precision, lightness and high performance. Available with an iconic Black Mat fnish and class A energy ratng, the T-Shelf oven hood is ideal for all-round use thanks to the symmetrical positon of the user interface and lights. Its simple design and smoked glass shelves combine with mat black flters to give the entre design a smooth, discreet and elegant appearance. The two LED light bars with dimmer functon can be used to set the desired lightng level, while Sound Pro technology ensures a quiet environment with a sucton capacity of 750 m3/h on the intense setng.

La lumière comme matériau du projet est à la base des radiateurs “100/1000 Righe” conçus par Gabriele et Oscar Burat pour Caleido. La texture tridimensionnelle qui caractérise leur surface interprète la technique du fraisage de la surface plane pour former des rainures vertcales concaves qui réagissent avec la lumière. “1000 Righe” se distngue par un rythme très dense et répéttf, tandis que “100 Righe” s’adoucit et trace un rythme plus léger et plus aérien. Fabriqués en aluminium recyclable dans les versions hydrauliques et électriques, ils sont disponibles en diférentes tailles, en version vertcale et horizontale et peuvent être utlisés à la fois individuellement et combinés entre eux, avec des rythmes alternés.

Light treated as an integral part of design is at the very heart of the 100/1000 Righe radiators designed by Gabriele and Oscar Burat for Caleido. The three-dimensional patern characterising their surface is a method of excavatng a fat surface to form concave vertcal grooves that react with light. 1000 Righe has a very tghtly-knit

La collecton AXESS conçue par Studio

F. A Porsche fait parte de la gamme de produits Keuco dans laquelle design et fonctonnalité se confondent grâce à l’utlisaton de technologies innovantes et à une fabricaton de pointe inspirée de l’artsanat. La linéarité est l’élément qui caractérise chaque produit : de la barre d’appui relevable au tabouret, en passant par le système de garde-corps pour la douche et les poignées de relèvement.

AXESS est destné aux personnes à mobilité réduite, aux personnes âgées et handicapées mais peut s’intégrer dans le projet de n’importe quelle salle de bains grâce à la qualité et à l’atenton portée à son design.

La luce intesa colme materia del progeto è alla base dei radiatori 100/1000 Righe disegnat da Gabriele e Oscar Burat per Caleido. La trama tridimensionale che caraterizza la loro superfcie interpreta la tecnica dello scavo della superfcie piana, per formare scanalature vertcali concave che reagiscono con la luce. 1000 Righe si presenta con un passo molto fto e ripettvo, mentre 100 Righe si ammorbidisce e traccia un ritmo più leggero ed arioso. Realizzat in alluminio riciclabile nelle versioni idraulica ed eletrica, sono disponibili in diverse misure, sia vertcali che orizzontali e possono essere usat sia singolarmente che combinat tra loro, con ritmi alternat.

and repettve patern, while 100 Righe is much sofer and lighter in its design. Made of recyclable aluminium in hydraulic/electric versions, they are available in diferent vertcal and horizontal sizes and can be used either individually or combined together in alternatng paterns.

La collezione AXESS disegnata da Studio F. A Porsche si inserisce nella gamma di prodot Keuco in cui design e funzionalità si fondono grazie all’utlizzo di tecnologie innovatve e di avanzate lavorazioni di ispirazione artgianale. La linearità è l’elemento caraterizzante tut i prodot: dal maniglione ribaltabile al sistema ad asta per la doccia e ai maniglioni, fno allo sgabello. AXESS è destnato a persone con mobilità ridota, anziani e diversamente abili ma può inserirsi senza alcuna difcoltà nel progeto di qualsiasi ambiente bagno grazie alla qualità e alla cura del design.

The AXESS collecton designed by Studio F. A Porsche is part of Keuco product range bringing together design and functonality through the use of innovatve technology and cutng-edge crafsmanship. Linearity is the distnguishing feature of all the products: from the folding support rail to the rail system for the shower and the stool. AXESS is designed for people with reduced mobility, the elderly and diferently abled, but can ft efortlessly into the design of any bathroom thanks to its metculous high-quality design.

GRAFF a inauguré une collaboraton avec le designer industriel américain Stephen Burks, auteur de l’installaton Faucet Fantasy, un projet artstque qui atre l’atenton sur l’importance de la conservaton de l’eau. Burks, a réinterprété neuf robinets GRAFF par des fnitons luxueuses, dans son mélange signature de couleurs vibrantes avec des matériaux naturels et artfciels. L’installaton, qui a eu sa première américaine lors de la soirée de lancement du principal événement de design de l’année à Chicago, River North Design District (RNND) Gallery Walk, s’inscrit dans la contnuité du programme de durabilité Art of Bath de GRAFF.

GRAFF ha avviato una collaborazione con il designer industriale americano Stephen Burks, autore dell’installazione Faucet Fantasy, un progeto artstco che richiama l’atenzione sull’importanza della conservazione dell’acqua. Burks, ha presentato nove rubinet GRAFF in fniture di lusso, reinventat nel suo carateristco mix di colori vivaci con materiali naturali e artfciali. L’installazione, che è stata presentata in anteprima americana al Kick-Of party per l’evento di design più importante dell’anno di Chicago, il River North Design District (RNND) Gallery Walk, si allinea al programma di sostenibilità Art of Bath di GRAFF.

cosentno.com

Parmi les projets lauréats de Let’s Design – Progetare in Dekton®, le concours d’idées pour les designers d’intérieur et les architectes d’intérieur opérant en Italie promu par le groupe Cosentno, le lavabo freestanding Cover conçu par Angelo Ferrucci est réalisé en Dekton® Kelya. La polyvalence de la surface ultra-compacte Dekton a permis de façonner le pied et le bassin du lavabo conçus comme un seul volume en saillie avec des lignes carrées, qui peut être personnalisé avec un anneau sculptural disponible en diférents matériaux à encastrer et remplaçable à volonté.

La nouvelle usine Atlas Concorde de plus de 35 000 m² pour la producton de dalles de grand format en grès cérame Made in Italy prend forme. Quelques mois après l’annonce de l’investssement d’environ 60 millions d’euros pour la nouvelle usine, la constructon des bâtments s’est achevée et le démarrage de la producton est prévu pour cete été 2023. Le nouveau centre pourra produire des dalles en grès cérame dans les formats 120x278cm, 120x240cm et 160x320cm en diférentes épaisseurs, en foncton des demandes du marché. Il ateindra les normes de durabilité les plus élevées du secteur grâce au grand parc photovoltaïque de plus de 8400 panneaux qui permetra la réducton de 2 000 tonnes de CO2 par an. Le four de cuisson est adapté pour fonctonner à l’hydrogène.

GRAFF has set up a partnership with American industrial designer Stephen Burks, who created the Faucet Fantasy installaton, an art project drawing atenton to the importance of water conservaton. Burks has designed nine GRAFF faucets in luxury fnishes reinvented in his distnctve mix of bright colours using natural and artfcial materials. The installaton, which made its US premiere at the Kick-Of party for Chicago’s biggest design event of the year, the River North Design District (RNND) Gallery Walk, is perfectly aligned with GRAFF’s Art of Bath sustainability programme.

Tra i proget vincitori di Let’s Design – Progetare in Dekton®, il concorso di idee per interior designer e architet d’interni operant in Italia promosso dal Gruppo Cosentno, il Lavabo freestanding Cover disegnato da Angelo Ferrucci è realizzato in Dekton® Kelya. La versatlità della superfcie ultracompata Dekton ha permesso di modellare la base portante e la vasca del lavabo concepit come un unico volume aggetante dalle linee squadrate che può essere personalizzato con un anello scultoreo disponibile di diversi materiali da inserire a incasso e sosttuibile a piacere.

One of the winning projects in Let’s Design - Progetare in Dekton®, an ideas competton for interior designers and architects working in Italy promoted by the Cosentno Group, was the freestanding washbasin called Cover designed by Angelo Ferrucci is made of Dekton® Kelya. The versatlity of its ultra-compact Dekton surface mean the supportng base and basin secton of the washbasin are designed like on single protruding structure with square lines that can be customised with a sculptural ring available in diferent materials that can be recessed in the wall and replaced at will.

atlasconcorde.com

Il nuovo stabilimento Atlas Concorde di oltre 35.000 m² destnato alle produzione di lastre made in Italy in gres porcellanato di grandi dimensioni, prende forma. A pochi mesi dall’annuncio dell’investmento di circa 60 milioni di euro per il nuovo impianto, è stata completata la costruzione dei fabbricat con avvio della produzione previsto entro questa l’estate 2023. Il nuovo polo sarà in grado di produrre lastre in gres porcellanato nei format 120x278cm, 120x240cm e 160x320cm in spessori diferent, sulla base delle richieste del mercato. Raggiungerà i più elevat standard di sostenibilità del setore ceramico grazie all’ampio parco fotovoltaico composto di 8400 pannelli che permeterà la riduzione di 2.000 tonnellate di CO2 all’anno. Il forno di cotura è predisposto per l’alimentazione a idrogeno.

The new Atlas Concorde plant covering over 35,000 m² for the manufacture of large-sized porcelain stoneware slabs is gradually taking shape. A few months afer the announcement of an investment of about €60 million for the new plant, the constructon of the buildings has been completed and manufacturing is scheduled to start by summer 2023. The new centre will be capable of manufacturing porcelain stoneware slabs in sizes 120x278cm, 120x240cm and 160x320cm in diferent thicknesses according to market demand. It atain the highest standards of sustainability in the ceramics industry thanks to a large photovoltaic park of 8400 panels that will reduce annual CO2 emissions by 2,000 tonnes. The fring kiln will also be set up to run on hydrogen.

Un caffè macchiato Design, grazie!

Mall 29-30

I direttori delle più prestigiose testate e i grandi architetti e designer si ritrovano davanti al rito antico del caffè, per parlare in modo informale di architettura e design. 25 - 29 settembre 2023

COmpilation

kermi.com, vasco.eu

Kermi by Vasco – marques du groupe suisse Arbonia, est une collecton innovante de radiateurs qui chaufent une ambience à travers une ofre complète de solutons technologiques à haute valeur ajoutée et à faible consommaton d’énergie. Un chaufage de qualité, à bas impact environnemental, et sans gaspillage inutle pour assurer une amélioraton signifcatve du confort de l’habitat en phase avec les nouveaux modes de vie, associée à une réducton des émissions de substances polluantes.

Bertazzoni a présenté la nouvelle plaque de cuisson à inducton de 80 cm avec hote intégrée, conçue en collaboraton avec Valerio Comet Studio. Idéale pour les installatons en îlot grâce au moteur en dessous du plan de cuisson elle est dotée d’une grille circulaire centrale qui combine la cuisson et l’aspiraton dans un seul appareil. Parmi ses principales caractéristques, 4 zones de cuisson, hote intégrée avec 10 sélectons de vitesse et contrôle automatque de l’aspiraton, une puissance de 640 m3/h qui permet d’éliminer les odeurs et les fumées et fonctonnement silencieux.

Il nuovo piano cotura da 80 cm a induzione con cappa integrata Bertazzoni, disegnato in collaborazione con Valerio Comet Studio, è ideale per le installazioni a isola grazie al motore sotopiano. L’esclusiva griglia circolare centrale unisce la cotura all’aspirazione in un solo eletrodomestco. Tra le sue principali carateristche, 4 zone di cotura, cappa integrata con 10 selezioni di velocità e controllo automatco dell’aspirazione, una potenza di 640 m3/h che consente di eliminare odori e fumi risultando estremamente silenziosa.

agapedesign.it

Sculpturale et essentelle, la série polyvalente et transversale de lavabos Undici Inox signée Benedini Associat pour Agape s’agrandit avec une nouvelle version autoportante. La vasque, en acier inoxydable ou en laiton brossé, est de forme arrondie aux lignes épurées et l’actvaton se fait au moyen d’un simple connecteur sur la colonne en métal peint. L’élément de joncton au sol est également minimaliste, dans une compositon architecturale légère et pratque. Le design d’Undici Inox a Colonna souligne autant la forme que la couleur, avec de nombreuses interprétatons et combinaisons possibles, ce qui équilibre la rigueur de sa concepton.

Kermi by Vasco – entrambi brand del Gruppo svizzero Arbonia, è un’innovatva collezione di radiatori che riscaldano un ambiente, atraverso un’oferta completa di soluzioni tecnologiche a elevato valore aggiunto e a consumo energetco contenuto. Un riscaldamento di qualità, a basso impato ambientale, e senza inutli sprechi per garantre un signifcatvo miglioramento del comfort abitatvo in linea con i nuovi stli di vita, unito alla riduzione nell’emissione di sostanze inquinant.

Kermi by Vasco - both brands belonging to the Swiss group Arbonia - is an innovatve collecton of radiators that heat rooms drawing on a full range of technological products with high added value and low energy consumpton. Quality heatng with low environmental impact with no unnecessary waste to guarantee a signifcant improvement in living comfort in line with new lifestyles combined with a reducton in emissions of pollutants.

bertazzoni.com

Bertazzoni’s new 80 cm inducton hob with integrated hood designed in partnership with Valerio Comet Studio is ideal for island-style installatons thanks to its under-surface motor. The exclusive central circular grill combines cooking and extracton in a single appliance thanks to the premium integrated hood. Its main features include 4 cooking zones, an integrated hood with 10 speed selectons and automatc aspiraton, and a power output of 640 m3/h that eliminates odours and fumes while operatng extremely quietly.

Scultorea nella sua essenzialità, la serie di lavabi Undici Inox frmata da Benedini Associat per Agape si espande con la nuova versione freestanding. Il catno dalla forma pura e arrotondata in acciaio inox o otone spazzolato si innesta tramite un semplice raccordo sulla colonna in metallo verniciato. Minimale anche l’elemento di giunzione al pavimento, in una composizione architetonica asciuta e funzionale. Insieme alla forma, Undici Inox a Colonna esplora il colore, con molteplici interpretazioni e combinazioni possibili che bilanciano il rigore del design.

Sculptural and essental, the versatle washbasin

Undici Inox series designed by Benedini Associat for Agape expands with a new freestanding version. The basin with a clean, rounded shape in stainless steel or brushed brass engages via a simple connector on the painted metal column. The juncton element to the foor is also minimal, in a lean and practcal architectural compositon. Together with form, Undici Inox a Colonna explores color, with multple interpretatons and possible combinatons that balance the rigour of its design.

I Protagonisti est la collection de monographies d’architecture que l’ARCA INTERNATIONAL consacre à la recherche conceptuelle et à la créativité des architectes qui expriment actuellement leur talent professionnel et créatif se démarquant sur la scène internationale.

Chaque volume, grand format, d’une qualité graphique soignée et de 200 pages, comprend un commentaire critique, une interview de l’auteur et une sélection raisonnée de ses œuvres les plus signifcatives avec images et dessins.

Pour information : arcainternational@groupep.mc

I Protagonisti è la collezione di monografe di architettura che l’ARCA INTERNATIONAL dedica alle ricerche concettuali e alla creatività degli architetti che attualmente esprimono il loro talento professionale e creativo distinguendosi nel panorama internazionale.

Ogni volume, di grande formato, di accurata qualità grafca e di 200 pagine, include un commento critico, un’intervista all’autore e una selezione ragionata delle opere più signifcative con immagini e disegni.

Informazioni: arcainternational@groupep.mc

I Protagonisti is the collection of architecture monographs that l’ARCA INTERNATIONAL is dedicating to the conceptual research and creativity of architects whose professional expertise and creative talent make them stand out on the international scene.

I Protagonisti is the collection of architecture monographs that l’ARCA INTERNATIONAL

Is dedicating to the conceptual research and creativity of architects whose professional expertise and creative talent make them stand out on the international scene.

Each of these large-format 200-page books of notable graphic quality includes a critical commentary, an interview with the author and a carefully thought-out selection of their most signifcant works supported by pictures and drawings.

For further information: arcainternational@groupep.mc

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COmpilation

roca.com

La collecton Nu de Roca comprend trois leviers diférents : Pin, Dome et Stripes, disponibles en six couleurs avec une fniton brillante et inspirées de l’ADN méditerranéen de l’entreprise espagnole : vert, bleu, jaune, noir, blanc et chrome. Un robinet aux lignes eflées et “sculptées”, dans lequel la couleur et la polyvalence sont des éléments intrinsèques du design. Avec un diamètre du corp de 35 millimètres, le plus fn jamais fabriqué par Roca, Nu allie ingéniosité, durabilité et qualité dans une nouvelle collecton passionnante.

La famille DallFlex de Dallmer, spécialiste allemand des systèmes de drainage, s’enrichit de CeraFrame Liquid – une soluton dédiée aux salles de bains sans joints – et CeraFloor Select Duo le caniveau de douche noir mat – en acier inox. Le design minimaliste de CeraFrame Liquid intègre l’ensemble des fonctonnalités et ne laisse apparaître que l’essentel assurant la contnuité visuelle des carreaux grand format ou de revêtements extra fns. Noir, intense et ultra mat CeraFloor Select Duo peut ateindre jusqu’à 2 mètres de longueur. Conçu pour des applicatons à feur de sol, ce caniveau de douche possède une double pente intégrée qui assure une évacuaton de l’eau fuide et rapide des douches à l’italienne.

dallmer.com

La collezione Nu di Roca presenta tre leve diverse: Pin, Dome e Stripes, disponibili in sei colori dalla fnitura lucida e ispirat al DNA mediterraneo dell’azienda spagnola: verde, blu, giallo, nero, bianco e cromato. Una rubineteria dalle linee afusolate e “scolpite”, in cui il colore e la versatlità sono element intrinseci del design. Con un diametro del corpo di 35 millimetri, il più sotle mai realizzato da Roca, Nu coniuga ingegno, sostenibilità e qualità in una nuova ed entusiasmante collezione.

Roca’s Nu collecton features three diferent levers: Pin, Dome and Stripes, available in six colours with a glossy fnish and inspired by the Spanish company’s Mediterranean DNA: green, blue, yellow, black, white and chrome. A tap with tapered, ‘sculpted’ lines, whose colour and versatlity are intrinsic design features. With a sectonal diameter of 35 millimetres, the thinnest ever made by Roca, Nu combines ingenuity, sustainability and quality in an excitng new collecton.

La linea DallFlex di Dallmer, specialista tedesco nei sistemi di drenaggio, si arricchisce di CeraFrame Liquid – una soluzione dedicata alle superfci dei bagni senza fughe – e CeraFloor Select Duo la canalina doccia nera opaca – in acciaio inox. Il design minimalista di CeraFrame Liquid integra tute le funzionalità e rivela solo l’essenziale, garantendo la contnuità visiva di piastrelle di grande formato o rivestment extra sotli. Nero, intenso e ultra opaco CeraFloor Select Duo può raggiungere fno a 2 metri di lunghezza. Progetato per applicazioni a flo pavimento, questo scarico per doccia ha una doppia pendenza incorporata che garantsce un drenaggio regolare e rapido delle docce walk-in.

The DallFlex range by Dallmer, a German company specialising in drainage systems, has been extended by the additon of CeraFrame Liquid – a product for seamless bathroom surfaces – and CeraFloor Select Duo, a mat black shower guter – made of stainless steel. The minimalist design of CeraFrame Liquid incorporates all kinds of functons revealing only the bare essentals to create the kind of visual contnuity associated with large format tles or extra thin wall coverings. Black, intense and ultra-mat CeraFloor Select Duo can measure up to 2 metres in length. Designed for fush-to-foor applicatons, this shower drain has a built-in double slope that ensures smooth and fast drainage for walk-in showers.

modulnova.com

Modulnova transfère à l’extérieur la beauté et le lifestyle des programmes créés pour les intérieurs. Avec Project 01, conçu par Carlo Presoto et Andrea Bassanello, le système Block à trois lames en grès Gold Brown défnit à la fois le bloc lavabo équipé d’un évier et d’un mitgeur rabatable, et le bloc de cuisson. Ce dernier est complété par le plan de cuisson Mate en acier facilement personnalisable. De plus, la nouvelle péninsule XY en bois de frêne traité thermiquement contribue à défnir un projet d’une élégance intemporelle.

Modulnova porta all’esterno la bellezza e il lifestyle dei programmi creat per gli ambient interni. Con Project 01, disegnato da Carlo Presoto e Andrea Bassanello, il sistema Block a tre doghe in gres Gold Brown defnisce sia il blocco lavabo dotato di vasca per il lavaggio e miscelatore abbatbile, sia il blocco cotura. Quest’ultmo è completato dal piano cotura Mate in acciaio facilmente customizzabile. Inoltre la nuova penisola XY in legno di Frassino termotratato light contribuisce a defnire un progeto dall’eleganza senza tempo.

Modulnova is bringing the beauty and lifestyle of interior designs to the outdoors. Project 01, designed by Carlo Presoto and Andrea Bassanello, uses a Block system with three Gold Brown stoneware slats for the washbasin unit with a basin for washing and pull-down mixer tap and also the cooking unit. The later is completed by an easily customisable Mate steel hob. The new XY kitchen island made of light heat-treated Ash wood also contributes to creatng a design of tmeless elegance.

Brutalist Paris

Texts by Robin Wilson

Ce livre, qui est le résultat de plus de cinq années de recherches, d’interviews et de photographies, représente une contribution importante à l’étude et à l’exploration de l’architecture brutaliste. Il constitue un dossier unique sur ce sujet avec sept essais, des détails concernant plus de cinquante bâtiments, des cartes et plus de cent cinquante photographies en noir et blanc. Les essais de Robin Wilson, professeur associé à la Bartlett School, apportent de nouvelles interprétations du brutalisme dans le contexte français, avec des études d’observation approfondies, des comparaisons historiques et des signifcations sociales, ainsi que des citations et des références de critiques de flms, d’historiens et d’universitaires.

Frutto di oltre cinque anni di ricerche, interviste e fotografe, questo libro rappresenta un contributo sostanziale allo studio e all’esplorazione dell’architettura Brutalista. Costruisce un record unico del suo argomento con sette saggi, dettagli per più di 50 singoli edifci, mappe e più di 150 fotografe in bianco e nero. I saggi di Robin Wilson, professore associato presso la Bartlett School, portano nuove interpretazioni del Brutalismo nel contesto francese, con approfonditi studi osservativi, confronti storici e signifcati sociali, insieme a citazioni e riferimenti di critici cinematografci, storici urbani e accademici.

Drawing on over fve years of research, interviews and photography, this book represents a substantial contribution to the study and exploration of Brutalist architecture. It constructs a unique record of its subject with seven essays, details for more than 50 individual buildings, maps and more than 150 black and white photographs. Essays by Robin Wilson, associate professor at the Bartlett School, bring new interpretations of Brutalism in the French context, with insightful observational studies, historical comparisons and social meanings, alongside quotes and references from flm critics, urban historians and academics.

Alcantara. La materia dell’arte Il Brand Made in Italy e le sue collaborazioni con l’arte

Ce livre montre comment le matériau Alcantara qui, après son apparition singulière dans le contexte général de la conception de projets, en se distinguant par son extraordinaire fonctionnalité et après avoir particulièrement intéressé le secteur du “luxe”, a également été introduit dans le domaine créatif et de l’art et de l’inspiration conceptuelle et stratégique, en tant que fbre polyvalente et au rendement extraordinaire en termes de matière. L’alcantara s’impose donc comme un support exceptionnel à la disposition des artistes et des créateurs. Ce livre, édité sous la direction de Luca Masia et préfacé par Andrea Boragno, décrit et illustre la présence de l’alcantara dans le vaste monde des arts.

Si tratta di un volume che evidenzia come il materiale Alcantara, dopo la sua singolare comparsa nel contesto generale della progettualità, distinguendosi nei termini di una funzionalità applicativa straordinaria, e avere particolarmente interessato il settore del “lusso”, si sia relazionato e introdotto anche nell’ambito creativo e singolare dell’arte e dell’ispirazione concettuale e strategica, quale manufatto dalla molteplice versatilità e dalla straordinaria resa materica. Alcantara si distingue pertanto come un media eccezionale a disposizione di artisti e creativi. Il libro, a cura di Luca Masia e con prefazione di Andrea Boragno, documenta e illustra infatti una serie di presenze di Alcantara nel vasto mondo della arti.

This book focuses on how a material called Alcantara material has burst onto the design scene due to its extraordinary functional fexibility that has really caught the attention of the “luxury” sector. It has also made an impact and been widely introduced into the distinctive creative realm of art and conceptual/strategic thinking as an artefact of great versatility and extraordinary utility. So, Alcantara stands out as an exceptional medium available to artists and creative people. The book, edited by Luca Masia and with a preface by Andrea Boragno, documents and illustrates a number of projects in which Alcantara features in the extensive world of the arts.

I

L’introduction de Paolo Portoghesi, salue dans la préface le courage culturel de Mario Pisani et souligne l’attention souvent portée aux critiques de monographies consacrées à des architectes intéressants et presque oubliés. Dans ce livre très particulier, qui rassemble l’ensemble des critiques formulées, apparaissent clairement ses qualités telles que la capacité d’écoute et l’information, qui refètent sa remarquable intention de comprendre les raisons du travail d’autrui et de consacrer son temps et son attention aux voix les plus disparates.

Con introduzione di Paolo Portoghesi, che esalta nella prefazione al testo il coraggio culturale di Mario Pisani e ne sottolinea l’attenzione spesso riservata a recensioni di monografe dedicate ad architetti meritevoli e quasi dimenticati. Nel caso specifco di questo singolarissimo libro, che riporta l’insieme delle recensioni eseguite, emergono e si distinguono chiaramente le sue qualità quali quella dell’ascolto e dell’ informazione, che rispecchiano la notevole disponibilità a capire le ragioni del lavoro degli altri e a dedicare tempo e attenzione alle voci più diverse.

With an introduction by Paolo Portoghesi, who extols Mario Pisani’s cultural bravery in his preface to the text and emphasises the attention he often pays to reviews of monographs dedicated to deserving and almost forgotten architects. In the specifc case of this unusual book that contains all the reviews Pisani made, qualities of his like knowing how to listen and provide information clearly emerge and stand out, refecting his remarkable willingness to understand the reasons behind the work of others and to devote so much time and attention to all kinds of architects.

MARIO PISANI

libri degli architetti

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Piero Portaluppi A cura di Piero Maranghi

Skira editore, Milano 2023, ill. col., 400 pp

Voici une nouvelle monographie, extraordinaire et riche, consacrée à Piero Portaluppi qui, en tant que protagoniste incontesté de l’architecture italienne du XXe siècle, a caractérisé la physionomie de Milan. Ce livre, réalisé en collaboration avec la Fondation Portaluppi, présente en effet une nouvelle campagne photographique sélectionnée, accompagnée d’essais et de réfexions inédites qui complètent, soulignent et illustrent la singularité éclectique et agnostique de Piero Portaluppi en matière de conception, tout en révélant les nombreuses autres capacités créatives et culturelles qu’il a exprimées dans le cadre de son travail. Le livre fait suite, dix-huit ans plus tard, au catalogue de la grande exposition organisée à la Triennale de Milan, qui a marqué le début de la renaissance critique de Piero Portaluppi, célébré dans les années 1930 et délaissé durant la période d’après-guerre. Le livre présente en particulier de nouvelles photographies extraordinaires en couleur des ouvrages d’architecture et des intérieurs créés par le célèbre architecte, prises par Ciro Frank Schiappa, un photographe singulier et renommé.

Si tratta di una straordinaria, nuova ed estesa monografa dedicata a Piero Portaluppi che, indiscusso protagonista dell’architettura italiana del Novecento, caratterizzò con la propria progettualità l’aspetto di Milano. Il volume, realizzato in collaborazione con la Fondazione Portaluppi, è dotato infatti di una nuova e selezionata campagna fotografca, accompagnata da saggi e considerazioni inedite che ne completano, evidenziano e illustrano la singolarità progettuale eclettica e agnostica, rivelando inoltre le molte altre attitudini creative e culturali da Portaluppi esercitate. Il libro segue, dopo diciott’anni, il catalogo della grande mostra che, allestita nella Triennale di Milano, segnò l’inizio della rinascita critica di Portaluppi, celebrato negli anni Trenta e trascurato nel dopoguerra. Sono presenti nel volume e di particolare rilievo le numerose e straordinarie nuove immagini fotografche a colori delle architetture e degli interni creati dal noto architetto, scattate dal singolare e rinomato fotografo Ciro Frank Schiappa.

This is an extraordinary, new and extensive monograph about Piero Portaluppi, who, as an undisputed leading fgure of 20th century Italian architecture, helped shape the face of Milan through his design work. The book, published in partnership with Fondazione Portaluppi, features a new and carefully selected range of photographs accompanied by previously unpublished essays and commentaries that complete, highlight and illustrate his eclectic/agnostic design work, while also revealing Portaluppi’s many other creative and cultural aptitudes. This book comes eighteen years after the catalogue for a major exhibition held at the Milan Triennale, which marked the beginning of Portaluppi’s critical renaissance, a man who was much celebrated in the 1930s but overlooked in the post-war period. Of particular note are the book’s numerous extraordinary new colour photographs of the architecture and interiors created by this renowned architect, all taken by the famous photographer Ciro Frank Schiappa.

GOVANNI BAULE

Giancarlo Iliprandi.

L’occhio del grafco per la fotografa ll l

Ce livre réunit une série de témoignages de ce graphiste singulier, qui aident à défnir son approche du design, axée sur le graphisme pour la communication visuelle, toujours dans un dialogue avec la photographie, l’édition et la publicité. Une documentation iconographique abondante, tirée des archives professionnelles de Giancarlo Iliprandi, complète l’ouvrage.

Il libro raccoglie una serie di testimonianze del singolare designer, che concorrono a defnirne la progettualità, fnalizzata alla grafca per la comunicazione visiva, sempre in dialogo con la fotografa, l’editoria e la pubblicità. Completa il volume un’ampia documentazione iconografca, tratta dall’archivio professionale di Iliprandi.

The book collects a series of testimonials from the singular designer, which combine to defne his planning, aimed at graphics for visual communication, always in dialogue with photography, publishing and advertising. The volume is completed by extensive iconographic documentation, taken from Iliprandi’s professional archive.

Ce livre est la nouvelle édition de la monographie “Ezio Gribaudo. Il mio teatro della memoria” (“Mon théâtre de la mémoire”) d’Enrico Crispoldi, mis à jour par Silvana Nota en 2009, qui retrace le parcours singulier de l’artiste turinois. En effet, Ezio Gribaudo apparaît comme un artiste, mais aussi comme un éditeur, promoteur d’événements culturels et collectionneur, en révélant une personnalité et une pensée complexe et intense, mûrie par des relations et des collaborations avec les protagonistes les plus signifcatifs de l’histoire de l’art et de la culture, tels que Fontana, Moore, Chagall, de Chirico et Peggy Guggenheim. Parallèlement, il développa sa propre veine poétique, en recherchant les valeurs de la Beauté et d’un nouvel Humanisme. Ce livre permet ainsi de mieux connaître son talent et ses connaissances en mettant en lumière et en illustrant des œuvres, des photographies et des documents qui révèlent son extraordinaire éclectisme.

EZIO GRIBAUDO

La Bellezza ci salverà Skira editore, Milano 2022, ill. col e b/n, 384 pp

Il volume è la nuova edizione della monografa “Ezio Gribaudo. Il mio teatro della memoria” di Enrico Crispoldi che, da Silvana Nota aggiornato a partire dal 2009, delinea il singolarissimo percorso del maestro torinese. Gribaudo, ne emerge infatti sia come artista, nonché editore, promotore di eventi culturali e collezionista , rivelando una personalità e un pensiero complesso e intenso nei signifcati, maturato intrattenendo rapporti e collaborazioni con i più signifcativi protagonisti della storia dell’arte e della cultura, tra i quali anche Fontana, Moore, Chagall, de Chirico e Peggy Guggenheim. Sviluppò nel contempo la propria singolare vena poetica ricercando i valori della Bellezza e di un nuovo Umanesimo. Il volume consente pertanto di conoscerne e approfondirne il talento e la conoscenza evidenziando e illustrando opere, fotografe e documenti che rivelano la straordinaria poliedricità.

This book is the latest edition of a monograph entitled “Ezio Gribaudo. Il mio teatro della memoria” (My theatre of memory) by Enrico Crispoldi, which has been updated from 2009 by Silvana Nota, outlining the master from Turin’s unique career. Gribaudo emerges as an artist, as well as a publisher, a promoter of cultural events and a collector, revealing a personality and mindset that is complex and deeply meaningful having matured through relations and partnerships with some of the most signifcant people in the history of art and culture, including Fontana, Moore, Chagall, de Chirico and Peggy Guggenheim. At the same time, he developed his own unique poetic vein, seeking out the ideals of Beauty and a new kind of Humanism. This book provides an insight into his talent and expertise by highlighting and illustrating works, photographs and documents that reveal his extraordinary versatility.

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INDEX

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La revue internationale d’architecture, design et communication visuelle

La rivista internazionale di architettura, design e comunicazione visiva

The international magazine of architecture, design and visual communication

Juillet-Août/Luglio-Agosto/July-August 173 2023

EDITORIALE/EDITORIAL/EDITOR’S TEXT

Solo un settore non si sostiene

Seul un secteur reste à la traîne Only one sector cannot be sustained

Cesare M. Casati

THE LABORATORY OF THE FUTURE, INHABITING THE SEA AND SPA

Mario Pisani

YASHIMA MOUNTAINTOP PARK

Intervista a/Entretien avec/Interviews

Alfonso Mercurio – AMA Group

FLOLONY FLOAT-ON/FLOAT-OFF COLONY

HOV/David Raponi

MONITOR

Michele Bazan Giordano

COMPETITIONS

02 06 08 38 30

Takamatsu, Japan

SUO + Style-A

Luigi Prestinenza Puglisi, Giulia Mura

TOPOI Temi chiave e protagonisti del prossimo futuro: Labics

Questions clés et protagonistes du proche avenir

eVolo Skyscrpaer Competition

FUTURE

- DS P{ANTHERA} CONCEPT

James Leo Yamazaki

48 16

- ANREALAGE - FALL/WINTER

2023-2024 PARIS

Kunihiko Morinaga

- SEOUL RING

The Seoul Metropolitan Government

- DESTINUS HYPERSONIC JET

Destinus

- SWITCHBLADE FLYING CAR

Samson

Maurizio Vitta

Le tre leggi

Les trois lois

Three Laws of Robotics

Editeur Editore

Publisher

S.A.M. M.D.O.

Société anonyme monégasque

31, avenue Princesse Grace

MC 98000 Monaco tél. +377 92 16 51 51 fax +377 93 50 49 78

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Rappresentante legale

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Secrétariat de l’éditeur Segreteria dell’editore

Publisher assistant

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Directeur de la publication

Direttore responsabile

Editor Cesare Maria Casati

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Comité de direction

Comitato di direzione Management committee

Matteo Citterio, Joseph di Pasquale

Consultants culturels/Consulenti culturali

Cultural consultants

Aldo Castellano, Carmelo Strano, Maurizio Vitta

Comité scientifque/ Comitato scientifco Scientifc committee

Piero Castiglioni, Odile Decq, Giorgietto Giugiaro, Gianpiero Jacobelli, Dominique Perrault, Paolo Riani, Joseph Rykwert, Alain Sarfati, Piero Sartogo

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Mob. +39 335 80 00 863 / +39 335 60 27 824

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THANGKA ART MUSEUM

Lhasa, Tibet, China AND Studio/Duccio Cardelli

Emilio Ambasz, Mario Pisani

AQUA AEMILIA: LA FONTANA DEI CANALI NASCOSTI

Bologna, Italy

Emilio Ambasz

UNIVERSITY LIBRARY

Graz, Austria

Atelier Thomas Pucher

CO’MET Orléans, France Ferrier Marchetti Studio

SHORT

EDEN PROJECT MORECAMBE

01 104 110 116

Morecambe Bay, Lancaster, UK Grimshaw

FIELDHOUSE

Laghetti (Egna, BZ), Italy

92 94 70 78 88 90

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Rédaction de Monaco

Redazione di Monaco

Elena

Cardani

Key issues and players in the near future

Carmelo Strano

Michelangelo Pistoletto

DESIGN

- XYZ FLEXIBLE OFFICE SYSTEM

Foster + Partners for UniFor

- YOLTIC SEATS PRIMERA PIEDRA

Rojkind Arquitectos

- RISING FURNITURE

Robert van Embricqs

- GUOFENG CHAIR URBAN ELEMENT

LIN Architecture Design

- SINAPSI

Sebastian Errazuriz for Horm

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Solo un settore non si sostiene

L’intenzione è quella di far comprendere che oggi nonostante il progresso tecnologico in tutti i settori produttivi, che ha portato l’umanità a lavorare sempre meno con le braccia e sempre più con l’intelletto, è rimasto un settore molto importante ancora arretrato. Tutte le aziende che producono manufatti grandi e piccoli cercano di ridurre di anno in anno l’incidenza della mano d’opera nell’assemblaggio e nel collaudo dei nuovi prodotti adottando sistemi di robot che realizzano ormai la quasi totalità delle lavorazioni.

Cinquanta anni fa per costruire una automobile occorrevano 500 ore di lavoro manuale mentre oggi per la Tesla ne bastano 48. E così avviene in tutti i settori industriali grazie a robot, computer, software e materiali naturali e artifciali.

Solo nel settore della costruzione degli edifci si continuano ad usare tecniche costruttive artigianali e mai modifcate in centinaia di anni. La maggior parte delle strutture portanti degli edifci sono costituite da telai in Cemento Armato (cemento, sabbia, acqua, ghiaia e ferro) con “muri”, pareti resistenti e opache che utilizzano ancora elementi in laterizio e cemento o setti prefabbricati in cemento. Altri prodotti industriali di progetto contemporaneo costituiscono le altre fniture: le porte, le fnestre ecc. Tutti gli impianti energetici, di comunicazione e dei fuidi sono sistemi indipendenti che vengono adattati nella maggior parte dei casi cantiere per cantiere. Si continua dimenticare che il cemento armato è costituito da profli tondi di ferro rivestiti da calcestruzzo; rivestimento igroscopico che consente al ferro interno di ossidarsi e di conseguenza nel tempo di ridurre la sua sezione e quindi le sue caratteristiche strutturali.

E’ facile comprendere che nel tempo medio e lungo tutte le strutture in cemento armato sono destinate a sbriciolarsi e crollare. Dopo cinquanta anni necessitano sicuramente di controllo e manutenzione (vedi ponti autostradali); dopo cento anni inizieranno dei cedimenti e sicuramente dopo trecento anni crolleranno o ver-

Only one sector cannot be sustained

The idea is to make people realise that today, despite technological progress in all manufacturing realms that has resulted in mankind working less and less physically and more and more mentally, there is still a very important sector that is really lagging behind. All companies producing large/small manufactured goods try to reduce the amount of labour involved in the assembly and testing of new products year after year by adopting robotic systems that now carry out almost all the work.

Fifty years ago, it took 500 hours of manual labour to build a car, whereas today it takes only 48 hours for a Tesla.

This is the case in every kind of industry thanks to robots, computers, software and natural/artifcial materials. Only in the building industry do we continue to draw on manual construction techniques that have never changed over hundreds of years. Most of the load-bearing structures of buildings consist of reinforced concrete frames (cement, sand, water, gravel and iron) with strong and solid walls that still make use of brick and concrete or precast concrete partitions. Other cutting-edge industrial design products help create other fnishing features: doors, windows, etc. All energy, communication and fuid systems are independent systems that are adapted on a site-by-site basis in most cases. People still forget that reinforced concrete is made up of round iron

ranno demolite. Le cose vanno meglio con strutture in ferro che possono essere preservate con periodiche verniciature. Succede anche in questi tempi che le industrie più progredite nella costruzione di automobili con la necessità mondiale di sostenere il pianeta e di conseguenza per ridurre il CO2 nell’atmosfera di dover trasformare tutti i motori termici in elettrici presto dovranno ridurre la manodopera esuberante creando con problemi di disoccupazione. Il mondo avrà sempre meno necessità di mezzi individuali di trasporto. Settore metalmeccanico in crisi se non orienterà presto le sue tecnologie nel costruire altri macro-oggetti da abitare.

Meno automobili e sempre più abitazioni costruite a catalogo, intercambiabili, differenti nell’apparenza e ricche di optional tecnologici. Il forte incremento demografco, un miliardo in più di abitanti sulla Terra da urbanizzare nei prossimi dieci anni, impegnerà anche i cantieri nautici e aeronautici. In conclusione, ricordo che oggi costruiamo con le stesse tecniche costruttive dei romani: pietra, marmo, mattoni, legno e calce. Con il risultato che le piramidi ci sono ancora a Genova il ponte è crollato.

È evidente che dobbiamo approfttare di questa trasformazione e dell’incremento demografco per smettere di occupare nuovi spazi e da subito investire in infrastrutture durevoli e programmare per rigenerare tutti i quartieri fatiscenti e periferici delle metropoli con nuove abitazioni perfette, sostenibili e effcienti e confortevoli oltre che adeguate ai modi di vita attuali. Lasciando all’artigianato, proprio come avviene per le navi e le barche, le fniture interne dove la fantasia individuale anche tradizionale può ancora servire. Costruiamo delle Mercedes di 100 m2 e abitiamole. Propongo il sistema a grappolo (come l’uva): tanti chicchi un grappolo, tanti grappoli una città e la vigna sono le infrastrutture strutturali e di servizi. È tutto da inventare proprio da parte degli architetti che ancora una volta dimostreranno come la loro intelligenza “naturale” sia superiore a quella “artifciale”.

profles coated with concrete; a hygroscopic coating that allows the iron inside to oxidise and, consequently, to gradually shrink in terms of its cross-section and, hence, structural traits.

It is easy to see that in the medium and long term all reinforced concrete structures will inevitably crumble and collapse. After ffty years they will certainly need inspection and maintenance (as in the case of motorway bridges); after one hundred years they will start to fail and after three hundred years they will defnitely collapse or be demolished. Things are better with iron structures that can be successfully maintained thanks to regular painting.

Due to the worldwide need to sustain the planet and, consequently, reduce CO2 emissions in the air, most advanced car manufacturing industries are now having to convert all heat engines into electric engines, which means they will soon have to cut back on their workforce resulting in unemployment issues. The world will have less and less need for private means of transport. The metal-mechanical engineering industry will soon be in jeopardy unless it rapidly uses its technologies for building other macro-objects for living.

We will need fewer and fewer cars and more and more homes built from a catalogue, interchangeable, distinctive looking and full of technological options. The boom in the world’s popula-

Seul un secteur reste à la traîne

L’objectif est de faire comprendre qu’aujourd’hui, malgré les progrès technologiques, en raison desquels l’homme travaille de moins en moins avec ses bras et de plus en plus avec son intellect, il y a encore un secteur très important qui reste à la traîne. Les entreprises qui fabriquent des produits manufacturés, tentent chaque année de réduire l’incidence de la main-d’œuvre dans l’assemblage et les tests de nouveaux produits, en adoptant des systèmes robotisés qui effectuent aujourd’hui la quasi-totalité des opérations de fabrication.

Il y a cinquante ans, il fallait compter environ cinq cents heures de travail manuel pour construire une voiture, alors qu’aujourd’hui il ne faut que quarante-huit heures pour contruire une Tesla.

Il en va de même dans tous les secteurs de l’industrie grâce aux robots, aux ordinateurs, aux logiciels et aux matériaux naturels et artifciels. Il n’y a que dans le secteur du bâtiment que nous continuons à utiliser des techniques de construction qui n’ont pas changé depuis des centaines d’années. La plupart des structures porteuses sont faites en béton armé avec des murs résistants et opaques qui utilisent encore des éléments en brique et en béton ou des cloisons en ciment préfabriquées. D’autres produits industriels de conception contemporaine concernent les fnitions: portes, fenêtres, etc. Toutes les installations relatives à l’énergie, à la communication et aux fuides sont des systèmes indépendants qui, dans la plupart des cas, sont adaptés à chaque chantier. On continue d’oublier que le béton armé est constitué de proflés ronds en fer revêtus de ciment, un revêtement hygroscopique qui permet au fer de s’oxyder et donc, avec le temps, de réduire sa section et, par conséquent, ses caractéristiques structurelles. On comprend aisément qu’à moyen et long terme, les structures en béton armé sont destinées à se désagréger et à s’effondrer. Ainsi, au bout de cinquante ans, elles devront forcément faire l’objet d’une inspection et d’un entretien (voir les ponts routiers), tandis qu’au bout de cent ans, elles commenceront à se détériorer et, au bout de trois cents ans, elles s’effondreront ou devront être démolies. La situation est meilleure avec les structures en fer qui peuvent être préservées grâce à des travaux de peinture périodiques.

De nos jours, il arrive également que les industries de construction automobile à la pointe du progrès, confrontées à la nécessité globale de réduire les émissions de CO2 dans l’atmosphère, devront bientôt convertir tous les moteurs thermiques en moteurs électriques et réduire leur maind’œuvre, ce qui créera des problèmes de chômage. Le monde aura de moins en moins besoin de moyens de transport individuels. Le secteur de la métallurgie risque d’être en crise s’il n’oriente pas rapidement ses technologies vers la construction d’autres macro-objets à habiter. Moins de voitures et de plus en plus de maisons construites sur catalogue, interchangeables, différentes les unes des autres, et dotées de nombreuses options technologiques. En raison de la forte croissance démographique, sur la Terre un milliard d’habitants supplémentaires devront être urbanisés au cours des dix prochaines années, ce qui mobilisera également les chantiers navals et aéronautiques. Pour conclure, je voudrais rappeler qu’aujourd’hui, nous construisons en adoptant les mêmes techniques que les anciens Romains, c’est-à-dire en utilisant de la pierre, du marbre, de la brique, du bois et de la chaux. Le résultat est qu’alors que les pyramides sont toujours là et en Italie le pont de Gênes s’est effondré. Il est clair qu’il faut profter de cette transformation et de l’accroissement démographique pour cesser d’occuper de nouveaux espaces et pour investir dès maintenant dans des infrastructures durables et planifer la régénération des quartiers délabrés et des banlieues des métropoles avec de nouveaux logements durables, confortables et adaptés aux modes de vie actuels, en laissant les fnitions intérieures aux artisans, comme pour les navires et les bateaux, où la créativité individuelle peut donner le meilleur d’elle-même.

Construisons des Mercedes de cent mètres carrés et habitons-les. Je propose un système en grappes (comme le raisin) : beaucoup de grains forment une grappe, beaucoup de grappes forment une ville et la vigne est constituée par les infrastructures structurelles et de services. Tout est à inventer par des architectes justement, qui démontreront une fois de plus que leur intelligence “naturelle” est supérieure à l’intelligence “artifcielle”.

tion, a billion more inhabitants on Earth will need to be urbanised over the next ten years, will also engage shipyards and the aeronautics industry.

In conclusion, let me remind you that today we build using the same construction techniques as the Romans: stone, marble, brick, wood and lime. This means the pyramids are still standing but the bridge in Genoa has collapsed.

It is evident that we must take advantage of this transformation and demographic decrease to stop occupying new spaces, immediately invest in durable infrastructure and plan to regenerate all the dilapidated and peripheral neighbourhoods of our metropolises with new perfectly sustainable and effcient homes that are comfortable as well as adapted to current lifestyles. Leaving it to craftsmanship, as in the case with ships and boats, to take care of interior fnishing that can still beneft from old-fashioned individual fair and imagination. Let’s build 100 m2 Mercedes and inhabit them. I propose a cluster system (like grapes) with lots of grapes in every bunch and lots of bunches in a city. The structural/service infrastructure will be our “vineyard”.

All this needs to be invented by architects, who will once again show that their “natural” intelligence is superior to its “artifcial” counterpart.

The Laboratory of the future, inhabiting the sea and space

“Le Laboratoire du futur : habiter la mer et l’espace” est le titre de la conférence organisée par l’Arca International en collaboration avec la Fondation Jacques Rougerie – Académie des beaux-arts, le 18 mai 2023 au Circolo Uffciali della Marina Militare à Venise, à l’occasion de l’inauguration de la 18e Biennale internationale d’architecture. En lien avec le titre de la Biennale de cette année, sous le commissariat de Lesley Lokko, cette rencontre était axée sur les recherches de l’architecte océanographe Jacques Rougerie confrontées aux études sur la préservation et la planifcation des océans développées par la communauté scientifque à travers les interventions de Francesca Santoro, Senior Programme Offcer for Ocean Literacy, IOC UNESCO, et Francesco Musco, professeur à la Faculté Iuav de Venise et coordinateur des programmes de recherche sur la planifcation de l’espace marin. Dans son introduction, Cesare Maria Casati, directeur de l’Arca International, a mis l’accent sur la syntonie entre les projets de Jacques Rougerie et la projection vers l’avenir qui sous-tend les choix éditoriaux de la revue depuis sa fondation en 1986. Le modérateur de la conférence Francis Rambert, directeur du Département de Création architecturale de la Cité de l’architecture et du patrimoine de Paris, a créé les justes liens entre les intervenants grâce à sa sensibilité et ses compétences. La présentation de Jacques Rougerie a mis en lumière son approche visionnaire et novatrice qui, depuis plus de trente ans, s’attache à défnir une architecture biomimétique, bio-inspirée, résiliente et durable. L’architecte a entraîné le public dans un voyage passionnant à travers des habitats et des laboratoires sous-marins, des musées sous-marins, des villages fottants, des villages lunaires jusqu’à

ses projets réalisés avec le Lab Rougerie+Tangram et à l’emblématique SeaOrbiter, une plateforme océanographique internationale dédiée à la recherche scientifque, à l’exploration, à l’étude du climat et à l’éducation. L’architecte a ensuite expliqué comment la tension vers le futur qui fait partie de son ADN l’a conduit à créer en 2009 la Fondation Jacques Rougerie – Académie des beaux-arts, qui organise chaque année un concours international ayant pour vocation de soutenir des projets architecturaux innovants liés au climat et aux univers de l’eau et de l’espace. L’intérêt des recherches développées par Jacques Rougerie a été relayé par Francesca Santoro, responsable au niveau mondial de l’Ocean Literacy pour l’Ocean Decade (2021-2023), qui a souligné dans son intervention la nécessité de combiner les connaissances en matière de conception et les connaissances scientifques, et plus généralement l’importance de la transdisciplinarité, en mettant toujours plus l’océan au centre de l’agenda international, afn de promouvoir le rôle des sciences marines en tant qu’outil de développement durable. La planifcation de l’espace marin, sa gestion et sa conception sont étroitement liées au projet des futurs habitats marins qui, comme l’a souligné Francesco Musco, coordinateur des programmes de recherche sur la Planifcation de l’espace marin, fait désormais partie de la directive européenne sur le développement durable des zones marines. Habiter la mer de manière consciente, durable et biomimétique fait partie de notre avenir et de celui de nos territoires côtiers.

“Le Laboratoire du futur : habiter la mer et l’espace” a parfaitement centré ce thème, en faisant émerger de nouvelles synergies et de nouvelles comparaisons entre communauté scientifque et monde du projet.

Photos: Paolo Emilio Sfriso

“Il Laboratorio del futuro: abitare il mare e lo spazio” è il titolo della conferenza organizzata da l’Arca International con la Fondation Jacques Rougerie – Académie des Beaux-Arts , il 18 maggio 2023 al Circolo degli Uffciali della Marina Militare a Venezia in occasione dell’inaugurazione della 18° Biennale di architettura.

In tema con il titolo della Biennale di quest’anno curata da Lesley Lokko, l’incontro ha messo a confronto le ricerche sviluppate dall’architetto oceanografco e spaziale Jacques Rougerie con gli studi sulla salvaguardia e la pianifcazione degli oceani sviluppati dalla comunità scientifca grazie agli interventi di Francesca Santoro, Senior Programme Offcer for Ocean Literacy, IOC UNESCO e di Francesco Musco, Docente della Facoltà Iuav di Venezia e Coordinatore dei programmi di Ricerca sulla Pianifcazione Spaziale del Mare.

Nella sua introduzione Cesare Maria Casati, direttore de l’Arca International, ha messo l’accento sulla profonda sintonia tra i progetti di Jacques Rougerie e la proiezione verso il futuro che dalla sua fondazione nel 1986 è alla base delle scelte editoriali della rivista.

Moderatore della conferenza, Francis Rambert, direttore del Dipartimento di Creazione Architettonica della Cité de l’architecture et du patrimoine di Parigi, che grazie alla sua sensibilità e competenze ha saputo creare i giusti collegamenti tra gli interventi dei relatori.

La presentazione di Jacques Rougerie ha messo in luce il suo approccio visionario e innovatore che da oltre trent’anni è impegnato nella defnizione di un’architettura biomimetica, bio-ispirata, resiliente e sostenibile.

L’architetto ha coinvolto il pubblico in un viaggio appassionante tra habitat e laboratori sottomarini, musei sottomarini, villaggi galleggianti, villaggi lunari fno ai

progetti sviluppati con lo studio Rougerie + Tangram e all’emblematica SeaOrbiter una stazione oceanica internazionale dedicata alla ricerca scientifca, all’esplorazione, allo studio del clima e all’educazione.

L’architetto ha quindi spiegato come la tensione verso il futuro che fa parte del suo DNA lo abbia portato a creare nel 2009 la Fondation Jacques Rougerie – Académie des Beaux-Arts che ogni anno organizza un premio internazionale con la vocazione di sostenere i progetti architettonici innovativi legati al clima e agli universi dell’acqua e dello spazio.

L’interesse delle ricerche sviluppate da Jacques Rougerie è stato ripreso da Francesca Santoro responsabile a livello mondiale dell’Ocean Literacy per l’Ocean Decade (2021-2023), che nel suo intervento ha sottolineato la necessità di coniugare sapere progettuale e sapere scientifco, e più in generale l’importanza della transdisciplinarietà, mettendo sempre più l’oceano al centro dell’agenda internazionale, per promuovere il ruolo delle scienze del mare come strumento per lo sviluppo sostenibile. Strettamente connessa al progetto di futuri habitat marini, la pianifcazione dello spazio marittimo, della sua gestione e del suo disegno che come ha sottolineato Francesco Musco, coordinatore dei programmi di Ricerca sulla Pianifcazione Spaziale del Mare, fa ormai parte della direttiva europea per lo sviluppo sostenibile delle zone marine.

Abitare il mare in modo consapevole, sostenibile e biomimetico fa parte del nostro futuro e di quello dei nostri territori costieri, “Il Laboratorio del futuro: abitare il mare e lo spazio” ha centrato perfettamente il tema facendo emergere nuove sinergie e confronti tra comunità scientifca e mondo del progetto.

“The Laboratory of the Future: Inhabiting the Sea and Space” was the title of a conference organised by l’Arca International in partnership with the Fondation Jacques Rougerie – Académie des Beaux-Arts held on 18th May 2023 at the Circolo degli Uffciali della Marina Militare in Venice during the opening of the 18th Architecture Biennale.

In synch with the title of this year’s Biennale curated by Lesley Lokko, the meeting compared research developed by the oceanographic and space architect Jacques Rougerie with studies into ocean preservation and planning carried out by the scientifc community with the help of talks given by Francesca Santoro, Senior Programme Offcer for Ocean Literacy at IOC UNESCO and Francesco Musco, Professor in the Iuav Faculty at Venice and Coordinator of the Research Programmes on Spatial Planning of the Sea.

In his introduction, Cesare Maria Casati, editor-in-chief of l’Arca International, emphasised the deep harmony between Jacques Rougerie’s projects and the focus on the future that has underpinned the magazine’s editorial choices for over the last thirty years. Moderator of the conference was Francis Rambert, Director of the Architectural Creation Department of Cité de l’architecture et du patrimoine in Paris, whose awareness and expertise helped create the right connections between the speakers’ talks.

Jacques Rougerie’s presentation highlighted his visionary and innovative approach, which for over thirty years has focused on defning biomimetic, bio-inspired, resilient and sustainable architecture. The architect took the audience on an exciting journey through underwater habitats and laboratories, underwater museums, foating

villages and lunar villages including SeaOrbiter, an international ocean station dedicated to scientifc research, exploration, climate study and education.

The projects developed at his Rougerie+Tangram frm allowed the architect to explain how the kind of tension towards the future that is part of his DNA resulted in him setting up the Fondation Jacques Rougerie – Académie des Beaux-Arts in 2009, which organises an annual international award with a vocation for supporting innovative architectural projects linked to the climate and the realms of water and space.

Research developed by Jacques Rougerie was echoed in the thoughts expressed by Francesca Santoro, world head of Ocean Literacy for Ocean Decade (2021-2023), who in her own talk emphasised the need to combine design knowledge and scientifc knowledge and, more generally speaking, the importance of crossdisciplinarity, placing the ocean increasingly at the focus of the international agenda to promote the role of marine sciences as a tool for sustainable development.

Closely linked to the design of future marine habitats is the planning of maritime space and its management/design, which, as Francesco Musco, coordinator of the Sea Spatial Planning Research Programmes, emphasised, is now part of the European Directive for the sustainable development of marine areas.

Inhabiting the sea in a conscientious, sustainable and biomimetic way is part of our future and the future of our coastal lands, and “The Laboratory of the Future: Inhabiting the Sea and Space” has grasped this issue perfectly, bringing about new synergies and comparative studies between the scientifc community and the world of architecture and design.

MONITOR

BRUITS SOUS CONTRÔLE

Les sons aussi sont importants en architecture. VIVA Consulting & Management, fondée en 1990 par Ezio Rendina, travaille depuis longtemps dans ce domaine, en particulier sur l’“analyse et la prévision des émissions sonores se propageant en vibration dans l’environnement, produites par des sources de bruit fxes et mobiles”. Il existe des règles générales à respecter en la matière, mais le confort des oreilles nécessite toujours plus de précautions. VIVA Consulting a réalisé “plus de 500 projets, allant des études de préfaisabilité environnementale et des conditions acoustiques requises pour les infrastructures, à l’assistance pour la réalisation de bâtiments complexes”. Ainsi, parmi les plus récents, citons le nouveau stade du Cagliari Calcio, et maintenant, également la Cittadella degli archivi à Milan, qui deviendra le Mi.Ma. Milan Metropolitan Archives, le plus grand complexe d’archivage mécanisé d’Europe, qui doublera les espaces précédents, et bénéfciera également des services de conseil en acoustique de VIVA Consulting. Le silence est d’or, comme dit le vieux proverbe.

RUMORI

SOTTO CONTROLLO

Isuoni contano eccome in architettura. E Viva Consulting&Management, fondata nel 1990 da Ezio Rendina, da tempo se ne occupa, in particolare dell’“analisi e previsione delle emissioni acustiche e vibrazionali ambientali prodotte da sorgenti sonore fsse e mobili”. Esistono, in merito, delle generiche norme da rispettare, ma il confort delle orecchie richiede sempre maggiori attenzioni. Viva ha realizzato “più di 500 progetti, che spaziano dalle valutazioni di prefattibilità ambientale e dei requisiti acustici per infrastrutture, all’assistenza nella realizzazione di edifci complessi”. E, fra i più recenti, c’è il nuovo stadio del Cagliari Calcio. Ora anche la Cittadella degli archivi di via Gregorovius 15 a Milano, che diventerà il Mi.Ma. Milan Metropolitan Archive, il più grande polo archivistico meccanizzato d’Europa, raddoppiando gli spazi precedenti, benefcerà della consulenza acustica di Viva. Il silenzio è d’oro, recita un antico proverbio italiano.

MOBILIER “INURBAIN”

Le qualifer d’artiste de rue serait réducteur. Il se décrit lui-même comme un artisan qui “fait de l’art public et lance des messages”. Provocateurs, bien sûr. Et ceux qui ont eu l’occasion d’entendre ses discours dans les rues de Milan (et dans plus de 25 autres pays dans le monde) connaissent désormais son style incisif et même drôle parfois. Son nom est top secret. Il se fait appeler “Biancoshock” et cache souvent son visage sous un passe-montagne. Milanais, autodidacte, il aborde à sa manière les grands sujets de notre société selon un modus operandi qu’il appelle “Éphémérisme”. Oui, parce que ses œuvres disparaissent facilement, elles sont éphémères justement, mais seulement en apparence, car elles survivent dans le temps grâce aux photos et aux vidéos que l’on peut trouver sur Internet et ailleurs. Cela fait une quinzaine d’années déjà que, à travers un millier d’installations urbaines, Biancoshock nous montre l’immontrable comme, par exemple, un immense sparadrap collé sur un mur (No title, Milan, 2013), un berceau à côté d’une poubelle (Lullaby, Cologne, 2015), un clown à ressort sortant d’une poubelle (Jack in the trashbox, Milan, 2017), les pieds et une main d’un présumé clochard dont le corps invisible est sous un mur (In globalized, Prague, 2013), un faux distributeur de billets roublard pour le poker électronique placé à côté d’un portail (Jackpot, Sofa, 2018), une bouche d’égout ouverte dans la rue qui abrite une douche et un peignoir suspendu (Borderlife #1, Milan, 2016). Autant de situations limites et dénonciatrices. Parler de mobilier urbain extraordinaire et non autorisé serait un euphémisme.

NOISES UNDER CONTROL

Sounds really matter in architecture. And Viva Consulting&Management, founded in 1990 by Ezio Rendina, has been dealing with these issues for some time, in particular the “analysis and prediction of environmental acoustic and vibrational emissions produced by fxed and mobile sound sources”. There are, in this respect, general regulations to be observed, but more attention needs to be paid to ear-comfort. Viva has carried out ‘over 500 projects, ranging from assessments of environmental pre-feasibility and acoustic requirements for infrastructure to assistance in the construction of complex buildings’. And, among the most recent, is Cagliari FC’s new stadium. Another new project is the Citadel of Archives in Via Gregorovius 15, Milan, which will be renamed Mi.Ma. Milan Metropolitan Archive, the largest mechanised archives in Europe, doubling the previous amount of space, and draw on from Viva’s acoustic consultancy. Silence is golden, as the saying goes.

“DIS-URBAN’ FURNITURE

ARREDO “DISURBANO”

Chiamarlo street-artist sarebbe limitativo. Lui si defnisce un artigiano che “fa arte pubblica e lancia messaggi”. Provocatori, ovviamente. E chi ha notato i suoi interventi per le strade di Milano (e in altri 25 e più Paesi nel mondo), ormai ne conosce lo stile graffante e, perché no, a volte anche comico. Il suo nome è top-secret, si fa chiamare Biancoshock e cela spesso il suo volto con un passamontagna. Milanese, autodidatta, affronta a suo modo temi fondamentali della nostra società con un modus operandi che lui defnisce Effmerismo. Già, perché le sue opere svaniscono facilmente, sono, appunto, effmere, ma solo apparentemente, perché si consolidano nella storia attraverso foto e video reperibili in rete e non solo. Da ormai una quindicina d’anni con un migliaio interventi urbani, Biancoshock ci ha mostrato l’immostrabile: un enorme cerotto appiccicato su un muraglione (No title, Milano, 2013); una culla a fanco di un bidone dell’immondizia (Lullaby, Colonia, 2015); un clown a molla che sbuca da un cassonetto della spazzatura (Jack in the trashbox, Milano, 2017); i piedi e una mano di un invisibile presunto clochard schiacciato sotto un muro (In globalized, Praga, 2013); un fnto bancomat-macchinetta rubasoldi per il poker elettronico piazzata a accanto a un portone (Jackpot, Sofa, 2018); un tombino aperto nella strada che nasconde una doccia e un accappatoio appeso (Borderlife #1, Milano, 2016). Tutte situazioni limite e denuncianti. Straordinario arredo urbano non autorizzato sarebbe dire poco.

To call him a street-artist would be reductive. He calls himself a craftsman who ‘makes public art and sends messages’. Provocative, of course. And those who have noticed his work in the streets of Milan (and in 25+ other countries around the world) are now familiar with his biting and, why not, sometimes comical style. His name is topsecret, he calls himself Biancoshock and often hides his face behind a balaclava. Milanese, self-taught, he deals in his own way with the fundamental issues of our society with a modus operandi that he calls Ephemerism. Yes, because his works vanish easily, they are, indeed, ephemeral, but only apparently so, because they are steeped in history through photos and videos that can be found on the Web and elsewhere. For some ffteen years now, Biancoshock’s countless urban projects have shown us the un-showable: an enormous patch stuck on a wall (No title, Milan, 2013); a cradle next to a rubbish bin (Lullaby, Cologne, 2015); a spring-loaded clown peeking out of a rubbish bin (Jack in the trashbox, Milan, 2017); the feet and hand of an invisible, tramp (apparently) crushed under a wall (In globalized, Prague, 2013); a fake ATM-machine for electronic poker placed next to a doorway (Jackpot, Sofa, 2018); an open manhole in the street hiding a shower and a dressing gown on a hangar (Borderlife #1, Milan, 2016). All borderline situations he is denouncing. Extraordinary unauthorised street furniture would be putting it mildly

MOVING ON WOOD

Would you like to drive a car, which, in addition to being ecologically powered, is made entirely (or almost entirely) of wood or, rather, plant fbre from agricultural waste, cross laminated wood and engineered bamboo mixed with other recycled materials such as aluminium and composite fbre? Well, a team of architects led by the Belgian architect Vincent Callebaut has come up with this idea. The wooden cars mix “hand-drawn sketches with 3D modelling, AI exploration and post-processed artistic drawing”. Based on a series of interdisciplinary ‘green’ sources (solar, biohydrogen, microalgae) combined with the aforementioned recycled materials, the team has created a number of prototypes. Thanks to the frst prototype designed to commemorate the 30th anniversary of the Renault Twingo, a lighter car was created (less weight equals less emissions). This applies to both the exterior and interior. After all, the frst cars were made of wood in the wake of horse-drawn carriages, and today we are going “backwards” so to speak (but in an evolutionary sense). There is also a fying bus (electrically powered with vertical take-off) and wooden hydrofoils whizzing over the water, both for public transport, and other ideas, which could not be greener and would result in cities with less air pollution.

MULTI-FACETED MOLLINO

Next 27 August marks the 50th anniversary of the death of Carlo Mollino (1905-1973), an architect with a multifaceted character who has a wide range of talents, a designer and photographer (also erotic: his Polaroids of undressed girls are splendid). Born in Turin, he held the chair of composition at Turn Polytechnic from 1953 until he passed away. Even before graduating, he designed buildings and monuments. At the end of the 1950s, he designed a racing car, later actually built, the Bisiluro, which took part in the 24 Hours of Le Mans (he himself raced cars - and skied competitively, a sport at which he excelled - and was even awarded a pilot’s licence to fy planes). From the end of the 1950s onwards, he devoted himself entirely to architecture. His interior designs are as redundant as they are memorable. One of his most important works dates back to 1936-39 (in partnership with the engineer Vittorio Baudi of Selve): the building housing the Società Ippica Torinese in Corso Dante, Turin, which, unfortunately, was knocked down in 1960 due to a trivial licence running out, a building that opposed the dictates of Fascism and was inspired by Alvar Aalto and Erich Mendelsohn (whose frm he worked at in Berlin). His works always embody that need both to “be enchanted and enchant”.

VOYAGER SUR DU BOIS

Aimeriez-vous conduire une voiture qui, en plus d’être écologique, serait fabriquée entièrement (ou presque) en bois, ou plutôt en fbres végétales provenant de déchets agricoles, de bois lamellé-croisé et de bambou d’ingénierie mélangés à d’autres matériaux recyclés tels que l’aluminium et les fbres composites ? Eh bien, une équipe dirigée par l’architecte belge Vincent Callebaut il y a pensé. Les voitures en bois mêlent “des croquis réalisés à la main à la modélisation 3D, à des explorations de l’IA et au dessin artistique post-traitement”. Grâce à une série de techniques interdisciplinaires “vertes” (solaire, biohydrogène, microalgues) combinées à des matériaux recyclés, l’équipe a créé plusieurs prototypes. Grâce au premier prototype, à l’occasion du 30e anniversaire de la Renault Twingo, une voiture plus légère est née (moins de poids équivaut à moins d’émissions polluantes). Après tout, les premières voitures étaient en bois, à l’instar des carrosses tirés par des chevaux, et aujourd’hui c’est comme si nous revenions en arrière pour ainsi dire (mais dans le sens du progrès). Il y a même un bus volant (électrique

et à décollage vertical) et des hydroglisseurs en bois qui flent sur l’eau, tous destinés aux transports publics, ainsi que d’autres idées, on ne peut plus écologiques, qui permettraient d’avoir des villes à l’atmosphère moins étouffante.

MULTIFORME MOLLINO

Le 27 août prochain sera célébré le 50e anniversaire de la mort de Carlo Mollino (1905–1973), architecte à la personnalité et à l’activité multiformes, designer et photographe (ses Polaroids érotiques de flles nues sont splendides). Turinois, de 1953 jusqu’à sa mort il a été titulaire de la chaire de composition à l’École polytechnique du chef-lieu piémontais. Il conçoit des bâtiments et des monuments avant même d’avoir obtenu son diplôme. À la fn des années 1950, il dessine une voiture de course, qui sera réalisée plus tard, la “Bisiluro”, qui participe aux 24 heures du Mans (il pratique lui-même la course automobile, le ski et obtient également un brevet de pilote d’avion). À partir de la fn des années 1950, il se consacre entièrement à l’architecture. Les meubles qu’il crée sont aussi redondants que mémorables. Entre 1936 et 1939, il réalise l’une de ses œuvres les plus signifcatives (avec l’ingénieur Vittorio Baudi de Selve), à savoir le bâtiment de la Società Ippica Torinese à Turin, qui sera malheureusement démoli en 1960 en raison de l’échéance d’une banale concession, un bâtiment qui s’oppose aux diktats du fascisme en s’inspirant d’Alvar Aalto et d’Erich Mendelsohn (dont il avait fréquenté l’atelier à Berlin).

MUOVERSI SU LEGNO

Vi piacerebbe guidare un’auto che, oltre ad essere ecologicamente alimentata, è realizzata interamente (o quasi) in legno, o meglio, in fbra vegetale tratta da rifuti agricoli, legno lamellare incrociato e bambù ingegnerizzato mischiato con altri materiali riciclati come alluminio e fbra composita? Ebbene, ci ha pensato un team di architetti capeggiati dal belga Vincent Callebaut. Le auto lignee mescolano “schizzi di studio a mano con modellazione 3D, esplorazioni AI e disegno artistico post-elaborazione”. Attraverso una serie di interdisciplinarietà “verdi” (solare, bioidrogeno, microalghe) abbinate ai suddetti materiali riciclati, il team ha creato alcuni prototipi. Grazie al primo, in occasione dei 30 anni della Renault Twingo, è nata un’auto una più leggera (meno peso uguale meno emissioni). Del resto, le prime auto erano di legno, sulla scia delle carrozze a cavalli e oggi si torna per così dire “indietro” (ma in senso evolutivo). Non mancano neppure un bus volante (a energia elettrica e decollo verticale) e aliscaf in legno che sfrecciano a pelo d’acqua, entrambi per il trasporto pubblico, e altre idee, che più verdi non si può, che consentirebbero città meno atmosfericamente oppressive.

POLIEDRICO MOLLINO

Il prossimo 27 agosto cade il cinquantenario della morte di Carlo Mollino (1905-1973), architetto dalla personalità e dall’attività poliedrica, designer e fotografo (anche erotico: splendide le sue Polaroid di ragazze svestite). Torinese, dal 1953 alla sua morte è stato titolare della cattedra di composizione al Politecnico del capoluogo piemontese. Ancor prima di laurearsi progetta edifci e monumenti. Alla fne degli anni 50 disegna un’auto da corsa, poi realizzata, il Bisiluro, che partecipa alla 24 Ore di Le Mans (lui stesso corre in auto – e sugli sci, sport di cui fu maestro – e consegue il brevetto di pilota d’aereo). Dalla fne degli anni 50 si dedica pienamente all’architettura. I suoi arredi di interni sono ridondanti quanto memorabili. Tra il 1936 e il 1939 realizza una delle sue opere più signifcative (con l’ingegner Vittorio Baudi di Selve): l’edifcio della Società Ippica Torinese di corso Dante, a Torino, purtroppo demolito nel 1960 per una banale concessione scaduta, un edifcio che si oppone ai dettami del fascismo ispirandosi ad Alvar Aalto ed Erich Mendelsohn (il cui studio aveva frequentato a Berlino). Sempre presente, nelle sue opere, la necessità di “essere incantato e di incantare”.

COMPETITIONS

Jury Kim Gyeong Jeung, Yu Sang Gu, Min Yeong Gi (Winners 2022 Skyscraper Competition), Sina Mostafavi (CEO SETUParchitecture studio, Associate Professor Texas Tech University College of Architecture), and Kathy Velikov (Principal rvtr, Vice-President ACADIA, Associate Dean for Research and Creative Practice Taubman College of Architecture and Urban Planning)

Honorable Mention

Elevated Plastic Skyscraper

Anissa Le Scornet, Andrea Battistoni (USA)

eVolo Magazine a annoncé les lauréats de la Skyscraper Competition 2023. Le Jury a sélectionné trois Premiers Prix et 15 mentions d’honneur parmi les 309 projets reçus. Le prix annuel créé en 2006 récompense les idées visionnaires qui, grâce à l’utilisation innovante de technologie, matériaux, programmes, esthétique et organisation spatiale, remettent en question notre façon de considérer l’architecture verticale et sa relation avec les environnements naturels et bâtis.

eVolo Magazine ha annunciato i vincitori della Skyscraper Competition 2023. La Giuria ha selezionato 3 vincitori e 15 menzioni d’onore tra i 309 progetti ricevuti. Il premio annuale istituito nel 2006 riconosce idee visionarie che attraverso l’uso innovativo di tecnologia, materiali, programmi, estetica e organizzazione spaziale, sfdano il modo in cui intendiamo l’architettura verticale e il suo rapporto con gli ambienti naturali e costruiti.

eVolo Magazine announced the winners of the 2023 Skyscraper Competition. The Jury selected 3 winners and 15 honorable mentions from 309 projects received. The annual award established in 2006 recognizes visionary ideas that through the novel use of technology, materials, programs, aesthetics, and spatial organizations, challenge the way we understand vertical architecture and its relationship with the natural and built environments. Organizer

COMPETITIONS

Nomad Metropolises

Chufeng Wu, Chang Lu, Bozhi Zheng, Duo Wang, Shuxiao Zhang (China)

Le projet imagine une ville mobile qui se connecte à l’infrastructure existante et fournit de nouveaux services à la ville hôte. Les habitants migrent vers différents endroits en tant que villes plutôt qu’en tant qu’individus.

Il progetto indaga su una città mobile che si collega all’infrastruttura esistente e fornisce nuovi servizi alla città ospitante. Gli abitanti migrano in luoghi diversi come città invece che come individui.

The project investigates a mobile city that plugs-in into existing infrastructure and provides new services to the host city. Inhabitants migrate to different locations as a city instead of as individuals.

1st Prize

COMPETITIONS

2nd Prize

Ocean Re-clamation Skyscraper Dennis Byun, Harry Tse, Sunjoo Lee (New Zealand)

Ce gratte-ciel océanique en mouvement se déplace le long du Pacifc Garbage Patch pour collecter et recycler les déchets.

Questo grattacielo oceanico mobile si muove lungo il Pacifc Garbage Patch per raccogliere e riciclare la spazzatura.

This mobile oceanic skyscraper moves along the Pacifc Garbage Patch to collect and recycle the garbage.

3rd Prize

K8 Forest Lift Off Ahmad Hafez, Hamzeh Al-Thweib (Germany)

Le projet dans la forêt amazonienne conçoit un nouveau modèle de développement urbain qui favorise le bien-être de l’écosystème et de sa biodiversité.

Il progetto nella foresta pluviale amazzonica concepisce un nuovo modello di sviluppo urbano che privilegia il benessere dell’ecosistema e la sua biodiversità.

The project in the Amazon Rainforest conceives a new urban development model that prioritizes the wellbeing of the ecosystem and its biodiversity.

COMPETITIONS

Honorable Mentions

Antarctic Rescue Line

Yufeng Lu, Junhao Chen, Jinming Gu, Hanye Lin, Xiaoting Zhao, Yue Wang, Sirun Li, Ruiqi Li, Yutong Jiang, Yuyuan Tao (China)

The Gate of Cairo

Chang Han, Cheng Qian, Yuxiao Yang, Rangrang Pei, Youjia Jiang (China)

PRIMUS: Mars Terraforming Structure Siyuan

USA)

Liu, Yuchen Jin (China,

The Whale: Corallium Forest Jihyo Kim, Hyunhee Lee, Seungho Woo, Gyeonghyeon Choi, Yewon Jo (South Korea)

DS P{ANTHERA} CONCEPT

JAMES LEO YAMAZAKI WWW.CARGOCOLLECTIVE.COM/JLEOYAMAZAKI

Yamazaki est actuellement étudiant en dernière année à l’Art Center College of Design où il se spécialise en Transportation Design. Sa force réside dans sa capacité à résoudre les problèmes avec lucidité et empathie, et il aimerait utiliser ces compétences pour présenter un large éventail de solutions basées sur le concept de XenoNexus.

Xeno : forme combinée du grec xénos, préfxe qui signife “étrangeté” ou “étranger”.

Nexus : élément de liaison entre les membres d’un groupe ou les éléments d’une série.

XenoNexus est un langage de conception qui exprime des idées nouvelles qui s’adaptent et se lient à notre humanité sociale actuelle. C’est précisément ce qu’apporte James Leo Yamazaki avec ses idées conceptuelles et ses solutions logiques, en combinant le meilleur des deux mondes, celui d’un futuriste expressif et celui d’un réaliste intellectuel. Fidèle à sa passion pour l’illustration et la production, il a développé un concept personnel de voiture de sport futuriste.

Yamazaki è attualmente uno studente laureando presso l’Art Center College of Design, specializzandosi in Transportation Design.

La sua forza è la lucida ed empatica capacità di problem solving e vorrebbe utilizzare queste abilità per introdurre un’ampia gamma di soluzioni progettuali basate sul concetto di XenoNexus.

Xeno: forma combinata del greco xénos che signifca “alieno” o “straniero”.

Nexus: un mezzo di connessione tra i

membri di un gruppo o cose in una serie. XenoNexus è un linguaggio di design che esprime idee nuove e alienanti che affrontano e si legano alla nostra attuale umanità sociale. Yamazaki porta proprio questo con la sua ideazione concettuale con soluzioni logiche; avere il meglio dei due mondi di essere un futurista espressivo e un realista intellettuale. Seguendo la sua passione per l’illustrazione e la produzione, ha ideato questo concetto personale per un’auto sportiva futuristica.

Yamazaki is currently a graduating student at Art Center College of Design majoring in Transportation Design. His strength is lucid and empathetic problem solving skills and he would like to use these skills to introduce broad range of design solutions based on the concept of XenoNexus.

Xeno: combining form of Greek xénos meaning “alien” or “foreign”.

Nexus: a means of connection between members of a group or things in a series.

XenoNexus is a design language that expresses new and alienating ideas that copes and bonds with our current social humanity. Yamazaki brings just that with his conceptual ideation with logical solutioning; having best of the both worlds of being an expressive futurist and intellectual realist.

Following his love towards illustration and production, he devised this personal concept for a futuristic sports car.

ANREALAGE - FALL/WINTER 2023-2024 PARIS

D es textures conçues pour réagir à la lumière ultraviolette qui cachent leur âme technologique derrière des textures apparemment ordinaires.

Le styliste japonais Kunihiko Morinaga a dévoilé le pouvoir de la mode et de la technologie lors de la semaine de la mode automne-hiver 20232024 à Paris, avec des vêtements aux couleurs changeantes sensibles à la lumière. Le déflé a commencé avec des mannequins portant des vêtements similaires, dont la plupart étaient blancs, qui se tenaient debout les unes à côté des autres sur la passerelle. Deux tubes émetteurs d’UV ont ensuite été descendus devant les mannequins et, à mesure que la lumière éclairait les vêtements, ceux-ci se transformaient en laissant apparaître des motifs et des tons différents. Les vêtements retrouvent leur couleur d’origine environ trois minutes après l’émission de la lumière UV.

Trame progettate per reagire alla luce ultravioletta che celano la loro anima tech dietro texture apparentemente ordinarie. Lo stilista giapponese Kunihiko Morinaga ha svelato il potere della moda e della tecnologia alla Settimana della Moda Autunno-Inverno 2023-2024 di Parigi con capi fotosensibili che cambiano colore. Lo spettacolo è iniziato con modelle che indossavano abiti simili, la maggior parte dei quali bianchi, in piedi l’una accanto all’altra sul palco. Due scanner a barre che emettono raggi UV sono stati quindi abbassati davanti alle modelle e, man mano che la luce si diffondeva sugli indumenti, si trasformavano per rivelare motivi e tonalità variabili. I capi ritornano al colore originale dopo circa tre minuti dall’emissione della luce UV.

Textures designed to react to ultraviolet light that hide their tech soul behind seemingly ordinary textures.

Japanese designer Kunihiko Morinaga unveiled the power of fashion and technology at the Autumn-Winter Paris Fashion Week, 2023-2024, with light-sensitive color-changing garments. The show began with models wearing similar garments, most of which were white, standing adjacent to each other on stage. Two UV-emitting bars were then lowered in front of the models and as the light shed on the garments, they transformed to reveal varying patterns and tones. The garments return to their original color approximately three minutes after the emission of the UV light.

SEOUL RING

THE SEOUL METROPOLITAN GOVERNMENT (SMG)

SMG a annoncé qu’elle avait décidé de construire dans le parc Haneul d’ici 2025 la plus grande roue du monde, appelée Seoul Ring.

Seoul Ring s’éloigne du design traditionnel des grandes roues et met en œuvre une technologie innovante pour créer un design esthétique de pointe sans rayons. La municipalité a consulté des experts en architecture et en ingénierie nationaux et internationaux afn de garantir la sécurité de la construction et l’intégrité structurelle de la conception sans rayons de Seoul Ring. La municipalité construira Seoul Ring en adoptant des technologies de pointe et respectueuses de l’environnement, conformément à sa philosophie de recherche d’un environnement résilient et durable en réponse au changement climatique. Seoul Ring sera construite sur une ancienne décharge, comme symbole de l’économie circulaire et de l’action en faveur du climat, tant pour les personnes que pour la nature.

SMG ha annunciato di aver deciso di costruire entro il 2025 a Haneul Park la ruota panoramica più grande del mondo chiamata Seoul Ring.

Seoul Ring si distaccherà dal design tradizionale delle ruote panoramiche e utilizzerà una tecnologia innovativa per creare una ruota senza raggi esteticamente avanzata. La città si è consultata con esperti nazionali e internazionali in architettura e ingegneria per garantire la sicurezza della costruzione e l’integrità strutturale del design senza raggi del Seoul Ring.

La città costruirà il Seoul Ring sulla base di tecnologie all’avanguardia ed ecologiche in linea con la sua flosofa di perseguire un ambiente resiliente e sostenibile in risposta al cambiamento climatico.

Il Seoul Ring sarà costruito su un’ex discarica come simbolo dell’economia circolare e dell’azione in favore del clima sia per le persone che per la natura.

SMG announced that it has decided to build by 2025 the world’s largest Ferris wheel called Seoul Ring at Haneul Park.

Seoul Ring will break away from the traditional design of Ferris wheels and use innovative technology to create an aesthetically advanced spokeless design. The city consulted with domestic and international experts in architecture and engineering to secure construction safety and structural integrity of the spokeless design of Seoul Ring.

The city will build Seoul Ring based on cutting-edge and eco-friendly technologies in line with its philosophy to pursue a resilient and sustainable environment in response to climate change. Seoul Ring will be constructed on a former landfll site as a symbol of the circular economy and climate action for both people and nature.

DESTINUS HYPERSONIC JET

Ce concept d’avion à la pointe de la technologie vise à révolutionner le transport aérien en atteignant plus de cinq fois la vitesse du son. Ce drone européen serait doté d’un système de propulsion unique utilisant un mélange d’hydrogène et d’oxygène permettant d’atteindre des vitesses hypersoniques. Le Destinus pourrait relier l’Europe à l’Australie en seulement deux heures, ce qui changerait complètement la donne pour les voyages longue distance. Quoi qu’il en soit, la technologie nécessaire à la construction d’un tel avion n’en est encore qu’à ses débuts. Destinus a déclaré : “Notre équipe est en train d’analyser les données des derniers essais en vol et travaille en parallèle sur notre prochain prototype qui servira de banc d’essai pour les vols supersoniques et la propulsion à l’hydrogène. Nous souhaitons lancer ces programmes de vol pour ce nouveau prototype d’ici la fn de l’année 2023”.

Questo concetto di velivolo all’avanguardia mira a rivoluzionare il trasporto aereo viaggiando a più di 5 volte della velocità del suono. L’aereo sarebbe caratterizzato da un sistema di propulsione unico che utilizza una combinazione di idrogeno e ossigeno per raggiungere velocità ipersoniche. Il Destinus sarebbe in grado di volare dall’Europa all’Australia in sole 2 ore, rendendolo un punto di svolta per i viaggi a lunga distanza. Tuttavia, la tecnologia necessaria per costruire un tale velivolo è ancora nelle prime fasi di sviluppo. Destinus ha dichiarato: “Il nostro team sta attualmente analizzando i dati dei recenti test di volo e, parallelamente, sta lavorando al nostro prossimo prototipo che servirà da banco di prova per il volo supersonico e la propulsione a idrogeno. Miriamo ad avviare questi test di volo per il nuovo prototipo entro la fne del 2023”.

This cutting-edge aircraft concept aims to revolutionize air travel by traveling at more than 5 times the speed of sound. The aircraft would feature a unique propulsion system that uses a combination of hydrogen and oxygen to achieve hypersonic speeds. The Destinus would be capable of fying from Europe to Australia in just 2 hours, making it a game-changer for long-distance travel. However, the technology required to build such an aircraft is still in the early stages of development.

Destinus said: “Our team is currently analyzing the data from the recent fight tests and is, in parallel, working on our next prototype that will serve as a testbed for supersonic fight and hydrogen propulsion. We aim to start these fight campaigns for this new prototype by the end of 2023.”

DESTINUS DESTINUS.CH

SWITCHBLADE FLYING CAR

La voiture de sport volante Switchblade a passé avec succès l’inspection de la Federal Aviation Administration pour les aéronefs de catégorie expérimentale et a commencé les essais de vol.

Le Switchblade est un véhicule à trois roues, autorisé à circuler dans la rue, que vous pouvez conduire de votre garage à un aéroport local voisin. Une fois sur place, les ailes et la queue se déploient en moins de trois minutes. Il peut voler à une vitesse allant jusqu’à 300 kilomètres à l’heure pendant 700 kilomètres. Il est équipé d’instruments de vol avancés et d’un tableau de bord numérique personnalisable. Système de propulsion électrique SkyBrid™.

L’auto sportiva volante Switchblade ha superato i requisiti di ispezione della Federal Aviation Administration per gli aeromobili della categoria sperimentale e ha iniziato i test di volo.

Switchblade è un veicolo a tre ruote legale su strada che si può guidare dal garage a un vicino aeroporto locale. Una volta lì, le ali si aprono e la coda si estende in meno di 3 minuti. Può volare fno a 300 Km/h per 700 Km. È dotato di strumenti di volo avanzati e dashboard digitale personalizzabile. Sistema di azionamento elettrico SkyBrid™.

The Switchblade fying sports car passed Federal Aviation Administration inspection requirements for Experimental Category aircraft, and has begun fight testing.

The Switchblade is a three-wheel, street legal vehicle that you drive from your garage to a nearby local airport. Once there, the wings swing out and the tail extends in under 3 minutes. You then fy your registered aircraft directly to your destination – at up to 300 Km/h for 700 Km.

It features advanced fight instruments and customizable digital dashboard. SkyBrid™ electric drive system.

THREE LAWS OF ROBOTICS

LE TRE LEGGI LES TROIS LOIS

Maurizio Vitta

Oggi non sono molti a ricordare uno scrittore come Isaac Asimov. Divulgatore scientifco e dalla fantasia feconda, egli ha lasciato un nutrito gruppo di libri e racconti nei quali affrontò il tema, negli anni Cinquanta del XX secolo di gran voga, di una fantascienza che sembrava, grazie ai primi viaggi spaziali, a un passo dalla sua completa realizzazione. Nella sua numerosa produzione si ricorderà, fra gli altri, il Ciclo dei Robot. In questa raccolta Asimov immaginava che la terra era popolata di robot, ovvero esseri artifciali in grado di svolgere le più svariate funzioni in aiuto degli umani, i quali però si mostravano restii al loro aiuto, temendo i pericoli di quella popolazione di automi. La dottoressa Calvin, che di questi automi era l’inventrice, ha dovuto dunque combattere perché essi venissero accettati, nonostante i sospetti che essi suscitavano, e per questo li aveva dotati di un dispositivo che obbediva a tre leggi, ciascuna destinata a rendere innocui i robot e assicurare che essi si dimostrassero servizievoli e protettivi per gli esseri umani.

Ma che cosa ha a che fare questo ciclo di racconti di Asimov con l’attuale dibattito suscitato dalla cosiddetta intelligenza artifciale? E che cosa interessa, in esso, l’attenzione dedicata all’architettura e al design? La risposta immediata a questi ovvi interrogativi è antichissima e moderna insieme: l’architettura e il design sono fatti di una forma che deve la sua vita all’arte e insieme alla funzione, mentre l’intelligenza artifciale risulta fne a se stessa, e cioè il risultato artistico e quello funzionale sono tutti insieme affdati a un’unica operazione tecnica.

Ciò tuttavia pone un altro problema, ancora più intrigante. Come è noto, i robot (se mi è permesso di usare una vecchia parola a una situazione completamente nuova) operano, come si sa, secondo un binomio fsso e inalterabile: a ogni domanda danno una risposta esclusivamente basata sul “sì” e sul “no”. Per contro, qualunque essere umano sa che può rispondere a quella stessa domanda aggiungendo, ai due avverbi, un terzo, quello del “forse” (qui inteso come sinonimo di “probabile” e affni).

In altre parole, i robot, da quelli della dottoressa Calvin fno a oggi, rispondono a un comando loro rivolto dagli umani senza nessuna possibilità di scelta: gli ordini non si discutono; il “dubbio” non li sfora; il mondo dell’intelligenza artifciale è quello della irresponsabilità.

Questo spiega come mai questo mondo appare oggi così interessato all’architettura e al design. Queste,

infatti, sono le due materie che più delle altre fondano la loro alchimia su un’analisi delle probabilità. Ogni idea di un’opera futura, solo abbozzata, ma viva e presente, assume, prima di essere attuata, un carattere ipotetico. Essa si presenta come una possibilità, o meglio una scommessa. Sa di vivere per il momento come idea, e dunque come “progetto”. Ed è nella sua qualità progettuale che è possibile scorgere quella dimensione del “forse” che separa il soggetto pensante dall’oggetto pensato. Oggi si fa un gran parlare di intelligenza artifciale, come se a fanco di quella naturale andassimo scoprendo una personalità ancora incerta, piegata alla volontà degli umani, ma già consapevole del suo inarrestabile sviluppo. Si può dire che il sogno della dottoressa Calvin sia sul punto di realizzarsi: l’intelligenza artifciale e quella naturale si fronteggiano più o meno alla pari. Di ciò si ha la prova nelle sempre più articolate e complesse architetture d’oggi, basate su forme un tempo incalcolabili, che danno vita a equilibri del tutto nuovi; oppure in un design che rivede i paradigmi del concetto stesso di abitare, concedendo ai modelli formali degli oggetti un rinnovamento, dovuto però non alla libera inventiva del designer, ma alla disponibilità di modelli matematici prefssati.

Non ci vuol molto a pensare che se oggi l’ingegner Eiffel e compagni dovessero progettare la famosa Tour affdando alla intelligenza artifciale l’incarico di disegnare “una nuova disposizione che permetta la costruzione di pilastri e piloni metallici di altezza anche superiore a 300 metri”, come si legge nella richiesta del brevetto presentata nel 1884, la soluzione tecnica e formale sarebbe probabilmente assai diversa.

Il che ci riporta alla questione della logica del “sì” e del ”no”, connaturata nel carattere stesso dell’intelligenza artifciale, e alla quale continua a mancare il correttivo, squisitamente umano, del “ forse”. Le ricerche condotte da Joseph Weizenbaum in questo settore hanno dimostrato come l’essere umano sia disposto a concedere a un computer assai più comprensione e capacità di ragionamento logico di quanto si possa supporre. Il che vuol dire che i giudizi, le soluzioni o le indicazioni fornite dalla intelligenza artifciale saranno in un tempo breve ritenute più autorevoli di quelle della intelligenza naturale. Sarà questo il destino delle opere progettuali, dell’architettura e del design?

L’immagine di uno studente impegnato a copiare dalla pagina di Wikipedia la risposta a un quesito senza capire ciò che sta scrivendo fa pensare.

Aujourd’hui, rares sont ceux qui se souviennent d’un écrivain comme Isaac Asimov. Vulgarisateur scientifque doté d’une grande imagination, il a laissé un grand nombre de livres et nouvelles où il aborde des sujets de science-fction, très en vogue dans les années 1950, qui, grâce aux premiers voyages dans l’espace, semblent avoir franchi un autre pas vers une réalisation complète. Parmi ses nombreuses œuvres, citons, entre autres, le Cycle des Robots. Dans cette série, Asimov imagine une Terre peuplée de robots, c’est-à-dire d’êtres artifciels capables d’accomplir les fonctions les plus disparates pour venir en aide aux êtres humains qui se montraient méfants à leur égard car ils craignaient les dangers que pouvait représenter cette population d’automates. Susan Calvin, qui a inventé ces robots, doit donc se battre pour les faire accepter malgré les inquiétudes qu’ils suscitent, et pour cela, elle les dote d’un dispositif obéissant à trois lois, chacune étant sensée garantir l’inoffensivité de ces robots, leur utilité aux êtres humains et leur protection.

Mais quel est le rapport de ce cycle de nouvelles et de romans d’Asimov avec le débat actuel sur la fameuse intelligence artifcielle ? Et en quoi l’architecture et le design sont-ils concernés dans ce cycle? La réponse qui vient immédiatement à l’esprit est à la fois moderne et très ancienne : l’architecture et le design sont faits d’une forme qui naît tant de l’art que de la fonction, tandis que l’intelligence artifcielle est une fn en soi, en ce sens que le résultat artistique et le résultat fonctionnel sont tous deux confés à une seule opération technique. Mais cela pose un autre problème, encore plus intriguant. Comme chacun sait, les robots (si l’on me permet d’employer un vieux mot dans un contexte complètement nouveau) fonctionnent selon un binôme fxe et inaltérable : à chaque question, ils répondent exclusivement par “oui” ou par “non”. En revanche, n’importe quel être humain sait qu’il peut répondre à cette même question avec un troisième adverbe, à savoir “peut-être” (entendu ici comme “probable” et autres synonymes). En d’autres termes, les robots, depuis ceux de Susan Calvin jusqu’à ceux d’aujourd’hui, répondent à un ordre qui leur est donné par l’homme sans aucune possibilité de choisir ; les ordres ne sont pas contestés, le “doute” ne les effeure pas, le monde de l’intelligence artifcielle est celui de la non-responsabilité. Cela explique pourquoi ce monde semble s’intéresser de si près à l’architecture et au design. Il s’agit en effet de deux matières qui, plus que les autres, fondent leur alchimie sur l’analyse des probabilités. Avant d’être mise en

pratique, toute idée d’œuvre à venir, seulement esquissée mais vivante et présente, revêt un caractère hypothétique. Elle se présente comme une possibilité, voire comme un pari. Elle sait qu’elle vit pour le moment en tant qu’idée, et donc en tant que “projet”. Et c’est dans sa qualité conceptuelle qu’il est possible de discerner cette dimension du “peut-être” qui sépare le sujet pensant de l’objet pensé. Aujourd’hui, on parle beaucoup d’intelligence artifcielle, comme si, à côté de l’intelligence naturelle, nous étions en train de découvrir une personnalité encore foue, soumise à la volonté des êtres humains, mais déjà consciente du caractère inéluctable de son développement. On peut dire que le rêve de Susan Calvin est sur le point de se réaliser : l’intelligence artifcielle et l’intelligence naturelle se trouvent plus ou moins sur un pied d’égalité, comme en témoignent les architectures actuelles, de plus en plus élaborées et complexes, basées sur des formes autrefois incalculables, qui donnent lieu à des équilibres totalement nouveaux, ou bien un design qui revoit les schémas du concept même d’habitat, en conférant un renouveau aux modèles formels des objets, qui n’est pas le fruit de la créativité du concepteur mais celui de la disponibilité de modèles mathématiques prédéterminés. Nous pouvons très bien supposer que si l’ingénieur Eiffel et ses collaborateurs devaient concevoir la célèbre Tour aujourd’hui en confant à l’intelligence artifcielle la tâche de concevoir “une nouvelle disposition qui permette de construire des piliers et des pylônes en métal pouvant même dépasser les 300 mètres de haut”, tel qu’indiqué dans la demande de brevet déposée en 1884, la solution technique et formelle serait sans doute très différente.

Ce qui nous ramène à la logique du “oui” et du “non”, intrinsèquement liée au caractère même de l’intelligence artifcielle, et à laquelle continue de manquer le juste milieu éminemment humain qu’est le “peut-être”. Les recherches menées par Joseph Weizenbaum dans ce domaine ont montré que l’être humain est prêt à permettre à un ordinateur d’avoir des capacités de compréhension et de raisonnement logique bien plus importantes qu’on ne l’imagine. Cela signife que les avis, les solutions ou les indications fournis par l’intelligence artifcielle seront rapidement considérés comme plus fables que ceux de l’intelligence naturelle.

Est-ce là le destin des projets, de l’architecture et du design ?

L’image d’un étudiant occupé à copier la réponse à une question sur Wikipédia sans comprendre ce qu’il est en train d’écrire fait réféchir.

Not many people still remember a writer like Isaac Asimov. A great promoter of scientific ideas with a fertile imagination, he wrote numerous books and short stories whose science fiction themes, very much in vogue in the 1950s, seemed on the verge of coming true as man began venturing into space. His numerous works notably include the Robot Cycle . In this collection, Asimov imagined the earth being populated by robots, i.e. artificial beings capable of performing the most miscellaneous tasks to help humans, who, however, were reluctant to help them, fearing the dangers posed by these automatons.

Dr Calvin, who was the inventor of the automatons in question, had to fight to have them accepted in face of all the suspicions they aroused. She did this by fitting them with a device that obeyed three laws, each designed to render the robots harmless and ensure they were helpful and protective of human beings. But what does this cycle of Asimov’s short stories have to do with current debate sparked by so-called artificial intelligence?

And what is so interesting about its focus on architecture and design?

The immediate answer to these obvious questions is both old and new at the same time: architecture and design are an embodiment of art and function at the same time, whereas artificial intelligence is an end in itself, i.e. its artistic/functional sides are both the product of technology.

This, however, poses another even more intriguing question. As is well known, robots (if I may be allowed to use an old word in a completely new context) always operate in the same way: to every question they reply either “yes” or “no”. Conversely, all human beings know they can answer that same question while adding ‘perhaps’ to either of these adverbs (here taken a synonym for “probably” or such like).

In other words, robots, from Dr Calvin’s to their present-day counterparts, respond to commands they are given by humans without being able to make choices: orders are not questioned; “doubt” does not occur to them; the world of artificial intelligence is one of irresponsibility.

This explains why this realm seems to be so interested in architecture and design at the moment. They, more than any other realms, base their alchemy on an analysis of probability.

Every idea for a future work is initially nothing but an hypothesis until it is actually created. It presents itself as a possibility or rather a gamble. It knows it is initially nothing but an idea and, hence, a “project”. And this is where the “perhaps” comes in that separates a thinking subject from the object of its thought.

Today there is much talk of artificial intelligence, as if alongside natural intelligence we were suddenly discovering some kind of uncertain entity bent to the will of humans but already aware of its own relentless growth. It may be claimed that Dr Calvin’s dream is about to come true: artificial and natural intelligence are more or less on an equal footing.

Evidence of this can be seen in today’s increasingly articulate and complex architecture based on forms that were once incomputable, which give rise to completely new states of affairs; it also comes to the fore in design that resets the paradigms of the very concept of living, upgrading the stylistic design of artefacts not so much based on the designer’s free inventiveness as on the availability of pre-computed mathematical models.

It is easy to imagine that if the engineer Mr. Eiffel and his companions were to design their famous tower relying on artificial intelligence to create “a new arrangement that would allow the construction of metal pillars and pylons over 300 metres tall”, as stated in the patent application submitted in 1884, its technical/stylistic design would probably be quite different.

Which takes us back to the question of the “yes” and “no” logic embedded in the very “nature” of artificial intelligence that still lacks the exquisitely human touch of “maybe”.

The research conducted by Joseph Weizenbaum in this field has shown that human beings are willing to concede far more understanding and logical reasoning capacity to a computer than one might suppose.

Which means that the judgements, solutions or indications provided by artificial intelligence will, very soon, be considered more authoritative than those of natural intelligence. Will planning, architecture and design follow suit?

The image of a student busy copying the answer to a question from a Wikipedia page without understanding what they are writing gives us food for thought.

AMA Group è da tempo impegnata nella progettazione di complessi industriali per la produzione di semiconduttori. Ne ha progettati 25 in 11 nazioni, per le maggiori società dell’industria elettronica. Attualmente è in costruzione, ad Agrate Brianza, il nuovo modulo R3, per ST per la quale ha realizzato gli stabilimenti industriali in Francia, Singapore e Italia.

Il “wafer fab”, l’acronimo che caratterizza questi sofsticatissimi impianti industriali, deriva dalla caratteristica fetta circolare di silicio, di diametro variabile in base alla tecnologia produttiva adottata, che è passato da circa 150mm agli attuali 450mm. Il nuovo modulo R3 rappresenta un’interpretazione elaborata del concetto base di wafer fab; infatti, data la limitata disponibilità di aree libere all’interno del sito, congestionato dalla presenza di altri edifci di ST, una volta defnito lo spazio per il cuore del complesso: la camera bianca, i volumi di supporto sono stati posizionati in maniera articolata, determinando un intarsio costruttivo. Vi è anche un nuovo edifcio per uffci all’angolo sud-ovest dell’area di intervento, colle-

gato al modulo esistente R2 attraverso un ponte pedonale e un nuovo Central Utility Building a nord del modulo R3. Nonostante la complessità plano-volumetrica, strutturale ed impiantistica, l’intervento risulta fuido e dinamico, anche nella sua distribuzione interna, funzionale ai molteplici e delicati processi produttivi.

La progettazione è stata mirata alla coerenza architettonica con il lessico degli altri edifci presenti sul sito, esercizio già praticato da AMA Group, quando fu realizzato il modulo F13, composto da un edifcio per uffci e da due lobby di cui una, la principale, di accesso al sito ST. Ciò che segue è il dialogo con Alfonso Mercurio, fondatore del gruppo.

A.M. l’Arca International essendo una rivista di architettura tende a pubblicare l’immagine architettonica e non la storia fnendo per ignorare che io, con i miei collaboratori, abbiamo realizzato 26 WEF in tutto il mondo, per tutte le società e ciò rappresenta un avvenimento importante per l’Italia che è riuscita a misurarsi con simili prodotti.

M.P. Realmente una cifra iperbolica in un settore di preminenza perché, come è noto, il mondo gira grazie ai microchips e quindi, oltre alle questioni architettoniche, occorre valutare ciò che questo lavoro rappresenta per uno studio italiano. Del resto gli italiani hanno realizzato le grandi dighe, le ferrovie, monumenti e città intere A.M. E il nostro lavoro rappresenta una avvenimenti ancora più importante per la vita d’oggi. Siamo riusciti a progettare e realizzare anche impianti negli Stati Uniti: a Dallas e a Austin, per la Texas Instruments.

M.P. Viene da chiedersi come nasce questa avventura. Come viene fuori l’ipotesi di dedicarsi esclusivamente a tali impianti. Ad opere che al primo sguardo sembrano più legate all’ingegneria che all’architettura.

A.M. Ciò rappresenta un errore perché al punto di vista architettonico hanno un loro interesse e fascino ma non riusciamo a far comprendere che queste opere non rappresentano solo magnifci impianti tecnologici ma interventi corretti per l’ambiente e il territorio.

Intervista di Mario Pisani ad Alfonso Mercurio, Presidente di AMA Group, progettista specializzato nella progettazione di complessi industriali per la produzione di semiconduttori

Mario Pisani

Alfonso Mercurio

M. P. La committenza ha capito il problema?

A.M. Direi proprio di sì. Hanno compreso lo sforzo che ho fatto in questa direzione e anche i giornali alla fne hanno parlato di ciò. Ho approfttato del progetto realizzato in Italia, il più ampio nel nostro Paese.

M. P. Parliamo di come nasce questa avventura.

A.M. Mio cugino lavorava alla Texas Instruments. Devono fare un ampliamento dello stabilimento di Rieti che produceva computer e non i microchips. I tecnici della ATEX vennero in Italia per conoscere progettisti e dissero a mio cugino che vorrebbero conoscere italiani che sappiano parlare inglese per dare una mano. Sono gli inizi degli anni 80. In seguito decisero di fare un fabbriche in Italia, ad Avezzano, simile a quella di Dallas che mi mandano a vedere.

M.P. Un procedimento simile a ciò che viene adottato per il supermarket o i centri commerciali. Esiste una struttura e bisogna cucire un abito sopra che la protegga.

A.M. La Uefa Fab è un edifcio molto complesso, con tutta una serie di problemi come le micro infezioni e la pulizia dell’aria in varie settori. Andai a Dallas per vedere l’edificio. Ci tornai con i miei collaboratori: ingegneri, impiantisti, strutturisti per fare una progettazione integrata. Studiammo la cosa e alla fine pensai che se poteva realizzare meglio. Loro fecero una riunione con i vari facilities e accettarono.

Costruimmo ad Avezzano perché era vicino all’autostrada per Roma e quindi a Fiumicino e all’università dell’Aquila. Divenne una specie di San Pietro che anche dalle altre strutture venivano a vedere.

M.P. Qual è la novità?

A.M. Il sistema della pulizia dell’aria. Loro usavano enormi ventilatori che mettevano ai lati della green room, la camera bianca. Proposi un diverso sistema di ventilazione evitando strutture enormi per i ventilatori.

Proposi di fare per la clean room invece di due piani un piano in più che risolveva i vari problemi: la dirty sub e loro accettarono la soluzione che cambiò completamente la logica dei WEF. Da quel momento in poi ho lavorato per le società più importanti del mondo. Mi sono anche sforzato di imporre una immagine architettonica adeguata ai siti industriali che sono capannoni spesso senza alcun collegamento tra loro.

Interview de Mario Pisani avec Alfonso Mercurio, Président de AMA Group, architecte spécialisé dans la conception de complexes industriels pour la fabrication de semi-conducteurs

AMA Group est actif depuis longtemps dans la conception de complexes industriels pour la fabrication de semi-conducteurs. Il en a réalisé 25 dans 11 pays, pour les plus grandes entreprises de l’industrie électronique. Actuellement, le nouveau module R3 pour la société ST, pour laquelle il a réalisé des établissements industriels en France, à Singapour et en Italie, est en cours de construction à Agrate Brianza (Lombardie). Le wafer fab, qui caractérise ces établissements industriels ultra sophistiqués, est une procédure qui utilise un disque de silicium dont le diamètre varie en

fonction de la technologie de production adoptée, et qui est passé d’environ 150 millimètres à 450 millimètres. Le nouveau module R3 est une interprétation élaborée du concept de base du wafer fab. En effet, en raison du peu d’espaces libres disponibles sur le site, encombré par la présence d’autres bâtiments ST, une fois défni l’espace du cœur du complexe, c’est-à-dire la salle blanche, les volumes de support ont été positionnés de manière méthodique, en déterminant une insertion constructive. Il y a également un nouveau bâtiment de bureaux à l’angle sud-ouest du site, relié au module R2

existant par une passerelle, et un nouveau Central Utility Building au nord du module R3. Malgré sa complexité en termes de volumétries, de structure et d’ingénierie, l’intervention s’avère fuide et dynamique, y compris dans sa distribution interne, adaptée à la multiplicité et à la délicatesse des processus de production.

Le projet visait la cohérence architecturale avec le langage des autres bâtiments du site, un exercice déjà pratiqué par AMA Group lors de la construction du module F13, qui se compose d’un bâtiment de bureaux et de deux halls, dont l’un, le principal,

est l’entrée du site ST. Ce qui suit est un entretien avec Alfonso Mercurio, le fondateur du groupe.

A.M. En tant que revue d’architecture, l’Arca International a tendance à publier l’image architecturale et non l’histoire, et fnit ainsi par ignorer que j’ai réalisé, avec mes collaborateurs, 26 WEF dans le monde entier, pour toutes les sociétés, et que cela représente un événement important pour l’Italie qui a réussi à se mesurer à ce type de produits.

M.P. Un chiffre vraiment hyperbolique dans un domaine de prédilection car, comme nous le savons, aujourd’hui le monde tourne grâce aux puces électroniques et donc, au-delà des questions architecturales, il est nécessaire d’évaluer ce que ce travail représente pour une entreprise italienne. Du reste, les Italiens ont réalisé les grandes digues, les chemins de fer, les monuments et des villes entières.

A.M. Et notre travail représente un événement encore plus important dans la vie d’aujourd’hui. Nous avons également réussi à concevoir et à réaliser des usines pour Texas Instruments, à Dallas et à Austin, aux États-Unis.

M.P. On en vient à se demander comment est née cette aventure. Comment vous est venue l’idée de vous consacrer exclusivement à ce genre d’installations, à des ouvrages qui, à première vue, relèvent davantage de l’ingénierie que de l’architecture ?

A.M. Cela représente une erreur, car du point de vue architectural, elles ont leur intérêt et leur attrait, mais nous ne parvenons pas à faire comprendre que ces installations ne sont pas seulement de magnifques ouvrages technologiques, mais qu’elles sont aussi des œuvres qui respectent l’environnement et le territoire.

M. P. Le client a-t-il compris le problème ?

A.M. Je pense que oui. Il a compris l’effort que j’ai fait dans ce sens, et même les journaux ont fni par en parler. J’ai profté du projet réalisé en Italie, le plus étendu dans ce pays.

M. P. Parlons un peu de la genèse de cette aventure.

A.M. Mon cousin travaillait chez Texas Instruments. Ils doivent agrandir l’usine de Rieti qui produisait des ordinateurs et non des puces. Les techniciens ATEX sont venus en Italie pour rencontrer des architectes et ont dit à mon cousin qu’ils voudraient rencontrer des Italiens parlant anglais pour les aider. C’était au début des années 1980. Plus tard, ils ont décidé de construire une usine en Italie, à Avezzano, semblable à celle de Dallas qu’ils m’ont envoyé visiter.

M.P. Une procédure similaire à celle qui est adoptée pour les supermarchés ou les centres commerciaux. Une structure existe et il est nécessaire de coudre un vêtement dessus pour la protéger.

A.M. L’Uefa Fab est un bâtiment très

complexe, qui présente toute une série de problèmes, tels que les micro-infections et la propreté de l’air dans différents secteurs. Je suis allé à Dallas pour voir le bâtiment. J’y suis retourné avec mes collaborateurs : techniciens, installateurs, ingénieurs structures, pour réaliser un projet intégré. Nous avons étudié la question et, à la fn, j’ai pensé que nous pouvions faire mieux. Quant à eux, ils ont tenu une réunion avec les différentes structures et ont accepté. Nous avons construit à Avezzano parce que c’était près de l’autoroute menant à Rome et donc à Fiumicino et à l’université de L’Aquila. Cela est devenu une sorte de San Pietro que même ceux des autres établissements venaient voir.

M.P. Qu’y a-t-il de nouveau ?

A.M. Le système de purifcation de l’air. Le siège de Dalles utilisait d’énormes ventilateurs placés sur les côtés de la salle verte, la salle blanche. Moi j’ai proposé un système de ventilation différent, évitant les énormes structures de ventilation. Pour la salle blanche, j’ai proposé de faire un étage supplémentaire au lieu de deux étages, ce qui résoudrait les différents problèmes : avec la dirty sub, ils acceptèrent la solution qui changea complètement la logique des WEF. À partir de ce moment-là, j’ai travaillé pour les plus grandes sociétés du monde. Je me suis également efforcé d’imposer une image architecturale appropriée à des sites industriels qui ne sont souvent que des hangars sans aucun lien entre eux.

Client: STMicroelectronics – sede di Agrate Brianza

Project and Engineering: AMA Group (www.amagroup.it)

Interview byMario Pisani to Alfonso Mercurio, President of AMA Group, architect specialized in the design of industrial complexes for the production of semiconductors

AMA Group has long been involved in the design of industrial complexes for semiconductor manufacturing. It has designed 25 of them in 11 countries for major companies in the electronics industry. Currently under construction in Agrate Brianza is the new R3 module for ST, for whom it has already built industrial plants in France, Singapore and Italy.

The ‘wafer fab’, the acronym used to describe these sophisticated industrial plants, gets its name from an eye-catching circular slice of silicon, whose diameter varies according to the kind of manufacturing technology being employed and has increased from around 150mm to its current size of 450mm.

The new R3 module represents an elaborate interpretation of the basic ‘wafer fab’ concept; in fact, given the limited availability of free areas on a site congested by the presence of other ST buildings, once the space for accommodating the core of the complex was allocated (the ‘clean room’), the ancillary structures were carefully positioned to create an elaborate structural inlay. There is also a new offce building over on the south-west corner of the project area connected to old module R2 by a footbridge and a new Central Utility Building to the north of module R3. Despite its volumetric, structural and plant-engineering complexity, the project is fuid and dynamic, even as regards its internal layout that is designed to handle multiple, delicate manufacturing processes.

The design was focused around architectural conformance to the vocabulary of the other buildings on the site, an operation adopted by AMA Group when building module F13t, consisting of an offce building and two lobbies, one of which, the main lobby, also acts as an entrance to the ST site.

What follows is a conversation with Alfonso Mercurio, founder of the group.

A.M. l’Arca International, being an architecture magazine, tends to publish architectural images and not the stories behind them, ending up ignoring the fact that my team and I have built 26 WEFs all over the world for all kinds of companies and so this project is an important event for Italy that has fnally managed to come to terms with products like these.

M.P. A truly incredible number in such a key feld since, as we all know, the world runs on microchips and, therefore, in addition to architectural issues, we need to assess what this work represents for an Italian frm. After all, Italians have built great dams, railways, monuments and entire cities.

A.M. And so our work is an even more important event in modern-day life. We have also designed and build plants in the United States: in Dallas and Austin for Texas Instruments.

M.P. One wonders how this venture came about. How does the idea of devoting oneself exclusively to such installations come about? To works that, at frst glance, seem more related to engineering than architecture.

A.M. That is actually wrong, because from an architectural point of view they may be interesting and charming in themselves, but people do not really understand that these works are not just magnifcent technological installations, they are environmentally-friendly projects that ft into their surroundings.

M.P. Do clients understand all this?

A.M. Yes, I would say so. They understand the effort I have made in this sense and even the newspapers eventually covered these matters. I took advantage of the publicity surrounding the project carried out in Italy, the largest in our country.

M.P. Let’s talk about how this venture began.

A.M. My cousin worked at Texas Instruments. They needed to extend

their Rieti plant, which manufactured computers and not microchips. The technicians from ATEX came to Italy to meet designers, and they told my cousin they wanted to meet Italians who could speak English to help out. That was back in the early 1980s. Later they decided to build a factory in Avezzano in Italy, similar to the one in Dallas that they had sent me to visit.

M.P. A procedure similar to that used for supermarkets or shopping centres. You have a structure and it needs to be covered with a new protective coating.

A.M. Uefa Fab is a very complex building that entails whole series of problems, such as micro infections and the cleanliness of the air in various areas. I went to Dallas to see the building. I went back there with my work colleagues (engineers, plant-engineers and structural engineers) to create an integrated design. We studied everything carefully and, in the end, I thought it could be done better. They had a meeting with the various facilities and agreed. We built it in Avezzano because it was close to the motorway to Rome and then on to Fiumicino and the University of L’Aquila. It became a sort of St. Peter’s that people from the other facilities also came to visit.

M.P. What’s new?

A.M. The air cleaning system. They used huge fans that they attached to the sides of the green room, the clean room. I proposed a different ventilation system without huge fans. I suggested created an extra foor for the clean room instead of the usual two and this solved the various issues: the dirty utility sub. They accepted this solution, which completely changed the logic of WEF. From then on, I worked for some of the most important companies in the world. I also endeavoured to impose an appropriate architectural image on industrial sites, which are often just warehouses with no connection between them.

FLOLONY Float-On/Float-Off Colony

HOV/David Raponi

FLOLONY è un’unità abitativa fottante a galleggiamento variabile, costituita da un’architettura navale mobile dotata di energia autonoma e sviluppata su una geometria che consente al natante di adattarsi a qualsiasi condizione del mare, anche a quelle estreme.

FLOLONY est une unité d’habitation fottante à fottaison variable, constituée d’une architecture navale mobile dotée d’énergie autonome et développée selon une géométrie qui permet au navire de s’adapter à toutes les conditions de mer, même les plus extrêmes.

FLOLONY is a changeable buoyancy foating housing unit, made up of a mobile naval architecture equipped with autonomous energy and developed on a geometry which enables the vessel to adapt to any marine conditions, even the extreme ones.

La struttura ha un’ampia superfcie a contatto con lo spazio aperto e la parte superiore, sempre fuori dall’acqua, è controllata da impianti in grado di garantire il massimo apporto di elementi vitali (luce e acqua), utili al metabolismo residenziale/produttivo della colonia.

In questa simulazione progettuale viene applicato alla struttura un modello sociale realistico: il costo di costruzione della colonia è suddiviso in quote per persona in base al numero di abitanti, così come i costi per la manutenzione, i servizi, l’equipaggio, ecc.

Tuttavia, la struttura della colonia non esclude l’attuazione di modelli sociali più solidali, in cui la partecipazione alle attività e ai servizi di sostentamento è equamente distribuita tra gli occupanti, se non è presente un equipaggio, e le attività professionali sono svolte dagli abitanti stessi (medici, piloti, ingegneri, tecnici di bordo e di produzione, insegnanti, istruttori, operatori, ecc.).

In entrambi i casi la colonia rappresenta un organismo complesso e attiva un sistema di relazioni tra gli abitanti che è tipico di gruppi piccoli e strettamente connessi, e rappresenta anche un’alternativa ai modelli sociali caratterizzati dall’intelligenza collettiva.

Entrambi i modelli, antitetici secondo la teoria della biforcazione, potrebbero essere il risultato continuo dell’era dell’IT.

FLOLONY concepisce un’unità abitativa in un ambiente marino, dove una comunità di individui sceglie di vivere una parte breve o lunga della propria vita in mare aperto. Per quanto riguarda i servizi essenziali alla vita, l’unità è autonoma (quindi senza necessità di alimentazioni esterne) e, secondo le sue potenziali confgurazioni e dotazioni, può esserlo per periodi variabili da pochi mesi a

diversi anni. Muovendosi lungo rotte marine all’interno delle zone temperate/equatoriali e seguendo la direzione dei corsi d’acqua principali, la colonia mantiene il proprio equilibrio energetico utilizzando la Ocean Thermal Energy Conversion (OTEC), l’energia solare, la potenza del moto ondoso e i metodi di raccolta e utilizzo delle acque ad alta temperatura originanti da sorgenti termali profonde.

La struttura è realizzata in doppia e tripla lastra di acciaio e alluminio. La sua galleggiabilità variabile è regolata da bacini di compensazione che consentono un raggio di galleggiamento di circa 36,5 m. Questo permette di affrontare condizioni marine estreme e, allo stesso modo, di mantenere la sua galleggiabilità in superfcie quando ci sono condizioni marine ottimali.

L’unità è suddivisa in 19 ponti principali e 10 secondari (o parziali), per un totale di 29 livelli.

Nel tratto immerso, oltre ai bacini di compensazione, sono presenti bacini di itticoltura, habitat per i prodotti dell’allevamento, sistemi di raccolta e trattamento delle precipitazioni, un impianto di desalinizzazione, depositi di acqua potabile e carburanti, motogeneratori di emergenza diesel/elettrici, un sistema propulsivo elettrico, un’area magazzino per i convertitori di potenza del moto ondoso, aree tecniche speciali, ecc.

Unità abitative, spazi culturali e di intrattenimento, scuole, laboratori scientifci e medici, aree pilota, ponti, strumenti tecnici e di navigazione, impianti meccanici per il ricambio/trattamento dell’aria, offcine e laboratori di produzione, aree verdi, aree ludiche e sportive, ecc. sono situati nella sezione di galleggiamento variabile e nella sezione emergente.

The structure has a large surface in contact with the open space and the upper part, always out of water, is controlled by systems that can guarantee the maximum supply of vital elements (light and water), useful for the residential/ productive metabolism of the colony.

In this project simulation a realistic social model is applied to the structure: the building cost of the colony is divided into shares per person according to the number of inhabitants, as well as the costs for maintenance, services, crew, etc.

Nevertheless, the structure of the colony does not exclude the implementation of more supportive social models, in which the participation to livelihood activities and services is equally distributed among the occupants, if a crew is not present, and the professional activities are carried out by

the inhabitants themselves (doctors, pilots, engineers, on board and production technicians, teachers, instructors, operators, etc.)

In both cases the colony represents a complex organism and activates a system of relationships among the inhabitants that is typical of small and tightly connected groups, and it also represents an alternative to the social models characterized by collective intelligence. Both models, which are antithetical ones according to the bifurcation theory, could be the ongoing result of the IT era.

FLOLONY conceives a housing unit in a marine environment, where a community of individuals chooses to live a short or long part of their lives on the open sea. As for the essential services for life the unit is autonomous and, according to its potential confgurations and equipments,

La structure a une grande surface en contact avec l’espace ouvert et la partie supérieure, qui est toujours hors d’eau, est commandée par des systèmes pouvant garantir l’apport maximal d’éléments vitaux (lumière et eau), utiles au métabolisme résidentiel/productif de la colonie.

Dans cette simulation de projet, un modèle social réaliste est appliqué à la structure : le coût de construction de la colonie est divisé en parts par personne en fonction du nombre d’habitants, ainsi que les frais d’entretien, de services, de personnel, etc.

Néanmoins, la structure de la colonie n’exclut pas la mise en œuvre de modèles sociaux plus solidaires, où la participation aux activités et services de base est répartie équitablement entre les occupants lorsqu’il n’y a pas d’équipage, et les activités professionnelles sont assurées par les habitants euxmêmes (médecins, pilotes, ingénieurs, techniciens de bord et de production, enseignants, instructeurs, opérateurs, etc.).

Dans les deux cas, la colonie représente un organisme complexe et met en œuvre un système de relations entre les habitants qui est typique des petits groupes étroitement connectés, tout en représentant une solution autre que les modèles sociaux fondés sur l’intelligence collective.

Les deux modèles, qui sont antithétiques selon la théorie des bifurcations, pourraient être le résultat actuel de l’ère des technologies de l’information (IT).

FLOLONY conçoit une unité d’habitation dans un environnement marin, où une communauté d’individus choisit de vivre une partie plus ou moins longue de leur vie en pleine mer. En ce qui concerne les services indispensables à la vie, l’unité est autonome et, selon ses confgurations et équipements possibles, elle peut être indépendante (donc sans avoir besoin d’approvisionnements extérieurs) pour des périodes allant

de quelques mois à plusieurs années. En se déplaçant le long des routes maritimes dans les zones tempérées/équatoriales et en suivant la direction des courants principaux, la colonie maintient son équilibre énergétique en utilisant la conversion de l’énergie thermique des océans (OTEC), l’énergie solaire, l’énergie des vagues et les méthodes de collecte et d’utilisation des eaux à haute température provenant de sources thermiques profondes.

La structure est composée de doubles et triples couches d’acier et d’aluminium. Sa fottabilité variable est régulée par des bassins de compensation qui lui garantissent un rayon de fottement d’environ 36,5 mètres. Cela lui permet de faire face à des conditions de mer extrêmes et, en même temps, de maintenir sa fottabilité au niveau de la surface lorsque les conditions de la mer sont optimales.

L’unité est divisée en 19 ponts principaux et 10 ponts secondaires (ou partiels), pour un total de 29 niveaux.

Outre les bassins de compensation, la partie immergée abrite des bassins de pisciculture, des espaces pour les produits agricoles, des systèmes de collecte et de traitement des eaux de pluie, une station de dessalement, des réservoirs d’eau potable et de carburant, des générateurs diesel/électriques de secours, un système de propulsion électrique, une zone de stockage pour les convertisseurs d’énergie houlomotrice, des zones techniques spéciales, etc.

Les unités d’hébergement, les espaces culturels et de loisirs, les écoles, les laboratoires scientifques et médicaux, les zones de pilotage, les ponts, les instruments techniques et de navigation, les installations mécaniques de renouvellement/traitement de l’air, les ateliers et laboratoires de production, les espaces verts, les aires de jeux et de sport, etc. se trouvent dans la section à fottabilité variable et dans la section émergée.

it can be independent (therefore with no need of external supplies) for periods varying from a few months to several years. Moving along marine routes within the temperate/ equatorial zones and following the direction of the main streams, the colony maintains its energy balance using Ocean Thermal Energy Conversion (OTEC), sun energy, wave power and the methods of collection and use of high temperature waters originating from deep thermal sources. The structure is made of double and triple steel layers and aluminum. Its changeable buoyancy is regulated by compensation basins that permit a foat-on/foat-off range of about 36.5m. This allows it to face extreme marine conditions and, in the same way, to keep its buoyancy on the surface level when there are optimum marine conditions. The unit is divided into 19 main decks and 10 secondary

(or partial) decks, for a total amount of 29 levels. In the immersed section, besides the compensation basins, there are fsh farming basins, habitats for farming products, systems for the collection and treatment of precipitations, a desalination plant, storages of potable water and fuel, emergency diesel/electric engine-generators, an electric propulsive system, a stock area for the converters of wave power, technical special areas, etc.

Accommodation units, cultural and entertaining spaces, schools, scientifc and medical laboratories, pilot house areas, bridges, technical and navigation instruments, mechanical plants for air change/treatment, production workshops and laboratories, green areas, play and sport areas, etc. are situated in the changeable buoyancy section and in the emerging section.

Thangka Art Museum

Lhasa, Tibet, China

AND Studio/Duccio Cardelli

Le musée d’art Thangka est un projet culturel de 8 000 m2 situé au cœur d’un nouveau quartier au sud de Lhassa, au Tibet.

Il Thangka Art Museum è un progetto culturale di 8.000 m² situato nel cuore di un nuovo distretto a sud di Lhasa, in Tibet.

Thangka Art Museum is an 8,000 m² cultural project located in the heart of a new mixed-use district in the south of Lhasa, Tibet.

Il y a deux ans, Lhassa City Investment Co. Ltd, un groupe de promotion et de construction dont le directeur général détient la plus grande collection d’art Tangkha au monde, a contacté l’agence AND Studio Architects pour étudier un projet de musée au Tibet.

Un “Thangka” est la représentation peinte d’une ou de plusieurs divinités ou de bouddhas du panthéon bouddhiste tibétain. Il s’agit d’un “moyen” pour la compréhension et la réalisation, sur la voie spirituelle du bouddhisme Vajrayana. L’objectif était de concilier modernité et tradition, et pour ce faire l’équipe a entrepris un voyage initiatique pour connaître et comprendre l’art Tangkha, l’architecture locale, dans ses formes d’expression volumétrique et sa composition architecturale.

La visite du Palais du Potala, résidence du dernier Dalaï Lama, suivie de la visite de plusieurs autres sites religieux, a permis de mieux comprendre la composition et l’organisation volumétrique. Une composition souvent organisée en mouvement ascendant, correspondant aux trois formes du Point Culminant du “Chemin de l’éveil”. Le chemin vers l’illumination est complexe et est souvent représenté par un parcours ascendant et tortueux. La montagne est la suprême représentation de ce voyage et ses sommets sont des lieux de prière. Les monastères sont organisés selon le principe de ce parcours, et ce schéma a également été appliqué au nouveau musée. L’organisation du programme se présente non pas comme une seule masse bâtie mais comme une composition de volumes, qui rappelle l’organisation du palais du Potala en reprenant partiellement les parois inclinées qui caractérisent l’architecture tibétaine.

Le bâtiment est construit au pied des montagnes et se décompose en six volumes reliés sur la pente, à la manière d’un monastère tibétain.

Le projet s’articule autour de deux axes. Le parcours extérieur, qui reprend le chemin du monastère tibétain, une

montée entre les différents volumes, qui rappelle l’ascension de la montagne, pour mener à la petite place haute, où les fdèles peuvent se recueillir devant un énorme Thangka de près de quinze mètres de long, accroché deux fois par an à la tour. L’autre, intérieur, qui organise les espaces d’exposition et présente les objets d’art en suivant le parcours du croyant en quête d’illumination. Le partie supérieure de la tour représente le sommet de la montagne, avec des drapeaux de prière bouddhiste et une vue panoramique sur le palais du Potala. La tour est utilisée comme espace d’exposition et fait fonction de “tour à vent”, en favorisant la ventilation naturelle. Le parcours du musée a été conçu en collaboration avec le conservateur et un moine local. L’utilisation de la lumière naturelle comme élément architectural a inspiré la conception des espaces. La lumière zénithale, les claustras et les quelques fssures percent les murs et les toits des salles d’exposition.

L’utilisation de doubles parois permet d’isoler thermiquement le bâtiment et de réduire de 30 % la consommation d’énergie destinée au chauffage et au rafraîchissement. Pour préserver l’environnement, aujourd’hui il est interdit de creuser des carrières dans la région. Le choix s’est donc porté sur une réinterprétation des murs en pierre traditionnels avec des doubles murs ventilés en béton. La terre battue, une technique locale ancestrale, a été employée pour le sol des espaces d’exposition.

Pour les éléments décoratifs, le bois (peu présent sur place), la feuille d’or et toutes les couleurs caractéristiques de la religion bouddhiste ont été utilisés : le “bleu du Tibet”, le jaune (ocre ou or), couleur du corps du Bouddha, le rouge, auquel les Tibétains attribuent des vertus magiques. Plusieurs éléments clés du projet ont été réalisés en bronze, matériau sacré symbole de prospérité, d’abondance spirituelle et de respect. Des artistes locaux sont également intervenus pour réaliser des sculptures et des peintures sur bois.

Due anni fa AND Studio è stato contattato dalla Lhasa City Investment Co., Ltd, un gruppo di promozione e costruzione, il cui amministratore delegato detiene la più grande collezione di arte Thangka al mondo, per studiare un progetto museale in Tibet.

Un “Thangka” è la rappresentazione sacra dipinta della religione buddista tibetana, un “mezzo” per la comprensione e la realizzazione, nel percorso spirituale del buddismo Vajrayana.

L’ambizione era di conciliare modernità e tradizione, e per questo il team ha compiuto un percorso iniziatico per conoscere e comprendere l’arte Thangka, l’architettura locale, nelle sue espressioni di composizione volumetrica e architettonica.

La visita del Palazzo Potala, la casa dell’ultimo Dalai Lama, seguita dalla visita di diversi altri luoghi religiosi, ha illuminato molto sulla composizione e l’organizzazione volumetrica. Composizione spesso organizzata in un movimento ascendente, che corrisponde alle tre forme del Punto Culminante della “Via del Risveglio”. Il percorso verso l’illuminazione è complesso, spesso rappresentato da un percorso ascendente e tortuoso. La montagna è la massima rappresentazione di questo viaggio e le sue vette sono luoghi di preghiera. I monasteri sono organizzati secondo il principio di questo percorso e anche per il nuovo museo si è seguito questo schema. L’organizzazione del programma si presenta non come un’unica massa costruita ma come una composizione di volumi, che ricorda l’organizzazione del Palazzo Potala, riprendendo parzialmente le pareti inclinate tipiche dell’architettura tibetana.

L’edifcio poggia ai piedi delle montagne ed è scomposto in sei volumi collegati nel pendio, come un monastero tibetano.

Il progetto è organizzato su due percorsi. Quello esterno,

che riprende il percorso del monastero tibetano, una salita tra i diversi volumi, che ricorda la salita della montagna, per condurre alla piazza alta, dove i fedeli possono raccogliersi davanti a un enorme Thangka lungo quasi 15 m, attaccato due volte l’anno alla torre. L’altro interno, che organizza gli spazi espositivi e gli oggetti esposti seguendo il cammino del credente alla ricerca dell’illuminazione. La parte superiore della torre rappresenta la cima della montagna, con bandiere di preghiera buddista e la vista panoramica del Palazzo Potala. La torre è utilizzata come spazio espositivo e funge da “torre del vento”, favorendo la ventilazione naturale.

Il percorso museale è stato progettato in collaborazione con il curatore e un monaco locale. L’uso della luce naturale come componente architettonica ha guidato la progettazione degli spazi. Luce zenitale, claustra e fessure occasionalmente perforano le pareti e i tetti delle sale espositive.

L’utilizzo di doppie pareti isola termicamente l’edifcio e riduce del 30% il consumo energetico per il riscaldamento e il raffrescamento. Per proteggere l’ambiente, nella regione è ora vietato l’escavazione delle cave. Si è quindi scelto di reinterpretare i tradizionali muri in pietra con doppie pareti ventilate in cemento. Per i pavimenti degli spazi espositivi è stata utilizzata la terra battuta pressata, una tecnica ancestrale locale.

Per gli elementi decorativi si è utilizzato legno (poco presente localmente), foglia d’oro e tutti i colori tipici della religione buddista: “blu tibetano”, giallo (ocra o oro), il colore del corpo del Buddha, rosso, cui i tibetani assegnano virtù magiche. Diversi elementi chiave del progetto sono stati realizzati in bronzo, materiale sacro, simbolo di prosperità, abbondanza spirituale e rispetto. Artisti locali sono intervenuti anche per la realizzazione di sculture e dipinti su legno.

Client: Lhasa City Investment Project: AND Studio/Duccio Cardelli (www.andstudio.net)

Two years ago, AND Studio was approached by Lhasa City Investment Co., Ltd, a promotion and construction group, whose managing director holds the world’s largest collection of Thangka art, to study a museum project for Tibet.

A “Thangka” is the Tibetan Buddhist religion’s own style of holy painting, a ‘means’ of understanding and self-realisation on the spiritual path of Vajrayana Buddhism.

The aim was to reconcile modernity and tradition, so the team went on an initiatory journey to get to know and understand Thangka art and structural-compositional tenets of local architecture.

A visit to Potala Palace, the home of the last Dalai Lama, followed by visits to several other religious sites, provided plenty of insight into its structural composition and organisation. Architectural designs often feature upward motion corresponding to the three forms of the Culminating Point of the “Path to Awakening”. The way to enlightenment is complex and often represented by an ascending, winding path. The mountain is the ultimate embodiment of this journey, and its peaks and summits are places of prayer. Monasteries are designed in accordance with this pathway and the new museum has this kind of layout. The building is not designed as one single built mass but rather as a composition of structures reminiscent of the layout of Potala Palace, partially echoing the sloping walls typical of Tibetan architecture. The building stands at the foot of the mountains and is broken down into six structures connected across the slope like a Tibetan monastery. The project is organised along two paths. The external path is the same as that of a Tibetan monastery, an as-

cent across various structures reminiscent of a climb up a mountain. It leads to a high square, where worshippers can gather in front of an enormous Thangka almost 15 m long that is attached to the tower twice a year. The other interior path sets out the exhibition spaces and their exhibits tracing the believer’s path in search of enlightenment. The upper part of the tower represents the top of a mountain and is decorated with Buddhist prayer fags. It also offers a panoramic view of Potala Palace. The tower is used as an exhibition space and also acts as a “wind tower” facilitating natural ventilation.

The museum layout was designed in partnership with the curator and a local monk. The use of natural light as an architectural feature guided the overall spatial design. Zenith light, claustra and occasional slits pierce the walls and roofs of the exhibition rooms.

The use of double walls thermally insulates the building and reduces energy consumption for heating and cooling by 30 per cent. Quarrying is now prohibited in the region to protect the environment, so it was decided to reinterpret traditional stone walls in the form of ventilated concrete double walls. Pressed earth, a local ancestral technique, was used to construct the foors of the exhibition spaces.

Wood (rarely found locally), gold leaf and all the most distinctive colours of Buddhism were used for the decorative features: “Tibetan blue”, yellow (ochre or gold), the colour of Buddha’s body, and red, a colour with magical properties for the Tibetans. Several key elements of the project were made of bronze, a sacred material symbolising prosperity, spiritual abundance and respect. Local artists also contributed by creating sculptures and paintings on wood.

Ground floor plan

Cross

Longitudinal section

Bologna è una città dove da secoli si cammina, con il sole o con la pioggia, sotto la più straordinaria rete di portici d’ Europa, e dove un tempo c’era (e ora circola ancora, ma nascosta sottoterra) anche una sua magnifca trama di canali. Mentre i parigini celebrano i doni portici della loro Rue de Rivoli, i bolognesi non menzionano i quasi 32 km di strade porticate e pochi di loro si vantano di avere avuto un sistema di canali che una volta metteva in moto industrie e commerci. Questi canali, che originano dagli Appennini, meritano d’essere nuovamente riportati alla memoria dei suoi cittadini e allo stupore de suoi visitatori. Il progetto appartiene alla grande tradizione bolognese delle fontane pubbliche cittadine. Si potrebbe pertanto chiamare questa fontana, per esempio, Aqua Aemilia secondo l’uso storicamente praticato dai diversi papi urbanisti (Aqua Pia, Aqua Claudia, Aqua Alexandrina, Aqua Felix, Aqua Paola, ecc.) ma sarebbe

più poetico, e anche più idoneo, chiamarla La Fontana dei Canali Nascosti per celebrare il suo valore simbolico. I due piani verticali di mattoni, uno rettangolare e l’altro trapezoidale, che defniscono e racchiudono lo spazio della fontana, riecheggiano gli Appennini che incorniciano Bologna verso Sud. Questi piani non si intersecano ma, avvicinandosi come il dito del Creatore ad Adamo nel dipinto di Michelangelo nella Cappella Sistina, evocano la tensione della Creazione. Il piano inclinato della fontana, richiamandosi all’orografa di Bologna (ai piedi delle montagne) è composto di ciottoli che, come le corde di un violoncello, cantano con un mormorio all’acqua che scorre alimentando l’immagine di un simbolico canale. Infne, una sottile nebbia d’acqua fresca si alza talvolta dalla fontana creando, quando è baciata dal Sole o illuminata di notte, sorprendenti arcobaleni e vari giochi di colore

Emilio Ambasz.

Depuis des siècles, Bologne est une ville où l’on marche, sous le soleil et sous la pluie, sous le plus extraordinaire complexe de portiques d’Europe, et où il y avait autrefois (et où il y a toujours, mais caché sous terre) un magnifque réseau de canaux. Tandis que les Parisiens vantent les portiques de la rue de Rivoli, les Bolognais ne parlent pas des près de trente-deux kilomètres de rues à arcades et rares sont ceux qui parlent du système de canaux qui autrefois a permis le développement de l’industrie et du commerce. Ces canaux, qui naissent dans les Apennins, méritent d’être rappelés à la mémoire des habitants et à l’émerveillement des visiteurs.

Le projet s’inscrit dans la grande tradition bolonaise des fontaines publiques.

On pourrait donc appeler cette fontaine, par exemple, Aqua Aemilia selon l’usage historique adopté par les différents papes urbanistes (Aqua Pia, Aqua Claudia, Aqua Alexan-

Bologna is a city where for centuries people have walked, whatever the weather, under the most extraordinary network of porticoes in Europe and where there was once (and now still is but hidden away underground) also a magnifcent network of canals. While Parisians celebrate the porticoed wonders of their own Rue de Rivoli, the people of Bologna never mention the almost 32 km of porticoed streets, and few of them boast of having had a system of canals that were once the real wheels of industry and trade. Local and visitors alike should be reminded about these maganifcent canals originating in the Apennines. This project fts in with that great Bolognese tradition of public city fountains.

This fountain could, for example, be called Aqua Aemilia in line with how town-planners used to refer to them (Aqua Pia, Aqua Claudia, Aqua Alexandrina, Aqua Felix, Aqua Paola, etc.), but it would be more poetic and also more

drina, Aqua Felix, Aqua Paola, etc.), mais il serait plus poétique, et aussi plus approprié, de l’appeler “La fontaine des canaux cachés” pour célébrer sa valeur symbolique. Les deux pans verticaux en briques, l’un rectangulaire et l’autre trapézoïdal, qui défnissent et délimitent l’espace de la fontaine, évoquent les Apennins qui encadrent Bologne au sud. Ces pans ne se croisent pas mais, se rapprochant l’un de l’autre comme le doigt du Créateur vers Adam dans la fresque de Michel-Ange dans la chapelle Sixtine, ils évoquent la tension de la Création. Le plan incliné de la fontaine, qui rappelle l’orographie de Bologne (au pied des montagnes), se compose de galets qui, comme les cordes d’un violoncelle, chantent en murmurant à l’eau qui ruisselle, alimentant l’image d’un canal symbolique. Enfn, une fne brume d’eau fraîche s’élève parfois de la fontaine et, lorsqu’elle est baignée de soleil ou illuminée la nuit, crée d’étonnants arcs-en-ciel et de nombreux jeux de couleurs.

Emilio Ambasz.

appropriate to name it La Fontana dei Canali Nascosti (The Fountain of Hidden Canals) to celebrate its symbolic value.The two vertical brick surfaces, one rectangular and the other trapezoidal, which border around and enclose the fountain’s space, echo the Apennines towering above Bologna to the south.

These planes do not intersect, but, as they draw close to each other like the fngers of the Creator and Adam in Michelangelo’s painting in the Sistine Chapel, they effectively evoke the inherent tension of Creation.

The sloping surface of the fountain, reminiscent of Bologna’s orography (at the foot of the mountains), is made of pebbles, which, like the strings of a cello, vibrate with a shimmer towards the fowing water to create the image of a symbolic canal. Finally, a fne mist of cool water sometimes rises from the fountain, creating, when sun-kissed or illuminated at night, dazzling rainbows and startling colours.

Emilio Ambasz

Aqua Aemilia

La Fontana dei Canali Nascosti Bologna, Italy

Emilio Ambasz

Il 23 marzo, a New York, il Consortium for Sustainable Urbanization (CSU) ha assegnato il premio President’s Award all’architetto argentino Emilio Ambasz per il contributo nella progettazione e nell’urbanizzazione responsabile e resiliente. Il CSU è un’istituzione impegnata con i propri partner, tra i quali AIANY – The American Institute of Architects – l’Agenzia ONU UN-Habitat e la Columbia University, a promuovere progetti sulla sostenibilità. Ambasz, poeta dell’architettura green, viene ricordato anche come inventore di oggetti di design.

A lui si deve “La Fontana dei Canali Nascosti” proget-

Le 23 mars, à New York, le Consortium for Sustainable Urbanization – CSU (Consortium pour l’urbanisation durable) a décerné le President’s Award à l’architecte argentin Emilio Ambasz pour sa contribution à la conception, à l’urbanisation responsable et résiliente. Le CSU est une institution engagée avec ses partenaires, dont AIANY –The American Institute of Architects – l’agence des Nations unies UN-Habitat et l’université de Columbia, dans la promotion de projets de développement durable. Emilio Ambasz, poète de l’architecture verte, est également considéré comme un créateur d’objets de design. C’est à lui que nous devons la “Fontana dei Canali Nascosti” (Fontaine des canaux cachés), conçue dans le respect

On 23rd March in New York, the Consortium for Sustainable Urbanization (CSU) awarded the President’s Award to Argentinean architect Emilio Ambasz for his contribution to responsible and resilient design and urbanisation. The CSU is an institution committed along with its partners, including AIANY – The American Institute of Architects – the UN-Habitat Agency and Columbia University, to promoting sustainability projects. Ambasz, a poet of green architecture, was also recognised for his work as an inventor of design objects. To him we owe “La Fontana dei Canali Nascosti” (The Fountain of Hidden Objects) designed in keeping with Bologna’s tradition for public

tata in sintonia con la tradizione bolognese delle fontane pubbliche. In accordo con le Feste dell’Acqua si potrebbe chiamare Aqua Aemilia come facevano storicamente i diversi papi urbanisti anche se Ambasz ritiene più idoneo chiamarla Fontana dei Canali Nascosti, un nome che evoca il suo valore simbolico. A Bologna da secoli si cammina, con il sole o la pioggia, impiegando la più ampia rete di portici in Europa e una magnifca trama di canali legati ai paesi del Nord che originano negli Appennini e ossigenavano riccamente la città. Oggi meritano d’essere riscoperti dai cittadini e dai visitatori.

Mario Pisani

de la tradition bolonaise des fontaines publiques. Dans le cadre des Fêtes de l’eau, elle pourrait aussi être appelée Aqua Aemilia, comme l’ont fait historiquement les différents papes urbanistes, bien qu’Ambasz estime qu’il est plus approprié de l’appeler “Fontana dei canali nascosti”, un nom qui évoque sa valeur symbolique.

À Bologne, depuis des siècles, qu’il pleuve ou qu’il vente, les gens se promènent en empruntant le plus grand réseau d’arcades d’Europe et un magnifque réseau de canaux liés aux pays du nord d’Italie qui naissent dans les Apennins et qui oxygènent généreusement la ville. Ces canaux méritent d’être redécouverts aujourd’hui tant par les habitants de la ville que par les visiteurs.

Mario Pisani

fountains. With the blessing of the Feste dell’Acqua (Water Festival), it could even be called Aqua Aemilia as various “urban planner popes” once did, although Ambasz considers it more appropriate to call it the “Fontana dei Canali Nascosti”, a name that evokes its symbolic value. For centuries people have walked around Bologna, rain or shine, making use of the largest network of porticoes in Europe and a magnifcent web of canals linked to towns and villages to the north that originated in the Apennines and used to supply the city with so much oxygen. Today they deserve to be rediscovered by local people and visitors alike.

Mario Pisani

Client: Università di Bologna:

(Project Directors: Prorettore Ricardo Gulli, Raffaele Milani)

Project: Emilio Ambasz (www.ambasz.com)

Hydraulical and Structural Engineering: Binini Partners (Tiziano Binini)

La nouvelle bibliothèque est le cœur du campus de l’université de Graz. Le rénovation et l’extension du bâtiment existant a donné une toute nouvelle apparence à la bibliothèque, qui se caractérise principalement par les deux étages vitrés en porte-à-faux sur la salle de lecture historique, construite à l’origine en 1895. La démolition du corps de bâtiment réalisé dans les années 1970 a permis de remettre à nu la façade historique et protégée, du côté nord de la bibliothèque, qui dispose désormais d’un grand espace couvert sur le devant. L’effet produit – par rapport au développement urbain du centre du campus – a été un critère important dans la décision du jury. Le nouveau bâtiment répond plus que largement aux exigences d’une bibliothèque du XXIe siècle, en combinant différentes structures, fonctions, salles et styles dans un ensemble homogène. L’architecte Thomas Pucher a également créé un hall transparent pour relier la bibliothèque au bâtiment principal de l’université et a regroupé en un seul complexe cohérent les différentes annexes et extensions qui avaient été construites au fl des ans. Il a également réussi à redonner toute leur splendeur à la bibliothèque d’origine et à la partie historique du bâtiment. Le résultat est une union des contraires entre le bâtiment existant, classé, et le nouveau bâtiment, qui est une source d’inspiration pour tous ceux qui visitent la bibliothèque, et qui devient le centre du campus. Le nouveau hall fait fonction de foyer d’entrée et d’espace pour les événements, et sert de jonction centrale –avec des entrées depuis le nord et le sud, ainsi que depuis le bâtiment principal de l’université. De là, les étudiants peuvent également se rendre à l’amphithéâtre et aux différents services de la bibliothèque. Ils peuvent également accéder aux postes de travail de la salle de lecture et au nouvel étage supérieur en verre. Pour la première fois, les différentes sections du bâtiment ont été rassemblées pour ne former qu’une seule unité.

La nuova biblioteca è il cuore del Campus Universitario di Graz. La riprogettazione dell’edifcio esistente ha conferito alla biblioteca un aspetto completamente nuovo, caratterizzato prevalentemente dalla pedana a due piani vetrata che sporge dall’alto della storica sala di lettura, originariamente costruita nel 1895. La demolizione dell’ampliamento realizzato negli anni Settanta ha portato alla luce il facciata storica, protetta, sul lato nord della biblioteca, che ora ha davanti un’ampia area coperta. L’effetto di ciò – per quanto riguarda lo sviluppo urbano del centro dell’intero campus - è stato un fattore importante nella decisione della giuria. Il nuovo edifcio soddisfa più che i requisiti di una biblioteca del XXI secolo, combinando diverse strutture, funzioni, stanze e stili in un insieme omogeneo.

L’architetto Thomas Pucher ha anche introdotto un atrio trasparente per collegare la biblioteca con l’edifcio principale dell’università e ha consolidato il miscuglio di diversi componenti aggiuntivi ed estensioni che erano stati costruiti nel corso degli anni in un insieme coeso. Riuscì anche a riportare al loro antico splendore la biblioteca originaria e la parte storica dell’edifcio. Il risultato è un’unione di opposti tra l’edifcio esistente, tutelato, e il nuovo edifcio, che funge da ispirazione per chiunque visiti la biblioteca, oltre a farne il cuore del campus universitario. Il nuovo atrio assume il ruolo di foyer d’ingresso e di eventi e funge da snodo centrale –con ingressi da nord e da sud, oltre che dall’edifcio principale dell’università. Da qui gli studenti possono accedere anche all’aula magna e ai punti di servizio della biblioteca. Possono inoltre accedere alle postazioni di lavoro in sala lettura e al nuovo piano superiore fornito dalla pedana in vetro. Per la prima volta, le varie sezioni dell’edifcio si sono fuse per formare un’unica unità.

The new Library is the heart of the Graz University Campus. The redesignof the existing building has given the library a completely new look, characterised predominantly by the two-storey glass-fronted platform that juts out from the top of the historic reading room, originally built in 1895. Demolishing the 1970s-built extension uncovered the historic, listed façade on the north side of the library, which now has a large covered area in front of it.

The effect of this – in regard to the urban development of the centre of the en-tire campus – was a major factor in the jury’s decision.

The new building more than meets the requirements of a 21st century library, combining different structures, functions, rooms and styles into one homogeneous ensemble. Architect Thomas Pucher also introduced a transparent atrium to connect the library with the main university building, and consolidated the hotchpotch of different add-ons and extensions that had been built over the years into one cohesive whole. He also succeeded in restoring the original library and the historic part of the building to their former glory.

The result is a union of opposites between the existing, listed building and the new building, which serves as inspiration for anyone visiting the library, as well as making it the heart of the university campus. The new atrium takes on the role of an entrance and events foyer, and acts as a central junction – with entrances from the north and south, as well as from the main university building. From here, students can also get to the lecture hall and the library service points. They can also access the workstations in the reading room and on the new upper storey provided by the glass platform. For the frst time, the various sections of the building have merged to form one unit.

University Library

Graz, Austria

Atelier Thomas Pucher

EXISTING SITUATION

An existing extension from the 70s forms a bottleneck at one of the most signifcant areas of the Campus.

ENTRANCE

By removing the 70s building and the connection between the original library and the main building new routes and axes are created. A new plaza connects all routes and provides a generous situation with a strong urban quality. The original library is brought clear and fnally visible after so many years.

Project: Atelier Thomas Pucher (www.thomaspucher.com)

Lead Architects: Thomas Pucher & DI Magnus Griesbeck

Assistant Project Leader: Roman Krajger

Team Members: Pia Lackner, Hannes Stöffer, Domink Zach

Civil Engineering: Dr.Pfelier

MEP: TB-Starchel Ingenieur

Structural Engineering: Bollinger+Grohmann

Head of Competitions: Erich Ranegger

Photo: David Schreyer & Crystal O’Brien-Kupfner

NEW FOYER

A new atrium between the main building and the library forms a new entrance and central connection with the main building. The atrium can be used as lounge, reading room or venue for events and presentations.

ENSEMLE

The new reading hall is fnally placed above the existing structure as a fying reading carpet. An agile balance and interaction is created between the many different styles and types of buildings. History in itself creates a magnifold, intense urban ensemble.

Crystal O’Brien-Kupfner

David Schreyer

David Schreyer

David Schreyer

David Schreyer

CO’Met est le nouveau ensemble multifonctionnel qui réunit sur un seul site trois programmes distincts, l’Arena, le centre des congrès et le parc des expositions, assemblés à l’entrée Sud d’Orléans en une séquence iconique.

CO’Met è il nuovo complesso multifunzionale che riunisce in un unico sito tre programmi distinti, l’Arena, il Centro congressi e il Centro espositivo, aggregati all’entrata sud di Orléans in una sequenza iconica.

CO’Met is a new multifunctional complex that brings together on one site three distinct programmes, the Arena, the Congress Centre and the Exhibition Centre, all set around the southern entrance to Orléans in an eye-catching sequence.

CO’Met Orléans, France

Ferrier Marchetti Studio

L’atmosphère subtile des bords de Loire, a inspiré une architecture fuide et douce. Le drapé ondoyant de la façade enveloppe l’Arena et se déploie sur l’ensemble des équipements toute en légèreté et en clarté. En fottant au-devant des bâtiments, la façade crée des transparences, suggère des silhouettes, offre des profondeurs de champ. La nuit, c’est une toute autre image qui apparaît, une signature lumineuse qui s’intensife les soirs d’évènements.

L’entrée se fait sous un grand auvent à l’air libre. Celui-ci met en communication le parvis urbain côté tramway, et

le Bois des Montées, un fragment de forêt qui installe la présence de la nature dans l’expérience des visiteurs. A l’intérieur, le paysage accompagne le public dans tous les espaces de déambulation et de convivialité. De vastes baies ouvrent côté ville et côté Bois des Montées, découpant des vues panoramiques et amenant la lumière naturelle dans les circulations du public. Ces baies se prolongent par des terrasses accessibles, bienvenues pour les foyers et les buvettes.

Les escaliers extérieurs se développent dans l’ambiance moirée par le métal ajouré de leur structure, offrant une

L’atmosfera delicata delle rive della Loira ha ispirato un’architettura fuida e ondulata.

Il “drappeggio” della facciata avvolge l’Arena e si dispiega sui diversi blocchi funzionali con leggerezza, defnendo trasparenze, suggerendo volumetrie e creando profondità di campo. Di notte appare un’immagine completamente diversa, un’icona luminosa che si intensifca nelle serate di eventi.

L’ingresso, protetto da una grande tettoia, collega il piazzale sul lato del tram e il Bois des Montées, un

frammento di foresta che porta la presenza della natura nell’esperienza del visitatore.

All’interno, il paesaggio accompagna il pubblico e delinea gli spazi di collegamento e di incontro. Grandi vetrate si aprono verso la città e il Bois des Montées, ritagliando scorci panoramici e portando la luce naturale negli spazi di circolazione.

Le scale esterne si sviluppano nell’atmosfera cangiante del metallo traforato, offrendo un’altra esperienza del concetto di separazione che percorre l’intero pro-

The idyllic atmosphere along the banks of the River Loire inspired a fuid, undulating architectural design. The ‘drapery’ of the façade envelops the Arena and gently unravels across the various functional blocks to create transparencies, structures and different depths of feld. At night, a completely different image appears, a luminous icon that grows even more intense on event evenings.

The entrance, protected by a large canopy, connects the square on the tram side to Bois des Montées, a

stretch of forest that brings nature into the visitor’s experience.

Inside, the landscape envelops visitors and creates connection/meeting spaces.

Large windows open up towards the city and Bois des Montées framing panoramic views and bringing natural light into the circulation spaces.

The external stairs extend through the iridescent setting of perforated metal, offering an alternative way of experiencing the concept of separation that runs right

autre expérience de l’entre-deux qui caractérise l’architecture du projet.

Le projet s’inscrit dans une ambitieuse démarche de développement durable. L’ensemble des bâtiments (Arena, Palais des Congrès et Parc des Expositions) est traité par géothermie. La construction fait preuve d’une grande frugalité : l’écriture des façades est basée sur la légèreté et donc sur l’emploi d’un minimum de quantité de matière.

Dans les espaces intérieurs, la structure en béton est laissée apparente, sans aucun matériau rapporté. Une

consommation minimale de ressources qui crée une atmosphère sereine et solide, propice aux évènements. Les interventions signalétiques sont intégrées à l’architecture.

L’Arena de 10.000 places est conçue pour être modulaire et s’adapter à toutes sortes d’évènements culturels et sportifs. Le Palais des Congrès est en continuité directe de l’Arena et du parc des expositions : de nombreux scenarios d’association de tout ou partie des espaces offrent un outil unique qui fonctionnera toute l’année.

getto. L’edifcio risponde a un ambizioso programma di sviluppo sostenibile. Tutti gli edifci (Arena, Palais des Congrès e Parc des Expositions) sono trattati con energia geotermica.

La costruzione mostra grande frugalità: la scrittura delle facciate si basa sulla leggerezza e quindi sull’uso di una quantità minima di materiale. Negli spazi interni la struttura in cemento è lasciata a vista, senza aggiunta di materiale. Un consumo minimo di risorse che crea un’atmosfera

serena e rassicurante, favorevole agli eventi. Gli interventi di segnaletica sono integrati nell’architettura. L’Arena da 10.000 posti è progettata per essere modulare e adattarsi a tutti i tipi di eventi culturali e sportivi.

Il Palais des Congrès è in diretta continuità con l’Arena e il polo feristico: numerosi scenari di aggregazione totale o parziale degli spazi garantiscono l’adattabilità della struttura, che potrà essere sfruttata durante tutto l’anno.

through the entire project.

The building caters for an ambitious sustainable development programme.

All buildings (Arena, Palais des Congrès and Parc des Expositions) are supplied with geothermal energy. The construction shows great frugality: the façade design is based on lightness and, consequently, on the use of a minimum amount of material.

The concrete structure is left exposed in the interiors, without adding any extra material.

This minimal consumption of resources creates a calm and reassuring atmosphere conducive to events. The signage is integrated into the architecture.

The 10,000-seat Arena is designed to be modular and adapt to all types of cultural and sporting events.

The Palais des Congrès is in direct continuity with the Arena and exhibition centre: numerous layouts involving either the total or partial aggregation of spaces ensure the structure is adaptable so that it can be used throughout the year.

Client: Orléans Métropole

Project: Ferrier Marchetti Studio (ferriermarchetti.studio)

General Contractor: Bouygues Bâtiment Centre Sud-Ouest

Project Team: Ferrier Marchetti Studio, architects coordinator CO’Met and Arena architect; Chaix et Morel Associés, architects Congress Center and Exhibition Center; Populous, Sports architecture; TER, Landscape; BOA, Lighting; PEUTZ, Acoustics Operator: Orléans Events (GL Events).

Photo: ©Luc Boegly

Cross section

EDEN PROJECT MORECAMBE

Morecambe Bay, Lancaster, UK Grimshaw

Au cours des cinq dernières années, l’agence Grimshaw Architects, qui a dirigé la conception de l’Eden Project en Cornouailles, a travaillé avec Eden Project sur la conception de l’Eden Project Morecambe, une attraction qui, à travers une série de structures en forme de coques, accueillera des expositions, des expériences immersives et suscitera l’émerveillement devant la nature de la baie de Morecambe. L’équipe a travaillé en étroite collaboration avec les partenaires locaux, c’est-à-dire avec le conseil municipal de Lancaster, le conseil du comté de Lancashire, le Lancashire Enterprise Partnership et l’université de Lancaster, afn d’obtenir des résultats au niveau local, notamment en créant directement 300 emplois verts de haute qualité dans le cadre du projet et plus de 1 000 nouveaux emplois supplémentaires dans le cadre d’activités de soutien dans toute la région. L’attraction prévoit de recevoir 740 000 visiteurs par an. Ce projet unique en son genre s’appuie sur une approche de conception régénérative et biophile et vise la réduction du carbone intrinsèque et opérationnel, la diminution de la consommation d’énergie et une contribution positive au respect de l’environnement. Un ensemble de jardins extérieurs entourant les bâtiments a également été conçu pour valoriser et reféter la fore, la géologie et les rythmes de l’environnement côtier. En offrant de nouvelles vues sur la baie, l’Eden Project Morecambe agrémentera le paysage urbain, y compris le cadre des Winter Gardens et du Midland Hôtel, classés Grade II* qui se trouvent à proximité.

Grimshaw, che ha guidato la progettazione di Eden Project in Cornovaglia, ha collaborato con Eden Project negli ultimi cinque anni per la progettazione di Eden Project Morecambe, un’attrazione che, attraverso una serie di strutture simili a gusci, ospiterà mostre, esperienze immersive e che ispira meraviglia nella vita naturale di Morecambe Bay. Il team ha lavorato a lungo con i partner locali – Lancaster City Council, Lancashire County Council, Lancashire Enterprise Partnership e Lancaster University – per aiutare a realizzare vantaggi per i locali, tra cui i previsti 300 posti di lavoro ambientale di alta qualità creati direttamente dal progetto e più di 1.000 nuovi posti di lavoro aggiuntivi a sostegno in tutta la regione. L’attrazione prevede 740.000 visitatori all’anno. Questo progetto unico è guidato da un approccio progettuale rigenerativo e bioflo e si concentra sulla riduzione del carbonio incorporato e operativo, riducendo al minimo l’energia e contribuendo positivamente all’ambiente. La serie di giardini all’aperto che circondano gli edifci è progettata anche per celebrare e rifettere la fora, la geologia e i ritmi dell’ambiente costiero. Offrendo nuove viste sulla baia, l’Eden Project Morecambe, classifcato di Grado II*, completerà il paesaggio urbano, compresa l’ambientazione dei Winter Gardens e del Midland Hotel nelle vicinanze.

Grimshaw, who led the design of Eden Project in Cornwall, has worked with Eden Project over the past fve years on the design of Eden Project Morecambe – an attraction which, through a series of shell-like structures, will host exhibitions, immersive experiences and inspire wonder in the natural life of Morecambe Bay. The team has worked extensively with local partners Lancaster City Council, Lancashire County Council, Lancashire Enterprise Partnership and Lancaster University to help realise local outcomes including the expected 300 high-quality green jobs directly created by the project, and more than 1,000 additional new jobs in support across the region. The attraction is expecting visitor numbers to be 740,000 each year. This unique project is driven by a regenerative and biophilic design approach and focusses on reducing embodied and operational carbon, minimising energy and contributing positively to the environment. A collection of outdoor gardens surrounding the buildings are also designed to celebrate and refect the fora, geology and rhythms of the coastal environment. Affording new views across the bay, Eden Project Morecambe will complement the townscape including the setting of the Grade II* listed Winter Gardens and Midland Hotel nearby.

Client: Eden Project

Project: Grimshaw (grimshaw.global)

Project Partners: Lancaster University, Lancaster City Council, Lancaster County Council, Lancashire Enterprise Partnership

Project Manager: Trivandi

Structural Engineer: Schlaich Bergermann Partner

MEP & Environmental Engineering: Buro Happold

Cost Consultant: RLB

Planning and Transport Engineering: WSP

Landscape Design: TEP

Sustainability Consultants: 3ADAPT

FIELDHOUSE

Laghetti (Egna, BZ), Italy

MoDusArchitects

Le bâtiment, situé dans le village de Laghetti (commune d’Egna, Bolzano) sur la rive de l’Adige, s’étend discrètement au pied du massif montagneux du parc naturel Monte Corno. L’agence MoDusArchitects, chargée de démolir l’ancien bâtiment qui abritait l’association sportive et les vestiaires, propose un nouvel ensemble avec une extension permettant d’améliorer l’effcacité énergétique tout en réutilisant le système photovoltaïque existant.

Avec son corps de bâtiment peu élevé qui se transforme à mesure que l’on se déplace latéralement le long du site, Fieldhouse passe d’un mur de soutènement à un long toit linéaire, pour devenir ensuite un paysage surélevé qui sert non seulement de plateforme panoramique pour les événements sportifs, mais aussi de lieu de rencontre en plein air pour les occasions sociales.

La structure à deux étages, l’un au rez-de-chaussée partiellement en sous-sol et l’autre R+1 avec une grande terrasse, est réalisée en béton armé coulé sur place avec des parties en brique. La façade suit les géométries et les pentes du site, en formant une enveloppe uniforme ponctuée d’une alternance de piliers trapézoïdaux et de découpes nettes au niveau des ouvertures. Sur le côté est, une tour d’éclairage élancée, de onze mètres de haut sert de contrepoids au corps allongé de la Fieldhouse. Elle intègre les poteaux d’éclairage dans un seul élément, délimitant ainsi l’angle du bâtiment et devenant à son tour un point de repère dans le paysage.

L’edifcio, situato nel paese di Laghetti (Comune di Egna, Bolzano) sulla sponda del fume Adige, si distende in modo discreto ai piedi del rilievo montuoso del Parco Naturale Monte Corno che sovrasta a nord-est l’area di progetto. MoDusArchitects, incaricati della demolizione del vecchio fabbricato che ospitava gli spogliatoi e l’associazione sportiva, propongono un nuovo edifcio con ampliamento che vada a migliorare l’effcienza energetica del manufatto reimpiegando al tempo stesso l’impianto fotovoltaico già presente.

Con il suo corpo di fabbrica poco elevato che si trasforma spostandosi lateralmente lungo l’area, Fieldhouse muta da muro di contenimento a lunga copertura lineare, per poi diventare un paesaggio rialzato che funge non solo da piattaforma panoramica per gli eventi sportivi, ma anche da luogo all’aperto per le occasioni sociali.

La struttura, a due piani, uno a livello zero parzialmente interrato e uno fuori terra con un’ampia terrazza, è realizzata in calcestruzzo armato faccia vista gettato in opera con tramezzature in laterizio. La facciata continua segue le geometrie e pendenze del sito, andando a formare un involucro uniforme ritmato da pilastri trapezoidali alternati e da tagli netti in corrispondenza delle aperture. Sul lato est, una slanciata torre d’illuminazione, alta 11 metri e assottigliata verso l’alto, fa da contrappeso al corpo disteso di Fieldhouse. Essa incorpora i pali dell’illuminazione in un unico elemento andando a demarcare l’angolo dell’edifcio e diventando a sua volta un riferimento nel paesaggio.

The building, located in the village of Laghetti (municipality of Egna, Bolzano) along the banks of the River Adige, is nestled quietly at the foot of Monte Corno Nature Park mountain range that overlooks the project area to the northeast.

MoDusArchitects, commissioned to demolish the old building that used to house the changing rooms and sports association, have designed a new building with an extension that improves the building’s energy effciency while reusing the existing photovoltaic system.

With its low-rise construction that transforms as it moves laterally along the site, Fieldhouse changes from being a retaining wall structure to a long linear roof that eventually develops into a raised landscape that serves not only as a viewing deck for sports events but also as an open-air venue for social occasions. The two-storey structure, one set at zero level partially underground and one above ground with a large terrace, is made of exposed reinforced concrete cast in situ with brick partitions. The curtain wall follows the contours and slopes of the land to form a seamless shell punctuated by alternating trapezoidal pillars and sharp cuts at the openings.

On the east side, a slender lighting tower, 11 metres high and tapering upwards, acts as a counterbalance to the elongated structure of Fieldhouse. It incorporates the lighting poles in one single element to mark the corner of the building that also turns into a landmark in its own right.

Client: Comune di Egna

Project: MoDusArchitects/Sandy Attia, Matteo Scagnol (www.modusarchitects.com)

Project Team: Sandy Attia, Matteo Scagnol, Anna Valandro

Contractor: Edil Vanzo Costruzioni

Structural Engineering and Plants: 3M Engineering

Materials Suppliers: Beton Lana, Designtrend

Photo: ©Gustav Willeit

YASHIMA MOUNTAINTOP PARK

Takamatsu, Japan

SUO + Style-A

Le projet Yashima Mountaintop Park se situe sur la montagne appelée Yashima, qui est un site d’intérêt national et un trésor naturel dans le parc national de Setonaikai. Ce projet a été lancé pour revitaliser l’ensemble de la zone qui se trouve au sommet de la montagne et pour actualiser et optimiser son potentiel.

Autrefois, il y avait de nombreux bâtiments pour les visiteurs, mais beaucoup ont été démolis parce qu’ils tombaient en ruine en raison de la diminution du nombre de visiteurs. Compte tenu des réglementations sévères en vigueur dans cette région nationale préservée, il n’est pas possible de construire facilement de nouveaux bâtiments sans passer par une procédure d’autorisation complexe. Par conséquent la nature est en train de reprendre ses droits dans cette région.

Dans ce contexte, les architectes ont conçu ce long bâtiment en tant que partie intégrante du parc, en suivant les formes et les différents niveaux du site, de manière qu’il s’insère et se distingue dans les différents espaces. Ainsi, le bâtiment au parcours tridimensionnel touche le sol et s’élance ensuite vers le haut en fonction de la nature de l’espace et de sa fonction. La création de sept petits espaces ouverts détermine la forme du bâtiment pour constituer un grand parc. Les visiteurs n’entrent pas dans un bâtiment mais dans un grand espace ouvert en passant sous la partie surélevée du bâtiment. En se promenant autour du bâtiment, les visiteurs découvriront des endroits tels que le belvédère, le café fottant dans les arbres, l’espace réservé aux événements et les espaces d’exposition.

Il progetto Yashima Mountaintop Park si trova sulla montagna chiamata Yashima, che è un punto di riferimento nazionale e un tesoro naturale nel Parco Nazionale di Setonaikai. Questo progetto è stato avviato per rivitalizzare l’intera area in cima alla montagna e per attualizzare e massimizzare il potenziale del parco.

C’erano molti edifci per i turisti, ma molti erano stati demoliti perché cadevano in rovina con l’arrivo di meno turisti. A causa delle rigide normative in quest’area protetta a livello nazionale, non è consentito realizzare facilmente nuovi edifci senza passare attraverso un diffcile processo di autorizzazione. Quindi l’area

Client: Takamatsu City

Project: SUO (suosuo.jp), Style-A

Structural Engineering: SSC

Electrical & Mechanical Engineering: P.T. Morimura & Associates

Lighting Design: Kilt Planning Office, Shozo Toyohisa

Quantity Surveyors: Futaba Quantity Surveyors

Construction: Taniguchi + Yabuuchi JV

Principal Architect: Takashi Suo (SUO)

Design Team: Takuya Sone (SUO), Yoji Komai (Style-A)

Structural Engineer: Mutsuro Sasaki, Yoshiyuki Hiraiwa, Nobuyuki Takimoto (SSC)

Furniture Design: Takashi Suo

Advisor Of Construction: Ikumi Toyota

è in procinto di tornare alla natura. In tale area, è stato progettato questo lungo edifcio come parte del parco seguendo le forme e i vari livelli del sito in modo che fuisca dentro e fuori dai molti diversi spazi. In tal modo, l’edifcio del percorso tridimensionale tocca il suolo e poi si innalza a seconda del carattere dello spazio e della sua funzione. Ci sono sette piccoli spazi aperti che determinano la forma dell’edifcio per formare un grande parco. Le persone non entrano in un edifcio ma in un grande spazio aperto che passa sotto la parte sopraelevata dell’edifcio. Camminando intorno all’edifcio, i visitatori sperimenteranno luoghi come il punto di osservazione, il caffè galleggiante tra gli alberi, lo spazio per eventi e gli spazi espositivi.

Yashima Mountaintop Park project is located on the mountain called Yashima which is a national landmark and a natural treasure in the Setonaikai National Park. This project was initiated to revitalize the entire mountain-top area and to actualize and maximize its potential. There used to be many buildings for sightseers, but many had been demolished as they fell into disrepair as fewer sightseers came. Because of the strict regulations in this nationally preserved area, it’s not allowed to make new buildings easily without going through a diffcult permit process. So the area is in the process of returning to nature.

In such an area, we planned this long

building as a part of the park following the shapes and various levels of the site so that it fows in and out of the many different spaces. As such, the three-dimensional path building touches the ground and then jumps up according to the character of the space and its function. There are seven small open spaces on the ground determining the shape of the building to make one big park. People don’t enter a building but a large open space walking through under the elevated part of the building. As people walk around the building, they will experience places like the viewing point, foating cafe in the trees, event space, and exhibition spaces.

ΤΟΠΟΙ

Temi chiave e protagonisti del prossimo futuro Questions clés et protagonistes du proche avenir Key issues and players in the near future

curated by Luigi Prestinenza Puglisi, Giulia Mura

RESILIENZA

Resilienza è, insieme a meraviglia, sostenibilità, bellezza, una delle parole maggiormente infazionate di questi ultimi anni, tanto da essere entrata nel lessico ministeriale. La defnizione fsica di resilienza è la capacità di assorbimento di un urto senza rottura: tanto più un materiale è resiliente, tanto più forte è l’urto, tanto più non si rompe. Da qui il suo uso metaforico in psicologia per indicare la capacità di un individuo di affrontare e superare un evento traumatico in un periodo di diffcoltà. Chi è resiliente è meno soggetto a breakdown psicologici di chi non lo è. E, infne, il suo uso tra architetti, ecologi e verdi per indicare la capacità di un territorio o di un manufatto di resistere ai disastri ambientali, in particolare a quelli provocati dal comportamento irrazionale degli uomini attraverso tecnologie irresponsabili che stanno portando a mutamenti climatici sempre più dannosi. Senza nulla voler togliere agli ambientalisti e alle loro preoccupazioni, vorrei suggerire una quarta defnizione di resilienza. La capacità di opporsi alle pressioni esercitate dalle norme, dalla burocrazia, dai vincoli imposti dalle Soprintendenze e dagli enti di tutela, dai ripensamenti del committente, dalla lentezza e dalla scarsità dei fnanziamenti, dalla incapacità tecnica dei realizzatori senza alterare la qualità originaria del progetto, le sue idee portanti. In questo senso, occorre che il manufatto sia pensato già dall’inizio per poter resistere con successo agli attacchi che proverranno dall’esterno, sia che gli architetti abbiano doti di negoziazione. Credo che lo

RÉSILIENCE

Résilience est, avec merveille, durabilité, beauté, l’un des mots les plus galvaudés de ces dernières années, au point d’être entré dans le lexique ministériel. “Résilience” est un terme de physique qui défnit la capacité mécanique de résistance d’un matériau à un choc sans se rompre. Ainsi, plus un matériau est résilient, plus le choc est fort, moins il se casse. Par extension, le terme est aussi employé métaphoriquement en psychologie pour désigner la capacité d’un individu à faire face et à surmonter un traumatisme afn de se reconstruire. Une personne résiliente est moins sujette aux effondrements psychologiques qu’une personne non résiliente. Et pour fnir, il est utilisé par les architectes, les écologistes et les verts pour désigner la capacité d’un territoire ou d’un objet à résister aux désastres environnementaux, en particulier ceux causés par le comportements irrationnels de l’homme à travers des technologies irresponsables qui entraînent un changement climatique de plus en plus destructeur. Sans vouloir nuire à l’image des écologistes et à leurs préoccupations, je voudrais suggérer une quatrième défnition de la résilience. La capacité de résister aux pressions exercées par les règlements, la bureaucratie, les contraintes imposées par les surintendances et les organismes de protection, les remises en question du client, la lenteur et la rareté des fnancements, l’incapacité technique des constructeurs sans altérer la qualité initiale du projet, les idées qui le sous-tendent. En ce sens, il est nécessaire que le projet soit conçu dès le départ pour pouvoir résister effcacement aux agressions provenant de l’extérieur et que les architectes aient des compétences en matière

RESILIENCE

Resilience is, along with wonder, sustainability and beauty, one of the most overused words in recent years, so much so that it has entered the ministerial lexicon.

The physical defnition of resilience is the ability to absorb impact without breaking: the more resilient a material is, the less likely it is to break even when subjected to notable impact. That is why it is used metaphorically in psychology to indicate an individual’s ability to cope with and overcome a traumatic event at a diffcult moment in time. Resilient people are less prone to psychological breakdowns than those who are not. And fnally, it is used by architects, ecologists and ‘greens’ to indicate an area or artefact’s capacity to withstand environmental disasters, particularly those caused by irrational human behaviour using irresponsible technologies that are leading to increasingly damaging climate change. Without wishing to take anything away from environmentalists and their concerns, I would like to suggest a fourth defnition of resilience. The ability to resist the pressures exerted by regulations and bureaucracy, the constraints imposed by the Superintendencies and conservation agencies, a client’s second thoughts, slow/ underfunding, and the technical inability of builders, all without jeopardising the original quality of a project and the idea behind it. In this sense, the building in question has to be designed from the outset to be able to successfully resist

studio Labics risponda a queste caratteristiche di resilienza come dimostra la alta qualità dei lavori che presentiamo. Uno dei quali, per il Palazzo dei Diamanti di Ferrara, soggetto al peggiore shock che un progetto possa subire: l’entrata in campo di Vittorio Sgarbi. Il lavoro, lo ricordiamo, era risultato vincitore di un concorso di progettazione, che aveva coinvolto gli stessi enti preposti alla tutela del bene. Quindi si dava per scontato che dovesse essere realizzato. Oltre tutto rispondeva a criteri universalmente condivisi di intervento su manufatti di notevole valore architettonico quali il principio di reversibilità (in ogni momento il nuovo sarebbe potuto essere eliminato, senza danni alla preesistenza). Vittorio Sgarbi, in nome della intangibilità, secondo la quale un’opera d’arte non può essere minimamente alterata (idea ben strana se si pensa che ogni palazzo antico, per essere riutilizzato, deve subire aggiustamenti, dall’illuminazione elettrica, ai bagni, alle scale di sicurezza) blocca il progetto con una campagna martellante.

Sarebbe potuta fnire male e, invece, Labics mostra una capacità di resilienza inaspettata. Arretra su certi punti ma non molla su altri, proponendo alternative. E, alla fne, il lavoro viene realizzato. Mostrando che si può essere resilienti a tutto, anche a Vittorio Sgarbi.

Luigi Prestinenza Puglisi

de négociation. Je crois que l’agence italienne Labics répond tout à fait à ces caractéristiques de résilience, comme en témoigne la haute qualité des travaux que nous présentons. L’un d’entre eux, qui concerne le Palazzo dei Diamanti (en français : Palais des diamants) à Ferrare, a subi le pire choc qu’un projet puisse subir : l’entrée en scène de Vittorio Sgarbi. Ce projet, rappelons-le, avait été le lauréat d’un concours de conception auquel avaient participé les organismes en charge de la protection du bien. Il était donc considéré comme acquis qu’il devait être réalisé. De plus, il répondait à des critères d’intervention universellement partagés sur des bâtiments d’une grande valeur architecturale, tels que le principe de réversibilité (la nouvelle construction devait pouvoir être démontée à tout moment, sans endommager la structure préexistante). Vittorio Sgarbi, au nom de l’intangibilité, selon laquelle une œuvre d’art ne peut subir la moindre modifcation (une idée bien étrange si l’on pense que tout bâtiment ancien, pour être réutilisé, doit subir des aménagements, allant de l’éclairage électrique aux toilettes en passant par les escaliers de sécurité) fait bloquer le projet par une campagne de martèlement médiatique. Cela aurait pu mal se terminer mais, au lieu de cela, Labics fait preuve d’une résilience inattendue. L’agence revient sur certains points mais ne cède pas sur d’autres, et propose des solutions alternatives. Et, à la fn, le travail est réalisé. La preuve que l’on peut être résilient à tout, même à Vittorio Sgarbi.

Luigi Prestinenza Puglisi

attacks from outside and the architects must have good negotiating skills. I believe that the Labics frm has all these characteristics of resilience as demonstrated by the high quality of the works we are presenting here. One of which, for Palazzo dei Diamanti in Ferrara, was subjected to the worst shock a project can suffer: Vittorio Sgarbi entering the fray. The work, let’s not forget, was the winner of a design competition involving the same associations responsible for protecting the property. So, it was taken for granted that it would be built. Moreover, it responded to universally accepted standards for working on artefacts of considerable architectural value, such as the principle of reversibility (at any time the new work could be got rid of without damage to the pre-existing structure). In the name of intangibility, according to which a work of art cannot be altered in the slightest (a very strange idea if you think that, in order to be reused, every old building has to undergo alterations to everything from its electric lighting to its toilets and emergency stairways), Vittorio Sgarbi decided to block the project with a boisterously led campaign. It could have ended badly but, instead, Labics shows unexpected resilience. It backed down on certain points but did not give up on others, proposing alternatives. And, in the end, it got the job done. Showing that you can be resilient to anything, even Vittorio Sgarbi.

Luigi Prestinenza Puglisi

CUORE A ROMA CANTIERI A MILANO

Fondato nel 2002 da Maria Claudia Clemente e Francesco Isidori a Roma, lo studio di architettura e urbanistica Labics – nome che esprime il concetto di laboratorio, banco di prova di idee avanzate – da oltre vent’anni ormai combina l’approccio teorico con la ricerca applicata, estendendo il suo campo d’interesse attraverso diverse scale e complessità del progetto, dagli interni ai masterplan urbani, dagli spazi espositivi (temporary e non) a quelli pubblici. Molto attivo sul fronte dei concorsi di progettazione, nazionali e internazionali, lo studio negli anni si è contraddistinto – ricevendo numerosi riconoscimenti in merito – per l’attenzione e l’indagine intorno a precisi temi di ricerca, come la partecipazione, lo spazio pubblico, il vuoto, la griglia, i fussi, le connessioni tra brani di città.

Fondée à Rome en 2002 par Maria Claudia Clemente et Francesco Isidori, l’agence d’architecture et d’urbanisme Labics – un nom qui exprime le concept de laboratoire, banc d’essai pour des idées innovantes – combine l’approche théorique avec la recherche appliquée depuis plus de vingt ans maintenant, en étendant son domaine d’intérêt à différentes échelles et différents niveaux de complexité du projet, allant des intérieurs aux schémas directeurs urbains, en passant par les espaces d’exposition (temporaires et autres) et les espaces publics. Très active en matière de concours nationaux et internationaux, l’agence s’est distinguée au fl des ans – et a reçu de nombreux prix – par son orientation et son étude sur des thèmes de recherche précis, tels que la participation, l’espace public, le vide, la grille, les fux, les liens entre les parties de la ville.

COEURENROMECHANTIERSAMILAN

Marco Cappelletti

HOMEINROME,WORKSINMILAN

Established by Maria Claudia Clemente and Francesco Isidori in Rome in 2002, the architecture and urban planning frm Labics – a name that embodies the concept of a laboratory, a testing ground for advanced ideas – has been combining a theoretical approach with applied research for over twenty years now, extending its range of interest across different projects scales and complexities from interiors and urban masterplans to exhibition spaces (temporary and otherwise) and public spaces. Very active on the front of design competitions, both national and international, the frm has made a name for itself over the years – receiving numerous awards for its work – for its focus on certain specifc research issues such as participation, public space, voids, grids, fows and connections between various parts of cities.

PERCORSI CONTEMPORANEI PARCOURS CONTEMPORAINS CONTEMPORARY LAYOUTS

Un percorso irto di ostacoli – amministrativi, politici, intellettuali – non ha impedito ai Labics di portare a compimento il progetto per il Palazzo dei Diamanti, uno degli interventi di valorizzazione più riusciti degli ultimi anni. Sul Palazzo sono state effettuate, infatti, azioni fnalizzate sia al restauro del complesso cinquecentesco sia all’adeguamento dei suoi spazi espositivi ed esterni. Il primo intervento ha riguardato le ali Rossetti e Tisi, ora dotate di nuove “fodere”, superfci altamente tecnologiche dietro alle quali sono nascosti impianti di ultima generazione. Negli ambienti dell’ex Museo del Risorgimento completamente restaurati, invece, sono state allocate nuove funzioni a supporto – una caffetteria, una libreria, una sala didattica e una polifunzionale – e riqualifcati i cortili interni, interpretati come vere e proprie stanze all’aperto. Dare continuità ai percorsi interni/esterni è stato il terzo obiettivo. Si è riaperto un importante collegamento interrotto, quello tra l’ex Museo del Risorgimento e il cortile principale, e realizzato, nel giardino, quello tra le due ali del Palazzo: una struttura leggera, trilitica, in legno carbonizzato nero – solo in parte chiusa da vetrate – che rimarca le geometrie principali riconnettendo il percorso museale in sequenza e valorizzando la peculiarità spaziale del Palazzo, l’alternanza vuoti/pieni.

Un parcours semé d’embûches – administratives, politiques, intellectuelles – qui n’a pas empêché l’agence Labics de mener à bien le projet relatif au Palazzo dei Diamanti, l’une des réhabilitations les plus réussies de ces dernières années. En effet, des interventions ont été menées en vue de restaurer l’ensemble de ce palais du XVIe siècle et d’adapter ses espaces d’exposition et ses espaces extérieurs. La première intervention a concerné les ailes Rossetti et Tisi, aujourd’hui dotées de nouvelles “doublures”, des surfaces à la pointe de la technologie derrière lesquelles se cachent des installations ultramodernes. De nouvelles activités auxiliaires – une cafétéria, une librairie, une salle de cours et une salle polyvalente – ont été aménagées dans les espaces entièrement restaurés de l’ancien musée du Risorgimento, et les cours intérieures ont été réaménagées et interprétées comme de véritables salles en plein air. Le troisième objectif était de fournir une continuité aux parcours intérieurs/extérieurs. Une importante liaison interrompue, celle entre l’ancien musée du Risorgimento et la cour principale, a été rouverte, et une liaison a été réalisée, dans le jardin, entre les deux ailes du palais, c’est-à-dire une structure trilithique légère en bois carbonisé noir –seulement partiellement fermée par des baies vitrées – qui met en valeur les géométries principales, en reconnectant le parcours muséal en séquence et en mettant en valeur la particularité spatiale du Palais, l’alternance de vides et de pleins.

Despite all the obstacles it had to overcome – administrative, political, intellectual – Labics still manged to complete its project for Palazzo dei Diamanti, one of the most successful redevelopment projects of recent years. The Palazzo project involved operations aimed at both the renovation of the old 16th century complex and the adaptation of its exhibition/ outdoor spaces. The frst project was carried out on the Rossetti and Tisi wings, now ftted with new ‘linings’, high-tech surfaces concealing stateof-the-art fttings and fxtures. On the other hand, the completely renovated rooms of the former Risorgimento Museum have been ftted with new ancillary amenities – a coffee bar, a bookshop, an education room and a multi-purpose room – and the internal courtyards have been upgraded to serve as proper open-air rooms. Instilling continuity to the indoor/outdoor layouts was the third aim. An important broken link between the former Risorgimento Museum and main courtyard was reopened and a new connection was created in the garden between the Palazzo’s two wings in the garden: a light, trilithic structure made of black carbonised wood –only partly enclosed by glass windows – which showcases the main structural forms by reconnecting the museum layout into a sequence and enhancing the Palazzo’s spatial design, a combination of empty/solid spaces.

Photos: Marco Cappelletti

PERMEABILITÀ E SISTEMI URBANI

In corso d’opera a Milano, in completamento entro l’anno, c’è il progetto della Torre WOMB, frutto di un concorso a inviti vinto. Una torre in cui è la struttura che dà forma allo spazio, attraverso uno sviluppo verticale che include sia spazi interni che esterni “una struttura, che si alleggerisce verso l’alto come le guglie del Duomo; che a tratti si stacca dall’involucro come gli archi rampanti nelle cattedrali gotiche o le nervature della torre Velasca”. La Torre WOMB è un edifcio per uffci, membranoso, muscolare, progettato intorno ad alcuni temi portanti: l’identità dell’architettura locale (per garantire l’integrazione con il contesto), la natura intesa come elemento progettuale per il benessere del lavoratore (ogni piano è dotato di uno spazio esterno vivibile, aria e luce), la sostenibilità energetica (per ridurre al minimo l’impatto in fase realizzativa a rendere l’edifcio NZEB, ovvero energeticamente indipendente per buona parte dell’anno). Due giardini concludono la sequenza degli spazi verdi in verticale: al piano terra, protetto dalle costolature della struttura, il giardino del caffè aperto alla città. In copertura, in omaggio alla torre Guinigi di Lucca, un piccolo bosco di lecci.

PERMÉABILITÉ ET SYSTÈMES URBAINS PERMEABILITY AND URBAN SYSTEMS

À Milan, est en cours de réalisation la tour WOMB, résultat d’un concours sur invitation, qui devrait être achevée d’ici la fn de l’année. Une tour où c’est la structure qui donne forme à l’espace, à travers un développement vertical qui inclut à la fois les espaces intérieurs et extérieurs “une structure qui s’allège vers le haut comme les fèches du Dôme, qui se détache par moments de l’enveloppe comme les arcs rampants des cathédrales gothiques ou les nervures de la tour Velasca”. WOMB est un immeuble de bureaux, membraneux, musclé, conçu autour de plusieurs thèmes principaux : l’identité de l’architecture locale (pour garantir l’intégration au contexte), la nature comme élément de conception pour le bien-être des employés (chaque étage présente un espace extérieur vivable, de l’air et de la lumière), la durabilité énergétique (pour minimiser l’impact pendant la construction afn de rendre le bâtiment NZEB, c’està-dire énergétiquement indépendant pendant une bonne partie de l’année). Deux jardins terminent la séquence des espaces verts verticaux : au rezde-chaussée, protégé par les nervures de la structure, se trouve le jardin du café ouvert sur la ville. Sur le toit, en hommage à la tour Guinigi de Lucques, il y a un petit bois de chênes verts.

The WOMB Tower project is currently underway in Milan and is due to be completed by the end of the year. The tower was the winner of an invitational competition. It is the tower’s structure that gives shape to the space through vertical development encompassing both indoor and outdoor spaces: “a structure that lightens as it extends upwards like the spires of Duomo Cathedral; at times detaching itself from its shell like the rampant arches of Gothic cathedrals or the ribs of Velasca Tower”. WOMB Tower is a membranous and muscular offce building designed around certain key issues: the identity of local architecture (to ensure it fts into its setting), nature seen as a design feature serving staff wellbeing (each foor has a liveable outdoor space that is airy and light), energy sustainability (to minimise impact during the construction phase to make the building NZEB, i.e. energy independent for a good part of the year). Two gardens conclude the sequence of vertical green spaces: on the ground foor, protected by the ribs of the structure, a coffee bar-garden opens up to the city. Referencing Guinigi Tower in Lucca, there is a small wood of holm oaks up on the roof.

Marco Cappelletti, Delfno Sisto Legnani

A MISURA DI BAMBINO À MESURE D’ENFANT CHILDREN FRIENDLY

Dalle spoglie di un garage in corso Sempione, a Milano, nel 2017-18 lo studio ha portato avanti, in collaborazione con Reggio Children, un progetto di recupero e trasformazione unico nel suo genere, una struttura di alto proflo architettonico e pedagogico, uno spazio educativo partecipato. “Per noi è necessario riuscire a concepire ambienti in grado di stimolare una interpretazione attiva dello spazio. Immaginare luoghi dove fare esperienza, poter crescere, luoghi il più possibili aperti a differenti usi e interpretazioni.” Partendo dalla grande struttura voltata in calcestruzzo armato a vista esistente, il centro scolastico e sportivo Jacarandà – albero tropicale che cresce in Argentina, paese d’origine della famiglia che ha promosso il progetto – è stato immaginato come un grande ambiente luminoso, uno strumento attivo per l’apprendimento, un luogo capace di stimolare la curiosità e i rapporti interpersonali: l’articolazione interna è caratterizzata, infatti, da un alternarsi di spazi pubblici, semi-pubblici e privati, simile ad una struttura urbana. Cuore simbolico del progetto, è l’Agorà a doppia altezza: atrio di ingresso, spazio di incontro, luogo di socializzazione. Ma anche centro di distribuzione dei percorsi orizzontali e verticali, fno al piano interrato, che ospita tre piscine in uno spazio indipendente accessibile dalla città.

En 2017–2018, à partir des restes d’un garage situé Corso Sempione à Milan, l’agence a réalisé, en collaboration avec Reggio Children, un projet de récupération et de transformation unique en son genre, une structure de haut profl architectural et pédagogique, un espace éducatif participatif. “Pour nous, il est nécessaire de pouvoir concevoir des environnements en mesure de stimuler une interprétation active de l’espace. Imaginer des lieux où vivre des expériences, pouvoir grandir, des lieux les plus ouverts possible à différentes utilisations et interprétations.”

En partant de la grande structure voûtée en béton armé apparent, le centre scolaire et sportif Jacaranda – nom d’un genre d’arbre tropical qui pousse en Argentine, le pays d’origine de la famille qui a promu le projet – les architectes l’ont imaginé comme un grand espace lumineux, un outil de formation active, un lieu capable de stimuler la curiosité et les relations interpersonnelles, où l’articulation interne se caractérise par une alternance d’espaces publics, semi-publics et privés, à l’instar d’une structure urbaine. Le cœur symbolique du projet est l’Agora à double hauteur: hall d’entrée, espace de rencontre, lieu de socialisation, mais aussi centre de distribution des parcours horizontaux et verticaux, jusqu’au sous-sol, qui abrite trois piscines dans un espace indépendant accessible depuis la ville.

From the remains of a garage in Corso Sempione, Milan, the frm carried out a unique renovation and transformation project in 2017-18 in partnership with Reggio Children, creating a structure with a high architectural/educational profle that is truly a participatory/ educational space. “For us, it is vital to be able to envisage settings capable of stimulating the active interpretation of space. We want to envisage places for enjoying experiences, where we can grow, places as open as possible to different uses and interpretations”. Starting from the large vaulted structure made of exposed reinforced concrete, the Jacarandà school and sports centre – from the name of a tropical tree that grows in Argentina, the home country of the family that promoted the project – is designed to be a large brightly-lit setting, active tool for learning, a place capable of arousing curiosity and encouraging interpersonal relationships: the internal layout features an alternating combination of public, semi-public and private spaces, similar to an urban structure. The symbolic heart of the project is the double-height ‘Agora’: an entrance lobby, a meeting space, somewhere for socialising. It also helps set out the horizontal and vertical pathways right down to the basement that houses three swimming pools in an independent space accessible from the city.

Michelangelo Pistoletto

Michelangelo Pistoletto in front of his work La Mela reintegrata, during the exhibition “La Pace Preventiva” curated by Fortunato D’Amico at Sala delle Cariatidi, Palazzo Reale Milano, 2023

(Photo: Federico Gualand).

Pistoletto anticipa, implicitamente, l’Arte Povera, senza essere poverista. Poi fa opere Povere ad hoc in un breve arco di tempo, ma smette presto di fare il poverista. Questa sorta di anticipazione è legata all’attività di intellettuale e di promotore di iniziative espositive, quando ancora di Arte Povera non si parlava. Egli fa da ponte tra Torino e Roma e l’Oltralpe. Farà nascere il “Deposito di Arte Presente”. Acquisisce opere poveriste che espone in un appartamento privato di Torino. Ma il riferimento per l’Arte Povera è anche nella poliedricità che contraddistingue la sua lunga ricerca. Questa contempla pure un certo piglio minimalista (ma senza che egli si cali tout court in quella corrente) dato a taluni lavori basati sullo specchiamento ma, di sicuro, non sul Funk, né tanto meno sul “biomorfsmo”. E va ricordato almeno l’esperienza degli Oggetti in Meno (1965-66). E c’è forse un raccordo, magari implicito, col motto “Less is more” di Mies van der Rohe. Ma, a proposito degli Oggetti in Meno, Pistoletto sottolinea trattarsi di esperienza di “liberazione”: niente da aggiungere, niente da costruire, ma cose (“oggetti”) da togliere, o da mettere da parte o evitare. Ma non mi è molto chiaro il concetto esplicativo che si tratterebbe di oggetti che “portano con sé un’esperienza percettiva defnitivamente esternata”. Mi è chiara però la chiosa che essi “non rappresentano, ma ‘sono’” (e forse in ciò qualche eco manzoniana c’è, a dispetto della distanza ideologica e poetica con l’artista milanese). Un navigatore inquieto e intelligente che gira la barra agevolmente nella direzione che vuole. Quando decide di essere poverista, l’eleganza, che non è esclusiva del suo abbigliamento, lo accompagna comunque, e i suoi materiali non sono vili, ferraglie o reperti organici. Insiste sulla luce e i suoi rifessi (1967-68). Soprattutto, il fruitore trova, in questo caso, un funkismo nobilitato, o forse metafsicizzato, nell’uso degli stracci. Essi sono reperti del quotidiano, sì, ma ancora carichi di dignità funzionale. Accade nelle azioni di Zoo, gruppo con cui egli opera tra il 1968 e il 1970, con l’uso di abiti dismessi. Questo accade inoltre con un materiale non nobile – ma si direbbe sacrale sul piano storico – quale è il mattone, che egli usa nel suo Monumentino (1968) quale supporto di una vecchia scarpa (ad esempio nell’azione L’uomo ammaestrato, Vernazza, maggio 1968). Mesi dopo, questi mattoni saranno coperti di stracci, nella mostra “Arte Povera-Azioni Povere”, Amalf, ottobre 1968. Dove sia, nella sua ormai popolare Venere degli Stracci, “la dialettica di polarità” (espressione sua), che sarebbe propria dei Quadri Specchianti, non mi è chiaro, ma poco importa.. A me basta rilevare che un vero poverista non assume una scultura neoclassica per esserlo. Ma Michelangelo devia anche dalla stessa Arte Povera, proprio mentre la fa, ed eccolo trasgressore sia della tradizione, sia del movimento a cui si lega, ma non con mani e piedi, e non per sempre. Michelangelo guarda puntualmente oltre, al dopo, a qualche altra cosa: da formalista dinamico (e

forse anche purovisibilista) e da performer (non a caso guarda con attenzione al teatro).

Non è casuale che la prima mostra uffciale del movimento Arte Povera si tiene nel settembre 1967 alla galleria La Bertesca di Genova. Infatti, in quegli stessi spazi, fno al gennaio dello stesso anno era ancora allestita la personale di Pistoletto sugli Oggetti in Meno (già presentati a Torino, un anno prima).

Ma diciamola tutta: l’Arte Povera è un guazzabuglio sin dall’inizio. Artisti eterogenei in rapporto agli assunti, lucidi ma variamente mutuati tra flosofa annusata, teatro e altro. E così c’è chi esce dal movimento e c’è chi entra (anche senza volerlo).

Questo particolarmente quando il capitano Germano Celant decide di annoverare artisti stranieri, non in via uffciale, ma in sede saggistica. E questo allo scopo di dare dimensione internazionale al suo movimento. Ma sta di fatto che, dal punto di vista promozionale, il Celant militante – che negli ultimi anni ha cercato di alzare la bandiera dello storico – insisterà sugli italiani. Anche Achille Bonito Oliva ha fatto operazione analoga, evitando di distrarre l’osservatore dai suoi cinque cavalieri dell’apocalisse, come il business imponeva, assieme alla consapevolezza che in generale si trattava di neoespressionismo. Il grande movimento davvero internazionale e davvero rivoluzionario resta il Nuovo Realismo con la sua forza d’urto del “nuovo approccio percettivo alla realtà” (come dice il suo teorico Pierre Restany) e che peraltro nasce a Parigi e annovera un solo italiano. Ma poi, a proposito di Pistoletto (tra virgolette cito Celant), dov’è il “valore magico e meravigliante degli elementi naturali”? Oppure ci si chiede dove sia l’autore che “abolisce la sua parte di artista... e re-impara a percepire, a sentire, a respirare...a usarsi come uomo”; o dove siano i “turbamenti psicofsici per una vita plurisensitiva e plurilineare; o “l’esperienza biologica” o il cercare “il nomadismo continuo per eludere la coerenza...caratteristica della concatenazione del sistema”.

Pistoletto è un universo, ha sperimentato di tutto, facendo spesso terra bruciata intorno a sé, salvo i radicalismi simil-manzoniani. Ha cominciato nel 1955 con una serie di autoritratti interessanti non tanto per l’ovvietà che superavano i dilaganti astrattismi, quanto perché fondati su una fgurazione di ricerca con esiti innovativi sul piano compositivo, cromatico, spaziale, e anche simbolico (sic). Ha aperto varie direzioni di ricerca e di operatività. Si è imposto con la forza delle idee e della mente. Malgrado la sua prevalente asciuttezza capace di asetticità e la sua concettualità che pure è contenuta, si è costruito un habitat espressivo di piglio classico, fssando peraltro un flo rosso con la linea paterna (anche con riferimento all’esperienza del restauro) e con l’avvio sobrio e apparentemente innocuo degli autoritratti. Ma non c’è spazio, adesso, per la sua attività nel sociale e l’interesse a teorizzare.

Michelangelo Pistoletto, Vetrina, 1965-1966 (Oggetti in meno, 1965-1966) (Collezione Fondazione Pistoletto, Biella;

Photo: Paolo Pellion)

Michelangelo Pistoletto, La Pace Preventiva e Venere degli stracci, installazione Palazzo Reale Sala delle Cariatidi, 2023 (Photo Glaz Gutman)

Michelangelo Pistoletto, Twentytwo Less Two, 2009 (Courtesy Galleria Continua, San Gimignano e altre sedi; Photo: Alicia Luxem)

Michelangelo Pistoletto, Monumentino, 1968 (Collezione Marcello Levi, Torino; Photo: Paolo Pellion)

Michelangelo Pistoletto anticipe implicitement, l’Arte povera, sans être “povériste”. Il réalise ensuite des œuvres “pauvres” ad hoc pendant une courte période, mais cesse rapidement de faire le “povériste”. Cette sorte d’anticipation est liée à son activité d’intellectuel et de promoteur de projets d’exposition, à une époque où l’on ne parlait pas encore d’Arte povera. Il sert de pont entre Turin et Rome et au-delà des Alpes. Il crée le “Deposito di Arte Presente”, acquiert des œuvres poveristes qu’il expose dans un appartement privé à Turin. Mais la référence à l’Arte Povera se trouve aussi dans la nature multiforme qui caractérise sa recherche depuis longtemps. Une recherche qui a aussi un côté vaguement minimaliste (mais sans qu’il ne tombe dans ce courant) dans certaines œuvres réalisées sur miroir mais, certainement pas un côté Funk et encore moins le “biomorphisme”. Et il faut rappeler au moins l’expérience “Oggetti in meno”, 1965-1966, et peut-être un lien, avec la maxime “Less is more” de Mies van der Rohe. Mais, en ce qui concerne les “Objets en moins”, Pistoletto souligne qu’il s’agit d’une expérience de “libération” : rien à ajouter, rien à construire, mais des choses (“objets”) à enlever, à mettre de côté ou à éviter. Cependant, l’explication selon laquelle il s’agirait d’objets qui “portent en eux une expérience perceptive défnitivement extériorisée” ne m’est pas très claire. Ce qui est clair pour moi, en revanche, c’est le propos selon lequel ils “ne représentent pas, mais “sont” (et peut-être y a-t-il là un quelconque écho manzonien, malgré la distance idéologique et poétique par rapport à l’artiste milanais). Un navigateur inquiet et intelligent qui manœuvre la barre en douceur dans la direction qu’il veut. Lorsqu’il décide d’être “povériste”, l’élégance, qui n’est pas seulement celle de ses vêtements, l’accompagne quoi qu’il en soit, et ses matériaux ne sont pas vils, ferraille ou restes organiques. Il insiste sur la lumière et ses refets ( 1967-1968). Et surtout, le spectateur trouve ici un funkisme ennobli, ou peut-être rendu métaphysique, dans l’utilisation des chiffons. Il s’agit de vestiges du quotidien, certes, mais qui conservent une dignité fonctionnelle. Cela se retrouve dans les actions de Zoo, un groupe avec lequel il a travaillé entre 1968 et 1970, qui utilisait des vêtements jetés. Il en va de même pour un matériau qui n’est pas noble – mais que l’on pourrait qualifer de sacré sur le plan historique – comme la brique, qu’il utilise dans son Monumentino (1968) comme support d’une vieille chaussure (par exemple dans l’action “L’uomo ammaestrato”, Vernazza, mai 1968). Quelques mois plus tard, ces briques seront recouvertes de chiffons lors de l’exposition Arte Povera–Azioni Povere, à Amalf, en octobre 1968. Où se trouve, dans sa Venere degli Stracci désormais populaire, la “dialectique des polarités” (pour reprendre son expression), qui serait propre aux Quadri Specchianti, je ne sais pas trop, mais peu importe. Il me sufft de noter qu’un véritable povériste n’assume pas une sculpture néoclassique pour l’être. Mais Michelangelo Pistoletto s’écarte aussi de l’Art pauvre lui-même, juste au moment où il le fait, et le voici transgresseur à la fois de la tradition et du mouvement auquel il se lie, mais pas pieds et poings liés, et pas pour toujours. Michelangelo Pistoletto regarde précisément au-delà, vers l’après, vers quelque chose

d’autre : en tant que formaliste dynamique (et peut-être même en tant que puro-visibiliste) et en tant que performer (ce n’est pas une coïncidence s’il s’intéresse de près au théâtre). Ce n’est pas un hasard si en septembre 1967, la première exposition offcielle du mouvement, intitulée “Arte Povera –Im spazio” se tient à la galerie La Bertesca à Gênes. En effet, dans ces mêmes espaces, l’exposition personnelle de Pistoletto, “Objets en moins” (qui avait déjà été présentée à Turin l’année précédente), était encore en cours jusqu’en janvier de la même année.

Mais admettons-le : l’Arte povera est un méli-mélo dès le départ. Des artistes hétérogènes par rapport à leurs convictions, lucides mais empruntant de manière variée à la philosophie pressentie, au théâtre et autres. Ainsi, il y a ceux qui quittent le mouvement et ceux qui y entrent (même sans le vouloir). C’est notamment le cas lorsque l’historien de l’art italien Germano Celant décide d’inclure des artistes étrangers, non pas offciellement, mais dans un contexte d’essais, et ce, afn de conférer une dimension internationale à son mouvement. Mais le fait est que, sur le plan promotionnel, le militant Celant – qui dans les dernières années a tenté de hisser le drapeau de l’historien – insistera sur les Italiens. Achille Bonito Oliva a également mené une opération similaire, évitant de distraire l’observateur de ses cinq cavaliers de l’apocalypse, comme l’exigeait le marché, en sachant qu’il s’agissait en général de néo-expressionnisme. Le grand mouvement vraiment international et vraiment révolutionnaire reste le Nouveau Réalisme avec la force d’impact de la “nouvelle approche perceptive de la réalité” (selon les termes de son théoricien Pierre Restany) et qui, d’ailleurs, est né à Paris et n’a compté qu’un seul Italien. Mais alors, concernant Pistoletto (je cite Celant entre guillemets), où est la “valeur magique et émerveillante des éléments naturels” ? On peut aussi se demander où est l’auteur qui “abolit son rôle d’artiste... et réapprend à percevoir, à sentir, à respirer... à se servir de lui-même en tant qu’homme”, ou où sont les “troubles psychophysiques d’une vie plurisensitive et plurilinéaire” ou “l’expérience biologique” ou la quête d’un “nomadisme perpétuel pour se soustraire à la cohérence [...] caractéristique de la concaténation du système”.

Pistoletto est un univers, il a tout expérimenté, souvent en faisant table rase autour de lui, à l’exception des radicalismes à la Manzoni. Il a commencé en 1955 avec une série d’autoportraits intéressants non pas tant pour le fait évident qu’ils dépassaient l’abstractionnisme galopant, mais parce qu’ils étaient basés sur une fguration de recherche avec des résultats novateurs en termes de composition, de couleur, d’espace, et même de symbolisme (sic). Il a ouvert plusieurs directions de recherche et d’exploitation. Il s’est imposé par la force des idées et de l’esprit. Malgré sa sobriété dominante susceptible d’aseptisation et sa conceptualité elle aussi contenue, il s’est construit un habitat expressif à l’air classique, fxant un fl rouge avec la ligne paternelle (également en référence à l’expérience de la restauration) et avec le début sobre et apparemment anodin des autoportraits. Mais il n’y a pas de place aujourd’hui pour son activité sociale et son intérêt pour la théorisation.

Michelangelo Pistoletto, view of the installation La Pace Preventiva, Palazzo Reale, Sala delle Cariatidi, Milano

(photo: Glaz Gutman)

Pistoletto is, implicitly, a forerunner of Arte Povera, without being a “poverist”. He quickly goes on to create ad hoc Arte Povera works, but he soon stops being a ‘poverist;. This sort of trailblazing is linked to his endeavours as an intellectual and promoter of exhibition projects, when Arte Povera was not yet even being talked about. He was as a sort of bridge between Turin and Rome and beyond the Alps. He set up the “Deposito di Arte Presente” acquiring Arte Povera works that he exhibited in a private fat in Turin. But the relation to Arte Povera cab also be found in the multifaceted nature of his lengthy experimentation. This also includes a certain minimalist slant (but without him falling blindly into that line of thinking) given to certain works based on mirroring but certainly not Funk and even less so “biomorphism”. And it is at least worth mentioning his experimentation with Oggetti in Meno (1965-66) and, perhaps, a connection, possibly implicit, with Mies van der Rohe’s motto “Less is more”. However, in relation to his Oggetti in Meno, Pistoletto emphasises that it is a matter of ‘liberation’: nothing to add, nothing to construct, just things (‘objects’) to be removed, set aside or avoided. But I am not very sure about the explanation regarding objects that ‘carry with them a defnitively externalised perceptual experience’. What is clear to me, however, is the comment that they “do not represent but simply ‘are’” (and perhaps there are echoes of Manzoni here, despite the ideological and poetic distance between him and this Milanese artist). A restless, intelligent navigator who smoothly turns the tiller in the direction he wants. When he decides to be “poor”, then elegance, which is merely confned to his clothing, accompanies him nonetheless, and his materials are not crude, scrap metal or organic relics. He insists on light and its refections (1967-68). Above all, the onlooker inevitably fnds an ennobled or perhaps metaphysicalised Funkiness in the use of rags. They are, indeed, relics of everyday life but still bursting with practical dignity. This can be found in the works of Zoo, a group he worked with from 1968-1970 making use of discarded clothes. This is also the case with a material that is not noble – but one might say sacred on a historical level – such as bricks, which he uses in his Monumentino (1968) as a support for an old shoe (for example in the work entitled “L’uomo ammaestrato”, Vernazza, May 1968). Months later, these bricks would be covered with rags in the Arte Povera-Azioni Povere exhibition, Amalf, October 1968. Where “the dialectic of polarities” (his expression) is to be in his now popular Venus in Rags, “the dialectic of polarities” (his expression), which was to be a distinctive part of his Quadri Specchianti, is not clear to me, but that matters little. It is suffcient for me to point out that a true ‘poverist’ does not simply assume a sculpture is neoclassical.

Michelangelo even deviates from Arte Povera as he is making it and, in this sense, he is a transgressor of both tradition and the movement to which he is tied, but not by his hands and feet and certainly not forever. Michelangelo is looking forward to what lies ahead, to something else:

as a dynamic formalist (and perhaps even a pure-visibilist) and as a performer (it is no coincidence that he is very attentive to the theatre).

It is equally unsurprising that the frst offcial exhibition of the Arte Povera movement was held in September 1967 at La Bertesca Gallery in Genoa. These are indeed the premises where Pistoletto’s solo exhibition of Oggetti in Meno (which had already been presented in Turin a year earlier) ran until January of the same year.

But let’s face it: Arte Povera has been a hotchpotch from the start. Heterogeneous artists in relation to their assumptions, lucid but variously borrowed from philosophy, theatre etc. And so, there are those who leave the movement and those who join it (even without wanting to). This is particularly evident when Captain Germano Celant decided to enrol foreign artists, not offcially but through their writings. And that was to give an international dimension to his movement. But the fact remains that, from a promotional point of view, militant Mr Celant – who in recent years has tried to raise the fag of being a historian – has always focused on Italians. Achille Bonito Oliva did something similar, making sure onlookers were not distracted from his fve horsemen of the apocalypse, as business dictated, secure in the knowledge that this was basically neo-expressionism.

The truly great international and authentically revolutionary movement is still New Realism with its “new perceptual approach to reality” (as its theorist Pierre Restany once put it) and which, moreover, originated in Paris and includes only one Italian. But then, speaking of Pistoletto (quoting Celant), where is the ‘magical and marvellous value of natural elements’? Or you cannot help wondering where the author is who “abolishes the artist in him... and re-learns how to perceive, feel, breathe... make use of himself as a man”; and where are the “psycho-physical disturbances required of a multi-sensitive and plurilinear life”; or the ‘biological experience’ or quest for ‘continuous nomadism to avoid being coherent... so distinctive of systematic concatenation’.

Pistoletto is a universe, he has experimented with everything, often leaving scorched earth around himself, except for his Manzoni-like radicalisms. He began in 1955 with a series of self-portraits that were interesting not so much for the obviousness they surpassed, their rampant abstractionism, but rather because they were based on fgurative experimentation producing innovative results on a compositional, chromatic, spatial and even symbolic (sic) level. He opened up various lines of research and operation. He has imposed himself through the strength of his ideas and mind. Despite his prevailing dryness capable of sterility and his conceptuality that is, I fact, constrained, he has built his own stylistic habitat with classical fair, continuing his father’s line of thinking (even in relation to restoration) after a rather sober and apparently innocuous start with self-portraits. But there is no room for his socially-driven work anymore and his interest in theorising.

XYZ FLEXIBLE OFFICE SYSTEM DESIGN

FOSTER + PARTNERS

Ce système modulaire épuré comprend une étagère (X), une table de conférence légère (Y) et un bureau assis/debout intuitif (Z - qui sera lancé l’année prochaine), qui peuvent être utilisés individuellement ou ensemble.

Étagères en bois (X)

Tirant leur nom du poteau en bois ou en aluminium en forme de X qui constitue la structure de base, les étagères X peuvent être utilisées pour reconfgurer n’importe quel espace de travail. Les fxations de plafond à ressort et les pieds réglables garantissent la stabilité du cadre

Il sistema modulare comprende una scaffalatura (X), un tavolo da conferenza leggero (Y) e una scrivania sit/stand (Z - che sarà lanciata il prossimo anno), che funzionano individualmente o come set.

Scaffale in legno (X)

Prendendo il nome dal suo caratteristico sostegno in legno o alluminio a X che forma la struttura primaria, le scaffalature possono essere utilizzate per riconfgurare qualsiasi spazio di lavoro.

I supporti a sofftto caricati a molla e le connessioni dei piedini regolabili mantengono il telaio stabile ma smontabile. I ripiani sono agganciati a fssaggi nascosti e possono trasferire energia all’illuminazione integrata, senza bisogno di cavi.

Tavolo (Y)

Sistema di tavolo leggero e riconfgurabile, progettato per utilizzare il minimo materiale offrendo al contempo il massimo supporto. Le sue gambe in acciaio a forma di Y possono essere facilmente riconfgurate per consentire diverse disposizioni dei posti a sedere e rimosse completamente per il trasporto o lo stoccaggio.

qui reste démontable. Les étagères sont accrochées à des fxations invisibles et peuvent transmettre l’électricité à l’éclairage intégré, sans qu’il soit nécessaire d’utiliser des câbles.

Table (Y)

La table Y est un système de table léger et reconfgurable, conçu pour utiliser un minimum de matériaux tout en offrant un appui maximal. Ses pieds en acier en forme de Y peuvent être facilement reconfgurés pour permettre différentes dispositions d’assise et être complètement démontés pour le transport ou le rangement.

The pared-back, modular system includes a shelving unit (X), lightweight conference table (Y) and a sit/stand desk (Z – to be launched next year), which work individually or as a set.

Timber Shelving Unit (X) Named after its distinctive x-shaped timber or aluminium post that forms the primary structure, the X shelving units can be used to reconfgure any workspace.

Spring loaded ceiling supports and adjustable feet connections keep the frame stable yet demountable. Shelves are clipped on to concealed fxings and can transfer power to the integrated lighting, without the need for cables.

Table (Y)

Lightweight, reconfgurable table system, designed to use minimum material while offering maximum support. Its Y-shaped, steel legs can be easily reconfgured to allow for different seating arrangements and removed completely for transportation or storage.

DESIGN

YOLTIC SEATS PRIMERA PIEDRA

ROJKIND ARQUITECTOS

Voici un objet immersif conçu pour nous aider à nous relier à notre moi intérieur tout en permettant d’avoir une position correcte en soutenant le corps de manière que la colonne vertébrale soit droite. Des petits éléments en marbre reposant sur de la mousse à mémoire de forme ont été conçus selon une distribution géométrique précise pour se déplacer en fonction de chaque type de corps et créer la meilleure position ergonomique.

Un oggetto immersivo progettato per aiutare a connettersi con il nostro io interiore mantenendo una posizione corretta che sostiene il corpo per una colonna vertebrale dritta e allungata. Diversi piccoli pezzi di marmo posti su memory foam sono stati progettati con una precisa distribuzione geometrica per muoversi adattandosi a ogni tipo di corpo e creare la migliore posizione ergonomica.

An immersive object designed to help connect with our inner self while having the correct position that supports the body for a straight elongated spine. Several small pieces of marble sitting on memory foam were designed with a precise geometrical distribution to move according to each body type and create the best ergonomical position.

RISING FURNITURE ROBERT VAN EMBRICQS

Le designer néerlandais est fasciné par la beauté des formes naturelles, à la fois esthétiques et complexes. Cela l’a amené à développer une approche minimaliste du design qui peut être décrite comme une “collaboration” étroite entre le designer et le matériau utilisé. Le travail de Robert van Embricqs n’est pas seulement agréable du point de vue esthétique, il crée également une interaction avec l’utilisateur grâce à l’utilisation de pièces mobiles dans ses créations. La Rising Chair en est un bon exemple et a été si bien accueillie que Van Embricqs a décidé d’en lancer la production. D’autres meubles similaires ont été créés (Rising Table, Rising Side Table, Flow Wall Desk). C’est ainsi qu’est né “Rising Furniture” qui continue d’évoluer encore aujourd’hui.

Il designer olandese è affascinato dalla complessità esteticamente piacevole, ma intricata della forma naturale. Ciò lo ha portato a sviluppare un approccio progettuale minimalista che può essere descritto come una stretta collaborazione tra il designer e il materiale utilizzato. Il lavoro di van Embricqs non è solo esteticamente gradevole, ma crea anche un’interazione con l’utente utilizzando parti fessibili all’interno delle sue creazioni. La Rising Chair ne è un ottimo esempio ed è stata accolta così bene che Van Embricqs ha deciso di metterla in produzione. Sono stati creati altri mobili simili (Rising Table, Rising Side Table, Flow Wall Desk), così è nata Rising Furniture, che è ancora in evoluzione.

The Dutch designer is fascinated by the aesthetically pleasing, yet intricate complexity of the natural form. This led him to develop a minimalistic design approach that can be described as a close collaboration between the designer and the used material. The work of van Embricqs, is not only aesthetically pleasing, it also creates an interaction with the user by using fexible parts within his creations. The Rising Chair is a great example if this and was so well received that Van Embricqs decided to put this into production. Other similar pieces of furniture were created thus the Rising Furniture was born and is still evolving.

DESIGN

GUOFENG CHAIR URBAN ELEMENT

LIN ARCHITECTURE DESIGN

La conception de ces installations artistiques urbaines inspirées de la calligraphie chinoise se base sur l’utilisation d’un système de modélisation assisté par intelligence artifcielle pour aider les concepteurs à affner et à optimiser les prototypes et à générer des déformations dérivées et des formes fnales de prototypes grâce à l’apprentissage de modèles d’images.

lin.archi

La progettazione di questi elementi urbani tenta di utilizzare un sistema di modellazione linguistica assistito dall’intelligenza artifciale per aiutare i progettisti a perfezionare e ottimizzare i prototipi e generare deformazioni derivate e forme fnali dei prototipi attraverso l’affnamento del modello di immagine.

The design of these urban elements attempts to use an artifcial intelligence-assisted linguistic modeling system to help designers refne and optimize prototypes and generate derivative deformations and fnal forms of prototypes through image model training.

Photo: Guo Jing, Lin Lifeng, Liu Songkai (Source: v2com)

Horm www.horm.it SINAPSI SEBASTIAN ERRAZURIZ

Sinapsi est un système d’étagères de l’artiste chilien Sebastian Errazuriz. Il s’agit d’un élément unique, réalisé en polyuréthane laqué pour composer organiquement votre mur en toute liberté. Il sufft de placer les Synapsi plusieurs fois, l’une à côté de l’autre, en les faisant pivoter ou en les faisant miroiter, pour obtenir des compositions infnies et décorer les murs au gré de votre imagination.

Sinapsi è un sistema di mensole modulari che l’artista cileno Sebastian Errazuriz ha creato ispirandosi agli impulsi elettrici delle cellule cerebrali. È nato così un unico elemento in poliuretano laccato per comporre organicamente la propria parete in totale libertà. È suffciente affancare le Sinapsi più volte, una accanto all’altra, ruotandole o specchiandole, per ottenere infnite composizioni e decorare le pareti con la propria immaginazione.

Sinapsi is a system of modular shelves that Chilean artist Sebastian Errazuriz created inspired by the electrical impulses of brain cells. Thus was born a single element in lacquered polyurethane to organically compose your wall in total freedom. It is suffcient to place the Synapses side by side several times, one next to the other, rotating or mirroring them, to obtain infnite compositions and decorate the walls with one’s imagination.

AGENDA

GRAZ, HDA Innovation through Residential Construction Through 3/9/2023

hda-graz.at

Se loger, avoir un toit sur la tête est un besoin primordial de l’être humain. Le manque d’espaces de vie à des prix abordables, en particulier dans les zones métropolitaines, est actuellement l’un des problèmes les plus pressants de notre époque. À cela s’ajoutent les défs liés au changement climatique, à un nouvel équilibre entre les différentes formes de mobilité, aux infrastructures, aux questions relatives à la coexistence sociale et à la société. Beaucoup de nouveaux concepts de construction sont actuellement développés, notamment dans le domaine de la construction de logements, dont les stratégies peuvent être révolutionnaires non seulement pour la fonction d’habitation, mais aussi pour le développement des villes et des régions, ainsi que pour l’industrie de la construction elle-même. L’exposition présente des exemples sélectionnés d’architecture contemporaine qui illustrent des voies possibles pour la construction durable.

AARHUS AROS AARHUS KUNSTMUSEUM

Erró − The Power of Images

Through 3/9/2023

www.aros.dk

L’exposition montre la puissance de la technique du collage à travers une variété d’œuvres, allant de petits papiers découpés à des tableaux de grande taille. Les œuvres d’Erro explorent une nouvelle réalité basée sur les médias, qui nous expose constamment à un fux d’images allant du commercial au politique, infuençant notre idée de la réalité, qui devient ainsi aussi fragmentée que les collages de l’artiste. À travers ses œuvres, établit des liens entre événements historiques, genres artistiques et méthodes, et ils forment un récit visuel puissant qui met en lumière les développements numériques et mondiaux qui ont eu lieu au cours des quatre-vingt-dix années de vie de l’artiste.

In mostra il potere della tecnica del collage in una varietà di opere, da piccoli ritagli di carta a dipinti di grandi dimensioni. Le opere di Erró esplorano una nuova realtà basata sui media in cui siamo costantemente esposti a un fusso di immagini che variano dal commerciale al politico, infuenzando la nostra idea di realtà, diventando così frammentati come i collage dell’artista stesso. Attraverso le sue opere, stabilisce collegamenti tra eventi storici, generi artistici e metodi, e formano una potente narrazione visiva che mette in luce gli sviluppi digitali e globali che hanno avuto luogo nei 90 anni di vita dell’artista.

ILE DE PORQUEROLLES, FRANCE

VILLA CARMIGNAC

L’île intérieure

La casa è un bisogno umano centrale. La mancanza di alloggi a prezzi accessibili, soprattutto nelle aree metropolitane, è attualmente uno dei problemi più urgenti del nostro tempo. Si aggiungono le sfde del cambiamento climatico, il nuovo equilibrio tra diverse forme di mobilità e infrastrutture, nonché le questioni sociali della convivenza sociale. Numerosi nuovi concetti strutturali sono attualmente in fase di sviluppo, soprattutto nell’edilizia abitativa, le cui strategie possono essere rivoluzionarie non solo per la funzione dell’abitare, ma anche per lo sviluppo della città e della regione, nonché dell’edilizia stessa. In mostra esempi selezionati di architettura contemporanea che dimostrano opzioni praticabili per l’edilizia sostenibile.

Housing or dwelling is a core human need. The lack of affordable living spaces, especially in metropolitan areas, is currently among the most pressing problems of our time. In addition, there are the challenges of climate change, a new balancing of different forms of mobility, infrastructures, questions related to social coexistence and society. Numerous new building concepts are currently being developed, especially in the feld of housing construction, whose strategies can be groundbreaking not only not only for the function of dwelling, but also for the development of cities and regions, as well as for the building industry itself. The exhibition shows selected examples of contemporary architecture that demonstrate viable paths for sustainable building.

Trought 5/11/2023 www.fondationcarmignac.com

The exhibition shows the power of the collage technique in a variety of works, from small paper cut-outs to large-scale paintings. Erró’s works explore a new media-based reality where we are constantly exposed to a fux of images varying from the commercial to the political, effecting our idea of reality, thus becoming as fragmented as the collages of the artist himself. Through his works, he establishes links between historical events, artistic genres, and methods, and they form a powerful visual narrative that highlights the digital and global developments that have taken place in the artist’s 90 years of life.

Mettant en abîme la situation insulaire de la Fondation Carmignac à Porquerolles, l’exposition L’île intérieure, imaginée par Jean-Marie Gallais, explore un moteur essentiel de la création, aussi puissant que commun : la mise à distance du réel pour révéler une intériorité. Plus de 80 œuvres d’une cinquantaine d’artistes, de Francesco Clemente a Darren Almond en passant par Jean-Michel Basquiat, en provenance de collections publiques, privées, de la collection Carmignac mais aussi des productions, dessinent les contours en pointillés d’une île intérieure dont chaque visiteur comblera les manques à sa façon.

Mettant en abîme la situation insulaire de la Fondation Carmignac à Porquerolles, l’exposition “L’île intérieure”, imaginée par Jean-Marie Gallais, explore un moteur essentiel de la création, aussi puissant que commun: la mise à distance du réel pour révéler une intériorité. Plus de 80 œuvres d’une cinquantaine d’artistes, de Francesco Clemente a Darren Almond en passant par Jean-Michel Basquiat, en provenance de collections publiques, privées, de la collection Carmignac mais aussi des productions, dessinent les contours en pointillés d’une île intérieure dont chaque visiteur comblera les manques à sa façon.

Based on an in-depth exploration of the very insular milieu of the Carmignac Foundation in Porquerolles, the exhibition entitled L’île intérieur devised by Jean-Marie Gallais looks at a key driving force behind creativity that is as powerful as it is common: drawing away from reality to reveal interiority. More than 80 works by some 50 artists including Francis Clement, Jean-Michel Basquiat and Darren Almond, on loan from public and private collections, the Carmignac collection and even borrowed from production ranges, draw the dotted contours of an interior realm, whose gaps are flled by visitors, each in his or her own way.

Erró, Science-Fiction Scape (detail), 1992 (Reykjavík Art Museum – Erró Collection ©Erró / VISDA)

©PPAG_architects, Projekt Wiesenschlag

Darren Almond, Fullmoon@Sarranier, 2022. C-print, 120 x 260 cm. Commissioned by Fondation Carmignac © Darren Almond

MILANO, FABBRICA DEL VAPORE Sebastião Salgado AMAZONIA

Through 19/9/2023

www.fabbricadelvapore.org

L’exposition fait suite à la cérémonie au cours de laquelle le maire de Milan, Giuseppe Sala, a décerné le Sceau de la ville de Milan à Sebastião Salgado, pour avoir réalisé des photos suggestives et extraordinaires sur les grands thèmes contemporains, allant des questions sociales à celles de la durabilité environnementale et de l’équilibre entre homme et nature. L’exposition, promue et organisée par la Commune de Milano Cultura, Fabbrica del Vapore et Contrasto en collaboration avec Civita et General Service Securiti, sous la direction de Lélia Wanick Salgado, présente six années de travail du grand photographe, consacrées à la prise de plus de 200 photographies extraordinaires qui montrent l’Amazonie brésilienne, ses forêts, ses feuves, ses montagnes et les gens qui l’habitent. L’exposition offre une immersion impressionnante dans l’univers amazonien, en reproduisant les sons réels de la forêt, le bruissement des arbres, les cris des animaux, le chant des oiseaux et le tumulte des eaux.

La mostra segue la cerimonia di consegna, da parte del Sindaco di Milano Giuseppe Sala, dell’onorifcenza del Sigillo della Città assegnato a Salgado, per il merito di aver eseguito e posto in evidenza immagini evocative e straordinarie relative ai temi della contemporaneità, da quelli sociali a quelli della sostenibilità ambientale e dell’equilibrio fra uomo e natura. La rassegna, promossa e prodotta dal Comune di MilanoICultura, da Fabbrica del Vapore e Contrasto in collaborazione con Civita e General Service Securiti, è stata curata da Lélia Wanik Salgado e pone in evidenza sei anni di lavoro del grande fotografo, dedicati a riprendere le oltre 200 immagini straordinarie esposte che raccontano l’Amazzonia brasiliana, le sue foreste, i fumi, le montagne e le persone che la abitano. L’insieme consente un’immersione impressionante nell’universo amazzonico, ripetendo i suoni concreti della foresta, il fruscio degli alberi, la grida degli animali, il canto degli uccelli e il fragore delle acque.

The exhibition follows on from a ceremony during which the Mayor of Milan, Giuseppe Sala, awarded the Seal of the City to Mr Salgado for having created and showcased incredibly evocative images related to such contemporary themes as social issues, environmental sustainability and the balance between man and nature. The exhibition, promoted and produced by the City of MilanoICultura, Fabbrica del Vapore and Contrasto in partnership with Civita and General Service Securiti, is curated by Lélia Wanik Salgado and focuses on six years of work by the great photographer during which he shot over 200 extraordinary images on display here that tell the story of the Brazilian Amazon, its forests, rivers, mountains and the people living in it. The collection allows visitors to immerse themselves in the Amazon, enjoying the actual sounds of the forest, the rustling of trees, animal cries, birdsong and the roar of waters.

PARIS FONDATION D’ENTREPRISE D’HERMÈS

Vasantha Yogananthan: Mystery Street Through 3/9/2023 fondationdentreprisedhermès.org

L e photographe français Vasantha Yogananthan est le lauréat 2019 d’“Immersion”, programme photographique franco-américain de la Fondation d’entreprise Hermès. Guidé par Agnès Sire, l’artiste a choisi de s’installer trois mois en Louisiane, dans le sud des ÉtatsUnis. Vasantha Yogananthan a passé du temps avec des enfants à la Nouvelle-Orléans au cours d’un été long et chaud, pour saisir leur perception du monde éphémère et changeant qui les entoure. “Mystery Street” est le titre de la série qui en découle, une exposition individuelle et une monographie copubliée avec Chose Commune. Le projet marque un retour à la photographie documentaire (principalement des portraits), mais en s’affranchissant des codes et des traditions propres à ce genre. “Mystery Street” est à la fois une conversation avec le monde réel et une évasion qui ouvre la voie à de multiples possibilités narratives, à la fois un commentaire sur le comportement humain et une transfguration de l’existence quotidienne.

2022

La fotografa francese Vasantha Yogananthan è la vincitrice 2019 di “Immersion, una commissione fotografca franco-americana. Sotto la guida di Agnès Sire, ha scelto di intraprendere la sua residenza nello stato della Louisiana, nel sud degli Stati Uniti. Yogananthan ha trascorso del tempo con i bambini di New Orleans nel corso di una lunga e calda estate, catturando il loro senso del mondo effmero e in continua evoluzione che li circonda. “Mystery Street” è il titolo della serie risultante, una mostra personale e una monografa, co-pubblicata con Chose Commune. Il progetto segna un ritorno alla fotografa documentaria (principalmente di ritratti), ma liberata dai codici e dalle tradizioni consolidate del genere. “Mystery Street” è sia una conversazione con il mondo reale sia una fuga che apre molteplici possibilità narrative, sia un commento sul comportamento umano sia una trasfgurazione dell’esistenza quotidiana.

F

rench photographer Vasantha Yogananthan is the 2019 laureate of “Immersion”, a French-American Photography Commission. Mentored by Agnès Sire, he chose to undertake his residency in the southern US state of Louisiana. Yogananthan spent time with city children in New Orleans over the course of a long, hot summer, capturing their sense of the ephemeral, ever-changing world around them. “Mystery Street” is the title of the resulting series, a solo exhibition and a monograph, co-published with Chose Commune. The project marks a return to documentary photography (chiefy of portraits), but freed from the genre’s established codes and traditions. “Mystery Street” is both a conversation with the real world, and an escape that opens up multiple narrative possibilities, both a commentary on human behaviour, and a transfguration of everyday existence.

©Vasantha Yogananthan, Untitled, from the series “Mystery Street”,

AGENDA

LUGANO, SWITZERLAND BALLY FOUNDATION

Un lac inconnu

Through 24/9/2023

www.ballyfoundation.ch

La Villa Heleneum, au bord du lac de Lugano, accueille la Fondation Bally depuis avril. L’architecture Art nouveau des années 30 est la toile de fond de l’exposition inaugurale tournée vers l’introspection, comme le suggère le titre d’après les mots de Marcel Proust. Réunissant plus d’une vingtaine d’artistes internationauxtels que Vito Acconci, Wilfrid Almendra, Caroline Bachmann, Constant Puyo, Philippe Parreno ou Elise Peroi, l’exposition est une digression poétique entre scénarios émergés et submergés. Une tentative d’entrer en contact avec soi et avec le monde.

Villa Heleneum sulle sponde del lago di Lugano accoglie dal mese di aprile la Bally Foundation. L’architettura liberty anni Trenta, fa da sfondo alla mostra inaugurale volta, come fa intendere il titolo dalle parole di Marcel Proust, all’introspezione. Riunendo oltre venti artisti internazionali - da Vito Acconci, Wilfrid Almendra, Caroline Bachmann, a Constant Puyo, Philippe Parreno o Elise Peroi, la mostra è una divagazione poetica tra scenari emersi e sommersi. Un tentativo di entrare in contatto con se stessi e con il mondo.

PARIS CENTRE POMPIDOU

Norman Foster

Through 7/8/2023

www.centrepompidou.fr

Emilija Škarnulyt, Sunken cities, 2021 Exhibition view of Un Lac Inconnu, Bally Foundation, Lugano, Switzerland, 2023 ©Andrea Rossetti

Villa Heleneum on the shores of Lake Lugano has been hosting the Bally Foundation since April. Its 1930s Art Nouveau architecture provides the backdrop for the opening exhibition focused, as the title suggests quoting Marcel Proust, on introspection. Bringing together over twenty international artists – including Vito Acconci, Wilfrid Almendra, Caroline Bachmann, Constant Puyo, Philippe Parreno and Elise Peroi -, the exhibition is a poetic digression into subterranean and more overtly evident realms. An attempt to get in touch with oneself and the world.

MILANO, MUDEC

Dalì, Magritte, Man Ray e il Surrealismo.

Capolavori del Museo Boijmans Van Beuningen di Rotterdam. Through 30/7/2023

www.mudec.it

Figure majeure de l’architecture mondiale, souvent considéré comme un leader du courant dit high tech, le Britannique Norman Foster (né en 1935 à Manchester) a signé de nombreuses réalisations iconiques dans le monde. Dessins, carnets de travail, maquettes et prototypes permettent d’appréhender une centaine de projets, en architecture comme en design. Autant de réalisations qui viennent témoigner de sa compréhension systémique globale de la nature et de la technologie, conciliant progrès technologique et approche écologique durable.

Una fgura fondamentale dell’architettura mondiale spesso visto come un leader dell’high tech, l’architetto britannico Norman Foster (nato a Manchester nel 1935) ha progettato molte creazioni iconiche in tutto il mondo. Una vasta gamma di disegni, quaderni di lavoro e modelli in scala multipla e prototipi, ci offre una panoramica di un centinaio di progetti sia di architettura che di design. Testimoniano la sua comprensione sistemica e complessiva della natura e della tecnologia, conciliando il progresso tecnologico con un approccio ecologico sostenibile.

Amajor fgure of world architecture who is often seen as a leader of the high tech trend, British architect Norman Foster (born in Manchester on 1935) has designed many iconic creations throughout the world. A large range of drawings, workbooks and multiple scale models and prototypes, afford us an overview of some one hundred projects in both architecture and design. And testify to his overall systemic understanding of nature and technology, reconciling technological progress with a sustainable ecological approach.

Exposition de plus de 180 œuvres comprenant des peintures, des sculptures, des dessins, des documents et des objets exclusifs relatifs à l’art surréaliste, provenant de l’un des musées les plus importants des Pays-Bas qui possède des chefs-d’œuvre absolus réalisés par des artistes exceptionnels, tels que Salvador Dali, Max Ernst, René Magritte et Man Ray, présentées pour l’occasion avec des œuvres faisant partie de la collection permanente du Musée des Cultures. Organisée par la célèbre historienne de l’art Els Hoek avec la collaboration d’Alessandro Nigro, l’exposition souligne et confrme une fois de plus l’engagement du Mudec à promouvoir et à associer la créativité moderne et contemporaine aux différentes cultures du monde, et qui offre, avec cet événement, une vision à 360 degrés de l’univers surréaliste en exposant, avec les œuvres d’artistes célèbres, celles de talents moins connus, en présentant des publications et de nombreux documents historiques.

Sono in mostra oltre 180 opere che comprendono esclusivi dipinti, sculture, disegni, documenti e manufatti riguardanti l’arte surrealista, provenienti da uno dei più importanti musei dei Paesi Bassi che vanta il possesso di capolavori assoluti creati da singolarissimi artisti, tra i quali Salvador Dalì, Max Ernst, René Magritte e Man Ray , presenti con opere messe per l’occasione in dialogo con quelle della Collezione Permanente del Museo delle Culture. Curata dalla nota storica dell’arte Els Hoek con la collaborazione di Alessandro Nigro, la rassegna evidenzia e conferma ancora una volta l’impegno che il Mudec dedica nel promuovere e collegare la creatività moderna e contemporanea alle diverse culture del mondo, e consente, con questa manifestazione, una visione a 360 gradi dell’universo surrealista esponendo, con le opere di artisti famosi, quelle di altri valenti talenti meno noti, nonché esponendo pubblicazioni ed evidenziando riferimenti e numerose documentazioni storiche.

An exhibition of over 180 works, including exclusive paintings, sculptures, drawings, documents and artefacts relating to Surrealist art from one of the most important museums in the Netherlands that can boast owning some absolute masterpieces by the most singular artists, including Salvador Dalì, Max Ernst, René Magritte and Man Ray, whose works, on this occasion, have been brought into dialogue with those belonging to the Permanent Collection of the Museum of Cultures. Curated by the noted art historian Els Hoek in partnership with Alessandro Nigro, the exhibition highlights and confrms once again Mudec’s commitment to promoting and connecting modern/contemporary creativity to the world’s different cultures, This key exhibition offers a real overview of Surrealism by displaying the works of lesser-known talents alongside those of more famous artists together with publications and numerous historical references.

Foster+Partners, Marseille Vieux Port

(photo: Edmund Sumner)

Cesar Portela Medalla de Oro de Arquitectura 2023

César Portela va recevoir la “Médaille d’or de l’architecture 2023 du CSCAE” en Espagne, le jury l’ayant qualifé à l’unanimité de “référence galicienne pour les nouvelles générations d’architectes, tant dans le domaine de l’architecture que de la planifcation urbaine”, en mettant l’accent sur son travail d’“architecte local qui est allé au-delà de sa région natale pour se projeter à l’international”.

Èstata assegnata a Cesar Portela la “Medalla de Oro de la Arquitectura 2023” in Spagna, con la motivazione unanime della giuria che lo qualifca: “punto di riferimento galiziano per le nuove generazioni di architetti sia nell’architettura che nell’urbanistica”, sottolineandone il lavoro di “architetto locale che va oltre il suo ambiente di origine per proiettarsi a livello internazionale”.

MILANO

MUSEO DEL NOVECENTO E PALAZZO MORANDO FuturLiberty

Through 3/9/2023

www.museodelnovecento.org

Il s’agit d’une double exposition, organisée dans les espaces du musée du XXe siècle et du Palazzo Morando–Costume Moda Immagine, qui vise à mettre en évidence et à étudier, à travers plus de 200 œuvres présentées dans les différents lieux d’exposition, les liens singuliers qui les distinguent et les caractérisent en fonction d’idéations et de références datant du Futurisme et de l’Art Nouveau. L’exposition, placée sous le commissariat scientifque d’Ester Coen et la direction artistique de Federico Forquet pour les tissus, décrit et approfondit, dans les espaces du Musée du XXe siècle, les activités du mouvement futuriste à partir de considérations sur la peinture et les arts appliqués, avec des œuvres fondamentales appartenant au musée lui-même, dont plusieurs sont signées Boccioni, Balla, Severini et Carrà, ainsi qu’avec de nombreux prêts importants provenant d’institutions internationales. Parallèlement, le Palazzo Morando–Costume Moda Immagine met l’accent sur l’histoire de l’Art nouveau en exposant des dessins, des tapisseries, des tissus, des meubles, des photographies et des documents inédits provenant des archives de l’Art nouveau.

Cesar Portela was awarded the “Gold Medal of Arquitectura 2023” in Spain, with the unanimous motivation of the jury which qualifed him: “Galician reference point for the new generations of architects both in architecture and in urban planning” , emphasizing his work as a “local architect who goes beyond his original environment to project himself internationally”.

MILANO TRIENNALE

Tex

Through 17/9/2023

www.triennale.org

Jusqu’au 17 septembre 2023, l’exposition

“Text”, organisée par Marco Sammicheli, actuel directeur de la Triennale, célèbrera les cent ans de la Fondation et s’étendra dans les espaces rénovés du Musée du design italien, suivant la volonté de marquer cet anniversaire en illustrant l’histoire du centenaire du design italien. L’exposition s’articule autour d’un processus chronologique qui visualise et raconte l’histoire du design italien, en exposant des objets présentés avec des documents d’archives, des photos historiques, des œuvres d’art et des projets graphiques. Six nouvelles salles se distinguent également dans l’espace et se distinguent par leur impact particulier. Elles s’intercalent dans la scansion temporelle, accueillant des installations thématiques pleines d’éléments et de références distinctifs, qui créent un parcours historique allant des années 1920 aux années 1960.

Si tratta di una doppia esposizione che si articola sia negli spazi del Museo del Novecento sia in quelli di Palazzo Morando/Costume Moda Immagine, con il proposito di evidenziare e indagare, mediante le oltre 200 opere presenti nelle sedi della mostra, le singolari connessioni che le distinguono e caratterizzano secondo ideazioni e riferimenti risalenti al Futurismo e al Liberty. L’esposizione, che si vale della curatela scientifca di Ester Coen e della direzione artistica di Federico Forquet per i tessuti, illustra e approfondisce, nel Museo del Novecento, le vicende del movimento futurista mediante considerazioni tra pittura e arti applicate con opere fondamentali appartenenti al Museo stesso, tra le quali numerose sono frmate da Boccioni, Balla, Severini e Carrà unitamente a numerosi prestiti importanti di istituzioni internazionali. Mentre a Palazzo Morando/Costume Moda Immagine, viene privilegiata la storia del Liberty e sono esposti disegni, arazzi, stoffe, arredi, fotografe e materiali inediti dell’archivio del Liberty.

It is a double exhibition that is articulated and manifested both in the spaces of the Museo del Novecento and in those of Palazzo Morando/Costume Moda Immagine, with the aim of highlighting and investigating, through the over 200 works present in the exhibition venues, the singular connections that distinguish and characterize them according to ideas and references dating back to Futurism and Liberty. The exhibition, which benefts from the scientifc curatorship of Ester Coen and the artistic direction of Federico Forquet for the fabrics, illustrates and explores, in the Museo del Novecento, the events of the Futurist movement through considerations between painting and applied arts with fundamental works belonging to the Museum itself, among which many are signed by Boccioni, Balla, Severini and Carrà together with numerous important loans from international institutions. While at Palazzo Morando/Costume Moda Immagine, the history of Liberty is privileged and drawings, tapestries, fabrics, furnishings, photographs and unpublished materials from the Liberty archive are exhibited.

Èin corso, sino al 17 settembre 2023, la mostra “Text” che, curata dall’attuale direttore della Triennale Marco Sammicheli, ne celebra i 100 anni dalla Fondazione, estendendosi nel rinnovato allestimento degli spazi del Museo del Design Italiano, seguendo la volontà di evidenziare la ricorrenza illustrando la storia dei cento anni del design italiano. Il percorso espositivo si sviluppa secondo un processo cronologico che visualizza e racconta la storia del design italiano, esponendo manufatti presentati con documentazioni d’archivio, foto storiche, opere d’arte e progetti grafci. Di particolare impatto emergono nello spazio e si contrassegnano anche sei nuovi ambienti che intervallano la scansione temporale, accogliendo installazioni tematiche ftte di elementi e riferimenti caratterizzanti, che creano un percorso storico compreso tra gli anni Venti e gli anni Sessanta.

The “Text” exhibition is underway until 17 September 2023 which, curated by the current director of the Triennale Marco Sammicheli, celebrates the 100th anniversary of the Foundation, extending into the renewed layout of the spaces of the Museum of Italian Design, following the will to highlight the anniversary by illustrating the history of the hundred years of Italian design. The exhibition itinerary develops according to a chronological process that displays and tells the story of Italian design, exhibiting artifacts presented with archival documentation, historical photos, works of art and graphic projects. Of particular impact, six new environments emerge in the space and are also marked which space out the temporal scansion, welcoming thematic installations full of characterizing elements and references, which create a historical path between the 1920s and the 1960s.

AGENDA

MONACO GRIMALDI FORUM

Monet en pleine lumière

Through 3/9/2023

www. grimaldiforum.com

Àl’occasion du 140ème anniversaire de la première escale de Claude Monet à Monte-Carlo et sur la Riviera, l’exposition retrace l’œuvre de Monet et explore les séjours de l’artiste sur ces lieux en mettant en perspective son œuvre au regard de la quête de l’artiste de capturer la lumière. Rassemblant une centaine d’œuvres venues du monde entier sur un espace de 3000 m² le parcours, offre un nouveau regard sur le travail de Matisse.

Cette exposition, l’une des plus grandes monographies consacrées à Claude Monet au cours de cette dernière décennie, et sans doute aussi la plus audacieuse, avec des tableaux rarement dévoilés ensemble, est organisée avec le soutien exceptionnel du Musée Marmottan Monet à Paris.

PARIS, MUSÉE CARNAVALET

Philippe Starck, Paris est pataphysique Trough 27/8/2023

www.carnavalet.paris.fr

Philippe Starck invite le public à un voyage inédit, surprenant, oscillant entre réel et imaginaire. Un itinéraire qui chemine entre espaces publics et sites touristiques (la Tour Eiffel, le canal Saint-Martin, le parc de la Villette), lieux de pouvoir (Palais de l’Élysée), et espaces de sociabilités (la boîte de nuit des Bains-Douches, le restaurant Caffè Stern…) avec le recours aux explications imaginaires et décalées de la pataphysique qui désigne la science des solutions imaginaires. Pour cette exposition Philippe Starck explore deux sortes de mystères : ceux que Paris recèle et ceux que lui, intentionnellement ou non, a cachés et continue de dissimuler dans ses réalisations parisiennes.

Philippe Starck invita il pubblico a un viaggio unico e sorprendente, oscillante tra realtà e immaginazione. Un itinerario che attraversa spazi pubblici e siti turistici (la Tour Eiffel, il canale Saint-Martin, il Parc de la Villette), luoghi di potere (Palais de l’Élysée) e di svago (la discoteca di Les Bains - Douches, il ristorante Caffè Stern, ecc.) con il ricorso a spiegazioni fantasiose e originali proprie della patafsica, che designa la scienza delle soluzioni immaginarie. Per questa mostra inedita al museo Carnavalet, Philippe Starck esplora due tipi di misteri: quelli che Parigi nasconde e quelli che lui, intenzionalmente o meno, ha nascosto e continua a nascondere nelle sue creazioni parigine.

Philippe Starck invites the public to go on a unique and surprising journey, oscillating between reality and imagination. A route that crosses public spaces and tourist sites (the Eiffel Tower, Canal Saint-Martin, Parc de la Villette), places of power (Palais de l’Élysée) and leisure facilities (Les Bains - Douches discotheque, Café Stern restaurant, etc.) drawing on the kind of original and imaginative explanations associated with pataphysics, which refers to the science of imaginary solutions. For this new exhibition being held at Carnavalet Museum, Philippe Starck investigates two types of mysteries: those that Paris hides and those that he, either intentionally or otherwise, has hidden and continues to hide in his Parisian creations.

In occasione del 140° anniversario della prima venuta di Claude Monet a Monte-Carlo e in Riviera, la mostra ripercorre l’opera di Monet ed esplora i soggiorni dell’artista in questi luoghi mettendo il suo lavoro in prospettiva rispetto alla ricerca dell’artista per catturare la luce. Riunendo un centinaio di opere provenienti da tutto il mondo in uno spazio di 3000 m², il percorso offrirà uno sguardo nuovo sull’opera di Matisse.

Questa mostra, una delle più grandi monografe dedicate a Claude Monet nell’ultimo decennio, e senza dubbio anche la più audace, con dipinti raramente esposti insieme, è organizzata con l’eccezionale supporto del Museo Marmottan Monet di Parigi.

To commemorate the 140th anniversary of Claude Monet’s frst visit to Monte-Carlo and the French Riviera, the exhibition retraces Monet’s work and explores the artist’s stays on the Riviera by taking a perspective look at the artist’s endeavours to capture light. Bringing together some 100 paintings from around the world in a 3000 m² space, the exhibition will offer a new look at Matisse’s work.

This exhibition, one of the largest solo exhibitions devoted to Claude Monet over the last decade and also unquestionably the most daring featuring paintings rarely exhibited together, is organised with the special support of Marmottan Monet Museum in Paris.

MILANO

PAC

Yuri Alcarani. Lascia stare i sogni Through 3/9/2023

www.pacmilano.it

Il s’agit de la première exposition monographique organisée en Italie par Diego Sileo et Iolanda Ratti, consacrée à la recherche visionnaire et poétique du réalisateur et artiste vidéo italien Yuri Ancarani. À travers une sélection rigoureuse allant de ses débuts à nos jours, de nombreuses œuvres déjà présentées dans les principaux festivals et musées d’art contemporain internationaux, ont été sélectionnées et présentées, ainsi qu’un nouveau flm spécialement conçu pour le PAC.

Si tratta della prima mostra monografca in Italia che, a cura di Diego Sileo e Iolanda Ratti, viene dedicata alla ricerca visionaria e poetica di Yuri Ancarani, video artista e flm-maker italiano. Mediante un’accurata selezione di lavori, che procede dagli esordi ai giorni nostri, sono state selezionate e poste in rassegna numerose opere già presentate nei maggiori festival e musei d’arte contemporanea internazionali, nonché un nuovo flm pensato appositamente per il PAC.

This is the frst monographic exhibition in Italy which, curated by Diego Sileo and Iolanda Ratti, is dedicated to the visionary and poetic research of Yuri Ancarani, an Italian video artist and flm-maker. Through a careful selection of works, which proceeds from the beginning to the present day, numerous works already presented in the major international contemporary art festivals and museums have been selected and reviewed, as well as a new flm designed specifcally for the PAC.

Claude Monet, Villas à Bordighera, 1884, Huile sur toile 61 x 74 cm, Hasso Plattner Collection

Essere sostenibile è la condizione naturale della ceramica, ma produrla in modo sostenibile è una scelta: la nostra .

Casalgrande Padana interpreta il ruolo di player internazionale nel mercato della produzione ceramica facendosi carico della responsabilità che da questo ruolo deriva.

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